"La maraña," espectáculo muy bien logrado de Cesar Eloy y Marti Delavalle

Hay una enorme oferta teatral en Buenos Aires, más de 430 salas, las más variadas propuestas, una impresionante dedicación de actores, directores y técnicos que salen de sus laburos para dirigirse al ensayo y montar una obra que difícilmente resulta económicamente beneficioso.   “La maraña,” de Cesar Eloy y Marti Delavalle se destaca por el trabajo exquisito con el texto, la organicidad de los gestos y escenografía ágil e imaginativa. Es además un espectáculo visualmente muy atractivo.  El texto es fiel al título de la obra: una maraña.

 Norma parece luchar con un problema físico que le impide moverse libremente, pero su mente fluye a mil, desesperadamente, amargamente: quiere volver a ser la niña estrella que alguna vez fue. En cambio Diana anda de aquí por allá en la suntuosa casa tratando de borrar las mentiras que los adultos le grabaron en la mente durante su infancia. La situación toma un vuelco con la llegada un día de Fanny, una joven mujer dispuesto a todo; su presencia rompe la intimidad de Norma y Diana. De allí surgen justamente una maraña de situaciones, el amor, un accidente, secretos, confusiones…de alguna manera la exaltación de la vida interior de los personajes.

Hay estar bien despierto para seguir cada matiz de un texto difícil. Pero la clara dicción y velocidad con la cual las actrices tiren sus discursos es impresionante. Si el espectador que llega al teatro sin haber tomado la siesta siente por momentos perdido, igual puede apreciar el espectáculo por los otros lenguajes de la puesta: el vestuario, el maquillaje, los efectos sonoros, la sensación de espiar un sueño...

 

La Maraña:        jueves a las 21 horas, Teatro el Tinglado, Mario Bravo 948,

 

                            CABA. Entradas $70/ $50 (estudiantes y jubilados)

                            Reservas: 4863 1188. 

 Ficha Técnica:

 

 Actúan: Verónica Santangelo - Marti Delavalle - Anette Zacarian

Diseño gráfico: Gastón Allario

Diseño del espacio: Sabrina López Hovhannessian

Tecnica de luces y sonidos: Martin Ribot

Realización escenográfica: Tatiana Mbladineo, Luciana Peralta Bó

Asistencia de dirección: Thelma Fardin 

Prensa: Correydile

Autor: Cesar Eloy y Marti Delavalle

Director: Cesar Eloy

Duración del espectáculo: 1 hora 30 minutos

 A cerca de la Obra:

La Maraña habla sobre el infortunio, sobre los recuerdos distorsionados, empañados por la agitada respiración de alguien que una vez tuvo ocho años y no se sintió amada. La Maraña se teje con malos entendidos y acontecimientos fuera de lugar. Trastornos, lesiones que persisten tras un hecho. Qué pasa cuando no hay cura y la secuela es la propia niñez? Entonces solo habrá Maraña y que sea Dios quien se tome el trabajo de socorrer.

 La Prensa y la Obra:

A sala llena on line:

“La Maraña, de César Eloy y Martí Delavalle es un intenso viaje a las profundidades de los tejes y manejes de la mente en búsqueda de amor y a las profundidades de las miserias familiares (...) Una obra completa que desborda talento, pasión por el detalle y grandes resultados. Una vez más una hermosa propuesta, en el gran escenario de El Tinglado…” Paulina Dominguez

http://asalallenaonline.com.ar/teatro/criticas/5108.html

 

Espectaculos a la mod:

“Una obra en la que cada uno puede encontrar algo nuevo, compleja como un buen vino. Unos personajes nada fáciles para que se luzcan las actrices, jugando con medias voces, susurros y gritos. Maravillosa.” María Inés Senabre

http://espectaculosalamod.wordpress.com/boletines-criticas-etc/la-marana-abril-2013/

 

Blog Sergio Carciofi:

“La Maraña es una obra muy ambiciosa, muy pretenciosa, muy grande. Y creo que cumple perfectamente con esas pretensiones, sin duda gracias al trabajo y la entrega de un director joven, César Eloy, que presenta esta ópera prima magnífica y magnánima.” Carina Kosel

http://sergiocarciofi.blogspot.com.ar/2013/03/la-obra-de-teatro-de-la-semana-la.html

A cerca del Director:

 Cesar Eloy

Actor- Director

Como actor se formó con Fabian Bril, Cristina Banegas, Ricardo Bartis, Carlos Rizzo Patrón y Héctor Beacon. Actuó en “El Inspector”, de Gogol, “El Padre” de Strimberg, dirigido por Pablo Seijo, “Noches en el Lavapiés”, dirigido por Fabian Bril, “Siempreviva” de Fabian Bril y Marti Delavalle (Espectáculo ganador del Premio Teatros del Mundo 2008 a “Mejor adaptación en Teatro Off”) dirigido por Fabian Bril, “Amen” de Marti Delavalle y Fabian Bril. También participó como actor en diversos programas televisivos para Canal Encuentro, Canal Paka-Paka, Canal 7 Televisión Pública y Canal Tecnópolis T.V. Como director debuta en “La Maraña” de la cual también es autor junto con Marti Delavalle.

A "marriage of convenience" between Blackwater and Monsanto?

       What a deal! The world’s largest mercenary army, Blackwater (now known as Xe Services or Academi) has been sold to the Multinational corporation Monsanto. That’s what Jeremy Scahill claims in The Nation. Sounds like a hefty economic operation with a strategic geopolitical focus.

       A bit of back up: Blackwater was the group accused of numerous abuses during the U.S. invasion of Iraq, including the massacres of civilians. Though renamed, it remains the largest private contractor of “security services” for the U.S. Department of State. Not surprisingly—especially after recent scoops indicating the extravagant extra-legal activities of the CIA—Blackwater (or Xe Services) works with military officers, CIA agents or others involved in undercover activities whose basic function is profit: information, lobbying and assorted other cloak and dagger activities for foreign governments, banks or multinational corporations.

     At least that is what Scahill claims: they carry on businesses with multinations such as Monsanto, Chevron or banks such as Barclays and Deutsche Bank and the information is channeled through two companies owned by none other than Erik Prince, the owner of Blackwater. Scahill mentions at least two: Total Intelligence Solutions and Terrorism Research Center, with officers and directors shared with Blackwater.

    The information provided in the report adds that Cofer Black, was one of the contacts with Monsanto in 2008, as director of Total Intelligence. Contacted by Scahill, Monsanto executive Kevin Wilson declined to comment, but later confirmed to The Nation that they had in fact hired Total Intelligence in 2008 and 2009 to keep track of public disclosure of its opponents. He claimed that Total Intelligence was a “totally separate entity from Blackwater.”

     Nevertheless, Scahill managed to get copies of emails from Cofer Black after a meeting with Wilson for Monsanto. There he explains to other former CIA agents, using their Blackwater emails, that the discussion with Wilson was that Total Intelligence had become “Monsanto’s intelligence arm,” spying on activists among other activities.

     If we suppose for a moment that the information provided by Scahill is true we are faced with an impressive consolidation of economic (and political) power. Just to put it into context: Bill Gates controls more than 90 percent of the market share of proprietary computing and Monsanto about 90 percent of the global transgenic seed market and most global commercial seed.  What happened to the notion of competition?

    Put the three together: Blackwater (the world’s secret war machine), Monsanto (the control of  modified seeds) and Gates (the grab on information).

    There are those of course who claim that the information is not true or only in part and that certainly will be the topic of genuine journalistic investigation. However, it is known that in today’s world intelligence agencies are not just involved in the so-called struggle against terrorism. And there are intelligence agencies which work for governments and “private” intelligence agencies. There is an undeniably strong economic element involved, as revealed by former CIA agent Snowden recently.

    In the future who can doubt that the struggle for world power will attempt to unite elements such as information, food supply and the behind the scenes war against the “undesirable.” (whoever they may be) Sound like a hit movie? Could be. But close enough to reality to provoke a profound debate concerning the future of the world.

"Ay Carmela," espectáculo de José Sanchis Sinisterra en Andamio '90

El dramaturgo y director teatral español José Sanchis Sinisterra no está convencido si el espectáculo “Ay! Carmela” tiene como eje la Guerra Civil Española, la ferocidad de la existencia humana o, quizás en la medida que van pasando los años, a lo mejor es un canto a la memoria contra el olvido, la dignidad del artista frente a las miserias humanas.

Es que un escritor es apenas el vehiculo; el camino que toma su obra es el gran misterio de la creación artística. Los actores imponen su propio sello a través de sus cuerpos, voces y emociones. Pero en definitiva es el espectador teatral el que al final fusiona sus propias sensaciones con el criterio del autor.

“Ay! Carmela” tiene muchas lecturas, pero estéticamente es impecable. La  entrega de Verónica Faral es notable: pone en juego la totalidad de su cuerpo. Fernando Cueto, su compañero en el escenario, no se queda atrás.

Carmela y Paulino, una actriz y un actor de variedades, recorren España cuando la serpiente de la guerra civil prepara su veneno. Quedan por error detrás de la línea que separa a los revolucionarios de los fascistas de Franco. Las tropas del general toman una villa (Belchite) y, será por salvar su propia piel, la pareja no tienen otra opción que improvisar una función teatral, bailando y cantando en honor de las tropas vencedoras. ¿Cómo hacerlo y a la vez mantener la propia dignidad?

Con gran agilidad los actores muestran su capacidad por agradecer a la bestia y a la vez conservar su propia esencia, una lucha enorme.

¿Cómo hacen los artistas, los escritores, los creadores y los librepensadores para mantener su esencia, sus valores frente a una dictadura, cuando la bestialidad cultural devora todo intento de expresión genuinamente libre?

Funciones                           Domingos a las 18 horas

Teatro Andamio ’90          Paraná 660, CABA

Reservas:                            4373 5670 http://www.andamio90.org

                                               http://aycarmelacarmela.com.ar

Entradas:                             $60, estudiantes y jubilados $40

Ficha Artística-Técnica

Autor: José Sanchis Sinisterra

Actores: Verónica Faral / Fernando Cueto

Música: Guillermo Sánchez de Cos

Prensa: Marisol Cambre

Dirección: Alejandro Giles

 

Sobre el autor: José Sanchís Sinisterra

Es el  dramaturgo y director más representativo de la escena española actual, y desde hace varias décadas. Sus obras han recibido numerosos premios, y como hombre de teatro es un gran renovador del teatro español; siendo también conocido por su labor docente y pedagógica en el campo teatral. Hoy funda y dirige: El nuevo teatro fronterizo, en el barrio de Lavapiés de Madrid; espacio de investigación y resistencia, donde se congrega una nueva generación de artistas.

 

Sobre el director: Alejandro Giles

Alejandro Giles ha transitado su carrera artística como actor y director de teatro dedicándose, específicamente a la dirección de actores y a la investigación, desarrollando herramientas que conducen al artista a un trabajo efectivo y verdadero. Además forma y entrena a actores en su estudio de Buenos Aires y dicta seminarios freelance en Latinoamérica y España. También es coach de actores y directores en cine.

Memorias , en verso

Ella colocó sus memorias, una tras otra, en la mochilla,

               Con cuidado,

              Lentamente,

              Doblándolas,

              Planchadas y limpias,

En los bolsillos, seguros, adento, con el cierre apretado.

 

Tomo el ómnibus, tomó el tren, tomó el avión

            Aterrizó

            Exhausta,

            Feliz,

            Libre,

En el aeropuerto del nuevo destino, tierra de palabras dulces.        

 

No sin antes meditar los errores, las injusticias

            Cuando robó el corazón

            Cuando mató el amor

            Cuando aprovechó la inocencia

            Del otro, pobre, no, no tan pobre

Ay, amor, ¿por qué tantas vueltas, por qué tanta ambigüedad?

'"Emboscadas, Amores y Patria,"' una recreación histórica de Roberto Romero Di Vita

       La historia no es siempre el libro de texto en la escuela; tampoco el discurso inflamado del político; no es la versión del pasado que recitan los padres a los hijos; y menos lo que gritan los medios de comunicación al oyente. ¿Qué sabemos realmente de la vida de las grandes figuras de la historia? ¿Qué sabemos de sus amores, de sus frustraciones, de sus celos, de sus odios, de sus miedos?

     En “Emboscadas, Amores y Patria,” el periodista, historiador y escritor Roberto Romero Di Vita indaga en la vida de personajes históricos argentinos con la libertad de la ficción.

     Están ahí algunas de las más grandes figuras de la historia argentina, recreadas, creíbles. Martín es el General Martín Miguel de Güemes; Rosarito, es la novia de Martín; Juan, es el controvertido General Juan Lavalle, que fusiló al General Dorego; Dalmatita, es Dalmatita Boedo, amante del General Juan Lavalle; Bernardo, es Bernardo de Monteagudo; La Pola, es Policarpo Salvarrieta, guerrillera patriota Colombiana del siglo XIX; Antonia, es la niña Antonia, o Antonia Santos, otra mujer patriota de la Independencia Americana.

        Entonces, el lector tiene que poner sus visiones estereotipadas de los héroes de su infancia en un prisma y prepararse para cambiar la perspectiva.

      “El general medio tapado por su propia sombra entra en la casa de Rosarito y apaga el pequeño pucho de tabaco negro,” comienza el relato de Di Vita. “Sabe que no necesita anunciarse. ¿Es él realmente o la reencarnación del otro? Espadas del Libertador José de San Martín, valientes, osados y de pocas pulgas los dos. Uno es Juan Lavalle; el otro, Martín Miguel de Güemes.”

        Una copla popular salteña parece marcar el leit motif:

                     “No se descuide en la noche

                      Quien amores intente,

                     Balas que son derroche

                     Pueden causar su muerte.”

“Emboscadas, Amores y Patria,” de Roberto Di Vita, La Luna Que, 2013, Av Larrazábal 586 (1408) Buenos Aires    [e-mail]

"Kinema," un encuentro entre cine y teatro de Ana Ferrer

¿Qué une teatro con cine? En el escenario los actores se enfrentan a los espectadores, y a ellos mismos según la propuesta del dramaturgo, sudan, viven a flor de piel la emoción de los personajes, tienen que manejar sus cuerpos sobre el espacio con gran concentración. Han ensayado durante muchas horas en alguna sala pero  cuando se apagan las luces (y los teléfonos y las cámaras digitales) la suerte está echada. El director de cine ya tiene el guión, ha hecho el casting, todos los técnicos han sido contratados, ahora solo falta filmar de escena en escena, mejor dicho, de secuencia en secuencia.

Kinema es un espectáculo de Ana Ferrer, con la dirección de Fabio Fusca, que entra en las entrañas tanto del cine como del teatro; es un canto de amor al cine, también al abandono, a la melancolía, a la creatividad, a la necesidad del ser humano de verse en el espejo. Más concretamente el espectáculo pasa unas cuantas páginas de la historia para llegar a la década del 70, lo que significaba ir al cine en ese momento, las salas de cine de los pueblos, en los barrios.

Pero los personajes son seres apasionados—en una década apasionada—que luchan por sus ideales, con compromisos que los hechos de la vida van vaciando de a poco.

El eje es un hombre ya grande, Américo, cuya vida fue modificada dramáticamente con el cierre de la sala de cine “Kinema.”

Muy buenas actuaciones en un espacio muy apto para un espectáculo de este tipo, con iluminación acorde, objetos escénicos y posters de la época. Tal vez el guión pudo haber sido un poco más sintético.   

Ficha técnico artística

Autoría:

Ana Ferrer

Actúan:

Cecilia Labourt, Alfredo Noberasco, Sergio Poves Campos

Vestuario:

Fabio Fusca

Escenografía:

Fabio Fusca

Realización de escenografia:

Ana Díaz Taibo

Musicalización:

Verónica Der Meguerditchian

Diseño gráfico:

María Brex

Asesoramiento de iluminación:

Enrique Velay

Asistencia de dirección:

Verónica Der Meguerditchian

Producción ejecutiva:

Aldana Aprile

Puesta en escena:

Fabio Fusca

Dirección:

Fabio Fusca

Web: http://www.facebook.com/kinemateatro

ESPACIO ABIERTO
Pasaje Carabelas 255 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4328-1903
Web: http://www.roxanarandon.com.ar
Entrada: $ 60,00 - Sábado - 21:00 hs 

"El hincha:" "Barrilete fílmico, historias de cine en el fútbal:"

Con la proyección de "El hincha," Extensión universitaria de la Universidad Nacional de Tres de Febrero ha iniciado un ciclo de historias sobre el cine en el fútbal. Dirigida por Manuel Romero (1951) "El hincha"  destaca El Ñato (Enrique Santos Discepolo), un trabajador mecánico, fanático de su equipo y su (eterna) novia (Diana Maggi). La película es un clásico y además pinta con rasgos humorísticos y sociales de la vida en Buenos Aires durante la década Peronista.

Las otras películas incluídas en el ciclo incluían "Rudo y Cursi," de Carlos Cuarón (2008); "El camino de San Diego," Carlos Sorín (2006) y "Cortos" de varios directores sobre la pasión fútbaolera. Después de las proyecciones se organiza un cine debate con café por medio.

Viernes de julio a las 20 horas Microcine NAC, avenida Mitre 4848 1 piso. Entrada Gratuita.

"Man Walks into a Bar," over 6,000 laughs in just one book!

Let’s face it. A good laugh is cheaper than going to the doctor, at least that was more or less what Mark Twain told us. Are you all fired up? Stressed? Freaked out? On the point of a nervous breakdown? Take a good laugh and 400 muscles in your body will relax. Tickle your thymus gland with your fingers or your horse laugh and free endorphins. Experts say laughing or moments of strong positive emotion increases your immunity, helps blood circulation, deepens breathing, oxiginates the skin and even burns calories!

"Man Walks into a Bar," by Stephen Arnott and Mike Haskins, a collection of more than 6,000 entries, has a joke for every imaginable occasion. Did you hear the one about a horse who walked into a bar and ordered a drink? The bartender says:"Why the long face?"

A man walks into a bar and goes "Aaaagh!" It was an iron bar.

Or this one: What is the maximum sentence for bigamy? Two mothers-in-law.

Weddings and Marriages?

I like to watch my wedding video backward so I can watch myself walk out of the church a free man. Or: In all my years of marriage I’ve never stopped being romantic, but if my wife finds out she’d kill me.

Illness:

Did you hear about the constipated composer? He got stuck on the last movement.

What’s the definition of macho? Jogging home after a vasectomy.

Sex:

Life is a sexually transmitted disease.

An old woman dies a virgin and requests the following inscription on her headstone: "Born a virgin, lived a virgen, died a virgin." However, the undertaker economizes--he inscribes "Returned unopened."

Language:

There ain’t no reason to use no double negatives, not never.

Is there another word for synonym?

Overweight?

A man is standing on the bathroom scales desperately sucking in his stomach. "That’s not going to help," says his wife. "Yes it will," replies the man. "It’s the only way I can see the numbers."

Brain cells come and brain cells go, but fat cells live forever.

Offices:

I used to work for a paper company, but they folded.

I became a writer but I couldn’tstand the paperwork.

Well. Enough! If you want to entertain yourself or learn some jokes for your birthday party write to Ulysses Press, P.O. Box 3440, Berkeley, CA 94703,

Web: http://ulyssespress.com

 

 

 

 

 

 

David Starke: un joven apasionado de la Comedia DelArte

David Starke es un joven actor de 28 años, chileno, con seis años en Argentina, donde se ha especializado en Comedia DelArte. Es un hombre lleno de energía, dueño de una voz que exude amor y confianza, un hombre comprometido con una forma de hacer teatro que traza su origen hasta la Edad Media en Europa. En una entrevista con Jaquematepress dijo que salió de su país porque “el tipo de teatro que yo quería hacer no existía en Chile. Lo que buscaba era un tipo de teatro con mucho trabajo corporal y lo encontré con Elizondo, ya que es un gran maestro que hace un tipo de mimo dramático.”

 --Después apareció en el camino la Comedía delArte…

--El mismo año cuando llegué a Argentina encontré un taller sobre la Comedía DelArte, sobre el cual siempre había soñado. Un amigo me había enviado información sobre un encuentro intensivo sobre Comedía delArte, en Catalinas Sur. Era gratis pero hubo una especie de casting. Mandé mi mail, mis datos y entré. Hubo construcción de máscaras, actuación…allí comenzó mi vida en Comedia delArte. Fue muy intensivo. Durante unos 21 días estábamos desde las nueve de la mañana hasta las siete de la tarde. El maestro era muy extremo, me exprimió hasta el límite. Golpeaba la barra y de repente a mí y yo  exploté de verdad pero me dijo, “eso, por ahí va.” Sentí llorar pero después recapacité y pensé que esa acción de mi maestro fue lo más grande que me había pasado. Después estudié con distintos maestros.

--¿Hay en Argentina algún grupo que sigue la práctica de la Comedia DelArte?

--No, que yo sepa no. Pero hay maestros que arman diferentes proyectos. Uno de los grandes para mí es Jorge Costa. Hace poco estuvo montando una obra de Comedia DelArte en diferentes teatros a partir de un proyecto que se llama “Arlequín  de pies Ligeros.”  

--¿Qué es para Usted  la Comedia DelArte?

--Para mí es uno de los métodos de creación dramática más profundos y potentes que ha tenido el teatro occidental. Se trabaja con una estructura muy simple. Los arquetipos son simples pero sin embargo son difíciles de llevar al juego y al cuerpo. Las reglas son claras pero el actor actual está tan lleno de cosas mentales y por lo tanto le cuesta conectar con los personajes de la Comedia DelArte.

--Es decir se trata de personajes estereotipados. ¿Cuántos son?

No tengo claro el número exacto. Algunos de los más conocidos son Pantaleone, el comerciante decadente; Dottore, su alter-ego erudito; Arlequín, un servil valet cómico; Colombina, una mujer sensata; Zanni, un hombre mayor, sirviente de Pantaleone, Somardino, adicto al disimulo; y Capitán Matamoros, fanfarrón y cobarde. Una de las estructuras que yo trabajo es con los enamorados, chicos que llevan el amor al límite extremo, con amores imposibles.  Pantaleone representa al rico que a la vez es un avaro al límite. Dottore es el falso noble que habla y habla y habla pero no sabe nada; después están los sirvientes como Zanni que tiene miedo al patrón, quiere hacer todo pero es un campesino, sabe lo que tiene que hacer para conseguir lo que busca.

--¿Cómo es el entrenamiento de los actores?

--La Comedia DelArte trabaja con un triángulo en el piso. Eso permite que el público no preparado para entender teatro pueda seguir perfectamente el desarrollo de las acciones. Y para el actor el triángulo sirve para poner límites a su actuación. Es en los tres puntos del triángulo donde la acción ocurre, donde yo hablo y cuento lo que sucede. Y los traslados son nexos para llegar a la acción. Los tres puntos sirven para soñar, gritar, llorar, hacer crisis. En los grandes montajes de Comedia DelArte no se respectan tanto a los puntos, pero en el entrenamiento y en los ensayos sirven mucho. En las improvisaciones los tres puntos son muy útiles porque, entonces yo sé lo que mi compañero va a hacer en cada punto.

--Parece que en la Comedia DelArte hay una gran carga de ironía…

--Sí, es impresionante ver cómo esos arquetipos sociales de personajes sacados de la Edad Media siguen vigentes hasta hoy día. El Dottore, por ejemplo, que habla y habla y tiene solución para todo. ¿No se parece a un político actual? O el rico oculto en su mansión, o de alguna manera los personajes de “Los Simpsons…” Scrudge, el avaro inglés, es un Pantaleone, un rico que no quiere…

--¿Cómo es el entrenamiento para el actor de la Comedia DelArte?

--Primero hay que tener conciencia respecto a lo que es el arte teatral. Son muchos conceptos muy complejos que hay que emplear. Corporalmente hay que ser muy activo, el cuerpo siempre tiene que tener un tono adecuado: el actor que más suda es el actor que mejor trabaja.  El cuerpo sirve para que el espectador sepa qué personaje es. Se trabaja con máscaras, pero es el cuerpo lo que da vida a los personajes. Además, el actor debe tener una gran capacidad para la improvisación porque a menudo el espectáculo se hace en la calle y pasa un perro, un auto, un viejo gritando, un ruido y el actor tiene que saber cómo incorporar hechos no previstos en lo que está haciendo…

--Hmm. Podemos seguir hablando largamente sobre el tema pero quisiera hacerle una última pregunta: ¿Tiene algún proyecto a la vista?

Sí, hay varios, entre ellos un texto que no es Comedia DelArte pero se va a hacer la dirección tomando en cuenta los personajes de la Comedia DelArte y la forma de entrenamiento del actor de la Comedia DelArte.

 

David Starke: [e-mail]  te: 1550385933.

"Su Frida viva la vida," Duggandanza baila la pintora

Hablar con el cuerpo es el desafío de Teresa Duggan; llenar el escenario de energía, de composiciones estéticas,  conmover a través del lenguaje del movimiento. Es lo que sucede en “Su Frida viva la vida,” que la compañía Duggandanza montó en dos únicas funciones el 30 de junio y el 7 de julio en el teatro Timbre 4 de Buenos Aires. Se trata de un despliegue escenográfico que incluye teatro, danza, plástica y la proyección de un video sobre la vida de Frida Kahlo, transportando el espectador a ese mundo único, bello, atormentado, fascinante y triste de la artista.

En el escenario una mesa, una silla, una foto de Frida, pétalos rojos; la silla sirve para representar el accidente; la mesa es un objeto de escena que se transporta con una gracia impresionante y se transforma en un elemento de diversos usos. Llama poderosamente la atención la expresión de los ojos y de la cara de Teresa y su parecida física con Frida. Los movimientos extremadamente precisos de los bailarines sobre el escenario parecen desafiar la ley de gravedad y tanto los cuerpos como los espacios se emplean con los criterios estéticos de un pintor, con el criterio estético de Frida.

Si bien la función de anoche en Timbre 4 fue la última, la compañía volverá a reponer el espectáculo en cualquier momento.

Ficha técnico artística

Idea:

Teresa Duggan

Intérpretes:

Marcela Figini, Maria Laura García, Giancarlo Scrocco, Daniela Velazquez

Músicos:

Marcela Consalvo, Facundo López Burgos

Vestuario:

Nam Tanoshii

Diseño de luces:

Teresa Duggan

Edición de sonido:

Facundo López Burgos

Música original:

Eduardo Felenbok

Fotografía:

Nicolás Colledani, Carlos Furman

Asistencia general:

Claudia Valado

Prensa:

Daniel Franco, Paula Simkin

Coreografía:

Teresa Duggan

Dirección:

Teresa Duggan

Presentaciones -Auspicios, menciones y giras-2007-2008-2010

Su Frida viva la vida se estrena el CCC, en junio del 2007
Cuenta con el Auspicio Institucional de la Embajada de México
El espectáculo fue declarado de interés cultural por la Secretaria de la Cultura de la Presidencia de La Nación.
Obtuvo el Subsidio a la creación del INT 2007
Su Frida viva la vida fue seleccionado entre los trabajos destacados del 2007 -Premios Teatro del Mundo.
Participó del festival 2 Fridas en el teatro El Cubo.
En febrero de 2008 se presento en el Festival Estival Humo Negro de San Martín de los Andes.
Realizó una gira a México, presentándose en Coyoacan, en el espacio teatral El Vicio, lugar donde solía cantar Chavela Vargas
Se presenta en el Festival Internacional 2010 de la ciudad de Formosa

Conceptos Estéticos -Duggandanza

Desde su nacimiento en el año 1984, la compañía Duggandanza realizó espectáculos de danza con los que recorrió teatros y festivales en Argentina, Latinoamérica y Hong Kong Desarrolló un estilo propio en el que, cruzando lenguajes e investigando, explora las posibilidades del cuerpo, la luz, el movimiento y los objetos.

Utilizando la imagen, el movimiento, la música y la manipulación de materiales, las obras coreográficas reiteran la búsqueda lumínico-espacial creando ambientes oníricos y fantásticos, donde las cosas suceden de verdad sobre el escenario y apuntan a la imaginación y la poesía. Duggandanza ha recibido subsidios y coproducciones del INT, Fondo Nacional de las Artes, Centro Cultural Rojas, Teatro San Martín y Prodanza.

EN EL Festival Internacional de Formosa Esta obra formó parte del evento: Frida Kahlo: 100 Años
Esta obra formó parte del evento: Festival 2 Fridas
Esta obra formó parte del evento: 9° Festival Estival de la Patagonia
Esta obra se presento

"Morite de envidia," juego de dos actrices en decadencia

     El teatro en su esencia es juego y en el espectáculo “Morite de envidia” es lo que hacen Dora y Mónica, dos actrices que no se encuentran en el mejor momento de sus carreras. Con el leit motif del velorio de un famoso productor teatral y televisivo las dos actrices arman un sin número de gags verbales, insinuaciones, provocaciones, alusiones a vaya saber qué personaje y qué situación. Si algo las une que no sea el pésame relacionado con la muerte, es otra cosa, ese ir y venir de los artistas. Entonces todo es un recorrido repleto de humor ácido y desenfadado, gestos muy expresivos, un ritmo que no decae en ningún momento, el sub mundo de actrices hambrientas de conseguir trabajo y reconocimiento por sus dotes actorales.  

 Funciones: Viernes, 23 horas en el Teatro Becket, Guardia Vieja 3556.

 AUTORES

Lucas Bianchini
Se formó en Actuación y Comedia Musical en el teatro El Círculo y La Manzana en la ciudad de Rosario, bajo la mirada de Mirko Buchín, Chiqui

González, Gustavo Guirado y Ana Talei.

A partir de 2003, en Buenos Aires, siguió su entrenamiento actoral en la Escuela de Agustín Alezzo, Julio Chávez, Claudio Tolcachir y en Río

Plateado bajo la dirección de Hugo Midón, al que también asistió.

Como Clown, se formó con Ezequiel Veroi

en IMPA.

Ha trabajado como actor en diversos cortos y publicidades. También ha participado en programas de ficción en canales de aire y en obras de teatro

Independiente.

 

Martín Vatenberg

Se formó como actor en la Escuela de Julio Chávez y luego pasó por Sportivo Teatral de Ricardo Bartís y por Timbre 4 de Claudio Tolcachir.

Realizó numerosas publicidades y participaciones en televisión, siendo las más destascadas “Alguien que me quiera”, Canal 13 y

“El hombre de tu vida”, Telefe.

Egresado de la carrera de Dirección Cinematográfica de la FU,

Escribió y dirigió tres cortometrajes y se encuentra desarrollando su primer largometraje.

 

DIRECCIÓN

Maru Zapata

Recibida de la carrera “Formación del Actor”

en la escuela de Arte Dramático de la Ciudad de Buenos Aires. (EMAD)

Se inicia en la técnica de Clown con Claudio Martínez Bel y Gabriel Chamé Buendía.

Formó parte como actriz del grupo “Claundestinos”, dirigido por Claudio Martínez Bel.

Se desarrolló como asistente de dirección y coaching actoral de casting en el unitario

“El hombre de tu vida” y la obra teatral “Parque Lezama” bajo la dirección y coordinación general de Juan José Campanella.

Dicta clases de Teatro y Clown en diferentes escuelas y centros culturales de Argentina y Chile.

"Cuando el tiempo está después," estreno de un espectáculo de Jorge Acebo basado en "Cuando la vida es sueño" de Pedro Calderón de la Barca.

     1635, España. En el estreno de “Cuando la vida es sueño” de Pedro Calderón de la Barca Segismundo pregunto: "¿Qué es la vida?” Y contestó: “Un frenesí. Una ilusión, una sombra, una ficción; y el mayor bien es pequeño; que toda la vida es sueño, y los sueños, sueños son." Tres de Julio, 2013. En el estreno de “Cuando el tiempo está después,” de Jorge Acebo, Segismundo es un joven retenido en un sótano durante 17 años, hambriento, huesudo, a la vez inocente e inculto.

    Pasan los años, suceden masacres, guerras, toda clase de aberraciones suceden, la tecnología permite una comunicación instantánea entre hombres y mujeres, los pueblos salen a la calle, provocan revoluciones, piden paz y justicia pero no terminan ni las guerras, ni los asesinatos, ni la tortura, ni los actos salvajes de los seres humanos. Entonces, cabe preguntar: ¿Es la vida un sueño o una pesadilla?

   El espectáculo de Acebo, autor y director, se inspira en la historia escrita por Calderón de la Barca, pero la ubica en Argentina, en la provincia de Buenos Aires, en una casa de un barrio pobre. De a poco el público entiende que algo espantosa está por acontecer. El hombre y su mujer comen, hablan, discuten, que la hija tiene que estudiar, que la plata no alcanza, que la heladera no funciona.

    Todo cambia con la velocidad de la luz cuando la hija descubre Segismundo, el chico que ha estado encerrado en un cuarto sin luz, oscuro, húmedo durante 17 años y pide explicaciones. Ni el padre ni la madre parecen dispuestos a revelar el por qué de semejante oscuro y cruel situación.

   En la historia de Calderón, el rey consulta al oráculo sobre su recién nacido hijo, Segismundo, y la repuesta advierte que el nuevo heredero será cruel, humillará a su propio padre. Por lo tanto es recluido en una torre, encadenado a fin de evitar que la predicción se cumpla.

   ¿Qué pasa en la versión de Acebo? Dejamos los detalles para el lector para que pueda disfrutar el espectáculo sin condicionamientos. Igual cabe señalar algunos momentos impresionantes, por ejemplo cuando Segismundo descubre el sexo. ¿Es violación? ¿Quién es el responsable de su desenfreno?

   Hay una curiosa mezcla de un estilo excesivamente “realista” en la primera parte de la obra con un salto casi al absurdo en la medida que avanza la historia, logrando un ritmo importante y ascendente que atrapa al espectador.

   Jorge Acebo intenta con este espectáculo trabajar con el tiempo como algo que está y no está: “Si bien el concepto de tiempo podría ser concreto, luego, al llevarlo a la práctica se convierte en relativo. El tiempo en la vida no es para todos igual, por más que haya cientos, miles, millones de personas viviendo contemporáneamente en un mismo instante, espacio y lugar.  La vida puede ser fugaz, disfrutable, irreverente, plena o innecesaria; depende  de la sucesión de hechos que la van conformando. La relatividad de lo momentáneo…Para algunos, el tiempo es el ahora, el presente; para otros, el tiempo está después.”

Funciones: viernes a las 21:30 horas

Teatro Payró | San Martín 766 | CABA

Reservas al 4312.5922 | [e-mail] | www.teatropayro.com

Valor de la entrada $ 70 | Estudiantes y jubilados $35

En Facebook: Cuando el tiempo está después

Ficha Artística-Técnica

Actores: Jorge Diez, Marcela Ruiz, Nicolás Condito, Mariela Rodríguez y Natalia Pascale

Voz en off de periodista: Edward “polaco” Nutkiewicz

Voz en off inicial: Hilda Bernard-Alejandro Awada

Diseño de iluminación: Paula Fraga

Operación de luces: Marcos Zalazar

Maquillaje: Martín Caramés

Fotografía: Marcela Adad

Diseño gráfico: Angie Figueroa

Compaginación y edición de sonido: Juan Pelliza

Colaboración en trailer: Violeta Diez

Producción: Aleteo de mariposa

Prensa y comunicación: Marisol Cambre

Dirección y dramaturgia: Jorge Acebo

  

Sobre el autor y director

Jorge Acebo (Buenos Aires, 1974). Actualmente cursa su Maestría en Crítica y Difusión de las Artes (I.U.N.A). Es Profesor Universitario en Artes del Teatro egresado del I.U.N.A (Instituto Universitario Nacional de Arte) y Director de Teatro egresado de C.O.S.A.T.Y.C (Colegio Superior de Artes del Teatro y la Comunicación). En E.M.A.D (Escuela Metropolitana de Arte Dramático, ex Conservatorio Municipal) realizó una especialización docente de dos años de duración. Su formación actoral la realiza en la Escuela de Teatro de Buenos Aires, bajo la dirección del reconocido pedagogo Raúl Serrano. También estudió teatro con prestigiosos docentes como Alejandra Boero y Luciano Suardi, entre otros. Actualmente dicta clases en institutos terciarios, escuelas de arte y centros culturales.

Sus trabajos más relevantes como autor y director, fueron: “Solas no más” (co-escrita con Javier Daulte y Matías Herrera) estuvo seis años en cartel en Buenos Aires, los dos últimos (2008/2009) en el prestigioso teatro Andamio ‘90. El espectáculo participó del festival porteño “Ciudad Abierta”, de Ciudad de Buenos Aires. En el año 2010, se estrena en Madrid bajo su dirección y producida por “Telón Corto Producciones”. La obra estuvo en cartel en dicha ciudad y, luego, obtuvo elreconocimiento del Circuito Artes, que permitió llevar de gira el espectáculo por diversos centros culturales también de Madrid (2010/2011). Esta misma obra fue estrenada en la Ciudad de Córdoba, Argentina, realizada por un elenco municipal de Río Cuarto (2010) dirigida por Daniel Provens y posteriormente, fue estrenada en Venecia, Italia, por un elenco local (Teatro a Síncrono), traducida al italiano “Non piu sole”, dirigida por Eva Coscia. “La felicidad según Mabel Riviere” fue estrenada en Buenos Aires en el teatro Andamio ’90, realizando temporada en 2011. Este espectáculo, además, participó en los siguientes festivales internacionales (antes de su estreno en Buenos Aires): “M.I.T” (Mostra Internacional de Teatro) en Ribadavia, Galicia, España (2010) y en el “Encuentro Internacional de Teatro Iberoamericano” (2010), en Bolivia.  “Oportunidad única” (obra co-escrita con Juan Carlos Rivera) fue estrenada en el año 2012 en Galicia, España, en “La Tuerka 27” bajo su dirección. La misma fue llevada a escena en idioma gallego por actores locales.

 

Role-playing, the CIA and Cloak and Dagger Operations

     It would be a good idea if politicians were to take a course in role-playing, especially those in power, those whose acts have a strong or immediate effect on people’s lives. President Barack Obama represents the United States of (North)America. Evo Morales likewise is the Bolivian head of state. Spain, Portugual and France recently turned Evo’s return home into a nightmare. In the background: the manoevres of the CIA to capture Edward Snowden, cloak and dagger operations of all sorts, the virtual kidnapping of the president of Bolivia—detained or delayed or whatever term is most suited in Austria under the suspicion that the 29 year-old fugitive agent had crawled into Evo Morales’ presidential plane.

    A popular and legally elected president is subject to suspicion, his plane can’t land in the mentioned countries—without a doubt due to the suggestion of the CIA or of who knows what intelligence agency—in clear violation of international law. Normal procedure in the eyes of U.S. and European leaders. A guy like Morales is considered suspicious for a number of reasons: maybe it is his dark skin, maybe his refusal to accept the notion of the world propagated by the leaders of the “developed world,” maybe because he has insisted on working out trade agreements with fellow latinamerican countries rather than beg loans from international banks; maybe because he has been daring enough to seek trade relations with other nations which do not automatically swallow the line pronounced in Washington, London, Paris or Berlin.

  Morales and his Latinamerican supporters considered his “detention” or “kidnapping” to be an indignant and illegal act illustrating the nostalgic underlying colonialist or imperialist mentality of Europe and the U.S.A.

   Back to the role playing. What would happen if Bolivia were to “retain” president Obama for thirteen hours in the La Paz airport under the suspicion that in his plane an opponent to Morales had been hidden under one of the executive class seats? How would Washinton react? What would the CIA do? What would the headlines be in leading newspapers such as The New York Times? How would Republican and Democratic leaders react? Can the reader imagine the press conference in the White House called by the vice-president?

    Can we imagine the political, economic and cultural consequences of such an act? For many decades Latinamerica has been the victim of an unending number of coups, invasions and other illegal acts perpetrated in the name of “anti-communism” or other slogans and in these operations U.S. or other inteligence agencies, financial interest groups or other organizations have played a key role. Just to mention a few: the military coups that sprouted throughout the continent during the 1970’s, the frequent invasions of countries in the Carribean, the notion of the “big stick” to protect U.S. economic and political interests in the area...

    Role-playing helps because in looking at the world from another person’s point of view we are forced to see reality from another perspective. That does not mean we have to accept that reality. The actor must know the thinking of the thief in the play, what motivates him to act, and in the process the vision of the conflict is widened. Role-play teaches us that truth is not a one-sided matter.

"El último amante de Federico García Lorca," impactante puesta de Germán Akis y Raúl Baroni

“El último amante de Federico García Lorca.” El último, porque el poeta y dramaturgo fue un hombre apasionado en su vida íntima y en su escritura y a la vez uno de los genios más destacados de la literatura española y universal, fusilado por homosexual e izquierdista a los 38 años por bandidos del régimen fascista de Francisco Franco, frente a un olivo.

El espectáculo de Germán Akis y Raúl Baroni, que se presenta en el teatro Arlequino de Buenos Aires, es un rescate histórico de la relación del poeta y dramaturgo con el joven Juan Ramírez de Lucas, una visión dramática que involucra además los grandes artistas de la época, desde Pablo  Neruda hasta Salvador Dalí, Buñuel, Miguel de Molina, Margarita Xirgu, Rafael de León…

España de los años 30 era una sociedad francamente homófoba, empobrecida, enardecida por la guerra civil. El espectáculo concentra en los últimos años del poeta, a partir de datos que dejo de Lucas a morir a los 93 años sobre su apasionada relación con Lorca cuando tenía apenas 17 años. Un gran amor desgarrado por el prejuicio y la persecución política y religiosa.

No es fácil producir una convergencia entre la narración histórica y lo propiamente dramático, pero Akis y Baroni han logrado montar un espectáculo que a la vez informa y conmueve. Cabe destacar especialmente el momento cuando el padre de Juan se entera de su relación íntima con García Lorca.

Un video en el fondo del escenario presenta documentación acertada acerca de ciertos hechos históricos vinculados a las acciones dramáticas en el escenario, agregando realismo a la puesta, en tanto que la vestimenta de los actores y la voz de un guitarista suman para reproducir el ambiente de la época.

Se combina de esta manera actuaciones cálidas y creíbles con el relato histórico y en esta fusión de metodologías los espectadores salen de la función doblemente agradecidos: por la emoción y por el intelecto.

Funciones: Sábados, 21:30 horas en el teatro Arlequino, Alsina 1484, CABA.

Web: http://www.teatroarlequino.blogspot.com.ar

Reservas:   4382 7775

Entradas:  $80.

Ficha técnico artístico:

Autoría:      Germán Akis y Raúl Baroni

Elenco:       Federico Asenzo, Martín Baldón, Ricardo Casime, Héctor Díaz Peña, Emmanuel González, Cesar Laino, Héctor Laudani, Joan Molins, Mirta Samber, Kiran Sharbis, Silvina Sinatra, Manu Sota Latino y Luciano Torres.

Vestuario:  Gabriel Pace

Iluminación:        Leandro Pisan

Sonido:       Iván Morales

Diseño gráfico   Facundo Carmona, Guido Ferrari

Dirección:   Germán Akis y Raúl Baroni

Web:          http://www.teatroarlequino.blogspot.com.ar

Poster painting on the founding of the Industrial Workers of the World

The poster painting celebrates the founding of the Industrial Workers of the World on June 27th, 1905.

Lory Spangler-Jones, the dark blue enchantment

El papa, la comunidad aborigen qom y la lucha por la tierra

¿Si el referente de la comunidad qom de La Primavera Féliz Díaz ha sido recibido en Roma por el papa Francisco, cuál sería el motivo por el cual el gobierno argentino parece mirar por otro lado? ¿Será porque hace 18 años la provincia de Formosa ha sido gobernada por un solo hombre, Gildo Insfrán?  ¿Será por no querer aceptar el reclamo aborigen por su derecho legal sobre 1.200 hectáreas de tierra repartida hoy entre la empresa Celía y la provincia? ¿Será por no querer ver la responsabilidad del gobierno de la provincia en la represión de las protestas, por ser indiferentes a las muertes causadas por la represión de los miembros de la comunidad qom?

En su encuentro con Francisco, el líder de La Primavera afirmó que “nuestro pedido es que Francisco interceda en el reclamo de que la Presidenta nos atienda para que podamos tener un diálogo franco, respetuoso y que nos ayude a hermanarnos como argentinos y salid de esta situación.” Según Díaz “en la Argentina no se cumplen los derechos de los pueblos originarios. Se nos persigue por reclamarlos y se nos considera opositores. Nosotros queremos que se nos trate como lo que somos, seres humanos que pertenecemos a nuestra tierra y no queremos que nos la roben.” (Página 12 25-06-2013)  

Homenaje a Nora Friszman por los vecinos del barrio San Cristóbal, Buenos Aires,

"El Ángel del Subsuelo," notable espectáculo de Andrés Bázzalo en el Teatro del Pueblo

El director Andrés Bázzalo ha montado el espectáculo “El Ángel del Subsuelo” de Luis Saez, a través de múltiples lenguajes escenográficos. Es una historia de rufianes y personajes decadentes y melancólicos, reminiscencias de los años 40 que cuenta con un elenco de primer nivel.

El espectáculo de alguna manera evoca la atmósfera de las obras de Roberto Arlt o de Dostoievski, quizás de Onetti. El protagonista, Larsen, es una especie de ejemplo decadente de la aristocracia porteña venida a menos, encerrado en su mundo de inacción y nihilismo, abrumado por su sensación de fracaso personal; no obstante, pasa sus horas soñando con saltar la banca en Montecarlo.

Su sirviente es un viejo ranquel travestido, convertido en refinado pero a la vez apolillado valet de guante blanco, confidente íntimo y enemigo: un espejo áspero y cruel.

Llega sin anuncio previo Barsut, un viejo camarada de escuela. Bien pícaro, propone una aventura con el propósito de reparar una antigua injusticia.

Pero falta la intervención de una mujer ambigua, sensual y atrevida. ¿Pueden los personajes saldar cuentas con un pasado cubierto de nubes negras? ¿Puede el amor pacificar la angustia existencial de Larsen?

Explica el director: “En los pliegues de esta comedia que cuenta la historia de una venganza y de una reivindicación imposibles, se cuela una reflexión acerca de nosotros, de la dificultad de la construcción de un imaginario válido, de los esfuerzos inútiles por salvarnos del naufragio y del misterio de una existencia, por momentos, absurda…”

Más allá de la historia escrita por Saez, el espectáculo que Andrés bázzalo ha montado en el Teatro del Pueblo recurre a la expresividad corporal de un excelente elenco de actores. La cara, como así también el cuerpo de Daniel Dibiase es un espejo que devela el alma de Larsen; los demás personajes agregan al espectáculo los dibujos de sus cuerpos sobre el escenario para lograr un impacto visual de gran trascendencia en los espectadores.

El vestuario de cada personaje interpreta con justicia su esencia y la puesta en escena es a la vez simple, práctica y expresiva.

“Ángel del subsuelo”  

 Funciones: Domingos a las 19hs.

Localidades: $ 80. Jubilados y Estudiantes: $50.-

Teatro del Pueblo – Av. Roque Saenz Peña 943.

Reservas: 4326 3606

Prensa: Walter Duche – Alejandro Zarate – 4857-2806 / 15-5808-1039

[e-mail]  / www.duchezarate.com.ar 
En Twitter: @duchezarate y en Facebook: DucheZarate

Prensa: Marcos Mutuverría 
Agencia DucheZarate 4857 2806
Personal 15 6593 2630
[e-mail] 
Twitter @MarcosMutu

 Ficha Técnica

 Elenco:

 Daniel Dibiase (Larsen)

Miguel Terni (Manuel)

Daniel Zaballa (Barsut)

Analía Di Vito (Perla)

Escenografía y Vestuario: Adriana Dicaprio

Maquillaje:  Adriana Rinaldi     

Diseño de luces: Andrés Bazzalo

Diseño gráfico y fotos: Lucio Bazzalo

Prensa: DucheZarate

Asistencia de dirección: Florencia Salto

Dirección general: Andrés Bazzalo

 El autor

Luis Saez: Escribió unas 35 obras, de las cuales ha estrenado unas veinte, algunas de ellas premiadas en concursos nacionales e iberoamericanos. Entre las distinciones obtenidas, se destaca el Primer Premio Municipal, C.A.B.A, por KAMIKAZE, bienio 2004/2005. También ha escrito y estrenado monólogos y adaptaciones varias. (Chéjov, Gorki, Ibsen, Soriano). Ha publicado un volumen individual de teatro (Corregidor) y varios volúmenes compartidos. Ha coordinado numerosos talleres y seminarios de dramaturgia en Buenos Aires e interior delpaís. Jurado en diversos concursos nacionales. Publica textos de reflexión dramatúrgica en diversos medios gráficos orientados a la actividad teatral. Ha dirigido dos obras: Sara (mi vecinadel segundo cé), en el ciclo Teatro por la memoria la verdad y la Justicia, y El Ex Alumno, deCarlos Somigliana, en el Teatro del Pueblo de Buenos Aires.

El director

Andrés Bazzalo: A lo largo de su carrera ha sido reconocido con los premios: Trinidad Guevara (Mejor Director); María Guerrero (Mejor Director); Teatro del Mundo (Mejor Espectáculo para Niños); ACE / Asociación de Cronistas del Espectáculo (Mejor Director) (Mejor Espectáculo); Teatro XXI (GETEA – UBA) (Mención Especial a la Puesta en Escena y a la Adaptación); el Premio Metropolitano de Espectáculos para Niños y  variadas nominaciones a los Estrella de Mar, ACE; Florencio Sánchez, ATINA y María Guerrero.    Actualmente es Profesor Titular de Dirección Teatral en el Instituto Nacional del Arte (IUNA) y en la Carrera dePuesta en Escena de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático de Buenos Aires (EMAD), dela que fue Vicedirector durante 10 años. Algunos últimos trabajos: El Túnel (Sábato); ElAhorcado (Camilletti); Escrito en el Barro (escritura propia a partir de Otelo), La Sierva (Rivera);El Águila niña (Syxty); Un enemigo del pueblo (Ibsen); El Jugador (Dostoievski).

"Pecados de juventud," comedia negra de Daniel Kersner estrenada en el teatro Desguace de Buenos Aires

     Se sabe: en las venas de los seres humanos confluyen raíces negras, crueles, incomprensibles, conflictos no resueltos que conviven con las expresiones más enaltecidas del amor, la compasión y la convivencia pacífica. Conciente de este sub-mundo, el director teatral Daniel Kersner elaboró un espectáculo con el título levemente cáustico “Pecados de juventud, o cómo envolver un triciclo.”

     Como las apariencias a menudo engañan, se trata de una obra que parece ser costumbrista que sin embargo propone indagar sobre los “pecados” humanos, tales como los referidos a la prohibición del incesto, del canibalismo y el no matarás bíblico. ¿Pero hemos superado la tentación histórica de practicar esos pecados? ¿Ha habido progreso hacia un mundo más “civilizado” con respecto a estos pecados?

     El espectáculo de Kersner funciona como una señal de alerta ante la posibilidad del regreso al canibalismo, pues sabemos que el incesto existe en todas las culturas, el homicidio también, entonces: ¿por qué no puede volver el canibalismo?

    Sería un planteo terriblemente negro si no se dulcificara mediante el humor, la apariencia de normalidad y una actuación acertada hasta en el más mínimo gesto.

    Se juntan dos antiguos compañeros de trabajo alrededor de un asadito, hasta allí todo normal. El anfitrión vive con su familia. El otro es un misterio, una especie de intruso: llega con una botella de vino, bien, muy bien, y…un corte de carne que no es de vaca, ahí entra la duda como un dardo. ¿De qué es la cara que el hombre ha traído? ¿Qué gusto tendrá?

    Otros datos llegan a través de la radio. Un chico ha sido secuestrado, nada raro en el mundo de hoy, muy lamentable, pero no raro. Es el primer día del ciclo lectivo y las
autoridades no saben dónde buscarlo.

  De repente estallan dudas, discusiones políticas, enfrentamientos generacionales, revelaciones sobre las peliagudas relaciones familiares de la familia anfitriona.

  En esta comedia negra, lo más profundo subyace en las inferencias que el espectáculo ofrece al público: las palabras van en una dirección los significados toman otro camino. Como el director es psiquiatra, induce al espectador a dudar y a cuestionar, sin proponer repuestas. Mediante esta estratagema la pieza avanza con un ritmo acelerado generando una aguda sensación de incomodidad e incertidumbre.

   La escenografía es práctica, realista y bien lograda; los diálogos tienen una lectura a primera vista verosímil; los personajes se visten muy apropiadamente y sus características encajan perfectamente con los estereotipos que el público porteño conoce hasta la medula. Pero…Dejamos las sorpresas y los detalles más íntimos al lector para que pueda gozar más plenamente del espectáculo.

“Pecados de juventud, o cómo envolver un triciclo”

Sábados,
21 horas,

Teatro El Desguace, Almacén Cultural, Máxico 3694 (y Columbres), CABA.

Entrada gral. $60/jubilados y estudiantes $40.

Reservas: Tel. [phone]

http://teatroeldesguace.blogspot.com/

Ficha técnico artística

Autoría: Daniel Kersner

Dramaturgia:

Daniel Kersner

Actúan:

Facundo Bein, Gabriela Blejer, Macarena Gonzalez, Rubén González

Músicos:

Pablo Parera

Voz en Off:

Claudio Orellano

Vestuario:

El Desguace

Escenografía:

Jose Daniel Menossi

Maquillaje:

Maru Capria

Diseño de luces:

Paula Fraga, Daniel Kersner

Música original:

Federico Kersner

Banda de sonido:

Lautaro González

Fotografía:

Ximena Roux

Utilero:

El Desguace

Arte:

Valeria Alonso

Diseño gráfico:

Valeria Alonso

Entrenamiento actoral:

Isabel Caban

Asistencia
técnica:

Sebastián Bahamonde

Asistencia
de dirección:

Alicia Ricagni

Prensa:

Tehagolaprensa

Dirección: Daniel Kersner

Web: http://teatroeldesguace.blogspot.com/