The Guilt of the Angel
A very good play!
Espectáculos (Shows)
"El perfume de mama," espectaculo delirante en la Clac de Buenos Aires
"Potestad," de Eduardo Pavlovsky con la dirección de Christian Forteza y la actuación de Jorge Lorenzo
Dos sillas, un actor, una historia de amor, soledad, angustia, represión; un relato que se construye con palabras, gestos y corporalidad. “Potestad” de Eduardo Pavlovsky con meticulosidad escénica del actor Jorge Lorenzo, un espectáculo emblemático montado en el teatro EL Opalo en Buenos Aires, a 30 años de de la vuelta a la democracia en Argentina.
Impresiona la historia concebida por Pavlovsky, el genial actor y “padre” de psicodrama en Argentina; pero conmueve igualmente la versión escénica del director Christian Forteza y la entrega sin fisuras del protagonista.
Potestad describe el sufrimiento de un padre disléxico al que le han robado la hija, un hombre de mente torturada que no puede reconocer siquiera la verdadera memoria…
Lorenzo, el protagonista, es un ex jugador de rugby, un padre de 53 años que ama profundamente a su mujer, Ana María, y a su hija, Adriana. A través de una mirada intensa y franca establece un vínculo con los espectadores: los involucra en hechos ocurridos durante la dictadura argentina de 1976-82. Pero no es un guión político. Su vida, como las vidas de muchas otras personas, fue testigo de una época.
Hay algo de la psicología de la gestalt en la precisión de la descripción de los movimientos, del gesto preciso del brazo, del pie. ¿Qué posición toma el cuerpo del hombre en la silla sentado frente a su mujer? ¿Cómo es la postura del Hombre de modalidades aparentemente cultos que se presenta inesperadamente en la puerta, esa tarde de domingo…?
Pavlovsky es harto preciso en el guión; su teatro presenta un actor en un escenario prácticamente vacío y una historia a la vez simple y compleja; aquí radica la grandeza del teatro de Pavlovsky. Es un desafío grande tanto para el actor, como para el director.
No se trata de lo blanco y negro. El mismo protagonista tiene sus profundas sombras oscuras, hay zonas ambiguas y hay varios lenguajes. El actor habla con las palabras del dramaturgo, pero en las posturas de su cuerpo, en sus gestos nace otro lenguaje. Una persona sin conocimiento del idioma del protagonista podría gozar del espectáculo e incluso entender su esencia.
Algunos dirán que el espectáculo es altamente político; otros refutarán esta posibilidad, criticando su “falta de ideología;” otros tratarán de calificarlo como “psicodrama.” ¿Cómo reacciona un padre ante la pérdida (secuestro) de su única hija? Un hombre con su presente, su pasado, su futuro. El victimario que se cree víctima, la apropiación de bebés y niños durante la dictadura, la pérdida de identidad, el sentido de la vida trastocada por la represión…
El argumento se divide en dos partes, mostrando primero a un hombre con sus facetas humanas, sus dudas, su virilidad en crisis, su amor y conflicto con su mujer; pero de a poco víctima y victimario se confunden, la soledad, la angustia, el rol del protagonista como médico certificando asesinatos…
Dice el director Christian Forteza: “Una de las cosas que más me interpeló del texto, más allá de su profundidad humana y metafórica, son los desafíos que plantea para el quehacer teatral. Los matices de cada una de las palabras, el tiempo del silencio, la intensidad del cuerpo frente al dolor, la contradicción autonegada y la desesperación.”
“Potestad” Teatro El Ópalo, Junín 380 CABA, los domingos de septiembre a las 19 hs. en el marco de un homenaje a "Tato" Pavlovsky y los 30 años de democracia.
Reservas: 4951-3392
Ficha Técnica:
Autor: Eduardo Pavlovsky
Efecto sonoro: Matías González
Prensa: Silvina Pizarro
Diseño de luces, fotografía y dirección general: Christian Forteza
Christian Forteza es Actor, director, docente, investigador y teórico de la comicidad. Se forma con maestros tales como: Nestor Raimondi y Oscar Naya. En Dirección y Puesta en Escena se perfecciona en la Escuela Municipal de Arte Dramático y con Rubén Szuchmacher, entre otros.
Se especializa en la dirección de unipersonales y el entrenamiento actoral e investigación para el armado de rutinas y números de comicidad. Desde el año 2004 hasta la actualidad, es parte integrante de la Dirección Artística del Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini,
como becario coordinador, programador de espectáculos del Área de Varieté e investigador de comicidad, donde hizo sus últimas direcciones de los siguientes espectáculos: “Puré de Nervios I y II”, “Vincent”, “Varieté en el CCC”, “CHELINCHA” y “Mr. Xpender”, y “Variedades Inefables”.
Varios de sus trabajos han obtenido subsidios del Instituto Nacional de Teatro (INT), del Fondo Nacional del las Artes, del Centro Cultural de la Cooperación y Auspicios de Embajadas como así también, han sido invitados a Festivales Internacionales. En su rol de investigador y teórico de la comicidad, ha sido invitado para dar charlas, conferencias, seminarios y talleres sobre el trabajo del actor en la comicidad en diferentes instituciones y congresos como en el “II y III Congreso Internacional de Clown y Payamédicos” en la Facultad de Medicina (UBA),
Congreso “Historia el teatro Universal” (CC Rojas), Unión Internacional de Marionetistas (UNIMA), para la Universidad de San Martín (UMSAM) en la Carrera de Títeres,
Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD) y en la Universidad Nacional de Formosa , entre otros.
A su vez, en Agosto del 2013 ha sido convocado para brindar una Conferencia sobre “El Actor y La Comicidad” en el marco del X Congreso Argentino de Historia del Teatro Universal, organizado por el Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini y la Universidad de Buenos Aires.
Es docente del Profesorado de Teatro de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático y en la carrera de Escenografía y Vestuario (EMAD). Brinda talleres de entrenamiento y construcción del personaje cómico y clown en la extensión
cultural del Centro Cultural de la Cooperación, la Asociación Argentina de Actores, el Centro Cultural Borges, el IUNA y el Centro Cultural Rojas (UBA).
"El experimento de Próspero," de David Amitin, una comedia sobre el amor
El profesor está rodeado de libros mientras atrás Ariel juega. De repente estalla la magia: Combinar “La Disputa” del dramaturgo francés del siglo XVII Pierre Marivaux e incluir Próspero y Ariel de “La Tempestad” de William Shakespeare fue un gran acierto de David Amitin y José Padilla en “El experimento de Próspero” estrenado en el teatro Andamio 90 de Buenos Aires.
¿De qué estamos hablando cuando se trata del amor? Es un tema inagotable. En esta comedia cuidada hasta los últimos detalles se propone un experimento sobre la naturaleza del amor. Cuatro bellos jóvenes, dos varones y dos mujeres, han sido aislados del mundo social desde el nacimiento. Próspero, el mismo de “La Tempestad,” se encarga de indagar sobre el amor, el erotismo y los vínculos entre hombres y mujeres.
El asistente del profesor, Ariel, mantuvo los jóvenes bien apartados de todo contacto con otros seres humanos en una isla. Pero llega el momento de conocer la verdad del mundo. El alquimista Próspero promete liberar a Ariel con una condición: que haga que los jóvenes se conozcan.
Con un humor sutil y gracioso se suceden hechos curiosos—cada uno descubre su propio rostro reflejado en un arroyo, se tiene que enfrentar con la propia identidad y con el otro; aparece el atractivo sexual con un muy elevado grado de inocencia sin los preconceptos sociales; pero a la vez asoma la infidelidad, la culpa, la deslealtad, la confusión y todo el círculo confuso que rodea las relaciones humanas.
Es exactamente lo que el profesor busca investigar, la naturaleza del amor, los enigmas del sexo pero todo llega a tal grado de confusión que Próspero ordena a Ariel que los encierre nuevamente y el profesor vuelve un poco melancólico a sus reflexiones. No puede ir más allá de su pasión por conocer, no puede llegar a ninguna conclusión. Igual Próspero cumple con su promesa y libera a Ariel.
Hay que destacar la dirección ágil y estética de David Amitin en un espacio prácticamente desnudo de objetos escénicos. Visualmente logra una poesía de movimiento gracias a la capacidad expresiva del elenco. El humor no se encuentra solo y oculto en las palabras; los cuerpos agregan su dosis de expresividad. Incluso una persona muda podría disfrutar plenamente del espectáculo.
Funciones.
Viernes de agosto a las 23 horas y a partir de septiembre, los sábados a las 20:30 horas en el teatro Andamio 90, Paraná 660, CABA.
Entrada general: $60-.Estudiantes y jubilados $40-.
Facebook: El Experimento de Próspero
Mail: experimentoprospero@gmail.com
Reservas: Teatro: 4373 5670 | www.andamio90.org | www.alternativateatral.com
Facebook: El Experimento de Próspero
Mail: experimentoprospero@gmail.com
David Amitin, autor y director relevante de la escena teatral y de la ópera en Argentina, actualmente reside en Madrid y ha montado puestas de autores como W. Shakespeare, Georg Büchner, Fedor Dostoievsky, August Strindberg, Griselda Gambaro, Herman Melville, N. Gogol, Ben Jonson e H. Ibsen, entre otros. Ha montado obras en Inglaterra, Bélgica, Alemania, Austria y España.
Como regisseur de ópera presentó en el Teatro Colón "Il Barbiere di Siviglia de Rossini" (1991), "La Ciudad Ausente" de G. Gandini (1995), "El Amor por Tres Naranjas" de Serge Prokofiev (1998), "Il Trovatore" de G. Verdi (2000) y “El Pobre Marinero” de Darius Milhaud (2001) con excelentes críticas.
Dijo la prensa sobre algunos de sus espectáculos:
Ópera:
Sobre "La ciudad ausente", de Gerardo Gandini. “David Amitin realiza una labor estupenda, dotando a la acción de recursos escénicos admirables” (Armando Rapallo, diario Clarín)
Sobre "Il Trovatore" de Giusseppe Verdi. "Una de las más destacadas representaciones operísticas de la temporada. (Héctor Coda, La Nación)
Sobre "El amor por tres naranjas", de Serge Prokofiev. “David Amitin crea una espléndida puesta en escena, basada en un libreto que ofrece mucho lugar para la imaginación y la creatividad” (Pablo Kohan, Revista Noticias)
Teatro:
"Los siameses", de Griselda Gambaro. “Amitin es el mago que hace del teatro un hecho vivo” (Osvaldo Quiroga. La Nación)
"Bartleby" de Herman Melville. “Una notable versión de Bartleby, el escribiente”. (Hilda Cabrera, Página 12)
"Fando y Lis", de Fernando Arrabal. “El escenario se inunda de una extraña poesía, por momentos feroz, por momentos luminosa y mágica. El brillo de la puesta en escena se acrecienta con este logro fundamental: la total coherencia entre concepción y actuación”. (Yirair Mossian, Convicción)
"1978," espectáculo de David Paez que reconstruye la época de horror en Argentina
1978. Un espejo a un pasado que persiste como una pesadilla y se confunde con nuestra realidad y nos hace temblar y cuestionar y replantear. “Tengo 23 años,” dice una de las protagonistas del espectáculo, “y sin embargo me siento vieja.”
El contexto: paranoia, miedo, un mundo cruel, turbio, asfixiante; la lucha por cambiar ese mundo sofocante; la desconfianza hasta entre los compañeros de lucha. La dictadura militar Argentina, 30,000 personas “desaparecidos, y según el régimen “sin identidad,” no existentes; un golpe militar convertido en terrorismo de estado, fiel a la doctrina norteamericana de contrainsurgencia.
El espectáculo “1978” de David Paez y Lucas Balducci, y un elenco de actores jóvenes egresados de la Escuela de Teatro Scalabrini, es un valioso intento de reconstruir el mundo de aquel momento a través de diferentes personajes: un grupo de militantes planificando cómo resistir y/o acabar con la dictadura; una pareja de trabajadores aguardando la llegada de su primer hijo con los nervios a punto de estallar; un gremialista aterrorizado por la situación en su fábrica: una guerrillera montonera desesperada y en espera por la no llegada de su pareja; fanáticos de fútbol que gritan los goles de la copa mundial…
Es imposible ser “neutral” sobre la situación que los argentinos sufrían durante la dictadura; y a pesar de los prolongados juicios sobre las groseras violaciones de los derechos humanos durante el régimen castrense siguen habiendo personas que justifican los abusos como así también quienes viven como si la Junta Militar no hubiera cometido actos de genocidio.
Entonces, el espectáculo 1978 es una reconstrucción de la época muy importante. Intenta desde un planteo teatral sólido abrir una cortina a un momento en la historia argentina de gran conflictividad, sin caer en posturas ideológicas determinadas.
¿Cómo reproducir el horror sin caer en estereotipos? Nada fácil. Sin embargo en nuestra opinión el espectáculo ganaría en profundidad al incluir en las acciones pequeños momentos de humor o de calor humano—aspectos que suelen aparecer incluso en los momentos más trágicos.
Dice David Paez: “
“Elegimos este material porque creemos en la memoria como uno de los recursos fundamentales de subsistencia humana. Luego de más de treinta años en democracia, nos encontramos con diferentes discursos que intentar equiparar la actualidad -en materia de expresión- con aquel periodo nefasto, sangriento y oscuro de nuestra propia historia. Nos hemos acostumbrado a poder elegir y opinar, sin censura mediante: hace apenas tres décadas este simple acto nos costaba la vida. En ese sentido 1978 se presenta como un grito necesario. Es sencillo: sin libertad, no hay mundo humano posible.”
Se trata del segundo proyecto de la Escuela de Teatro Scalabrini, fundada por el director y actor David Paez, donde se le propone a los estudiantes de teatro, una vez egresados, generar diferentes proyectos profesionales y auto-gestivos. La primer experiencia, con dos temporadas consecutivos y muy buena recepción por parte de la prensa fue “Subté” (actualmente en cartel, todos los sábados a las 21 horas en Espacio Urbano).
Funciones de 1978: viernes 21 horas en el Espacio Urbano, Acevedo 460, CABA.
Ficha Técnica: Dramaturgia: Lucas Balducci-David Paez
Elenco: Sol Alsina, Jimena Bengochea, Adolfo Javier Benitez, Rocio Panozzo Cardoso, Agustina Gonella, Camila Hierro, Nestor Ippolito,
Daniela Jordan, Maximiliano Laiño, Sebastián Poveda; Músicos: Dalila Alvarez, Dominique Silva Lucía, Fernando Villarruel;Diseño de Escenografía: Paula Picciani; Diseño de Vestuario: Tati Marioni; Diseño de Iluminación: David Paez; Diseño Gáfico: Lucas Scialabba; Community Manager: Guadalupe BengocheaFotografía: Julieta Herstic; Producción ejecutiva: Alan Gejtman;Asistencia de dirección: Myriam Simeran; Dirección: David Paez
Prensa: Silvina Pizarro // Tel.: 66983515 // 1550448132 // pizarrosilvina@gmail.com
Sobre La Escuela de Teatro Espacio Scalabrini
Luego de siete años de trayectoria docente en diferentes espacios culturales , a principios del 2012 David Páez funda su propia escuela. Se trata Escuela de Teatro Espacio Scalabrini; un nuevo lugar artístico cuyos principales objetivos son los de experimentar e investigar en el marco de la actividad docente. Respecto del área teatral, la escuela se divide en tres niveles, con periodicidad anual.
A lo largo de esos tres años, se busca que el alumno conozca y experimente las diferentes técnicas y herramientas que permitan potenciar sus propias capacidades expresivas (a través de diferentes recursos y etapas que van desde el juego y la improvisación hasta llegar a trabajar diferentes textos teatrales de autores universales, tales como Discépolo, Tennessee Williams, Chejov, Shakespeare). La segunda área de la Escuela es la de Expresión Corporal, la cual consta de dos niveles, y busca principalmente a mejorar la consciencia corporal, conocer y poner en práctica las posturas más adecuadas y enriquecer el movimiento libre y consciente.
A su vez, también se desarrollan diferentes talleres con el fin de poder abordar diversas técnicas y lenguajes específicos, tales como: “Clown, Bufón, Impro”, “Máscara Neutra” o el “Taller de Entrenamiento, Exploración y Composición Física para Actores”. Los alumnos que egresen de la Escuela de Teatro Espacio Scalabrini montan una obra cuya producción y dirección está a cargo de la propia escuela. Uno de éstos es “Subte”, de creación colectiva, con el asesoramiento en dramaturgia y dirección de David Paéz. El mismo se estreno el 30 de septiembre de 2012 haciendo dos temporadas con exito de publico y prensa en el Espacio Urbano.
Sobre David Páez
Es actor, director, dramaturgo y docente de teatro. Como actor, se formó con maestros tales como Raúl Serrano, Javier Daulte y Raquel Sockolowitz (clown y máscara neutra) y en el área de la improvisación con Oski Guzman. Trabajó en diversas obras con directores como tales como Pepe Cibirian Campoy, Julio Picker y Pedro Asquini (con éste último fueron galardonados con el Premio a Mejor Obra de Teatro Off en el marco del festival de teatro independiente en 2002). Participó en diversos programas de televisión (tales como “Un Cortado”, "La Niñera", "Culpables de este amor", "Chiquititas", "Casi Ángeles", "Bella y Bestia" , "Señor y Señora Camas", "Malparida" , "El Pacto" y "Amores de historia", entre otros). En el área cinematográfica participó - con roles protagónicos- en filmes tales como “Nocturnos” con dirección de Leandro Vitullo; “Recoleta” con dirección de Emanuel Toppelberg; “ La ultima foto ” con dirección de Juan Cruz Sorron (Premio mejor actor New York) y, a su vez, fue el autor, director y protagonista de “Mas allá”. En su rol de autor y director teatral, sus últimos trabajos son: “Infocaos” ( Teatro La Comedia , Año 2008 -Este espectáculo fue declarado de Interés Cultural por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires-);”Magneticus” (C. C. Recoleta, Año 2009.); “La Perinola”, en coautoría con Miguel Di Lemme (Teatro Polonia, Año 2010); “ La muerte del señor Smith” ( Teatro Vera Vera, Año 2010) y "Hermanos", en co autoría con Miguel Di Lemme (Teatro No Avestruz, Año 2011). En su rol de director teatral, su última puesta fue: “La deuda”, de Miguel Di Lemme (Teatro Del viejo Palermo, Año 2008). Actualmente, además de presentar (en su rol de maestro, dramaturgo y director) su nueva propuesta “Subte” (todos los domingos a las 21 hs. en el Espacio Cultural Urbano); también es el co – protagonista de “El Brillo Extraviado” (todos los lunes a las 20.30 hs. en El Extranjero; una nueva propuesta con texto del uruguayo Gustavo Lista, protagonizada por David Paéz y Ariel Pérez de María, con dirección de Rodrigo Serrano Gonsebatt y Gabriel Páez ) y tambiénco- protagonizo “La Tormenta” (nueva propuesta con dirección de Daniel Suárez Marzal que se presento todos los viernes y sábados a las 23 hs. en el Centro Cultural de la Cooperación). Esta obra fue nominada a 4 Premios ACE incluyendo mejor obra y 2 nominaciones a los premios Maria Guerrero.
"Apnea," de David Señoran, teatro corporal sobre los desafíos de la juventud
Se apagan las luces, estallan risas, avanzan 18 jóvenes hacia los espectadores acomodados el sus butacas en la sala solidaridad del Centro Cultural Cooperación, ahora los chicos retroceden, ahora otro brote de risa, retroceden, risa otra vez. ¿Qué pasa? ¿De qué se ríen tanto? Ah, bueno, son jóvenes. ¿Y qué? ¿Los viejos no pueden reír? Puede ser pero estamos frente a un espectáculo, “Apnea,” una idea del coreógrafo David Señoran, intérprete, coreógrafo y maestro.
Tal como sucede en la vida los chicos hablan con sus cuerpos. Pero es un espectáculo de danza y son bailarines. Apenas alguna salida de aire entre los labios, un grito colectivo, pero el cuerpo es el protagonista de la función. Puede ser, como dice el programa que son jóvenes con un horizonte adverso a sus deseos, que no tengan motivaciones, como sucede a tanta gente joven en este mundo pos-globalizado, sin libreta precisa. Pero la gente joven siempre cambia la ropa para reaparecer en el escenario como adultos, tras renuncias dolorosas, dejando qué sé yo en el camino, sin una dirección clara, algo perdidos quizás, pero buscando, eso es, buscando, y en fin: ¿quiénes somos nosotros para hacerles cátedra sobre los rumbos a tomar?
Es el uso del espacio lo que atrae, también la mirada, el cuerpo hecho una muñeca de goma, un brazo por aquí, una pierna por allá, zapatillas de color brillante, remeras, el pelo arreglado con la onda actual, un chico se separa del grupo desafiante, corre, los demás lo acosan, agarran una chica, la tiran por el aire como si fuera un pelota, y aterriza en los brazos de los compañeros. Pero: ¿A dónde van? ¿Qué les pasa? Y la risa que estalla otra vez y el sonido colectivo que sale de la respiración profunda: ¿qué significa?
Cada espectador lleva su propia interpretación. Apnea es una propuesta original que dificulta las repuestas superficiales.
Apnea, Jueves 21 horas, Centro Cultural de la Cooperación.
avenida Corrientes 1543. http://centrocultural.coop.
Informes 5077 8000. Boletería 5077-8077. Entradas: $60
Elenco de “Apnea”:
Belen Ortiz-Alegre Bartoli- Oscar Farias-Luciano Cejas- Julieta Albornoz-Luciana Brugal-Gastón Gatti-Nicolás Baroni- Daniela Conti-Virginia Rossi- Matías Furio- Iván Asborno- Eliana Lion-Vanessa Worsnop- Nahuel Valenzuela - Leandro Bustos-Patricia Ferraro-Andrés Avendaño
Equipo Creativo
Música Original: “Le pifie collectif TRIO”
Qarla Lucero-Leandro Rudak- Alejandro Catarino
Dirección de actores: Luciano Crispi
Diseño de iluminación: David Seiras
Diseño de escenografía: Elizabeth Restrepo
Diseño de vestuario: Mariela Iturregui
Diseño grafico y Fotografía: Luciano Crispi
Prensa: Laura Castillo
Asistente de dirección: Valeria Pessacg
Coreografía y Dirección general: David Señoran
Sobre el Director:
David Señoran es intérprete, coreógrafo y maestro.
En 1998 egresa del taller de danza contemporánea del Teatro San Martín. Con una sólida formación en este lenguaje, aborda también otros estilos de la mano de reconocidos maestros.
Como intérprete, participó en obras de destacados coreógrafos argentinos.
Su formación incluye ballet, danza contemporánea, modern jazz, canto, actuación, dirección y puesta en escena teatral.
Como coreógrafo, investiga el lenguaje contemporáneo mixturando universos provenientes de materiales teóricos con el movimiento, la plástica, el diseño, el cine y el video. Trabaja con proyectos propios en teatro y danza, además de coreografiar y poner en escena piezas de otros autores y directores.
Actualmente se desempeña como maestro en el IUNA (Instituto Universitario Nacional del Arte), en el I.S.F.A (Instituto Superior de Formación Artística), en la Escuela de Comedia Musical de la Fundación Julio Bocca y en su propio espacio, Estudio Gallo Suelto. Dicta seminarios en todo el país. Es maestro examinador y preparador, y participa como jurado en certámenes de danza.
En el año 2009, forma la Compañía David Señoran, espacio de investigación, creación y producción en busca de una continuidad en el hacer para madurar en los lenguajes propuestos.
"Después de la LLuvia," premiada obra del catalán Sergi Belbel en el teatro el Tinglado
Se habla mucho de las multinacionales y se cuestiona fuertemente su rol en la economía mundial, en la cultura, en el estilo de vida. Pero ¿cómo es la vida de las personas que trabajan en las oficinas de las grandes corporaciones, las relaciones con sus superiores, el día a día? En el espectáculo “Después de la lluvia,” del autor catalán Sergi Belbel, se desnuda con un humor ácido lo que sucede entre los hombres y mujeres que trabajan en una gran empresa.
Por ejemplo, se fuma siempre. El cigarrillo parece ser lo único que unifica a los estresados empleados... y superiores, pues no se puede fumar en las oficinas, entonces las acciones ocurren en la terraza. Hasta ahí van los hombres y mujeres, llevando sus conflictos, los chismes, la competencia, sus fantasías, sus problemas amorosos—un hombre divorciado, un hombre enamorado que repite una y otra vez que piensa nunca separarse de su mujer. Pero en el final termina abrazado con otra empleada de la empresa…
La puesta es sencilla, casi minimalista, con apenas los objetos comunes de una terraza y los actores-empleados debatiendo sus crisis de soledad, sus confusiones, con un cigarrillo casi siempre colgando de la boca. Es la lucha planteada por la estructura social de las multinacionales—un individualismo a ultranzas y la imposibilidad de llevar a cabo genuinas relaciones con los demás.
La vida cotidiana funciona como excusa para hablar del abuso de poder, el acoso sexual, las ambiciones, las estupideces que acompañan la producción espuria para la sociedad de consumo.
Los personajes aparecen perfectamente reflejados y la actuación es práctica, sin fisuras, tanto que no se nota que el espectáculo dura un buen rato más de la mayoría de los espectáculo en el cartel porteño.
La obra ha sido premiada por “Premio Nacional de Literatura Catalana (1993-96), “Premio Serra d’Or” 1994, “Premio MeliáParque” 1996, “Premio Moliere” 1999 a la mejor obra cómica en la producción del Theatre de Poche Montpamasse—París y el “Premio Max de las Artes Escénicas 2002” al espectáculo con mayor presencia internacional.
Funciones viernes 23 hs
Localidades $90 – (descuentos Jubilados y estudiantes)
Reservas Tel. 11 4863-1188
Teatro El Tinglado - Mario Bravo 948 – C.A.B.A.
http://www.teatroeltinglado.com.ar/
Elenco: Victoria Fortuny, Sang Min Lee, Ramiro Vayo, Eugenia Palioff, Nayla Noya, Rafael Lavin, Ariel Cister, Laura Wich
Director: Roberto Lachivita
Asistente de Dirección: Melany Mosquera
Producción ejecutiva, Julieta Fajardo
Vestuario: Anastasia Meier.
Escenografía: Flavia V. Delìa
Realización Esce., Dario Tarasewicz
Diseño de iluminación, Carlos Nikias.
Diseño sonoro, Mirko Mescia.
Fotografía, Gonzalo Cortès.
Diseño Gráfico, Nahuel Lamoglia.
Coach de Lucha, Andrian Sosa.
Traducción, Cristina Barraza.
"La maraña," espectáculo muy bien logrado de Cesar Eloy y Marti Delavalle
Hay una enorme oferta teatral en Buenos Aires, más de 430 salas, las más variadas propuestas, una impresionante dedicación de actores, directores y técnicos que salen de sus laburos para dirigirse al ensayo y montar una obra que difícilmente resulta económicamente beneficioso. “La maraña,” de Cesar Eloy y Marti Delavalle se destaca por el trabajo exquisito con el texto, la organicidad de los gestos y escenografía ágil e imaginativa. Es además un espectáculo visualmente muy atractivo. El texto es fiel al título de la obra: una maraña.
Norma parece luchar con un problema físico que le impide moverse libremente, pero su mente fluye a mil, desesperadamente, amargamente: quiere volver a ser la niña estrella que alguna vez fue. En cambio Diana anda de aquí por allá en la suntuosa casa tratando de borrar las mentiras que los adultos le grabaron en la mente durante su infancia. La situación toma un vuelco con la llegada un día de Fanny, una joven mujer dispuesto a todo; su presencia rompe la intimidad de Norma y Diana. De allí surgen justamente una maraña de situaciones, el amor, un accidente, secretos, confusiones…de alguna manera la exaltación de la vida interior de los personajes.
Hay estar bien despierto para seguir cada matiz de un texto difícil. Pero la clara dicción y velocidad con la cual las actrices tiren sus discursos es impresionante. Si el espectador que llega al teatro sin haber tomado la siesta siente por momentos perdido, igual puede apreciar el espectáculo por los otros lenguajes de la puesta: el vestuario, el maquillaje, los efectos sonoros, la sensación de espiar un sueño...
La Maraña: jueves a las 21 horas, Teatro el Tinglado, Mario Bravo 948,
CABA. Entradas $70/ $50 (estudiantes y jubilados)
Reservas: 4863 1188.
Ficha Técnica:
Actúan: Verónica Santangelo - Marti Delavalle - Anette Zacarian
Diseño gráfico: Gastón Allario
Diseño del espacio: Sabrina López Hovhannessian
Tecnica de luces y sonidos: Martin Ribot
Realización escenográfica: Tatiana Mbladineo, Luciana Peralta Bó
Asistencia de dirección: Thelma Fardin
Prensa: Correydile
Autor: Cesar Eloy y Marti Delavalle
Director: Cesar Eloy
Duración del espectáculo: 1 hora 30 minutos
A cerca de la Obra:
La Maraña habla sobre el infortunio, sobre los recuerdos distorsionados, empañados por la agitada respiración de alguien que una vez tuvo ocho años y no se sintió amada. La Maraña se teje con malos entendidos y acontecimientos fuera de lugar. Trastornos, lesiones que persisten tras un hecho. Qué pasa cuando no hay cura y la secuela es la propia niñez? Entonces solo habrá Maraña y que sea Dios quien se tome el trabajo de socorrer.
La Prensa y la Obra:
A sala llena on line:
“La Maraña, de César Eloy y Martí Delavalle es un intenso viaje a las profundidades de los tejes y manejes de la mente en búsqueda de amor y a las profundidades de las miserias familiares (...) Una obra completa que desborda talento, pasión por el detalle y grandes resultados. Una vez más una hermosa propuesta, en el gran escenario de El Tinglado…” Paulina Dominguez
http://asalallenaonline.com.ar/teatro/criticas/5108.html
Espectaculos a la mod:
“Una obra en la que cada uno puede encontrar algo nuevo, compleja como un buen vino. Unos personajes nada fáciles para que se luzcan las actrices, jugando con medias voces, susurros y gritos. Maravillosa.” María Inés Senabre
http://espectaculosalamod.wordpress.com/boletines-criticas-etc/la-marana-abril-2013/
Blog Sergio Carciofi:
“La Maraña es una obra muy ambiciosa, muy pretenciosa, muy grande. Y creo que cumple perfectamente con esas pretensiones, sin duda gracias al trabajo y la entrega de un director joven, César Eloy, que presenta esta ópera prima magnífica y magnánima.” Carina Kosel
http://sergiocarciofi.blogspot.com.ar/2013/03/la-obra-de-teatro-de-la-semana-la.html
A cerca del Director:
Cesar Eloy
Actor- Director
Como actor se formó con Fabian Bril, Cristina Banegas, Ricardo Bartis, Carlos Rizzo Patrón y Héctor Beacon. Actuó en “El Inspector”, de Gogol, “El Padre” de Strimberg, dirigido por Pablo Seijo, “Noches en el Lavapiés”, dirigido por Fabian Bril, “Siempreviva” de Fabian Bril y Marti Delavalle (Espectáculo ganador del Premio Teatros del Mundo 2008 a “Mejor adaptación en Teatro Off”) dirigido por Fabian Bril, “Amen” de Marti Delavalle y Fabian Bril. También participó como actor en diversos programas televisivos para Canal Encuentro, Canal Paka-Paka, Canal 7 Televisión Pública y Canal Tecnópolis T.V. Como director debuta en “La Maraña” de la cual también es autor junto con Marti Delavalle.
"Ay Carmela," espectáculo de José Sanchis Sinisterra en Andamio '90
El dramaturgo y director teatral español José Sanchis Sinisterra no está convencido si el espectáculo “Ay! Carmela” tiene como eje la Guerra Civil Española, la ferocidad de la existencia humana o, quizás en la medida que van pasando los años, a lo mejor es un canto a la memoria contra el olvido, la dignidad del artista frente a las miserias humanas.
Es que un escritor es apenas el vehiculo; el camino que toma su obra es el gran misterio de la creación artística. Los actores imponen su propio sello a través de sus cuerpos, voces y emociones. Pero en definitiva es el espectador teatral el que al final fusiona sus propias sensaciones con el criterio del autor.
“Ay! Carmela” tiene muchas lecturas, pero estéticamente es impecable. La entrega de Verónica Faral es notable: pone en juego la totalidad de su cuerpo. Fernando Cueto, su compañero en el escenario, no se queda atrás.
Carmela y Paulino, una actriz y un actor de variedades, recorren España cuando la serpiente de la guerra civil prepara su veneno. Quedan por error detrás de la línea que separa a los revolucionarios de los fascistas de Franco. Las tropas del general toman una villa (Belchite) y, será por salvar su propia piel, la pareja no tienen otra opción que improvisar una función teatral, bailando y cantando en honor de las tropas vencedoras. ¿Cómo hacerlo y a la vez mantener la propia dignidad?
Con gran agilidad los actores muestran su capacidad por agradecer a la bestia y a la vez conservar su propia esencia, una lucha enorme.
¿Cómo hacen los artistas, los escritores, los creadores y los librepensadores para mantener su esencia, sus valores frente a una dictadura, cuando la bestialidad cultural devora todo intento de expresión genuinamente libre?
Funciones Domingos a las 18 horas
Teatro Andamio ’90 Paraná 660, CABA
Reservas: 4373 5670 http://www.andamio90.org
http://aycarmelacarmela.com.ar
Entradas: $60, estudiantes y jubilados $40
Ficha Artística-Técnica
Autor: José Sanchis Sinisterra
Actores: Verónica Faral / Fernando Cueto
Música: Guillermo Sánchez de Cos
Prensa: Marisol Cambre
Dirección: Alejandro Giles
Sobre el autor: José Sanchís Sinisterra
Es el dramaturgo y director más representativo de la escena española actual, y desde hace varias décadas. Sus obras han recibido numerosos premios, y como hombre de teatro es un gran renovador del teatro español; siendo también conocido por su labor docente y pedagógica en el campo teatral. Hoy funda y dirige: El nuevo teatro fronterizo, en el barrio de Lavapiés de Madrid; espacio de investigación y resistencia, donde se congrega una nueva generación de artistas.
Sobre el director: Alejandro Giles
Alejandro Giles ha transitado su carrera artística como actor y director de teatro dedicándose, específicamente a la dirección de actores y a la investigación, desarrollando herramientas que conducen al artista a un trabajo efectivo y verdadero. Además forma y entrena a actores en su estudio de Buenos Aires y dicta seminarios freelance en Latinoamérica y España. También es coach de actores y directores en cine.
"Kinema," un encuentro entre cine y teatro de Ana Ferrer
¿Qué une teatro con cine? En el escenario los actores se enfrentan a los espectadores, y a ellos mismos según la propuesta del dramaturgo, sudan, viven a flor de piel la emoción de los personajes, tienen que manejar sus cuerpos sobre el espacio con gran concentración. Han ensayado durante muchas horas en alguna sala pero cuando se apagan las luces (y los teléfonos y las cámaras digitales) la suerte está echada. El director de cine ya tiene el guión, ha hecho el casting, todos los técnicos han sido contratados, ahora solo falta filmar de escena en escena, mejor dicho, de secuencia en secuencia.
Kinema es un espectáculo de Ana Ferrer, con la dirección de Fabio Fusca, que entra en las entrañas tanto del cine como del teatro; es un canto de amor al cine, también al abandono, a la melancolía, a la creatividad, a la necesidad del ser humano de verse en el espejo. Más concretamente el espectáculo pasa unas cuantas páginas de la historia para llegar a la década del 70, lo que significaba ir al cine en ese momento, las salas de cine de los pueblos, en los barrios.
Pero los personajes son seres apasionados—en una década apasionada—que luchan por sus ideales, con compromisos que los hechos de la vida van vaciando de a poco.
El eje es un hombre ya grande, Américo, cuya vida fue modificada dramáticamente con el cierre de la sala de cine “Kinema.”
Muy buenas actuaciones en un espacio muy apto para un espectáculo de este tipo, con iluminación acorde, objetos escénicos y posters de la época. Tal vez el guión pudo haber sido un poco más sintético.
Ficha técnico artística
Cecilia Labourt, Alfredo Noberasco, Sergio Poves Campos
Web: http://www.facebook.com/kinemateatro
ESPACIO ABIERTO
Pasaje Carabelas 255 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4328-1903
Web: http://www.roxanarandon.com.ar
Entrada: $ 60,00 - Sábado - 21:00 hs
"Su Frida viva la vida," Duggandanza baila la pintora
Hablar con el cuerpo es el desafío de Teresa Duggan; llenar el escenario de energía, de composiciones estéticas, conmover a través del lenguaje del movimiento. Es lo que sucede en “Su Frida viva la vida,” que la compañía Duggandanza montó en dos únicas funciones el 30 de junio y el 7 de julio en el teatro Timbre 4 de Buenos Aires. Se trata de un despliegue escenográfico que incluye teatro, danza, plástica y la proyección de un video sobre la vida de Frida Kahlo, transportando el espectador a ese mundo único, bello, atormentado, fascinante y triste de la artista.
En el escenario una mesa, una silla, una foto de Frida, pétalos rojos; la silla sirve para representar el accidente; la mesa es un objeto de escena que se transporta con una gracia impresionante y se transforma en un elemento de diversos usos. Llama poderosamente la atención la expresión de los ojos y de la cara de Teresa y su parecida física con Frida. Los movimientos extremadamente precisos de los bailarines sobre el escenario parecen desafiar la ley de gravedad y tanto los cuerpos como los espacios se emplean con los criterios estéticos de un pintor, con el criterio estético de Frida.
Si bien la función de anoche en Timbre 4 fue la última, la compañía volverá a reponer el espectáculo en cualquier momento.
Ficha técnico artística
Idea:
Marcela Figini, Maria Laura García, Giancarlo Scrocco, Daniela Velazquez
Marcela Consalvo, Facundo López Burgos
Nicolás Colledani, Carlos Furman
Presentaciones -Auspicios, menciones y giras-2007-2008-2010
Su Frida viva la vida se estrena el CCC, en junio del 2007
Cuenta con el Auspicio Institucional de la Embajada de México
El espectáculo fue declarado de interés cultural por la Secretaria de la Cultura de la Presidencia de La Nación.
Obtuvo el Subsidio a la creación del INT 2007
Su Frida viva la vida fue seleccionado entre los trabajos destacados del 2007 -Premios Teatro del Mundo.
Participó del festival 2 Fridas en el teatro El Cubo.
En febrero de 2008 se presento en el Festival Estival Humo Negro de San Martín de los Andes.
Realizó una gira a México, presentándose en Coyoacan, en el espacio teatral El Vicio, lugar donde solía cantar Chavela Vargas
Se presenta en el Festival Internacional 2010 de la ciudad de Formosa
Conceptos Estéticos -Duggandanza
Desde su nacimiento en el año 1984, la compañía Duggandanza realizó espectáculos de danza con los que recorrió teatros y festivales en Argentina, Latinoamérica y Hong Kong Desarrolló un estilo propio en el que, cruzando lenguajes e investigando, explora las posibilidades del cuerpo, la luz, el movimiento y los objetos.
Utilizando la imagen, el movimiento, la música y la manipulación de materiales, las obras coreográficas reiteran la búsqueda lumínico-espacial creando ambientes oníricos y fantásticos, donde las cosas suceden de verdad sobre el escenario y apuntan a la imaginación y la poesía. Duggandanza ha recibido subsidios y coproducciones del INT, Fondo Nacional de las Artes, Centro Cultural Rojas, Teatro San Martín y Prodanza.
EN EL Festival Internacional de Formosa Esta obra formó parte del evento: Frida Kahlo: 100 Años
Esta obra formó parte del evento: Festival 2 Fridas
Esta obra formó parte del evento: 9° Festival Estival de la Patagonia
Esta obra se presento
"Morite de envidia," juego de dos actrices en decadencia
El teatro en su esencia es juego y en el espectáculo “Morite de envidia” es lo que hacen Dora y Mónica, dos actrices que no se encuentran en el mejor momento de sus carreras. Con el leit motif del velorio de un famoso productor teatral y televisivo las dos actrices arman un sin número de gags verbales, insinuaciones, provocaciones, alusiones a vaya saber qué personaje y qué situación. Si algo las une que no sea el pésame relacionado con la muerte, es otra cosa, ese ir y venir de los artistas. Entonces todo es un recorrido repleto de humor ácido y desenfadado, gestos muy expresivos, un ritmo que no decae en ningún momento, el sub mundo de actrices hambrientas de conseguir trabajo y reconocimiento por sus dotes actorales.
Funciones: Viernes, 23 horas en el Teatro Becket, Guardia Vieja 3556.
AUTORES
Lucas Bianchini
Se formó en Actuación y Comedia Musical en el teatro El Círculo y La Manzana en la ciudad de Rosario, bajo la mirada de Mirko Buchín, Chiqui
González, Gustavo Guirado y Ana Talei.
A partir de 2003, en Buenos Aires, siguió su entrenamiento actoral en la Escuela de Agustín Alezzo, Julio Chávez, Claudio Tolcachir y en Río
Plateado bajo la dirección de Hugo Midón, al que también asistió.
Como Clown, se formó con Ezequiel Veroi
en IMPA.
Ha trabajado como actor en diversos cortos y publicidades. También ha participado en programas de ficción en canales de aire y en obras de teatro
Independiente.
Martín Vatenberg
Se formó como actor en la Escuela de Julio Chávez y luego pasó por Sportivo Teatral de Ricardo Bartís y por Timbre 4 de Claudio Tolcachir.
Realizó numerosas publicidades y participaciones en televisión, siendo las más destascadas “Alguien que me quiera”, Canal 13 y
“El hombre de tu vida”, Telefe.
Egresado de la carrera de Dirección Cinematográfica de la FU,
Escribió y dirigió tres cortometrajes y se encuentra desarrollando su primer largometraje.
DIRECCIÓN
Maru Zapata
Recibida de la carrera “Formación del Actor”
en la escuela de Arte Dramático de la Ciudad de Buenos Aires. (EMAD)
Se inicia en la técnica de Clown con Claudio Martínez Bel y Gabriel Chamé Buendía.
Formó parte como actriz del grupo “Claundestinos”, dirigido por Claudio Martínez Bel.
Se desarrolló como asistente de dirección y coaching actoral de casting en el unitario
“El hombre de tu vida” y la obra teatral “Parque Lezama” bajo la dirección y coordinación general de Juan José Campanella.
Dicta clases de Teatro y Clown en diferentes escuelas y centros culturales de Argentina y Chile.
"Cuando el tiempo está después," estreno de un espectáculo de Jorge Acebo basado en "Cuando la vida es sueño" de Pedro Calderón de la Barca.
1635, España. En el estreno de “Cuando la vida es sueño” de Pedro Calderón de la Barca Segismundo pregunto: "¿Qué es la vida?” Y contestó: “Un frenesí. Una ilusión, una sombra, una ficción; y el mayor bien es pequeño; que toda la vida es sueño, y los sueños, sueños son." Tres de Julio, 2013. En el estreno de “Cuando el tiempo está después,” de Jorge Acebo, Segismundo es un joven retenido en un sótano durante 17 años, hambriento, huesudo, a la vez inocente e inculto.
Pasan los años, suceden masacres, guerras, toda clase de aberraciones suceden, la tecnología permite una comunicación instantánea entre hombres y mujeres, los pueblos salen a la calle, provocan revoluciones, piden paz y justicia pero no terminan ni las guerras, ni los asesinatos, ni la tortura, ni los actos salvajes de los seres humanos. Entonces, cabe preguntar: ¿Es la vida un sueño o una pesadilla?
El espectáculo de Acebo, autor y director, se inspira en la historia escrita por Calderón de la Barca, pero la ubica en Argentina, en la provincia de Buenos Aires, en una casa de un barrio pobre. De a poco el público entiende que algo espantosa está por acontecer. El hombre y su mujer comen, hablan, discuten, que la hija tiene que estudiar, que la plata no alcanza, que la heladera no funciona.
Todo cambia con la velocidad de la luz cuando la hija descubre Segismundo, el chico que ha estado encerrado en un cuarto sin luz, oscuro, húmedo durante 17 años y pide explicaciones. Ni el padre ni la madre parecen dispuestos a revelar el por qué de semejante oscuro y cruel situación.
En la historia de Calderón, el rey consulta al oráculo sobre su recién nacido hijo, Segismundo, y la repuesta advierte que el nuevo heredero será cruel, humillará a su propio padre. Por lo tanto es recluido en una torre, encadenado a fin de evitar que la predicción se cumpla.
¿Qué pasa en la versión de Acebo? Dejamos los detalles para el lector para que pueda disfrutar el espectáculo sin condicionamientos. Igual cabe señalar algunos momentos impresionantes, por ejemplo cuando Segismundo descubre el sexo. ¿Es violación? ¿Quién es el responsable de su desenfreno?
Hay una curiosa mezcla de un estilo excesivamente “realista” en la primera parte de la obra con un salto casi al absurdo en la medida que avanza la historia, logrando un ritmo importante y ascendente que atrapa al espectador.
Jorge Acebo intenta con este espectáculo trabajar con el tiempo como algo que está y no está: “Si bien el concepto de tiempo podría ser concreto, luego, al llevarlo a la práctica se convierte en relativo. El tiempo en la vida no es para todos igual, por más que haya cientos, miles, millones de personas viviendo contemporáneamente en un mismo instante, espacio y lugar. La vida puede ser fugaz, disfrutable, irreverente, plena o innecesaria; depende de la sucesión de hechos que la van conformando. La relatividad de lo momentáneo…Para algunos, el tiempo es el ahora, el presente; para otros, el tiempo está después.”
Funciones: viernes a las 21:30 horas
Teatro Payró | San Martín 766 | CABA
Reservas al 4312.5922 | teatropayro@sion.com | www.teatropayro.com
Valor de la entrada $ 70 | Estudiantes y jubilados $35
En Facebook: Cuando el tiempo está después
Ficha Artística-Técnica
Actores: Jorge Diez, Marcela Ruiz, Nicolás Condito, Mariela Rodríguez y Natalia Pascale
Voz en off de periodista: Edward “polaco” Nutkiewicz
Voz en off inicial: Hilda Bernard-Alejandro Awada
Diseño de iluminación: Paula Fraga
Operación de luces: Marcos Zalazar
Maquillaje: Martín Caramés
Fotografía: Marcela Adad
Diseño gráfico: Angie Figueroa
Compaginación y edición de sonido: Juan Pelliza
Colaboración en trailer: Violeta Diez
Producción: Aleteo de mariposa
Prensa y comunicación: Marisol Cambre
Dirección y dramaturgia: Jorge Acebo
Sobre el autor y director
Jorge Acebo (Buenos Aires, 1974). Actualmente cursa su Maestría en Crítica y Difusión de las Artes (I.U.N.A). Es Profesor Universitario en Artes del Teatro egresado del I.U.N.A (Instituto Universitario Nacional de Arte) y Director de Teatro egresado de C.O.S.A.T.Y.C (Colegio Superior de Artes del Teatro y la Comunicación). En E.M.A.D (Escuela Metropolitana de Arte Dramático, ex Conservatorio Municipal) realizó una especialización docente de dos años de duración. Su formación actoral la realiza en la Escuela de Teatro de Buenos Aires, bajo la dirección del reconocido pedagogo Raúl Serrano. También estudió teatro con prestigiosos docentes como Alejandra Boero y Luciano Suardi, entre otros. Actualmente dicta clases en institutos terciarios, escuelas de arte y centros culturales.
Sus trabajos más relevantes como autor y director, fueron: “Solas no más” (co-escrita con Javier Daulte y Matías Herrera) estuvo seis años en cartel en Buenos Aires, los dos últimos (2008/2009) en el prestigioso teatro Andamio ‘90. El espectáculo participó del festival porteño “Ciudad Abierta”, de Ciudad de Buenos Aires. En el año 2010, se estrena en Madrid bajo su dirección y producida por “Telón Corto Producciones”. La obra estuvo en cartel en dicha ciudad y, luego, obtuvo elreconocimiento del Circuito Artes, que permitió llevar de gira el espectáculo por diversos centros culturales también de Madrid (2010/2011). Esta misma obra fue estrenada en la Ciudad de Córdoba, Argentina, realizada por un elenco municipal de Río Cuarto (2010) dirigida por Daniel Provens y posteriormente, fue estrenada en Venecia, Italia, por un elenco local (Teatro a Síncrono), traducida al italiano “Non piu sole”, dirigida por Eva Coscia. “La felicidad según Mabel Riviere” fue estrenada en Buenos Aires en el teatro Andamio ’90, realizando temporada en 2011. Este espectáculo, además, participó en los siguientes festivales internacionales (antes de su estreno en Buenos Aires): “M.I.T” (Mostra Internacional de Teatro) en Ribadavia, Galicia, España (2010) y en el “Encuentro Internacional de Teatro Iberoamericano” (2010), en Bolivia. “Oportunidad única” (obra co-escrita con Juan Carlos Rivera) fue estrenada en el año 2012 en Galicia, España, en “La Tuerka 27” bajo su dirección. La misma fue llevada a escena en idioma gallego por actores locales.
"El último amante de Federico García Lorca," impactante puesta de Germán Akis y Raúl Baroni
“El último amante de Federico García Lorca.” El último, porque el poeta y dramaturgo fue un hombre apasionado en su vida íntima y en su escritura y a la vez uno de los genios más destacados de la literatura española y universal, fusilado por homosexual e izquierdista a los 38 años por bandidos del régimen fascista de Francisco Franco, frente a un olivo.
El espectáculo de Germán Akis y Raúl Baroni, que se presenta en el teatro Arlequino de Buenos Aires, es un rescate histórico de la relación del poeta y dramaturgo con el joven Juan Ramírez de Lucas, una visión dramática que involucra además los grandes artistas de la época, desde Pablo Neruda hasta Salvador Dalí, Buñuel, Miguel de Molina, Margarita Xirgu, Rafael de León…
España de los años 30 era una sociedad francamente homófoba, empobrecida, enardecida por la guerra civil. El espectáculo concentra en los últimos años del poeta, a partir de datos que dejo de Lucas a morir a los 93 años sobre su apasionada relación con Lorca cuando tenía apenas 17 años. Un gran amor desgarrado por el prejuicio y la persecución política y religiosa.
No es fácil producir una convergencia entre la narración histórica y lo propiamente dramático, pero Akis y Baroni han logrado montar un espectáculo que a la vez informa y conmueve. Cabe destacar especialmente el momento cuando el padre de Juan se entera de su relación íntima con García Lorca.
Un video en el fondo del escenario presenta documentación acertada acerca de ciertos hechos históricos vinculados a las acciones dramáticas en el escenario, agregando realismo a la puesta, en tanto que la vestimenta de los actores y la voz de un guitarista suman para reproducir el ambiente de la época.
Se combina de esta manera actuaciones cálidas y creíbles con el relato histórico y en esta fusión de metodologías los espectadores salen de la función doblemente agradecidos: por la emoción y por el intelecto.
Funciones: Sábados, 21:30 horas en el teatro Arlequino, Alsina 1484, CABA.
Web: http://www.teatroarlequino.blogspot.com.ar
Reservas: 4382 7775
Entradas: $80.
Ficha técnico artístico:
Autoría: Germán Akis y Raúl Baroni
Elenco: Federico Asenzo, Martín Baldón, Ricardo Casime, Héctor Díaz Peña, Emmanuel González, Cesar Laino, Héctor Laudani, Joan Molins, Mirta Samber, Kiran Sharbis, Silvina Sinatra, Manu Sota Latino y Luciano Torres.
Vestuario: Gabriel Pace
Iluminación: Leandro Pisan
Sonido: Iván Morales
Diseño gráfico Facundo Carmona, Guido Ferrari
Dirección: Germán Akis y Raúl Baroni
"El Ángel del Subsuelo," notable espectáculo de Andrés Bázzalo en el Teatro del Pueblo
El director Andrés Bázzalo ha montado el espectáculo “El Ángel del Subsuelo” de Luis Saez, a través de múltiples lenguajes escenográficos. Es una historia de rufianes y personajes decadentes y melancólicos, reminiscencias de los años 40 que cuenta con un elenco de primer nivel.
El espectáculo de alguna manera evoca la atmósfera de las obras de Roberto Arlt o de Dostoievski, quizás de Onetti. El protagonista, Larsen, es una especie de ejemplo decadente de la aristocracia porteña venida a menos, encerrado en su mundo de inacción y nihilismo, abrumado por su sensación de fracaso personal; no obstante, pasa sus horas soñando con saltar la banca en Montecarlo.
Su sirviente es un viejo ranquel travestido, convertido en refinado pero a la vez apolillado valet de guante blanco, confidente íntimo y enemigo: un espejo áspero y cruel.
Llega sin anuncio previo Barsut, un viejo camarada de escuela. Bien pícaro, propone una aventura con el propósito de reparar una antigua injusticia.
Pero falta la intervención de una mujer ambigua, sensual y atrevida. ¿Pueden los personajes saldar cuentas con un pasado cubierto de nubes negras? ¿Puede el amor pacificar la angustia existencial de Larsen?
Explica el director: “En los pliegues de esta comedia que cuenta la historia de una venganza y de una reivindicación imposibles, se cuela una reflexión acerca de nosotros, de la dificultad de la construcción de un imaginario válido, de los esfuerzos inútiles por salvarnos del naufragio y del misterio de una existencia, por momentos, absurda…”
Más allá de la historia escrita por Saez, el espectáculo que Andrés bázzalo ha montado en el Teatro del Pueblo recurre a la expresividad corporal de un excelente elenco de actores. La cara, como así también el cuerpo de Daniel Dibiase es un espejo que devela el alma de Larsen; los demás personajes agregan al espectáculo los dibujos de sus cuerpos sobre el escenario para lograr un impacto visual de gran trascendencia en los espectadores.
El vestuario de cada personaje interpreta con justicia su esencia y la puesta en escena es a la vez simple, práctica y expresiva.
“Ángel del subsuelo”
Funciones: Domingos a las 19hs.
Localidades: $ 80. Jubilados y Estudiantes: $50.-
Teatro del Pueblo – Av. Roque Saenz Peña 943.
Reservas: 4326 3606
Prensa: Walter Duche – Alejandro Zarate – 4857-2806 / 15-5808-1039
prensa@duchezarate.com.ar / www.duchezarate.com.ar
En Twitter: @duchezarate y en Facebook: DucheZarate
Prensa: Marcos Mutuverría
Agencia DucheZarate 4857 2806
Personal 15 6593 2630
marcos@duchezarate.com.ar
Twitter @MarcosMutu
Ficha Técnica
Elenco:
Daniel Dibiase (Larsen)
Miguel Terni (Manuel)
Daniel Zaballa (Barsut)
Analía Di Vito (Perla)
Escenografía y Vestuario: Adriana Dicaprio
Maquillaje: Adriana Rinaldi
Diseño de luces: Andrés Bazzalo
Diseño gráfico y fotos: Lucio Bazzalo
Prensa: DucheZarate
Asistencia de dirección: Florencia Salto
Dirección general: Andrés Bazzalo
El autor
Luis Saez: Escribió unas 35 obras, de las cuales ha estrenado unas veinte, algunas de ellas premiadas en concursos nacionales e iberoamericanos. Entre las distinciones obtenidas, se destaca el Primer Premio Municipal, C.A.B.A, por KAMIKAZE, bienio 2004/2005. También ha escrito y estrenado monólogos y adaptaciones varias. (Chéjov, Gorki, Ibsen, Soriano). Ha publicado un volumen individual de teatro (Corregidor) y varios volúmenes compartidos. Ha coordinado numerosos talleres y seminarios de dramaturgia en Buenos Aires e interior delpaís. Jurado en diversos concursos nacionales. Publica textos de reflexión dramatúrgica en diversos medios gráficos orientados a la actividad teatral. Ha dirigido dos obras: Sara (mi vecinadel segundo cé), en el ciclo Teatro por la memoria la verdad y la Justicia, y El Ex Alumno, deCarlos Somigliana, en el Teatro del Pueblo de Buenos Aires.
El director
Andrés Bazzalo: A lo largo de su carrera ha sido reconocido con los premios: Trinidad Guevara (Mejor Director); María Guerrero (Mejor Director); Teatro del Mundo (Mejor Espectáculo para Niños); ACE / Asociación de Cronistas del Espectáculo (Mejor Director) (Mejor Espectáculo); Teatro XXI (GETEA – UBA) (Mención Especial a la Puesta en Escena y a la Adaptación); el Premio Metropolitano de Espectáculos para Niños y variadas nominaciones a los Estrella de Mar, ACE; Florencio Sánchez, ATINA y María Guerrero. Actualmente es Profesor Titular de Dirección Teatral en el Instituto Nacional del Arte (IUNA) y en la Carrera dePuesta en Escena de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático de Buenos Aires (EMAD), dela que fue Vicedirector durante 10 años. Algunos últimos trabajos: El Túnel (Sábato); ElAhorcado (Camilletti); Escrito en el Barro (escritura propia a partir de Otelo), La Sierva (Rivera);El Águila niña (Syxty); Un enemigo del pueblo (Ibsen); El Jugador (Dostoievski).
"Pecados de juventud," comedia negra de Daniel Kersner estrenada en el teatro Desguace de Buenos Aires
Se sabe: en las venas de los seres humanos confluyen raíces negras, crueles, incomprensibles, conflictos no resueltos que conviven con las expresiones más enaltecidas del amor, la compasión y la convivencia pacífica. Conciente de este sub-mundo, el director teatral Daniel Kersner elaboró un espectáculo con el título levemente cáustico “Pecados de juventud, o cómo envolver un triciclo.”
Como las apariencias a menudo engañan, se trata de una obra que parece ser costumbrista que sin embargo propone indagar sobre los “pecados” humanos, tales como los referidos a la prohibición del incesto, del canibalismo y el no matarás bíblico. ¿Pero hemos superado la tentación histórica de practicar esos pecados? ¿Ha habido progreso hacia un mundo más “civilizado” con respecto a estos pecados?
El espectáculo de Kersner funciona como una señal de alerta ante la posibilidad del regreso al canibalismo, pues sabemos que el incesto existe en todas las culturas, el homicidio también, entonces: ¿por qué no puede volver el canibalismo?
Sería un planteo terriblemente negro si no se dulcificara mediante el humor, la apariencia de normalidad y una actuación acertada hasta en el más mínimo gesto.
Se juntan dos antiguos compañeros de trabajo alrededor de un asadito, hasta allí todo normal. El anfitrión vive con su familia. El otro es un misterio, una especie de intruso: llega con una botella de vino, bien, muy bien, y…un corte de carne que no es de vaca, ahí entra la duda como un dardo. ¿De qué es la cara que el hombre ha traído? ¿Qué gusto tendrá?
Otros datos llegan a través de la radio. Un chico ha sido secuestrado, nada raro en el mundo de hoy, muy lamentable, pero no raro. Es el primer día del ciclo lectivo y las
autoridades no saben dónde buscarlo.
De repente estallan dudas, discusiones políticas, enfrentamientos generacionales, revelaciones sobre las peliagudas relaciones familiares de la familia anfitriona.
En esta comedia negra, lo más profundo subyace en las inferencias que el espectáculo ofrece al público: las palabras van en una dirección los significados toman otro camino. Como el director es psiquiatra, induce al espectador a dudar y a cuestionar, sin proponer repuestas. Mediante esta estratagema la pieza avanza con un ritmo acelerado generando una aguda sensación de incomodidad e incertidumbre.
La escenografía es práctica, realista y bien lograda; los diálogos tienen una lectura a primera vista verosímil; los personajes se visten muy apropiadamente y sus características encajan perfectamente con los estereotipos que el público porteño conoce hasta la medula. Pero…Dejamos las sorpresas y los detalles más íntimos al lector para que pueda gozar más plenamente del espectáculo.
“Pecados de juventud, o cómo envolver un triciclo”
Sábados,
21 horas,
Teatro El Desguace, Almacén Cultural, Máxico 3694 (y Columbres), CABA.
Entrada gral. $60/jubilados y estudiantes $40.
Reservas: Tel. 3966-8740
http://teatroeldesguace.blogspot.com/
Ficha técnico artística
Facundo Bein, Gabriela Blejer, Macarena Gonzalez, Rubén González
Arte:
"Idea de Juan," espectáculo sobre Juan Carlos Onetti y Idea Vilariño
Juan Carlos Onetti, pesimista, existencialista latinoamericano, preso político de la dictadura uruguaya, internado por el régimen en un hospital psiquiátrico, tenía una vida sentimental agitada, con cuatro esposas y muchas otras relaciones, entre ellas el vínculo encendido con la poeta, ensayista y crítica literaria Idea Vilariño. A partir de esta relación el director Gustavo Manzanal estructuró el espectáculo “Idea de Juan,” que se estrenó en el Centro Cultural Cooperación el viernes pasado en el marco de la V Festival Latinoamericano de Poesía en el Centro.
La puesta pone a Juan en la cama fumando, pues Onetti era un gran fumador, en tanto que el espacio de Idea fue frente a una biblioteca, los dos ya diferenciados espacialmente. La relación entre ellos recorría amor, pasión tortuosa e intensa, alimentada por el intercambio de opiniones sobre el arte y la literatura.
Onetti seguramente fue uno de los más grandes escritores uruguayos, si bien no fue muy bien reconocido en el país en parte debido a su adicción al pesimismo y también por su conocido oposición a la dictadura. Vilariño fue una poetisa de sensibilidades muy finas que supo defender sus ideas frente a Onetti, sin dejarse llevar a su mundo.
Sucede que la vida de un artista no siempre corresponde a su creatividad artística. Intentar interpretar a la vez trozos de la vida de estos dos grandes escritores a través de su trabajo literaria no parece ser una propuesta fácil. Pero el resultado conmueve, tanto por la calidad de las poesías y relatos incluidos en el espectáculo como por la hondura de la relación humana entre Onetti y Vilariño.
En las propias palabras del director interpretar a ambos “es un privilegio para esta compañía, pero mucho más es acceder, con ellos, a la profundidad de la poesía; su vínculo inevitable con lo real, con lo sentido desde y hacia donde trasciende el texto, y gracias a las razones que esgrime la palabra, menos fortuitas aun que el carácter o la historia sea persona.”
El parecido físico ente Idea Vilariño y la actriz Gabriela Licht es impresionante, como también entre Onetti y Manzal, que además de dirigir el espectáculo realizó la dirección.
Funciones:
Todos los viernes a las 20:15 horas en la sala Raúl Gonzalez Tuñón, del Centro Cultural Cooperación.
Producción ejecutiva y asistencia general: Ana Florencia Linednboim
Fotografía: Fernando de Blas
Puesta en escena y dirección general: Gustavo Manzanal.
"Poeta en Nueva York," espectáculo de García Lorca en el Centro Cultural Cooperación
Como todos los grandes poetas Federico García Lorca tiene el ojo alerta, las sensibilidades alimentadas por el entorno. Durante su paso por la Ciudad de Nueva York, escribió “New York (oficina de denuncia:)
“Debajo de las multiplicaciones
Hay una gota de sangre de pato.
Debajo de las divisiones
Hay una gota de sangre marinero.
Debajo de las sumas, un río de sangre tierna;
Un río que viene cantando
Por los dormitorios de los arrabales,
Y es plata, cemento o brisa
En el alba mentida de Nueva York… “
Gustavo Pardi, actor del espectáculo “Poeta en Nueva York,” que se estrenó el sábado pasado en el Centro Cultural Cooperación en el marco del V Festival Latinoamericano de poesía del 25 al 29 de junio, aclara que no se trata de ofrecer una conferencia sobre el poeta muerto por el régimen franquista; no, es actor y dará vida a los versos de Lorca como actor.
Nada fácil, pero Gustavo entra en el mundo poético de Lorca con pasión, entrega y claridad; no se trata de “recitar,” como recitan convencionalmente quienes comparten poesía en público. Se trata de actuar los versos con la voz, con las manos, con el alma.
El desafío es grande, ya que el estilo de Lorca no deja advertir sin esfuerzo los sucesos que subyacen la multiplicación de imágenes; el lector, en este caso del espectador, debe participar activamente en la lucha. Hay que escuchar la poesía de Lorca, dejar transitar y volar la imaginación libremente sobre las propuestas del autor.
Es lo que propone Gustavo Pardi, con la hábil dirección y puesta de Mariano Docena: se trata de llegar al público mediante una catarata de sensaciones y pulsaciones, encarnadas en la voz y en el cuerpo del actor.
Lorca fue un gran artista y su obra combina misterio y belleza, como también denuncia. En el New York (oficina de denuncia) queda muy claro que la intención del escritor es hacer una denuncia:
“Yo denuncio a toda la gente
Que ignora la otra mitad,
La mitad irredimible
Que levanta sus montes de cemento
Donde laten los corazones
De los animalitos que se olvidan
Y donde caeremos todos
En la última fiesta de los taladros…”
La función impacta por los versos de Lorca, y también por el empeño de Gustavo Pardi en dar vida, ritmo y alma a las palabras. Aparte del trabajo mencionado, el espectáculo incluye muchos otros trabajos, por ejemplo, “El rey de Harlem.”
“Poeta en Nueva York,” de Federico García Lorca todos los sábados a las 20 horas, Centro Cultural Cooperación, avenida Corrientes 1543, CABA. Informes: (011) 5077 8000. http://www.centrocultural.coop
Actuación: Gustavo Pardi
Dirección: Mariano Dossena
Escenografía y vestuario: Nicolás Nanni
Fotos: Sol Stryn
Diseño gráfico: Andrés San Martín
Diseño iluminación: Pedro Zambrelli
Prensa: ANYI Comunicación
Asistente de dirección: Tony Chavez
Asistencia: Julieta Gamba y Analía Aizersztein
Producción ejecutiva: Josefina Vitón y Pablo Silva
Contacto: info@silva.com.ar
"El país del espejo," espectáculo para chicos y grandes en el Club de Trapecistas
La imaginación del escritor inglés Lewis Carroll es capaz de atravesar espejos. Durante décadas sus historias han excitado el vuelo poético de chicos y grandes. Por eso las bailarinas Ana Armas y Daniela Florentino han tomado muchos conceptos de “A través del Espejo” del bardo inglés para estructurar el espectáculo “El país del espejo,” que se estrenó el domingo pasado en el Club de Trapecistas.
Juana, una niña bailarina de 10 años está muerta de curiosidad, tanto que atraviesa el espejo de su habitación para encontrar al otro lado un mundo mágico. Lo que ayuda al vuelo de la imaginación es el vuelo de la trapecista en sogas sobre las cabezas de los chicos, que gritan y tratan de tocarla cuando baja justo encima de sus cabezas.
Funciones: Domingos a las 18:30 horas, en Club de Trapecistas, Ferrari 252, CABA.
Reservas al 4857.3934 | info@clubdetrapecistas.com.ar
Localidades $60 | Menores de 12 años $40
En facebook: El país del espejo
Sobre las autoras e intérpretes:
Daniela Fiorentino es clown y titiritera, y viene trabajando en obras infantiles desde hace muchos años, interesada siempre en el cruce de disciplinas como el dibujo en vivo, la danza y las artes plásticas en general, ya que es también ilustradora y estudió Bellas Artes.
Ana Armas es bailarina y psicoanalista. Trabaja en el medio de la danza contemporánea independiente y en la danza aérea con arneses desde hace más de 10 años. Como psicóloga está actualmente trabajando como concurrente en el Hospital de Niños Gutiérrez.
Inés Armas es bailarina, coreógrafa y docente. Dirige la Cía Móvil desde 2006, en la que la danza contemporánea se deja invadir por el teatro, la música en vivo y las artes visuales. Enseña danza y estudia composición e improvisación.
Ficha Artística-Técnica
Intérpretes: Ana Armas y Daniela Fiorentino
Escenografía: Hernán Bermúdez
Realización de títeres: Hernán Bermúdez y Silvia Facal
Vestuario: Melina Cymlich y Pamela Taverna
Diseño de video: Mario Armas
Diseño de iluminación: Adrián Cintioli
Asistente de escenario: Julia Ballester
Coreografia: Ana Armas, Daniela Fiorentino e Inés Armas
Fotos: Lucas Marín
Cuadro: Marcelo Pombo
Edición Musical y Diseño Gráfico: Fagner Pavan
Prensa: Marisol Cambre
Técnico en Seguridad de Vuelos: Sergio Costa Centeno
Asistencia de dirección y de vuelos: Silvia Facal
Dirección: Inés Armas
"Dónde Acabaret?" cabaret español en Buenos Aires
Se sabe: el mundo es un concepto que desafía la imaginación, está ahí, pero nadie puede ponerlo en caja, siempre escapa, siempre cambia, pues entonces todo es incierto, todo es por hacer, el tiempo confunde, el futuro genera pesadillas; mejor entonces sonreír, intentar volar, investigar las posibilidades creativas del cuerpo, jugar con las palabras, olvidar por un momento de las reglas que nos tienen encadenados.
Algo de eso sucede en el espectáculo “¿Dónde acabaret?” de la Cía Milagros de España que, con sus actrices-bailarines, presentó su última actuación en Buenos Aires el sábado pasado en el Espacio Zafra.
Carolina Montoya y Sonia Astacio protagonizan un cabaret insólito, divertido, provocador en el cual la improvisación lujosa y fina brota orgánicamente, como un exabrupto del alma.
Establecen desde el primer momento un vínculo estrecho con el público, rompiendo con el mito del “cuarto pared;” es más, el espectáculo considera a los espectadores más como participantes que rostros sin definición.
Un hombre cuya remera incluía el dibujo de una llama del altiplano fue invitado al escenario a jugar un rato y terminó abrazado como si fuera miembro del elenco.
La gracia del espectáculo está en tratar temas difíciles, íntimos, por ejemplo relacionados con la sexualidad, el amor, la crisis financiera, la política con una excepcional expresividad corporal que no deja ni una postura ni una mueca sin investigar.
El espectáculo de la Cía Milagros parece señalar con humor y crítica que el arte es un camino por el cual los seres humanos pueden explorar sus infinitas capacidades expresivas y a la vez reírse de sus torpezas.
Más información: zafrateatro@gmail.com
CÍA MILAGROS (España)
En primer lugar crean sus dos espectáculos de calle, “El kit transforma-emociones” y "El show de la cabra", experimentando e improvisando directamente con el público en la calle.
En marzo de 2011 estrenan su primer espectáculo de sala "No se llama Copla". Sus personajes, Amparito y Gertrudis son el resultado de esta experimentación e improvisación previa, alimentada por la experiencia recogida precisamente del público de la calle.
No se llama Copla, ha sido un éxito rotundo de público y crítica. Han actuado en Sevilla, Girona, Málaga, Alcalá de Guadaíra, Madrid, entre otros.
Un año después, en Marzo de 2012, nos sorprenden con su nuevo montaje "Sexapil", comedia musical de la mano de los personajes: Victoria Mayo y Verónica Porqué.
Con este espectáculo, la compañía se consolida en el panorama escénico andaluz. Sexapil es un cambio en estilo y forma, demostrando una vez más la creación de un lenguaje propio.
En 2013 la cía. viajará hacia Buenos Aires, para seguir actuando en tierras latinoamericanas. Antes de marchar nos dejan “Dónde acabaret??” un espectáculo de variedades divertido, cabaretero, carnavalesco y atrevido, donde la Cía muestra sus números y personajes más característicos