Espectáculos (Shows)

"Te amo tanto que te he matado 2," espectáculo de Sofía Guggiari

¿Vas cabeza de vaca por la ciudad, por díos, abrumado por la basura, por el tránsito, por los impuestos, por el amor perdido, por cualquier cosa y de repente, como ser moderno, abrís tu mail y ves una invitación a ver el espectáculo: “Te amo tanto por que te he matado 2.”  ¿Qué será? Llegás, subís las escaleras. Mucha gente joven. En las paredes en diversos lados información periodística sobre hechos horribles: un bebé tirado en el inodoro, una chica que se mató por no poder consumir su amor…

Estrito y dirigido por Sofía Guggiari, el espectáculo es la continuación del primer versión de te amo tanto….se presenta todos los viernes a las 22 horas en una nueva sala (otra en la creciente número de salas en Buenos Aires), que se llama Teatro Habitandonos, en Valentín Gomez 3155.

Diversos monólogos se entrelazan en el tema de las pasiones más primarias y salvajes del amor. (¿Amor?) O tal vez podría ser el subconsciente del hombre poseído por una pasión—no puede el pobre quitar de su mente la imagen de las amplias caderas de ella, sin hablar de las otras partes corporales que le fascina; o ella, que reproduce con gestos acordes primero la frustración en unos cuantos actos amorosos hasta finalmente lograr lo que busca: hacer el amor y gozar plenamente…

 De repente la muerte y el sexo se confunden en la conciencia y el espectador tiene la impresión de haber entrado en una zona prohibida que sin embargo produce mucho placer. Los pensionados esperan en fin el gran momento para confesar sus verdades ante un público cautivo.

Más allá de los contenidos de los monólogos, lo que interesa desde lo teatral es un gran logro expresivo corporal—un lenguaje que acompaña bien los textos y habla con sus propios términos.

 Actores: Alejandro Scotti, Pablo Toporosi, Sebastián Man, Sebastián Buzio, Sara llopis, Melina Lozano, Sofia Guggiari.

Dramaturgia y Dirección: Sofia Guggiari

Co-dirección: Soledad Velasco

Asistente de direccion: Andrea Martinez Pirez

vestuario: Melisa Califano

Fotos: Juan Esteban Angel

Puesta en escena:  Andrea Martinez Pirez, Soledad Velasco y Sofia Guggiari

Asistencia en dramaturgia y corrección de textos: Soledad Velasco

Grafica: Alejandro scotti

Diseño de Luces: te amo tanto por que te he matado 2

Realización Escenográfica: Andrea Martinez Pirez y Emilio Pirez

 

Teatro Habitandonos, en Valentín Gomez 3155. Reservas 4862 9910

Sofia Guggiari

Nació en  en la Ciudad autónoma de Buenos aires. Empezó a estudiar teatro en el año 2000 a sus 13 años en Centro Cultural San Martin; con  Norman Briski;  Jan Carlos Gene. Un seminario  con Ricardo Bartis.  Entrenó comicidad con Mariana Briski. También estudió danza jazz y clásica con Silvia Briemstam, Silvina Laguna y Liliana Cepeda. Canto con Gisela Atman y Federico Tabu. Actualmente cursa  tercer año de la carrera de Psicologia en la UBA.  Trabajó como actriz en “Locuración” de Tato Pavlovsky (2006), “Santa Rita” (2007), y como invitada especial en “Ya no pienso en matambre ni le temo al vacío” de Patricio Abadi (2009-2010-2011)."Las Primas" de Norman Briski (2009-2010)   ( Festival Nacional de Viedma). "Hermana" danza- teatro (2010) dirección Sandra Fiorito creación colectiva. La isla de los niños Direccion de Ramiro Guggiari (2011)(Festival Escena- Festival El porvenir). En el año 2009 fue asistente de dirección de "vide/la cinta fija" de Vicente Muleiro con direccion de Norman Briski.

También trabajó como actriz en varios cortos.  En micro documental "Delegaciones en villa Fiorito" producido por la Municipalidad de Lomas de Zamora y participó como monologuista en varios encuentros teatrales con textos de su autoría. En el 2012 estreno  "Te amo tanto por que te hematado" en la que actuo, dirigio y escribio. Actualmente  esta por estrenar: "Te amo tanto por quete he matado 2"(la segunda parte) Y "Las nereidas" de Norman Briski.

 

 

 

Prensa Novello. [e-mail] 1557721855 

"Esposos y esposas," de Gabriel Molinelli con dirección de Augusto Britez

 El marido quiere tomar las vacaciones en la playa, pero hay un problema: ella quiere algo diferente, a lo mejor visitar algún pueblo indígena; ella habla de los hijos, pero no hay hijos, dice el hombre. ¿Pero cómo es esto? La pareja no sabe si tienen hijos? Y bueno, si no podemos ponernos de acuerdo en nada, habría que separarnos. ¡Vamos, imposible separarnos si ni siquiera estamos casados!

 Así sucede una y otra situación absurda pero harto común, como las que viven todas las parejas, entre gritos e intentos de acercamiento; el esposo y la esposa derraman pasión y angustia mientras van navegando por su crisis matrimonial en el espectáculo de Augusto Britez, “Esposos y Esposas,” una comedia dramática que sube al escenario de Liberarte los jueves a las 21:30 horas.

 Después de unos cuantos años de convivencia el matrimonio descubre de repente que sus diferencias son abismales, imposibles, heridas tan profundas que ni ellos mismos saben qué hacer. Sucede una sucesión tras otra de enfrentamientos tan descabellados que el espectador no deja de festejar uno cuando aparece otro, un verdadero delirio de humor ácido y pasión; un festín de gestos, muecas y desatinos.

¿Cómo será la relación si la esposa llega a tal grado de mufa que llama a una agencia dedicada a buscar maridos para buscar un reemplazante para? Hmm.

Y la otra pareja, enamorados hasta el último pelo…¿o será simplemente la primera fase de lo que vendrá inevitablemente?

 Más allá de la historia, el espectáculo incluye un ritmo muy ajustado a cada situación y un muy notable uso del gesto que, en el contexto de la puesta al estilo de café concert, convierte el espectáculo en una experiencia placentera para el espectador.

 Esposos y Esposas  de Gabriel Molinelli, con dirección de Augusto Britez

Funciones: jueves 21:30 horas, Liberarte, Avenida Corrientes 1555, CABA.

 Localidades: $60

Informes y Reservas: 4375-2341

 Elenco: Mariana Nefle, Jorge Schwanek, Fernanda Sforza, Oscar Alteza, Guillermo Vicente, Alfredo Miguel.

 Vestuario: Cristina Tavano

Diseño gráfico: Carolina Erbes

Asistente de dirección: Nahuel Ruiz Ocampo

Asistente de producción: Nicolás Manzanelli

Dirección general: Augusto Britez

 Sobre Augusto Britez

 http://augustobritez.blogspot.com.ar

 Su trayectoria teatral comienza en 1976. Sus maestros fueron Guillermo Bataglia, Jorge Marrale, Víctor Kraft. Descubre las corrientes teatrales de Eugenio Barba y Jerzy Grotowski que serán desde entonces las fuentes de referencias con las que más se siente identificado. De la mano de Víctor Kraft viaja a España formando parte del grupo catalizador, Teatro Tantalo, con el objetivo de seguir desarrollándose en el oficio del actor. De regreso a Argentina estudia con Lito Cruz, quien es el maestro que más lo ha influenciado en esta disciplina, convirtiéndose en su asistente de dirección y el coordinador de su estudio teatral, a la par de actuar y dirigir diversos espectáculos independientemente. Actualmente dirige su propio estudio.

En televisión se lo sigue identificando por su papel en OKUPAS, como “Peralta”http://www.youtube.com/watch?v=fT9_wMq480Y

"Todo Disfraz Repugna a Quien lo Lleva," sabroso espectáculo de Alfredo Martín

“Todo Disfraz Repugna a Quien lo Lleva,” es un sabroso y fino espectáculo del teatrista y psicoanalista Alfredo Martín, que en el espacio lúdico del Teatro Delborde en San Telmo, recree con autoridad el mundo imaginario de la escritora Silvina Ocampo. Entre las paredes de ladrillas a la vista, esta frase del cuento “El Sótano” de Silvina Ocampo cobra una dimensión especial:

“Este sótano que en invierno es excesivamente frío, en verano es un Edén. En la puerta cancel, arriba, algunas personas se asoman a tomar fresco durante los días más cruentos de enero y ensucian el piso. Ninguna ventana deja pasar la luz ni el horrible calor del día.” 

 Con el eje en un encuentro entre diferentes mujeres que se juntan para compartir sus experiencias femeninas, el espectáculo toma material de diversos cuentos de Ocampo: una peluquería de barrio, los ruleros de la época, las tinturas, las fotografías, los chismes, la condición de la mujer en época, sus alegrías, sus broncas, sus frustraciones.

Si bien los textos salen de diferentes cuentos, la puesta de Martín resalta temas de la autora y logra construir una obra dramática que va en crescendo y a la vez profundiza en conceptos como la infancia, la sexualidad femenina amordazada, la muerte, lo onírico, la familia, la crueldad…

Funciones: domingos a las 20 horas. Teatro del Borde, Chile 630. Entrada $70. (Estudiantes y Jubilados $50). Reservas: 43000.6201.

Dramaturgia y dirección general: Alfredo Martín

Grupo Hipocampo, protagonizada por Paula Hartwig, Lucía Gómez, Florencia Horak, Yanina Florenzano, Loli Peres Demaría, Mariana Grigioni y Victoria Rodríguez Montes.

Vestuario: Camila Femandez Polo

Escenografía: Camila Fernandez Polo y Grupo Hipocampo

Diseño Gráfico: Caterina Mazzingh

Iluminación: Alfredo Martín

Fotografía: Fabricio Pigliese

   Sobre Alfredo Martín//Es Psiquiatra, Psicoanalista, Dramaturgo, Director y Actor. Como actor se formó con Héctor Pressa, Raúl Serrano, Ricardo Bartís, Alberto Ure, Daniel Veronese, Verónica Oddó y Julio Chávez. Realizó la carrera de dramaturgia en la Escuela Municipal de Dramaturgia. A su vez se perfeccionó, en su rol de dramaturgo, con maestros tales como Mauricio Kartun, Rafael Spregelburd, Daniel Veronese, Alejandro Tantanian y Marco Antonio de la Parra. En su rol de dramaturgo y director, ha presentando trabajos tales como: “Lo que llevo de ausencia” (sobre la vida y obra de Haroldo Conti, actualmente en cartel, todos los sábados a las 20.30 hs. ; Teatro Del Borde); “Niños de Madera” (a partir del Pinocho original de Carlo Collodi, actualmente en cartel, viernes 20.30 hs; Teatro Andamio ’90); “Dirán que fue de noche” (espectáculo teatral musical sobre diferentes poetisas rioplatenses tales como Pizarnik, Di Giorgio, Ocampo, Storni, Bordelois y Vilariño, entre otras; actualmente en cartel, domingos 18 hs.; Scala de San Telmo) “Cyrano, un caballero en las sombras”; (sobre Cyrano de Bergerac) -este espectáculo obtuvo el Primer Premio en Adaptación y Dirección en el Festival de Teatro Adolescente “Vamos que venimos”, Año 2011 (Teatro Andamio, Años 2011 y 2012); “El jardín de los cerezos o la fugacidad del tiempo”, sobre la obra de A, Chejov(Teatro Andamio 90, Años 2011 y 2012); “Detrás de la Forma” La inmadurez una experiencia fuera de lugar; adaptación de la novela Ferdydurke, de W. Gombrowicz (Teatro Andamio 90, Años 2010 y 2011) - esta pieza ha sido invitada al Festival Internacional Gombrowicz X Edición 2012. Radom. Polonia. Participó también del Festival Escena 2011 (Teatros Independientes) y obtuvo el Primer Premio Argentores por Obra Adaptada-; “El Paraíso”, espectáculo inspirado en “La Virginidad”, de W. Gombrowiz (Teatro Andamio 90, Años 2009 y 2010); “El prestamista que citaba a Goëthe”, texto inspirado en “La Mansa” de F. Dostoyesvki (Teatro El Búho, Año 2009 -esta pieza obtiene el Primer Premio Argentores en Mejor Obra Adaptada-); “El otro Señor G.”, una versión libre de El Doble, de F. Dostoyesvki (Espacio Kafka y La Ranchería, Años 2007 y 2008); “Glamour Indio” (Segundo Premio Dramaturgia Nacional, Año 2000 Espacio Callejón y “Perspectiva Siberia”, del Grupo Teatro Doméstico, en coproducción con el Teatro Gral. San Martín, versión sobre diferentes obras de F. Dostoievski (Sala Falsa Escuadra, Año 2000/01). En su rol de director, estuvo a cargo de las siguientes puestas: “Kiev”deChristian Lange (Teatro El Búho – Primer Premio; Concurso de Obras-; Año 2008); “Un leve dolor”, de H. Pinter (Camarín de Las Musas, Año 2005) y “El Montaplatos”, de H. Pinter (Jornadas NacionalesTeatro Comparado, Año 1992). En su rol de actor, ha participado en obras tales como: “Música del Azar”, de Paul Auster, con dirección de Gabriela Izcovich (se repone el de mayo, viernes 21 hs., Sala Mediterránea) “Ofensa, esta historia suya”, de J. Hopskin, con dirección de Marcelo Velázquez - este espectáculo obtuvo los premios Mundo T en los rubros de “Mejor Director” y “Mejor Obra de Teatro Independiente”;  a su vez recibió las nominaciones mejor actor protagónico y de reparto para el premio Florencio Sánchez- (Teatro Andamio, Años 2010 y 2011, Andamio 90); “El prestamista que citabaaGoëthe”, de su autoría y dirección,  texto inspirado en “La Mansa” de F. Dostoyesvki (TeatroEl Búho, Año 2009) - esta pieza obtiene el Primer Premio Argentores en Mejor Obra Adaptada- ; “El amor es un francotirador”, trilogía escrita y dirigida por Lola Arias (Espacio Callejón y C.C. Rojas, Año 2008) -esta pieza participó de diversos Festivales Internacionales, tales como: Steirischer Herbst en Graz. Austria (Año 2007); In Transit;  Alemania, Berlín (Año 2008) y You are Here; Irlanda, Dublín (Año 2009)-;“El otro Señor G.”,  de su autoría y dirección, una versión libre de El Doble, de F. Dostoyesvki (Espacio Kafka y La Ranchería, Años 2007 y 2008); “Las mujeres de los nazis”, escrita y dirigida por Hector Levy Daniel (Patio de Actores, Años 2008 y 2009); “Los muertos”, con autoría y dirección de Mariano Pensoti y Beatriz Catani (Camarín de Las Musas, Años 2006 y 2007 -esta pieza participó enelFestival Hebbel Theater; Berlín, Alemania; Puente Berlín Buenos Aires producida por el Instituto Goethe-; “La Venda y Todos Hablan”, con autoría y dirección de Gabriela Izcovich (Teatro La Carbonera, Años 2006 y 2007, – esta pieza participa del Festival Internacional Grec; Barcelona (Año 2008)- “El Mar”, de María Fasce, con dirección de G. Izcovich – Gira por España, Sala Beckett, Barcelona, Año 2007-; “Terapia”, de D. Lodge, con dirección deG.Izcovich (Año 2004, La Carbonera); “Nocturno Hindú”, de A. Tabucci, con dirección de Gabriela Izcovich (Primer Premio Obra Nacional Teatro Argentino; Gira por Italia – Florencia (Scandicci) y España, Barcelona; Teatro Fronterizo; Sala Beckett, Año 1997); “Fuera de Cuadro”, de Javier Daulte, coproducción hispano-argentina; (Espacio Callejón en Argentina; Gira por España, Barcelona, Sala Beckett, Año 2002); “Bizarra”, escrita y dirigida por R. Spregelburd(Año 2003, C.C. R. Rojas); “Raspando la Cruz”, escrita y dirigida por R. Spregelburd (C.C. Rojas, Año 1997 “Remanente de Invierno”, escrita y dirigida por R. Spregelburd (C.C. San Martín, Año 1996 -estos últimos tres espectáculos fueron premiados por Argentores-;“Los ocho de julio”, Ciclo Biodrama, con dirección de Beatriz Catani y Mariano Pensotti (Teatro Sarmiento, Producido por Complejo Teatral Ciudad de Bs. As; Año 2003); “Blancos Posando”,  con autoría y dirección de Luis Cano, escrita especialmente para Teatro por la Identidad Año 2001 y “El Paciente” también de y por Luis Cano (C.C. Recoleta, Año 2002; “Ojos Ajenos” con autoriía y dirección de Mariano Pensotti. C.C. Rojas, Año 2000; “El Líquido Táctil” junto al Grupo de Teatro Domestico, dirigido por Daniel Veronose -esta pieza participa delFestival Internacional de Teatro Bs. As (Año 1997); el Festival Nacional de Teatro Tucumán y Festival Internacional deTeatro Porto Alegre / Brasil-; “La Confesión”, con dirección de Michael Didym y Veronique Bellegarde, en coproducción Franco Argentina; (Teatro San Martín, Año 2009, -esta pieza participa del Festival Internacional de Bs. As-; “Fragmentos de una erótica”, con autoría y dirección de J. Margulies Participa del Festival Internacional Les Allumees, Nantes- Francia, Año 1992). Junto a  Federico León, Beatriz Catani y Jorge Sánchez creo el Grupo deTeatro Doméstico, coautor de las siguientes obras: “Del Chiflete que se filtra” y “Perspectiva Siberia”. Es docente de actuación y dramaturgia del actor, coordinando talleres en forma privada desde hace quince años. Es Docente Titular de la EMAD en la materia “Psicología de la Educación”. Integró el grupo de investigación teatral Omega, abocado al estudio de estructuras dramáticas, coordinado por Horacio Banega, en Argentores, subsidiado por el Fondo Nacional de las Artes y el Instituto Nacional de Teatro (Años 2009 y 2010)

Prensa: Silvina Pizarro // Tels.: 35325580 // 1550448132 // [e-mail] & Carolina Reznik // Tels.: 3968-1839 o 155-045-2675 //[e-mail]

"Solo me despierta ponerme a cantar," espectáculo musical-teatral de Grisel Bercovich

Sarona, se despierta, estira el cuerpo, presta atención al precioso vestido japonés que cuelga de su cuerpo, avanza hacia el piano y se pone a cantar. Sarona es la cantante y actriz Grisel Bercovich; ella irá descubriendo su identidad mientras la música entra en su alma como el transcurrir de las estaciones. Ella puede ser geisha, pachamama, Carmen Miranda o Mercedes Simona, puede entender el mundo desde varios modelos femeninos, pero lo que inspira su proceso de auto-conocimiento es la música.

“Solo me despierta ponerme a cantar,” es un espectáculo musical-teatral tranquilo, de suaves tonos, como el loto sobre el agua, es un personaje que puede transitar por diferentes realidades—canta en japonés, en portugués también—viaja, se acomoda a diferentes circunstancias pero siempre guiado por su alma musical.

Cuenta con la valiosa colaboración de  Gustavo Maggi y Gustavo Fogiel en guitarra y charango.

 Funciones:

 Viernes a las 20:30 horas en Multiespacio JXI, Gascón 1474, Palermo, CABA. Entrada: $50. Reservas: [e-mail] /

Te: 15-4565-3590 

                                                      
Ficha técnica

Dramaturgia: Grisel Bercovich y María Colloca 
Canciones originales: Grisel Bercovich
Intérpretes: Grisel Bercovich y Gustavo Maggi 
Músico. arreglador de las canciones en vivo, guitarra, charango: Gustavo Fogiel
Diseño de Escenografía y realización: Fernanda Salomé.
Diseño de vestuario y realización: Clara González y Valeria Fernández
Diseño de Iluminación: Santiago Miró
Realización de pistas musicales: Jorge Pascuale 
Produccion y grabaciòn de la versión en audio de la obra: Ignacio Manzo
Efectos sonoros: Gabriel Bercovich
Fotografía: Gustavo Maggi y Steve Thayalan (Retoque digital)
Diseño gráfico: Carla Maggi/ [e-mail]
Asesoramiento en fonética japonesa y traducción: Keiko Ueda
Asesoramiento en fonética y dramaturgia en portugués: Ramiro Giménez
Página web y multimedia: Ignacio Manzo
Prensa: AGW Prensa+Difusión [e-mail]
Producción general: Gustavo Maggi 
Dirección: María Colloca         

  www.solomedespierta.com.ar

"El cadáver de un recuerdo enterado vivo," espectáculo iconoclasta de Sergio Boris

La muerte es un tema que preocupa a todos. En el escenario puede dar lugar a un espectáculo trágico, denso, conmovedor; o bien puede ofrecer una buena oportunidad para la burla y para la meditación. “El cadáver de un recuerdo enterado vivo,” una tragedia oficinista dirigida por Sergio Boris, surgió del proyecto de graduación de un grupo de  egresados del Instituto Universitario Nacional de Arte que ya acumula cuatro años consecutivos de presentación en espacios teatrales argentinos.

El factor desencadenante es la muerte de la dueña de una empresa, y hasta ahí todo parece obedecer a la lógica convencional; lo que convierte el espectáculo en una experiencia única para el espectador no es tanto la historia sino el estilo de actuación, la concentración de los actores, la intensidad de sus miradas, sus gestos y sus movimientos milimétricamente precisos.

 Montar el espectáculo en el Machado teatro es además otro acierto, pues debido al reducido espacio en la sala los espectadores prácticamente se transforman en “voyeurs” y pueden apreciar en detalle las expresiones corporales y los gestos mínimos de los actores, tarea nada fácil con 16 actores entrando y saliendo del espacio escénico.

El tono que adquiere el espectáculo es una mezcla de burla y cinismo, con una dosis fuerte de melodrama, pero como las actuaciones son muy orgánicas las acciones invitan a meditar no solamente sobre el significado de la muerte sino también sobre la miseria humana.

 Los empleados de la empresa se presentan para ofrecer sus condolencias al viudo, pero con el transcurrir de los acontecimientos se dividen en grupitos y de este modo van apareciendo las características individuales, los celos, la envidia, la competencia, la falta de lealtad.

Ya al cumplirse seis meses del fallecimiento de la dueña de la empresa de aluminio, el viudo, ahora el nuevo jefe, no encuentra cómo coordinar el trabajo de los empleados: pesa en él y en todos el recuerdo de la muerte, un concepto que reflota y atraganta sobrevolando la oficina como un fantasma, transformando la realidad melancólica en un vuelo cercano al surrealismo.

 En el 2011el espectáculo ganó el premio a "Mejor Espectáculo Iberoamericano" en el 24° Festival Internacional de teatro Universitario de Blumenau - Brasil y es el Primer elenco extranjero invitado al 11° Festival Internacional de teatro de Belo Horizonte - Brasil 2011.

Funciones:

Sábados 23 horas, Machado teatro, Antonio Machado 617 (casi esquina Acoyte). Entrada: $50 / $35 estudiantes y jubilados). Reservas: Alternativa Teatral.

  Ficha Técnica

Elenco: Estefanía Alfieri, Luciana Calarota, Ivana Carapezza, Facundo Cardosi, Luciana Cruz, Eugenia Fernandez Lemos, Lucila Gomez Vaccaro, Mariana Jaime, Marité Molina, Constanza Raffaeta, María Belén Ribelli, César Riveros, Luciana Serio, Facundo Suarez, Gema Tocino, Cecilia Wierzba

Puesta de luces: Verónica Alcoba y Fernando Chacoma

Fotografía: Brenda Bianco

Escenografía: Ariel Vaccaro

Diseño: SXT

Prensa: Correydile

Asistente de dirección: Adrián Silver

Dirección: Sergio Boris

Duración: 60 minutos

Acerca del Sergio Boris 

Como actor, en teatro trabajó entre otras obras en “El pan de la locura” con dirección  de Luciano Suardi, ”Un enemigo del pueblo” con dirección de Sergio Renán, “El pecado que no se puede nombrar” y “La pesca “ con dirección de Ricardo Bartís. En cine en “Juan y Eva” de Paula de Luque, “El abrazo partido” de Daniel Burman, “Diablo” de Nicanor Loretti, “Lumpen” de Luis Zembrowski, “Hermanos de sangre” de Daniel de la Vega, “Mientras tanto” de Diego Lerman, “Todos tenemos un plan” de Ana Pitterbarg, “Whisky Romeo Zulú” de Enrique Piñeiro, “Solo por hoy” de Ariel Rotter, entre otras. En televisión entre otras cosas, trabajo en “El acto” de Bartís-Glusman y  en “2 por una mentira” miniserie  del incaatv, creación conjunta con Nicanor Loretti. Como director se desempeñó en "La Bohemia", "El sabor de la derrota”, ”El perpetuo socorro”,  “El cadáver de un recuerdo enterrado vivo”, “Viejo, sólo y puto”. Festivales Internacionales: Con "El pecado que no se puede nombrar": Madrid, Cádiz, Montreal ,Quebec, Porto Alegre, Berlìn, Avignon, Parìs, Bruselas, Buenos Aires. Temporada en el teatro Bobigny de Parìs. Con "La Bohemia" y "El sabor de la derrota": Quito, Manta, Guayaquil, San Martìn de los Andes, Londrina, Curitiba, Buenos Aires. Con “La pesca”: Avignon, Halle Torino, Berlin, Anvers, Girona, Buenos Aires.  Premios: Primer premio a la dramaturgia por el Fondo Nacional de las Artes 1998 por "La Bohemia". Primer premio a la dramaturgia otorgado por el III Festival Internacional de Buenos Aires por "El sabor de la derrota". Premio Revelaciòn Trinidad Guevara por "La Bohemia". Mejor dirección, mejor especialización (Gabriela Fernández) y mejor actor (David Rubinstein) por “Viejo sólo y puto” otorgado por G.E.T.E.A. El texto de " La Bohemia" fue representado en Francia por el grupo" Le Pantheatre" dirigido por Patrice Sow, con traducciòn de Francoise Thanas, y por varios grupos argentinos entre ellos el grupo mendocino “Lluvia de cenizas”. Premio mejor actor de reparto por “El abrazo partido” en  Festival de Cine de Tandil, Argentina. Primer premio mejor actor en el Festival de Cine publicitario de Nueva York 2007.

"Cortina de abalorios," metáfora escénica de Ricardo Monti

Una prostíbulo fantasmal es el lugar donde ocurre las acciones del espectáculo “Cortina de abalorios,” de Ricardo Monti, un espacio que se convierte en metáfora e indaga provocativamente sobre que sucede a los pueblos sometidos al imperialismo. Los protagonistas: Mamá con su amante, el Bebé Pezuela, quien haya pedido un empréstito. Para financiarlo ofrece, claro, las mejores tierras públicas, el dominio de los transportes y las franquicias aduaneras, sin hablar del propio cuerpo.

El asunto es ultimar los detalles de un gran negocio que supuestamente supondría un enorme beneficio  para todos. En realidad la obra propone una investigación sobre asuntos bien conocidos en Argentina y en América Latina; indaga y busca sin encontrar las repuestas.

 Es un espectáculo rico en imágenes escénicas, entretenido, que se basa en acciones físicas sólidas y buen uso del espacio escénico. El uso del grito es tal vez excesivo, según el criterio que uno tiene del arte teatral.

Funciones: viernes 23:00 hs. 

Sala: Pata de Ganso (Zelaya 3122)

 
Entrada: $ 60-. Con descuento: $40-. 

Reservas: 4862 0209 

Ficha Técnica: 

Actúan: Grupo La Mar en Coche: Karina Elsztein, Luciano Ledesma, Ezequiel Rodríguez

Pose, Elías Cordoba. 

Diseño de Vestuario y Escenografía: María Sole y Mery Black 

Realización de vestuario: María Sole 

Realización de Escenografía: Realizaciones Bravas y María Sole 

Diseño de iluminación: Tadeo Pettinari 

Música en Vivo: Daniel Soruco 

Corporal: Gisela Nadamas 

Diseño Gráfico e Imágenes: Marco Ferraro 

Asistente de dirección: Sofía Lopez 

Producción General: La Mar en Coche 

Producción Ejecutiva: Milena Lainez 

Direccion y Puesta: María Moggia 

Prensa: OCTAVIA Comunicación y Gestión Cultural www.octaviacultura.com.ar 

Sobre María Moggia:

Se forma en Puesta en Escena en la Escuela Metropolitana de Arte Dramáticos (EMAD), con profesores como Andrés Bazzalo, Cecilia Hopkins, Estela Castruonovo, Luis Roffman, Jorge Merzari, Roberto Castro, Luis Cano, Diego Starosta, Eduardo Segal, entre otros. Recibe enseñanza y guía de su maestro Carlos Fos. Oriunda de General D. Cerri (Bahía Blanca) se formó con el Grupo Variette dirigido por Elisardo Tunessi. Pasó por Andamio 90, explora técnicas de clown con Walter Velázquez, Técnica del Actor con Gustavo Vallejos, Danzas con Petula Alvarez y Lorena Villagra. Realizó seminarios varios con Rubén Szchumacher, Enrique Federman, Mariana Tampinni, Osqui Guzmán, Guillermo Heras, entre otros.

Ha participado de los siguientes montajes: como actriz en "El amante" de Harold Pinter, en "Bodas de Sangre" de Federico García Lorca y "Una temporada en el infierno" sobre textos de Arthur Rimbaud, en "Hola 2 Olas" de Compañía Nacional de Fósforos, entre otras.

Participó en "Proyecto 3, Convergencia Teatral", ciclo de teatro breve coordinado por Marcelo Margone y Ariel Barchilón dirigiendo obras como "Snorkel" J.I.Fernández y "Frontera" de Emiliano Portino. Dirigió y actuó en "ObjetoYVos" de Miguel Mendiondo.

Participa activamente de la organización y coordinación de los Festivales de Teatro: "Festival Internacional Pirologías", organizado por la Compañía Nacional de Fósforos; "Festival Nacional Bahía Teatro", con la dirección de Juan Manuel Caputo. Da clases junto a Mariana Giovine en el espacio "El Metejón" en el barrio de Boedo.

Actualmente se encuentra cursando el último año de "Puesta..." en la EMAD , ensayando "Decadencia" de Steven Berkoff con Nara Carreria y Alejandro Paker que se repone próximamente, y como actriz ensayando el próximo espectáculo de la Compañía Nacional de Fósforos en dupla escénica con Gisela Nomdedeu, pluma de Cristian Palacios y Dirección de Paula Brusca di Giorgio.

 Sobre Ricardo Monti: 

Ricardo Monti es un dramaturgo, director de teatro y guionista de cine argentino. 
Es uno de los dramaturgos más importantes de habla hispana. Es también maestro de dramaturgos y director teatral. Cursó estudios de Filosofía y Letras en la Universidad de Buenos Aires. 
Sus piezas teatrales se han representado en los principales teatros de Buenos Aires, y luego en numerosas provincias de la Argentina y en el exterior del país: Uruguay, Brasil, Venezuela, Puerto Rico, Estados Unidos, España, Francia, Italia, Portugal y Alemania. 
Su obra es acotada y precisa, construida a partir de imágenes internas que guardan diferencia con la imagen cinematográfica, generalmente asociada con la narrativa. Así, su teatralidad no resulta complaciente, sino de una densidad y profundidad inusitadas. 
Fue uno de los dramaturgos integrantes del prestigioso movimiento de resistencia conocido como Teatro Abierto. Es pionero de una escuela de dramaturgia basada en la imagen generadora, continuada por dramaturgos como Mauricio Kartún, Jorge Huertas, Eduardo Rovner y Enrique Papatino. Es autor de las obras de teatro (Una noche con el Dr Magnus & Hijos", "Visita", "Marathon", "La cortina de abalorios", "Una pasión sudamericana", y "Finlandia", entre otras. Ha sido distinguido por los premios Argentores, María Guerrero, Florenc

"La noche del ángel," espectáculo de Furio Bordon, con la dirección y actuación de Federico Luppi

El 31 de agosto de 1981, agentes de la dictadura militar argentino hicieron explotar tres bombas de magnesio en el Teatro Picadero, enfurecidos por las actividades de “Teatro Abierto,” un movimiento de actores, dramaturgos y directores que había comenzado a cuestionar la represión a través de la representación de 21 obras teatrales de dramaturgos nacionales. Hace un año, en democracia, el teatro fue reabierto y entre sus espectáculos se destaca “La noche del ángel,” del escritor italiano Furio Bordon, actuado y dirigido por Federico Luppi, una historia profunda que indaga sobre el oficio del actor, la función de la psicología en la sociedad y los oscuros turbulencias entre adultos, niños y adolescentes.

 La nueva sala cuenta con unas 300 butacas en altura que posibilita una perfecta vista del pequeño escenario donde Luppi encarna un viejo actor que vive y piensa como si la vida fuera un escenario, en las palabras de Macbeth: “la vida no es más que una sombra que pasa, un pobre cómico que se pavonea y agita una hora sobre la escena…”

 Dice Bordon: “El teatro es una trinchera contra la estupidez dominante, tiene la cualidad de analizar el malestar social de este mundo. El verdadero teatro siempre ha sido así.”

 “La noche del ángel,” levanta el espejo de las relaciones entre padres e hijos para analizar sus profundas contradicciones ante los espectadores y lo hace de un modo singular mediante los discursos e intervenciones de cada uno de los personajes sin mostrar progresión alguna en la comprensión de cada uno sobre su situación.

 El personaje de Luppi es un poco menos funesto que Macbeth, pero de todos modos en la obra de Bordon el viejo actor vive en la fantasía, en su torpe egocentrismo artístico, tanto que se ha deformado gravemente su noción sobre la vida real, sobre su rol como padre.

 En medio de sus ensayos sobre Ricardo III de Shakespeare, aparece sin anuncio previo en la casa de su hija, una psicóloga que abandonó las tablas precisamente por su compromiso con la vida “real,” asimismo turbada por la relación de amor-desamor con su padre. Nace entonces un duelo a veces apasionado, casi siempre cruel y cubierto de sordina, que saca chispas intensas entre padre e hija. Los dos resisten quitar sus máscaras y terminan desnudándose.

 Parece un empate pero todo cambia con la entrada de un adolescente, paciente de la hija del actor, maltratado, abandonado, que desnuda la mentira y la hipocresía de los dos, de una sociedad que funciona en base a valores falsos. La presencia del joven produce una colisión que enturbia la situación y permite un final inesperado.

 El planteo dramático invita la formulación de preguntas sin repuesta fácil: ¿Qué es el rol de teatro en la sociedad? ¿Qué pasa con la sensibilidad del actor que logra el éxito en su oficio? ¿Qué efecto tiene la vida artística sobre la vida íntima del actor? ¿Cuál es la función de la psicología en la sociedad? Permite esclarecer los vínculos pero…¿qué pasa cuando el paciente deja la consulta y se enfrenta con el mundo real? ¿Qué sucede en la sociedad que hace que incluso los padres vuelvan insensibles y traten con menosprecio a sus propios hijos?

 La puesta de Luppi es lúcida y eficaz. Susana Hornos, en el papel de hija, logra transmitir momentos de honda emoción y el adolescente, Nehuen Zapata, se destaca por la frescura de su expresión y una actuación muy equilibrada.

  Ficha artística-técnica 

Dramaturgia: Furio Bordon 

 Traducción y adaptación: Federico Luppi 

 Actúan: Federico Luppi, Susana Hornos, Nehuen Zapata 

 Escenografía y vestuario: Nicolás Nanni 

 Música: Iván Nilson 

 Iluminación: Adriana Antonutti 

 Títere: Gustavo Garabito  

Fotografía: Akira Patiño 

 

Maquillaje y Peinado: Néstor Burgos 

 

Maquillaje: Estela Cáceres 

 

Diseño Gráfico: Sergio Calvo 

 

Prensa: Marisol Cambre 

 

Producción ejecutiva: Pablo Silva y Susana Hornos   

 

Asistencia: Tony Chávez, Eliana Sánchez 

 

Asistencia de Dirección: Milagros Plaza Díaz 

 

Dirección: Federico Luppi 

 

Funciones: Domingos 18.30hs. y Lunes 21hs.

 

Teatro Picadero | Pasaje Discépolo 1857 | CABA http://teatropicadero.com.ar

 

Localidades: $100 y $120 | Reservas por Plateanet: http://pateanet.com

 

Más información: http://www.lanochedeangelenargentina.blogspot.com.ar

 

 En Facebook: La noche del ángel 

 

Furio Bordon: El dramaturgo, director y novelista italiano Furio Bordon comenzó su carrera como escritor a los 20 años en la RAI. Escribió para teatro, televisión y radio. Entre sus obras se destacan: “Querido Elvis, querida Janis”, con la cual ganó el premio a mejor pieza teatral del año otorgado por el Instituto de Teatro Italiano, la obra “Las últimas lunas” con la cual se despediría de los escenarios Marcello Mastroianni poco antes de fallecer en París,  y “La noche del ángel” con la que conquistó los grandes escenarios europeos. Al respecto, Federico Luppi sostiene: “Hace muchos años que leí esta pieza y decidí que quería hacerla; el autor, Furio Bordon siempre me ha resultado de una sensibilidad y un coraje sincero en sus obras. Decidí que este texto y lo que trae a escena merecían la pena ser contados”.

 

 

 

Cabe destacar que Federico Luppi se encuentra realizando trabajos de traducción y adaptación de otras obras de Furio Bordon a fin de trabajarlos y presentarlos en los próximos meses. Respecto a la actriz Susana Hornos, co autora y co directora junto a Zaida Rico de la renombrada obra teatral “Granos de uva en el paladar”, se encuentra preparando su próxima obra “Pinedas tejen lirios”, a estrenarse en julio de 2013, además de presentar diversos trabajos actorales en España y Argentina, y de haber recibido el premio actriz revelación en el Festival de Toulouse (Francia) por la película “Pasos” de su autoría.

"Lugar, tiempo, mujeres," nuevo espectáculo de Marisa Cura en el Centro Cultural Borges

La bailaora y coreógrafa Marisa Cura, de regreso de su último viaje a España, estrenó el el viernes pasado el notable espectáculo flamenco "Lugar, tiempo, mujeres" en el Centro Cultural Borges en Buenos Aires. Dice Marisa que en el nuevo trabajo circulan pensamientos relacionados "con la madre tierra, la madre patria, las maestras, mi madre, mi ser mujer, mi hija y todas las mujeres que nos ensenan y nos transmiten algo de ese ser."

En efecto el espectáculo es un homenaje a la mujer, de distintos lugares y tiempos, la búsqueda por el lugar de la mujer en el mundo. De una energía artística impresionante, el espectáculo aborda diferentes aspectos de la esencia femenina a través del baile, el cante y un escenario que incluye en el fondo proyecciones de video que agregan elementos expresivos a los bailes y en las cuales aparece el único hombre en el espectáculo.

Aparte del trabajo impecable de Marisa Cura y su compañia hay que destacar Claudia Montoya(cante), Fernanda de Córdoba (guitarra), Paz Maiaru (violin).

Funciones: Viernes y sábados de mayo a las 20 horas

Centro Cultural Borges, Viamonte 525, esq. San Martín, Sala III, piso 3

Localidades $80 y $90 / Estudiantes y jubilados $60

Entradas por http://www.plateanet.com o en boleteria del teatro

Facebook: Marisa Cura (Compañia de Arte Flamenco

Trailer: http:www.youtube.com/watch?v=EUXF96a_frw&feature=youtu.be

 

Ficha artística-técnica

Dirección general: Marisa G. Cura

Músicos: Claudia Montoya (cante), Fernanda de Córdoba (guitarra), Paz Maiaru (violin)

Bailarinas: Marisa G. Cura, Cecilia Lagarejos, Dalia Rosenfeld, Fernanda Brandao, Joanna Ingrassia, Macarena Cambre, Yamila Lahoud

Bailarina invitada: Yasmin Frione

Diseño gráfico: Cecilia Lagarejos

Fotografía afiche: Analía Ledesma

Diseño de vestuario: La Compañía

Confección de vestuario: Cristina Miranda

Video y proyección: Martín Aletta

Prensa: Marisol Cambre

Producción: M´Oro Rubí

Sobre Marisa Cura:

Bailarina y coreógrafa, Marisa Cura, es hoy una de las principales representantes del flamenco en Argentina. Su estilo jondo y visceral la sitúa como una bailarina de carácter y peso en el escenario. Sus amplios conocimientos del flamenco, además de otros estilos de danza: clásico, contemporáneo y otras artes escénicas como teatro y música, la destacan a la hora de dirigir un espectáculo. Estudió flamencoen Buenos Aires y en España. Entre sus principales formadores se encuentran: “la China”, Manolete, Belén Maya, Eva la Yerbabuena, Antonio Canales, Juana Amaya, Farruquito, Antonio Reyes, Belén Fernández, Juan Andrés Maya, Miguel Cañas, Isabel Bayón, Soledad Barrio, Rafael Amargo, Ana Cali, Pilar Ortega y Antonia Moya.

 

Comienza a dirigir sus propios espectáculos en 1996 con “Lorca y Flamenco” (C.C.G.S.M), entre otros éxitos. Luego le suceden obras como “Aire Flamenco”,  “Flamenco y otras yerbas…” “Flamenco Vivo” y “Menta y Fuego”. En el año 2006, y con el apoyo de ARNET como sponsor principal y el subsidio de PRODANZA, realiza “Lugar, Tiempo y Flamenco” (Teatro Avenida, y gira Nacional) y en el año 2007 estrena “Menta y Fuego II” (Teatro El Círculo de Rosario, Teatro Real de Córdoba) con el mismo sponsor, y luego “Y a la 1, las 2 y las 3…” (2008). Desde el año 2010 realiza funciones en el Ciclo “Maestras Flamencas” en el Perro Andaluz.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

"Dirán que fue la noche," notable espectáculo poético-musical de Malala González en La Scala de San Telmo

La cama es lugar de sueños, fantasías, vuelos poéticos; entre las sábanas por momentos el mundo con sus realidades sórdidas se hace humo y aparece la reina palabra: “Mi casa tan lejos del mar/ Mi vida tan lenta y cansada/Quien me diera tenderme a soñar/Una noche de luna en la playa.” (J. de Ibarbourou)

Malala González, actriz y cantante, se despierta, estira el cuerpo, mira a su alrededor como si el sueño todavía se envolviera su cuerpo. “En plena noche, cuando levanto/ la vista a la estrellada inmensidad/Siempre me digo a solas/¡esos astros en que silencio/ caminando van!”

Los versos salen de su boca como descubrimientos del alma; otras veces, con el acompañamiento del pianista Gustavo Twardy, canta como una mujer enamorada, dispuesta a emplear el escenario como el nido de un pájaro.

“Dirán que fue la noche,” es un espectáculo musical-poético de mucho vuelo. Las poesías han sido elegidas con gran criterio: Alejandra Pizarnik, Silvina Ocampo, Susana Thénon, Alfonsina Storni, Ivonne Bordelois, Marosa Di Giorgio, Juana de Ibarbouru…

Es una experiencia teatral innovadora, ya que resalta la belleza de la palabra, la organicidad del cuerpo de la actriz, la música original y vestuarios de gran variedad que Malala va incorporando en la medida que avanza entre una poesía y otra.  

Dirán que fue la noche: Domingos 18 horas

 La Scala de San Telmo, Pasaje Giuffra 371

Bono contribución: $ 60

(Descuentos estudiantes y jubilados: $40)

Reservas / Bar: 4362-1187

Actriz / Cantante: Malala González

Pianista: Gustavo Twardy

Música original: Gustavo Twardy

Puesta en Escena y Dirección: Alfredo Martín

Domingos 18hs. (Funciones: abril y mayo)

La Scala de San Telmo - Pasaje Giuffra 371
Bono contribución: $ 60 (Descuentos estudiantes y jubilados: $40)
Reservas / Bar: 4362-1187

Escenografía: Alejandro Alonso

Iluminación: Alejandro Alonso y Alfredo Martín

Vestuario: Ana Revello

Asesoramiento Artístico: Marcelo Bucossi

POESÌAS:

Silencio (Juana de Ibarbouru) Desde mi ventana (Juana de Ibarbouru)

Almas Jugosas (Alfonsina Storni)

En tu aniversario (Alejandra Pizarnik)

Nada (Alfonsina Storni)

Siempre salgo (Marosa di Giorgio)

A veces, en el trecho de huerta (Marosa di Giorgo)

Oración de gracias por un insomnio (Ivonne Bordelois)

El amor perseguido (Silvina Ocampo)

Exorcismos (Ivonne Bordelois)

Alguna vez (Alejandra Pizarnik)

Si muriera (Idea Vilariño)

Me he casado (Susana Thénon)

Murgatorio(Susana Thénon)

Que ángel te librara de la tristeza (Silvina Ocampo)

"SchultzundBielerundSteger," espectàculo de humor negro de Matías Feldman

La memoria humana tiene fallas, es cierto. Pasan horas, días, años y cuando la mente vuelve a concentrar sobre un hecho del pasado lo reconstruye sutilmente, agregando o quitando, introduciendo leves modificaciones. Es lo que sucede en “SchultzundBielerundSteger,” un espectáculo de humor negro, un policial con arrebatos surrealistas.

Los espectadores se preparan para el espectáculo subiendo una larga escalera en caracol con una pelota plástica en la mano (la entrada), para luego acomodarse en las butacas. En el fondo del escenario algo mínimo sucede entre un hombre y una mujer, se apagan las luces, se levanta el hombre, camina con aire desconcertado, llega ella, conversan, o más bien una interrogación.

La primera secuencia se repite dos veces más, con pequeñas modificaciones. El hecho narrado es complejo y a la vez poco preciso. Involucra a Schultz, Bieler y Steger, las situaciones se intercalan; Steger trata de reconstruir lo que verdaderamente aconteció, si es que algo sucedió realmente. Hay un muerto en el baño, un cadáver que escapa. En realidad, todo sucede en la cabeza de Steger, quien poco a poco va dando pistas imposibles de seguir; las versiones se distorsionan.

En concordancia con el argumento, las voces de los actores suben o bajan, los ojos se agrandan o se achican, hay miradas extrañadas, acciones que se repiten pero nunca exactamente de la misma manera. De modo que el espectador se entretiene con la percepción de los cambios anímicos de los actores mientras luchan con una historia que no tiene una lectura única. O con acciones que proponen ruptura: la mujer muestra sus dientes, el hombre dice “me gusta tus dientes” y luego la besa apasionadamente.  

Viernes 21 hs.

EL TEMENOS TEATRO

Av. Gaona 1.880 – CABA.

Reservas 45832782

Entradas $45- Desc a jubilados y estudiantes $30-

Actúan:

María Laura Castillo

Laura Aramburu

Rodolfo Zaiat

 

Autor: Matías Feldman

Dirección: Sebastián Raffa

Asistente de dirección: Gisela Rebichini

Producción: Compañía Bisou

Prensa: Laura Castillo

Voz en off: Martín Najlis

Fotos y diseño gráfico: Andrea Salomón

Luces: Camilo Cerón

ESTA OBRA CUENTA CON EL SUBSIDIO DE PROTEATRO

"El puente de la Mariposa," espectáculo de energía bailada de Teresa Duggan

"El puente de la mariposa” de Teresa Duggan es un despliegue de energía danzada, color, música, máscaras y ritmos que intercalan técnicas de oriente y occidente, enlazando sutilmente relaciones del mundo animal con el andar del ser humano. Propone sorpresas, cambios constantes, desarrolla un universo propio en el escenario del British Arts Center.

Es impactante ver desplazar los cuerpos de los bailarines en constante recambio de energía, experimentando con la velocidad y el peso, trabajando formas geométricas, entremezclando con telas de múltiples colores, dibujando una enorme mariposa en el fondo de la sala, cruzando el puente con la música de “Madam Butterfly.” Cabe destacar el noble e impactante sonido de los tambores, del Mukaito Taiko, una agrupación que difunde un estilo musical que combina la percusión tradicional japonesa con los movimientos del karate, mediante el ensamble de tambores.

 Se rescata la belleza de los objetos escénicos, perfectamente incorporados a los movimientos de danza, los juegos rituales, las sensaciones oníricas o bien lúdicas sensaciones, como si el espectáculo fuera una invitación al sueño o a la liberación de la imaginación.

 Ficha Artística Técnica:

Idea t dirección:                     Teresa Duggan

Música original:                      Facundo López Burgos

Música en vivo:                      Narda Gómez Gutiérrez y Natalia Yagi, del grupo Mukaito

Taiko

Coreografía:                            Teresa Duggan y aportes creativos del elenco

Intérpretes:                             Teresa Duggan, María Ingrey, Laura Spagnolo, Josefina

                                               Peres y Ariel Tejada

Artista que participa en algunas funciones: Silvia Kaehler

Diseño de iluminación:          Teresa Duggan

Vestuario:                               Nam Tanoshii

Prensa:                                               Simkin & Franco

Asistente general:                   Claudia Valado

Director técnico del BAC:     Daniel Campoya

Foto:                                       Mariana Berger

Maquillaje:                              Mónica Sarli

 

Teresa Duggan:

Es bailarina, coreógrafa y maestra de danza. Se formó en Buenos Aires en el estudio de Ana Itelman y en New Cork en las escuelas de Alwin Nikolais, Merce Cunningham, José Limón y Movement Research. En 1984, luego de vivir 4 años en New Cork, regresó a Argentina y creó Duggandanza. El grupo cuenta con una gran coreográfa, y obtuvo premios en Brasil y Argentina.

Duggan estrenó más de 50 obras coreográficas presentadas en Latinoamérica, Estados Unidos, Europa y Asia. Fue galardonada con los premios Argentares 2005 por “Fulanos,” “A todo vapor,” “Sin Escalas” y “Zigzag el movimiento de los niños.” En 2007, recibió el premio Trinidad Guevara por “Sudestada”; y el Ace por “Sin Escalas.”

Como maestra de danza formó bailarines en las escuelas de Margarita Bali, Taller del Teatro San Martín, Escuela de circo La Arena, Escuela Arte XXI, Fundación Horacio Harper, Estudio de Ana Itelman, Ana Deutsch y en su propio espacio, sede de Duggandanza desde 1996.

Sobre Mukaito Taiko

La agrupación nació en agosto de 1994 y mantiene viva la tradición de este estilo musical que combina la percusión tradicional japonesa con los movimientos del karate, arte marcial propio de la isla de Okinawa.

Se formó por iniciativa de Mónica Higa y Claudia Toma, quienes luego de una beca en Okinawa quisieron transmitir lo aprendido sobre taiko.

En l994, con la visita de Mukaito Daiko de Okinawa a la Argentina y la donación de tambores, surge Mukaito Taiko Argentino como primer grupo de kumidaiko en el país. Los caracteres que conforman el nombre tienen por significado “El sueño de cruzar el mar” y hacen alusión a la gran cantidad de jóvenes Okinawenses que salieron de sus tierras en busca de nuevos horizontes.

Actualmente, la agrupación está integrada por jóvenes descendientes de japoneses así como también por argentinos que comparten el interés por su cultura.

"Pensando en Astor," espectáculo de Walter Eliseo Centurión en el teatro Empire

En uno de los teatros más típicos de Buenos Aires, a un grito del Congreso Nacional Argentino, los bailarines del espectáculo “Pensando en Astor” llevan los genuinos aplausos de un nutrido público, explorando la estética del tango y la generosidad musical de Astor Piazzolla.

El espectáculo se presenta en el Teatro Empire, uno de los teatros de más historia en la vida de Buenos Aires. Diseñado por el Arquitecto Sabaté, en un estilo del mejor Art-Deco de preguerra, y ornamentado por los murales de Juan Carlos Montero y Dante Ortolani, fue inaugurado el 20 de Junio de 1934 con una función en la que participaron Azucena Maizani, Camila Quiroga, Fernando Quiroga, Fernando Ochoa , y Gloria Kazda entre muchos otros.....

Es sin embargo un lugar ideal por un espectáculo como "Pensando en Astor." No solo es notable el cuerpo de baile: la banda que toca en el fondo del escenario es un muy fiel representante del concepto musical de Piazzolla.

El resultado es un espectáculo de muy preciso engrenaje, tanto para el ojo como para el oído. La elegancia de los bailarines se fusiona perfectamente con la ejecución de los músicos.

Funciones:

Domingos 14 de Abril ,19 de Mayo, 16 de Junio, 14 de Julio y 18 de Agosto a las 20 hs

Teatro EMPIRE

Hipolito Yrigoyen 1934. Teléfonos: 4953-8254 / 4954-0192

Entradas anticipadas : $70

Entradas el día de función $90

http://www.alternativateatral.com/entradas25299-pensando-en-astor?o=15

Compañía Expresarte Ballet

Director de la Cia. : Walter Eliseo Centurión.

Ariel Almirón, Anabella Sofia Chinellato, David Fabricio Ávalos, Evelyn Bareille Hosel, Pablo Flores, Gabriel Piñeiro, Aldana Jiménez, Jennifer Cerrotta, Candela Liss, Christian Horacio Herrera, Marcela Jimenez, Charly Morales y Sabrina Ramos Carrasco.

Coreografías: Mariana Gallo Sacerdote, Sebastián Huici, Juan Manuel Genes, Jorgelina Platania.

Orquesta Astormentados Quinteto: Adolfo Trepiana en bandoneón, Nicolás Garay en guitarra, Javier Kase en violín, Javier Arteaga en contrabajo y Juan Ignacio Esteguy en piano.

Música original: Astor Piazzolla.

Artistas invitados: Maxi Copello y Nadia Jonshon y Silvina Vaccarelli

Fotografia : Hernan Conde, Maru Pasacariello, Erica Ventre, Jazmin Paz

DIRECCION GENERAL: Mariana Gallo

Más informacion sobre la compañía http://waltercenturion.wix.com/expresarteballet

Acreditaciones, entrevistas, fotos y más info:

Lic María Laura Castillo

15.6837.7711

[e-mail]

www.castillomarques.com.ar

""El caso Revoredo," un espectáculo de humor de Guillermo Difilippo con la dirección de Horacio Acosta

Hay algo que perturba en el escenario: muchas cajas llenas de papeles y personajes que parecen no reaccionar según la lógica común. Bueno, los seres humos en realidad no somos muy lógicos. De todos modos los espectadores en el teatro La Terfulia no dejan de reír.¿Será un cuento de Franz Kafka? ¿Pero no, Kafka no escribe comedia, verdad?

En realidad La dramaturgia es de Guillermo Difilippo y la dirección de Horacio Acosta. "El caso Revoredo," es un espectáculo de humor ácido basado en situaciones de la realidad, una realidad torcida, boca abajo. Dos abogadas, su secretaria y su cadete se encuentran en un extraño lugar. De repente, alguien toca la puerta. ¿Quién será? Aparece un cuerpo envuelto en un bolso negro de plástico...

¿Para que seguir? Habrá que ir al teatro La Tertulia algún viernes dispuesto a reíar y pasar un buen rato con un nivel de actuación superior y un guión muy logrado.  Por las dudas el espectador podrá revisar alguna historia de Kafka.

Funciones:

Viernes 21 hs

LA TERTULIA

Gallo 826

Reservas s: 4865-0303

Entradas $ 70 Desc jubilados y estudiantes $ 50

Elenco (por orden de aparición):

Jana Vidal........................... Dra Mecha Espeche

Cecilia Prado .......................Dra. Fernández

Indiana Vissani..................... Ana

Jorge Gregorio .................... Hugo

Matías Zambrano ....................Yonatan

Luis Pasquali.........................Rivas

Idea: Guillermo Difilippo y Horacio Acosta

Dramaturgia: Guillermo Difilippo

Escenografía y vestuario: Félix Padrón

Asistente de Escenografía: Mauro Petrillo

Iluminación: Félix Padrón

Edición de Sonido: Nicolás Mariano Moro

Operacion de sonido: Mauro Petrillo

Prensa: Laura Castillo

Gráfica: Armando Ricci

Fotografía: Lula Gregorio

Dirección: Horacio Acosta

　

Acreditaciones, entrevistas, fotos y más info

Lic María Laura Castillo

15.6837.7711

[e-mail]

www.castillomarques.com.ar

 

Colección Tango, nueva creación de Leonardo Cuello

Los espectáculos tangueros de Leonardo Cuello son composiciones estéticas con marcadas características dramáticas, que investigan los límites de la expresividad corporal de los bailarines. Es el caso de Colección Tango, espectáculo estrenado el jueves pasado en el Centro Cultural de la Cooperación.

En tango para silla sin asiento de Isabelle Paez la bailarina se desplaza por el escenario como un pajarito en su jaula, exponiendo todas las posibilidades del cuerpo con una precisión exacta y con la esencia de tango en cada paso. El juego que arma con la silla incorpora la sorpresa y el dramatismo.

Colección Tango abarca tres piezas, Diamante, Entre tus brazos y Eterno, entrelazas cada una con contenidos de tango, danza contemporánea, teatro, escenografía estética, variados vestuarios y el vertiginoso juego de piernas, brazos y miradas.

El resultado es un espectáculo visualmente bello, lleno de pausas, ritmos y recambios que reflejan los intentos de la compañía de Cuello de abordar la innovación y a la vez buscar la personalidad intrínseca de cada uno de los artistas.

Funciones

Jueves 11 de abril a las 20 horas
Ciclo Abril/Mayo - Funciones: Jueves 20 hs.
Centro Cultural de la Cooperación, Sala Solidaridad
Av. Corrientes 1543 - Informes: 5077-8077
Localidades $ 60

Coreografía y Dirección General:  Leonardo Cuello

Bailarines:

Milagros Rolandelli y Lisandro Eberle
Ayelen Sanchez y Walter Suquia
Laura Zaracho y Ollantay Rojas
Andrea Kuna y José Lugones
Nuria Lazo y Federico Ibáñez

 Diseño de Vestuario e Escenografía: Nora Churquina
Diseño de Iluminación: Koqui Ferreyra
Diseño de Banda Sonora: Sebastián Verea
Fotografía: Luciana Paduano

Artistas invitadas:

Isabelle Páez (funciones de Abril)
Maximiliano Martino Ávila (funciones de Mayo)

La Compañía de Leonardo Cuello viene realizando un intenso trabajo creativo con la búsqueda de nuevas maneras de proponer el Tango en el escenario. En sus años de vida ha logrado plasmar sus logros a través de dos obras “Quintaesencia” y “Tetralogía”, ambas con excelentes críticas de la prensa especializada de Buenos Aires, su público y algunas incursiones internacionales, específicamente en Italia. 
Entre los nuevos retos que nos proponemos está el de dar a conocer nacional e internacionalmente nuestro trabajo, nuestro serio y comprometido logro a partir de pensar en cómo sorprender a un público ya habituado al género, pero que aún no conoce nuestro particular estilo de hacer Tango.
“Colección Tango” es sin duda una inteligente reunión de obras, que sin traicionar la personal filosofía artística de la Compañía, posee todos los elementos necesarios para ser un éxito en el mundo comercial de la danza. 
Una a una cada pieza entrelaza contenidos de tango, danza contemporánea, teatro, escenografías y elementos de diseños originales de banda de sonido y vestuario, sin traicionar por ello los valores fundamentales del abrazo y el maravilloso lenguaje que se genera a partir del vertiginoso cruce de piernas, que son su identidad profunda.
Leonardo Esteban Cuello.
Coreógrafo y Maestro de Tango. Ex Bailarín.
 Profesor Asociado de las materias Tango III y IV e Interpretación Coreográfica del Tango I y II para la Licenciatura en FØolklore Mención Tango en el Área Transdepartamental de Folklore del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA).
 Coreógrafo y Director Artístico de la Compañía de Tango del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA).Ø
 Consejero Superior por el Claustro Docente del Honorable Consejo Superior del Instituto Universitario Nacional del Arte.Ø
 Asesor de la Comisión Directiva del Festival Internacional Cambalache.Ø
 Maestro de Tango y Coreógrafo del Ballet Folklórico Nacional.Ø 
 Maestro y Coreógrafo (en colaboración permanente desde 2006) en el “Laboratorio di Tango Argentino” (Torino-Italia) y en “Patras Tango” (Patras-Grecia, desde 2012)Ø
 Coreógrafo del lenguaje Tango en las Galas del Día Internacional de la Danza de Buenos Aires (2009/10/11/12)Ø
Menciones 
Seleccionado por la “HISTORIA DEL TANGO” Volúmen Nro. 20 “Siglo XXI década 1”, de Editorial El Corregidor, como uno de los tres Coreógrafos más destacados.
2011 Nominación: “Premios Teatro del Mundo” Rubros Coreografía y Fotografía de “Tetralogía” Tango & Fusión.
La Cia. ha presentado sus espectáculos en los festivales de la ciudad 2008 y 2010.

Festivales Internacionales:
2008 “Florence Dance Festival” Florencia-Italia
2010 “Festival Oriente-Occidente” Rovereto-Italia
2012 “Primer Encuentro de Intercambio Artístico Torino-Buenos Aires” Italia (Organizado por el Laboratorio Baires).

Vuelve el espectáculo "Lamérica," de Giampaolo Samá

Luego de haber sido seleccionado Premio Mundo T 2012, mejor labor masculina en unipersonal, el espectáculo "Lamérica," de Giampaolo Samá vuelve a subir a un teatro porteño, El Búho.

El cocinero prepara su ragú cuenta historias de inmigrantes, vivencias que nos llevan a las minas, en las entrañas de la tierra, a navegar con un barco lleno de emigrantes al borde de una tragedia. Nos lleva a principios del 1900 mediante una relato de trámites kafkianos, los empleados autómatas, colas infinitas para conseguir la "radicación definitiva. El protagonista tiene un secreto en las mangas: cómo no sufrir el infierno del inmigrante.

Funciones: viernes 20:30 horas. Teatro El Búho, Taquarí 215, CABA.

                Teléfono: 4342 0885.

Email:  [e-mail]                       http://lamericaobra.blogspot.com.ar

 

"Danzón Park," espectáculo de Arístides Vargas sobre un héroe que se traiciona a sí mismo

Los espectáculos de Arístides Vargas apasionan a través de distintos lenguajes: la estética del espacio escénico, los movimientos corporales de los actores, la disposición de los objetos en el espacio, la iluminación, la música, la incorporación de la danza, personajes no estereotipados y guiones que provocan sensaciones contrariadas en los espectadores.

Es el caso de “Danzon Park,” que se presenta en el Espacio Urbano de Buenos Aires. Arcos es un general extravagante, retirado, obsesionado por sus sueños, es un héroe que se traiciona a sí mismo, ignorando su propia traición. Su esposa, Leda sueña con él cuando era joven;  la tía Yoga conspira para que su sobrino se entere de la traición de su mujer. La acción toma lugar en una pista de baile: el espacio de enfrentamiento del héroe y el traidor.

Vargas buscó exilio en Ecuador a raíz de la represión de la Dictadura militar en Argentina. Danzón Park contiene claras referencias al salvajismo de la Junta Militar, pero no es una obra orientada políticamente. Incorpora sutilmente elementos de la cultura ecuatoriana: los colores brillantes, la música, incluso algunos parlamentos en idioma indígena.

El héroe-traidor simboliza de alguna manera la dialéctica perversa presente en los conflictos sociales y en los individuos: en el propio cuerpo del protagonista conviven héroe y traidor, traiciona a si mismo, a su amada, a las amistades. El relato explica cómo el general mata al traidor, es decir, a si mismo. Su mujer, sujeta a una especie de sonambulismo, está enamorada del traidor, héroe cuando era joven.

La belleza estética, los movimientos danzados precisos, el canto cautivado del músico y el aire de somnolencia que prevalece en la sala permiten diversas lecturas de la historia. La traición es uno de los temas más antiguos de la literatura, una herencia inocultable de los homo sapiens. La intención de Vargas de edificar el espectáculo en base a diversos lenguajes es muy saludable porque el espectador sale de la sala de teatro elaborando o re-elaborando su propia versión de los hechos.

No por nada la pieza está dirigida por Antonio Célico, director y fundador de Ël Baliío Teatro,” un grupo que plantea la investigación teatral sin

 

Funciones:  Viernes a las 21:30 horas en el Espacio Urbano, Acevedo 460 (CABA)

                    Informes: 4854-2257. Entrada: $70.

Ficha técnica

Dirección:       Antonio Célico

Elenco:

Pablo Urruty (Arcos), Laura Torres (Leda), Viviana Yoselin Delgado (Tía Yoga), Lucas Sánchez(joven)

Asistentes de dirección: Cynthia Dávila Velarde y Laura Martín

Asistente de producción: Natalia Estévez

Diseño Escenográfico: Andrés Cudich

Diseño de Vestuario: Verónica Manzanares

Diseño de Iluminación: Jorge Merzari

Prensa: Simkin&Franco

Diseño Gráfico: Ezequiel Abreu

Asesoramiento musical: Miriam De Luca

 

Arístides Vargas

En 1975 y con apenas 20 años, Arístides Vargas tuvo que exiliarse en Ecuador debido a las persecuciones de la Triple A, antes del sangriento golpe militar de 1976 en Argentina.  En Ecuador conoció a la actriz Charo Francés, quien se convirtió en su esposa. Junto con otros artistas formaron entre alrededor de 1980 el grupo de teatro Malaverba. Dijo Vargas en una entrevista sobre la formación del grupo: “Estábamos creando lazos de exilio que pasan fundamentalmente por lo afectivo. Afectuosamente nos sentíamos bien, y para nosotros eso era suficiente. Sólo nos convocaba la idea de estar juntos”.

Desde entonces el grupo ha realizado más de 20 obras tales como Jardín de Pulpos, Pluma, La edad de la ciruela y Donde el viento hace buñuelos, entre otras, que se han representado en distintos países de América y Europa. Malayerba es considerado como uno de los referentes internacionales más significativos del teatro latinoamericano.

"Sangre de mi sangre," espectáculo de humor ácido de Macarena García Lenzi en el teatro Anfitrion de Buenos Aires

¿Cómo reaccionar ante la muerte del padre? ¿Llorar? ¿Guardar los recuerdos en un cajón? ¿Caminar los espacios de la casa como si papa todavía viviera? Jesús y María José pasan las horas inventando juegos, enojándose, tirando la bronca al aire, como si el tiempo no existiera. Ella acaricia su amado hámster y mira “El Mago de Oz” en la tele, imitando Judy Garland, queriendo ser Dorothy Gale. José se entretiene con la cámara digital, es un peligro, quiere filmar todo, piensa que es cameraman, se imagina director, tiene el guión “Sangre de mi sangre” en su mano, critica fuertemente la actuación de María.

“Sangre de mi sangre” es una deliciosa comedía de humor ácido, el tipo de humor que exige tomar con absoluta seriedad hasta la ocurrencia más absurda. Hay que ver con cuánto cariño ella se dirige al cajón con las cenizas del padre, cómo pasa la mano sobre el jarro que contiene el bebé abortado embalsamado.

Suena el timbre una vez, otra vez. ¡Qué problema! La llave parece trabada. Entra “la Negra,” la media hermana para buscar su parte de la herencia, la casa, pero José y María no quieren vender la casa donde vivía el padre. ¿Qué hacer entonces? “Si “¡Si queres podes quedarte a vivir aca, no sabes la cantidad de sabanas que tenemos!” Aparece un conflicto universal: la herencia.

Dice la autora y directora Macarena García Lenzi: “Los hermanos harán lo imposible para retener a esta medio-hermana en este mundo que ellos han logrado construir, dentro del cual parecen gozar de una impunidad propia de la infancia de la que nunca han salido ..Y para lograr su objetivo, se servirán de una cantidad de juegos perversos en donde sera dificil distinguir quién tiene la piedra, quien el papel y quien la tijera.

“Sangre de mi sangre” es una tragedia por momentos cómica, que surge a partir del deseo por explorar el terror psicológico y el suspenso, en el ámbito teatral.”

El estreno del espectáculo ayer fue saludado con gran entusiasmo pero tal vez una mejor manera de medirlo sería ir a verla y escuchar la reacción del púbico a los gags.

Sangre de mi sangre

Dramaturgia y direccion

Macarena Garcia Lenzi

Con     Agustina Cerviño, Valeria Giorcelli y Matias Marmorato

Diseño de escenografia e iluminacion: Fabian Harsanyi

Realizacion de escenografia: Federico Torres y Gustavo Lucero

Vestuario: Laura Ohman

Realizacion de FX: Martina Urtubey

Musica original: Axel Krigier

Prensa: DucheZarate

Diseño grafico: Florencia Vallverdu

Asesoramiento artistico: Julieta Garcia Lenzi

Asistencia de direccion y produccion: Jordan Orlando

Produccion: Macarena Garcia Lenzi

Dramaturgia y direccion: Macarena GarcíaLenzi

 

Funciones: Jueves a las 21hs

Localidades: $ 60.- Jubilados y estudiantes: $ 40.-

Teatro Anfitrion – Venezuela 3340 – 4931-2124

 

Prensa: Walter Duche – Alejandro Zarate – 4857-2806 / 15-5808-1039
[e-mail]  / www.duchezarate.com.ar
Seguinos en Twitter: @duchezarate y en Facebook: DucheZarate

 

Prensa: Marcos Mutuverría
Agencia DucheZarate 4857 2806
Personal 15 6593 2630 Blackberry PIN 25DF24AA
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Twitter @MarcosMutu

"La alegria de Copérnico," espectáculo de Federico Ibarra en el teatro el Popular de Buenos Aires

 El sol llena el escenario y forma un círculo de luz. Parado en medio de un mar de bolsas negras rellenas, y con un extraño aparato en la mano,  Copérnico dirige su mirada siempre hacia arriba, como si estuviera a punto de encontrar algún secreto oculto. “Hoy algo no función,” reclama con evidente fastidia. Algo comienza a moverse entra las bolsas: es Alegría.

No hay que engañarse: ya estamos en el albor de Pascuas en el occidente cristiano, abril de 2013 y sabemos que la Tierra no es el centro de todo, que tampoco vale la pena seguir insistiendo en la visión heliocéntrica del contestatario Copérnico, elaborada unos cinco siglos atrás, pues sabemos que la Tierra no orbita en torno al Sol.

No importa. Pocos genios son reconocidos sino después de elaborar sus obras, sus teorías, y el conocimiento es un proceso de acumulación constante. En 1616, la Iglesia Católica se asustó de la visión del astrónomo polaco y prohibió lisa y llanamente sus libros. ¿Cómo decir que el hombre no es el centro de todo? ¡Blasfemia!

 Como es imposible prohibir las ideas, el dramaturgo Argentino Federico Ibarra meditó sobre el caso y escribió el guión para el espectáculo, “La alegría de Copérnico,” que sale al escenario todos los viernes a las 21 horas en el Teatro el Popular.

Copérnico se muestra muy obstinado en su búsqueda de la verdad, algo lógico ya que todos los descubrimientos humanos que han implicado una visión renovada del mundo y del universo se han realizado con pasión y con riesgos evidentes en relación con el orden establecido.

Pero Alegría es una mujer apasionada, visceral; es seductora, rebelde, juguetona, y a la vez compañera fiel. Sus amenazas de fuga son en realidad pedidos. Cabe preguntar en el contexto: ¿fugarse hacia dónde? ¿Hacia ese mundo homocéntrico? ¿Hacia los valores anteriores? ¿O será una fuga hacia adelante?

            ¿El amor sería otra invención humana, se termina, se recompone en otro contexto? Alegría (Coral Gabaglio) y Copérnico (Federico Ibarra) componen una pareja intoxicadas por la intensidad de la relación y la tentación de fuga. La utilización de ciertas técnicas de clown de parte de Coral facilita la comunicación del conflicto a los espectadores.

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“LA ALEGRÍA DE COPERNICO”
de Federico Ibarra
Dirección: Umbra Colombo

TEATRO EL POPULAR
Chile 2080 – CABA – Tel. [phone]
Funciones: Viernes 21 horas
Localidades $ 60 – (estudiantes y jubilados $40)

Actores:                    Coral Gabaglio y Federico Ibarra

Dramaturgia               Federico Ibarra

Escenografía               Colombo, Gabaglio e Ibarra

Asistentes de escena: Rita Miranda, Jimena López

Diseño de luces          Javier Rincón

Sonido                       Maxi Burgos

Vestuario                    Colombo, Gabaglio, Ibarra

Operador de luces      Daniel Aimi

Producción                 Pili Ortiz, Jimena Veiga

Diseño gráfico            Guadalupe Lobo

Fotografía                   Paula Maniglia

Supervisión artística   Norman Briski

"Los Persas," de Esquilo, estrenado ayer por Mónica Maffía en el Espacio Urbano de Buenos Aires

 ¿Cómo imaginar los personajes, el vestuario, las voces y los movimientos escénicos de la más antigua obra teatral que se conserva, escrita por Esquilo en 472 A.C.? ¿Cómo conmover el espectador de 2013, acostumbrado a toda clase de tecnología ultra moderna,  con un relato de guerra sobre la tal vez olvidada Batalla de Salamina entre los persas y los griegos, cuando el escritor es un griego que cuenta la historia desde el punto de vista de los Persas?

Seguramente la directora Mónica Maffía articuló el espectáculo “Los Persas,” estrenado ayer en el Espacio Urbano de Buenos Aires, luego de profundas investigaciones a cargo del Grupo de Teatro F y L de la Universidad Nacional de Buenos Aires. Pero además los actores han tenido que quitar de sus voces y cuerpos el adiestramiento del artista del siglo veinte uno para poner el traje de actores que no conocían ni luces escénicas, ni amplificadores de sonido ni escenarios preparados específicamente para embellecer el trabajo del actor.

Fiel a la esencia del teatro griego, la directora incorpora el coro, las máscaras, maniquíes montados sobre ruedas, la magia, los rituales y hasta los sueños para dar vida y actualidad a la historia, facilitando la exploración del dolor de los Persas ante su definitiva derrota.

La obra de Esquilo estimula discusiones artísticas como así también políticas y sociales. Ni en aquel momento ni ahora es fácil escribir a partir de la situación del “enemigo.” Llama la atención incluso que Esquilo  luchó a favor de los griegos en la batalla de Salamina.

Otro hecho digno de mención tiene que ver con los prejuicios de género, los de ahora y los de aquel entonces. La reina madre de los Persas, Atosa, es mujer cuando los griegos no soportaban la presencia de la mujer en posiciones de poder. Para los Griegos de la época los persas eran afeminados y débiles por permitir que las mujeres combatieran al lado de los hombres o que disputaran grandes porciones de poder en el imperio, incluso como sátrapas, es decir, gobernadoras.

Con exclusión de la historia de los Persas, que de alguna manera es la historia de toda la humanidad, el espectáculo de Maffía es visualmente muy atractiva, por el vestuario y el escenario repleto de tapices persas, y la actuación es lúcida y mantiene un buen nivel de ritmo hasta el último minuto.

Funciones: domingos 24 y 31 de marzo a las 20 horas.

Espacio Urbano: Acevedo 460 (CABA)

Reservas: 4854-2257

Entradas: $60

Http://espacioculturalurbano.com

 

Grupo de Teatro F y L (Faculta de Filosofía y Letras –UBA)

Fundado y dirigido por Mónica Maffía en el 2002. Desde entonces el grupo ha presentado los siguientes espectáculos:

“Silencio” y “La Parada”, de Harold Pinter (Fetival Pinter C.C.Rojas-2003)

“Mercurio” vs “Los Alquimistas”, de Ben Jonson (Festival Verano Porteño –Ciudad Cultural Konex – 2004 y Centro Cultural Ricardo Rojas)

“Maimónides en Fostad”, con dramaturgia de Mónica Maffía (Congreso Internacional sobre Maimónides-Facultad de Filosofía y Letras UBA -2004)

“La Señorita”, versión de La Señorita Julia de Strinberg (Teatro Corrientes Azul-2005/Librería de mujeres -2006)

“Himno al sufragio femenino” (Performance para la reinauguración de la Librería de Mujeres – 2006)

“La improvisación de Versalles”, de Moliere (Teatro La Tertulia 2007-2008)

“El Banquete de Platón” (Centro Cultural Paco Urondo – 2008/Manufactura Papelera – 2009)

“Eduardo III”, de Shakespeare (Teatro IFT – 2009 y Teatro La Comedia -2010)

“Egresadas 1901”, de M. Maffía (190 Aniversario de la UBA-Colegio Buenos Aires/Librería La Libre 2011)

“Lectura de poemas en las plazas de Buenos Aires” (marzo -2012)

“Egresadas 1901” (C.C Tierra Violeta –marzo 2012 y Facultad de Filosofía y Letras – noviembre 2012)

El Grupo de Teatro FyL también ha incursionado en la ópera, participando en calidad de figurantes en las siguientes producciones líricas:

“Don Pasquale”, de Donizzeti (Casa de La Ópera/Dante Alighieri -2004)

“Bastien und Bastienne”, de Mozart (Dante Alighieri/Conservatorio/ Gilardo Gilardi – 2005)

“Fausto”, de Gounod” (Manufactura Papelera 2005/2006)

“Hand of Bridge”, de Samuel Barber/G. Menotti (Sala Villa, Villa del C.C Recoleta/Manufactura Papelera -2006)

“La Flauta Mágica” (Fundación Konex – 2007 y Teatro Roma de Avellaneda – 2008)

"Quiero decir te amo," espectáculo íntimo basado en cartas de amor, de Mariano Tenconi Blanco

 “Por primera vez en mi vida voy a escribir una carta de amor,” dice una mujer a su amada secreta.” Ha comenzado “Quiero decir te amo” espectáculo íntimo de Mariano Tenconi Blanco en una pieza antigua de La Casona Iluminada. En el fondo vibran los instrumentos de los músicos suavemente. “No sé quién serás y yo pienso, ¿qué vas a pensar? De mí, ¿qué vas a pensar?” y se dirige a  la primera fila de espectadores.

Una mujer conoce por azar a un hombre tras un accidente automovilístico y comienza a escribirle cartas de amor. La esposa del hombre las descubre. Yanina Gruden y Mariángeles Bonella, las actrices, entran en la piel de dos enamoradas que se conocen insólitamente a través de un apasionado intercambio de cartas. De allí surge un amor chispeante, imposible, una relación que da para explorar los vericuetos del amor.

Con un sello melodramático, el espectáculo involucra a través de la escritura, dos mujeres oprimidas por los varones, o bien padre o bien marido, y a partir de allí construyen una especia de ficción del mundo: un mundo que se presenta real para los varones y de fantasía para las mujeres. “El mundo real no está preparado para el amor,” dice una de ellas, “el amor es un invento de las mujeres.”   

     Mientras los músicos siguen suspirando con sus instrumentos el espectáculo termina a través de la última carta:

“Te amo tanto. Y soy mejor desde que te conozco. Vos sos mi sangre y yo la tuya. Te amo. Sólo una mujer sabe lo que esto significa.”

 

Quienes así lo desean pueden comprar el texto de la obra de Mariano Blanco, ya que es ofrecido por $15 pesos en la sala de espera, antes de subir dos pisos más hasta llegar a la sala—muy apropiado para el espectáculo, con capacidad para 22 espectadores. Editado por Libros Drama: [e-mail].

Funciones: viernes 23:00 hs.

Sala: La Casona Iluminada (Av. Corrientes 1979)

Entrada: $ 70, $50 con descuento.

Reservas: 011 4953 4232 [e-mail]

Ficha Técnica:

Elenco: Mariángeles Bonello y Yanina Gruden

Música en vivo: Ignacio Llobera y Santiago Johnson

Escenografía y Luces: Merlina Molina Castaño y Mariano Tenconi Blanco

Vestuario: Merlina Molina Castaño

Colaboración en Vestuario: Mariángeles Bonello, Yanina Gruden y Marina Ortega

Asistencia de Vestuario: Vanina Vargas

Maquillaje y Peinado: Gabriela Illarregui

Música compuesta por Ignacio Llobera y Santiago Johnson, salvo “Sous le dôme épais” de la ópera Lakmé (música de Léo Delibes y libreto de Edmond Gondinet y Philippe

 Gille)
Fotografía: Lucas Coiro

Diseño Gráfico: Gabriel Jofré

Producción Asociada: Berenice Mazzarelli

Asistencia de Dirección: Marina Ortega

Texto y Dirección: Mariano Tenconi Blanco

Prensa: OCTAVIA Comunicación y Gestión Cultural www.octaviacultura.com.ar