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Buenos Aires Jaque Press, en inglés y español

"Solo me despierta ponerme a cantar," espectáculo musical-teatral de Grisel Bercovich

"Solo me despierta ponerme a cantar," espectáculo musical-teatral de Grisel Bercovich

Sarona, se despierta, estira el cuerpo, presta atención al precioso vestido japonés que cuelga de su cuerpo, avanza hacia el piano y se pone a cantar. Sarona es la cantante y actriz Grisel Bercovich; ella irá descubriendo su identidad mientras la música entra en su alma como el transcurrir de las estaciones. Ella puede ser geisha, pachamama, Carmen Miranda o Mercedes Simona, puede entender el mundo desde varios modelos femeninos, pero lo que inspira su proceso de auto-conocimiento es la música.

“Solo me despierta ponerme a cantar,” es un espectáculo musical-teatral tranquilo, de suaves tonos, como el loto sobre el agua, es un personaje que puede transitar por diferentes realidades—canta en japonés, en portugués también—viaja, se acomoda a diferentes circunstancias pero siempre guiado por su alma musical.

Cuenta con la valiosa colaboración de  Gustavo Maggi y Gustavo Fogiel en guitarra y charango.

 Funciones:

 Viernes a las 20:30 horas en Multiespacio JXI, Gascón 1474, Palermo, CABA. Entrada: $50. Reservas: solomedespierta@gmail.com /

Te: 15-4565-3590 

                                                      
Ficha técnica

Dramaturgia: Grisel Bercovich y María Colloca 
Canciones originales: Grisel Bercovich
Intérpretes: Grisel Bercovich y Gustavo Maggi 
Músico. arreglador de las canciones en vivo, guitarra, charango: Gustavo Fogiel
Diseño de Escenografía y realización: Fernanda Salomé.
Diseño de vestuario y realización: Clara González y Valeria Fernández
Diseño de Iluminación: Santiago Miró
Realización de pistas musicales: Jorge Pascuale 
Produccion y grabaciòn de la versión en audio de la obra: Ignacio Manzo
Efectos sonoros: Gabriel Bercovich
Fotografía: Gustavo Maggi y Steve Thayalan (Retoque digital)
Diseño gráfico: Carla Maggi/ maggi.carla@hotmail.com
Asesoramiento en fonética japonesa y traducción: Keiko Ueda
Asesoramiento en fonética y dramaturgia en portugués: Ramiro Giménez
Página web y multimedia: Ignacio Manzo
Prensa: AGW Prensa+Difusión info@agwprensa.com.ar
Producción general: Gustavo Maggi 
Dirección: María Colloca         


  www.solomedespierta.com.ar

"El cadáver de un recuerdo enterado vivo," espectáculo iconoclasta de Sergio Boris

"El cadáver de un recuerdo enterado vivo," espectáculo iconoclasta de Sergio Boris

La muerte es un tema que preocupa a todos. En el escenario puede dar lugar a un espectáculo trágico, denso, conmovedor; o bien puede ofrecer una buena oportunidad para la burla y para la meditación. “El cadáver de un recuerdo enterado vivo,” una tragedia oficinista dirigida por Sergio Boris, surgió del proyecto de graduación de un grupo de  egresados del Instituto Universitario Nacional de Arte que ya acumula cuatro años consecutivos de presentación en espacios teatrales argentinos.

El factor desencadenante es la muerte de la dueña de una empresa, y hasta ahí todo parece obedecer a la lógica convencional; lo que convierte el espectáculo en una experiencia única para el espectador no es tanto la historia sino el estilo de actuación, la concentración de los actores, la intensidad de sus miradas, sus gestos y sus movimientos milimétricamente precisos.

 Montar el espectáculo en el Machado teatro es además otro acierto, pues debido al reducido espacio en la sala los espectadores prácticamente se transforman en “voyeurs” y pueden apreciar en detalle las expresiones corporales y los gestos mínimos de los actores, tarea nada fácil con 16 actores entrando y saliendo del espacio escénico.

El tono que adquiere el espectáculo es una mezcla de burla y cinismo, con una dosis fuerte de melodrama, pero como las actuaciones son muy orgánicas las acciones invitan a meditar no solamente sobre el significado de la muerte sino también sobre la miseria humana.

 Los empleados de la empresa se presentan para ofrecer sus condolencias al viudo, pero con el transcurrir de los acontecimientos se dividen en grupitos y de este modo van apareciendo las características individuales, los celos, la envidia, la competencia, la falta de lealtad.

Ya al cumplirse seis meses del fallecimiento de la dueña de la empresa de aluminio, el viudo, ahora el nuevo jefe, no encuentra cómo coordinar el trabajo de los empleados: pesa en él y en todos el recuerdo de la muerte, un concepto que reflota y atraganta sobrevolando la oficina como un fantasma, transformando la realidad melancólica en un vuelo cercano al surrealismo.

 En el 2011el espectáculo ganó el premio a "Mejor Espectáculo Iberoamericano" en el 24° Festival Internacional de teatro Universitario de Blumenau - Brasil y es el Primer elenco extranjero invitado al 11° Festival Internacional de teatro de Belo Horizonte - Brasil 2011.

Funciones:

Sábados 23 horas, Machado teatro, Antonio Machado 617 (casi esquina Acoyte). Entrada: $50 / $35 estudiantes y jubilados). Reservas: Alternativa Teatral.

  Ficha Técnica

Elenco: Estefanía Alfieri, Luciana Calarota, Ivana Carapezza, Facundo Cardosi, Luciana Cruz, Eugenia Fernandez Lemos, Lucila Gomez Vaccaro, Mariana Jaime, Marité Molina, Constanza Raffaeta, María Belén Ribelli, César Riveros, Luciana Serio, Facundo Suarez, Gema Tocino, Cecilia Wierzba

Puesta de luces: Verónica Alcoba y Fernando Chacoma

Fotografía: Brenda Bianco

Escenografía: Ariel Vaccaro

Diseño: SXT

Prensa: Correydile

Asistente de dirección: Adrián Silver

Dirección: Sergio Boris

Duración: 60 minutos

Acerca del Sergio Boris 

Como actor, en teatro trabajó entre otras obras en “El pan de la locura” con dirección  de Luciano Suardi, ”Un enemigo del pueblo” con dirección de Sergio Renán, “El pecado que no se puede nombrar” y “La pesca “ con dirección de Ricardo Bartís. En cine en “Juan y Eva” de Paula de Luque, “El abrazo partido” de Daniel Burman, “Diablo” de Nicanor Loretti, “Lumpen” de Luis Zembrowski, “Hermanos de sangre” de Daniel de la Vega, “Mientras tanto” de Diego Lerman, “Todos tenemos un plan” de Ana Pitterbarg, “Whisky Romeo Zulú” de Enrique Piñeiro, “Solo por hoy” de Ariel Rotter, entre otras. En televisión entre otras cosas, trabajo en “El acto” de Bartís-Glusman y  en “2 por una mentira” miniserie  del incaatv, creación conjunta con Nicanor Loretti. Como director se desempeñó en "La Bohemia", "El sabor de la derrota”, ”El perpetuo socorro”,  “El cadáver de un recuerdo enterrado vivo”, “Viejo, sólo y puto”. Festivales Internacionales: Con "El pecado que no se puede nombrar": Madrid, Cádiz, Montreal ,Quebec, Porto Alegre, Berlìn, Avignon, Parìs, Bruselas, Buenos Aires. Temporada en el teatro Bobigny de Parìs. Con "La Bohemia" y "El sabor de la derrota": Quito, Manta, Guayaquil, San Martìn de los Andes, Londrina, Curitiba, Buenos Aires. Con “La pesca”: Avignon, Halle Torino, Berlin, Anvers, Girona, Buenos Aires.  Premios: Primer premio a la dramaturgia por el Fondo Nacional de las Artes 1998 por "La Bohemia". Primer premio a la dramaturgia otorgado por el III Festival Internacional de Buenos Aires por "El sabor de la derrota". Premio Revelaciòn Trinidad Guevara por "La Bohemia". Mejor dirección, mejor especialización (Gabriela Fernández) y mejor actor (David Rubinstein) por “Viejo sólo y puto” otorgado por G.E.T.E.A. El texto de " La Bohemia" fue representado en Francia por el grupo" Le Pantheatre" dirigido por Patrice Sow, con traducciòn de Francoise Thanas, y por varios grupos argentinos entre ellos el grupo mendocino “Lluvia de cenizas”. Premio mejor actor de reparto por “El abrazo partido” en  Festival de Cine de Tandil, Argentina. Primer premio mejor actor en el Festival de Cine publicitario de Nueva York 2007.

"Cortina de abalorios," metáfora escénica de Ricardo Monti

"Cortina de abalorios," metáfora escénica de Ricardo Monti

Una prostíbulo fantasmal es el lugar donde ocurre las acciones del espectáculo “Cortina de abalorios,” de Ricardo Monti, un espacio que se convierte en metáfora e indaga provocativamente sobre que sucede a los pueblos sometidos al imperialismo. Los protagonistas: Mamá con su amante, el Bebé Pezuela, quien haya pedido un empréstito. Para financiarlo ofrece, claro, las mejores tierras públicas, el dominio de los transportes y las franquicias aduaneras, sin hablar del propio cuerpo.

El asunto es ultimar los detalles de un gran negocio que supuestamente supondría un enorme beneficio  para todos. En realidad la obra propone una investigación sobre asuntos bien conocidos en Argentina y en América Latina; indaga y busca sin encontrar las repuestas.

 Es un espectáculo rico en imágenes escénicas, entretenido, que se basa en acciones físicas sólidas y buen uso del espacio escénico. El uso del grito es tal vez excesivo, según el criterio que uno tiene del arte teatral.


Funciones: viernes 23:00 hs. 


Sala: Pata de Ganso (Zelaya 3122)

 
Entrada: $ 60-. Con descuento: $40-. 


Reservas: 4862 0209 



Ficha Técnica: 


Actúan: Grupo La Mar en Coche: Karina Elsztein, Luciano Ledesma, Ezequiel Rodríguez

Pose, Elías Cordoba. 


Diseño de Vestuario y Escenografía: María Sole y Mery Black 


Realización de vestuario: María Sole 


Realización de Escenografía: Realizaciones Bravas y María Sole 


Diseño de iluminación: Tadeo Pettinari 


Música en Vivo: Daniel Soruco 


Corporal: Gisela Nadamas 


Diseño Gráfico e Imágenes: Marco Ferraro 


Asistente de dirección: Sofía Lopez 


Producción General: La Mar en Coche 


Producción Ejecutiva: Milena Lainez 


Direccion y Puesta: María Moggia 


Prensa: OCTAVIA Comunicación y Gestión Cultural www.octaviacultura.com.ar 


Sobre María Moggia:

Se forma en Puesta en Escena en la Escuela Metropolitana de Arte Dramáticos (EMAD), con profesores como Andrés Bazzalo, Cecilia Hopkins, Estela Castruonovo, Luis Roffman, Jorge Merzari, Roberto Castro, Luis Cano, Diego Starosta, Eduardo Segal, entre otros. Recibe enseñanza y guía de su maestro Carlos Fos. Oriunda de General D. Cerri (Bahía Blanca) se formó con el Grupo Variette dirigido por Elisardo Tunessi. Pasó por Andamio 90, explora técnicas de clown con Walter Velázquez, Técnica del Actor con Gustavo Vallejos, Danzas con Petula Alvarez y Lorena Villagra. Realizó seminarios varios con Rubén Szchumacher, Enrique Federman, Mariana Tampinni, Osqui Guzmán, Guillermo Heras, entre otros.

Ha participado de los siguientes montajes: como actriz en "El amante" de Harold Pinter, en "Bodas de Sangre" de Federico García Lorca y "Una temporada en el infierno" sobre textos de Arthur Rimbaud, en "Hola 2 Olas" de Compañía Nacional de Fósforos, entre otras.

Participó en "Proyecto 3, Convergencia Teatral", ciclo de teatro breve coordinado por Marcelo Margone y Ariel Barchilón dirigiendo obras como "Snorkel" J.I.Fernández y "Frontera" de Emiliano Portino. Dirigió y actuó en "ObjetoYVos" de Miguel Mendiondo.

Participa activamente de la organización y coordinación de los Festivales de Teatro: "Festival Internacional Pirologías", organizado por la Compañía Nacional de Fósforos; "Festival Nacional Bahía Teatro", con la dirección de Juan Manuel Caputo. Da clases junto a Mariana Giovine en el espacio "El Metejón" en el barrio de Boedo.

Actualmente se encuentra cursando el último año de "Puesta..." en la EMAD , ensayando "Decadencia" de Steven Berkoff con Nara Carreria y Alejandro Paker que se repone próximamente, y como actriz ensayando el próximo espectáculo de la Compañía Nacional de Fósforos en dupla escénica con Gisela Nomdedeu, pluma de Cristian Palacios y Dirección de Paula Brusca di Giorgio.

 Sobre Ricardo Monti: 


Ricardo Monti es un dramaturgo, director de teatro y guionista de cine argentino. 
Es uno de los dramaturgos más importantes de habla hispana. Es también maestro de dramaturgos y director teatral. Cursó estudios de Filosofía y Letras en la Universidad de Buenos Aires. 
Sus piezas teatrales se han representado en los principales teatros de Buenos Aires, y luego en numerosas provincias de la Argentina y en el exterior del país: Uruguay, Brasil, Venezuela, Puerto Rico, Estados Unidos, España, Francia, Italia, Portugal y Alemania. 
Su obra es acotada y precisa, construida a partir de imágenes internas que guardan diferencia con la imagen cinematográfica, generalmente asociada con la narrativa. Así, su teatralidad no resulta complaciente, sino de una densidad y profundidad inusitadas. 
Fue uno de los dramaturgos integrantes del prestigioso movimiento de resistencia conocido como Teatro Abierto. Es pionero de una escuela de dramaturgia basada en la imagen generadora, continuada por dramaturgos como Mauricio Kartún, Jorge Huertas, Eduardo Rovner y Enrique Papatino. Es autor de las obras de teatro (Una noche con el Dr Magnus & Hijos", "Visita", "Marathon", "La cortina de abalorios", "Una pasión sudamericana", y "Finlandia", entre otras. Ha sido distinguido por los premios Argentores, María Guerrero, Florenc

"Casa del Terror" bajo la dictadura de Stroessner, según una denuncia del Profesor Dr. Martín Almada

En una charla ilustrada con un video documental el lunes pasado, el Profesor Dr. Martín Almada, de la República del Paraguay, denunció la existencia de una “Casa del Terror” en su país bajo la dictadura de Stroessner.

Invitado por la Asociación de Educadores para la América Latina y del Caribe, la Subsecretaía de Derechos Humanos e Igualdad de Oportunidades, del Municipio de San Martín y la Universidad Nacional de San Martín, el Dr. Almada afirmó:

“En es casa de la dictadura, que pertenecía al Comando Sur del Pentágono de los Estados Unidos, donde se torturaba y fusilaba a luchadores sociales, opuestos a las dictaduras de Pinochet en Chile, a la dictadura de los militares y civiles de la Argentina, de Uruguay, de Brasil, de Bolivia, de Paraguay y otros países de la región: hallamos siete toneladas de documentos, donde figuraban con nombre y apellido, todos los presos y los opositores a desaparecer.”

 De acuerdo a información sobre la conferencia del Dr. Almada proporcionada por el escritor Roberto Divita, la cuarta flota del Pentágono se llevó cuatro toneladas de documentos, pero quedaron tres toneladas para investigar y entre los legajos que pudo inspeccionar Almada encontró detalles sobre su propia detención y las torturas que sufrió durante cien días a lo largo de su detención de tres años de duración en las cárceles de Paraguay. También encontró datos sobre la muerte de sus esposa.

El profesor Almada se doctoró en la Argentina y es profesor de la Universidad de La Plata.

"La noche del ángel," espectáculo de Furio Bordon, con la dirección y actuación de Federico Luppi

"La noche del ángel," espectáculo de Furio Bordon, con la dirección y actuación de Federico Luppi

El 31 de agosto de 1981, agentes de la dictadura militar argentino hicieron explotar tres bombas de magnesio en el Teatro Picadero, enfurecidos por las actividades de “Teatro Abierto,” un movimiento de actores, dramaturgos y directores que había comenzado a cuestionar la represión a través de la representación de 21 obras teatrales de dramaturgos nacionales. Hace un año, en democracia, el teatro fue reabierto y entre sus espectáculos se destaca “La noche del ángel,” del escritor italiano Furio Bordon, actuado y dirigido por Federico Luppi, una historia profunda que indaga sobre el oficio del actor, la función de la psicología en la sociedad y los oscuros turbulencias entre adultos, niños y adolescentes.

 La nueva sala cuenta con unas 300 butacas en altura que posibilita una perfecta vista del pequeño escenario donde Luppi encarna un viejo actor que vive y piensa como si la vida fuera un escenario, en las palabras de Macbeth: “la vida no es más que una sombra que pasa, un pobre cómico que se pavonea y agita una hora sobre la escena…”

 Dice Bordon: “El teatro es una trinchera contra la estupidez dominante, tiene la cualidad de analizar el malestar social de este mundo. El verdadero teatro siempre ha sido así.”

 “La noche del ángel,” levanta el espejo de las relaciones entre padres e hijos para analizar sus profundas contradicciones ante los espectadores y lo hace de un modo singular mediante los discursos e intervenciones de cada uno de los personajes sin mostrar progresión alguna en la comprensión de cada uno sobre su situación.

 El personaje de Luppi es un poco menos funesto que Macbeth, pero de todos modos en la obra de Bordon el viejo actor vive en la fantasía, en su torpe egocentrismo artístico, tanto que se ha deformado gravemente su noción sobre la vida real, sobre su rol como padre.

 En medio de sus ensayos sobre Ricardo III de Shakespeare, aparece sin anuncio previo en la casa de su hija, una psicóloga que abandonó las tablas precisamente por su compromiso con la vida “real,” asimismo turbada por la relación de amor-desamor con su padre. Nace entonces un duelo a veces apasionado, casi siempre cruel y cubierto de sordina, que saca chispas intensas entre padre e hija. Los dos resisten quitar sus máscaras y terminan desnudándose.

 Parece un empate pero todo cambia con la entrada de un adolescente, paciente de la hija del actor, maltratado, abandonado, que desnuda la mentira y la hipocresía de los dos, de una sociedad que funciona en base a valores falsos. La presencia del joven produce una colisión que enturbia la situación y permite un final inesperado.

 El planteo dramático invita la formulación de preguntas sin repuesta fácil: ¿Qué es el rol de teatro en la sociedad? ¿Qué pasa con la sensibilidad del actor que logra el éxito en su oficio? ¿Qué efecto tiene la vida artística sobre la vida íntima del actor? ¿Cuál es la función de la psicología en la sociedad? Permite esclarecer los vínculos pero…¿qué pasa cuando el paciente deja la consulta y se enfrenta con el mundo real? ¿Qué sucede en la sociedad que hace que incluso los padres vuelvan insensibles y traten con menosprecio a sus propios hijos?

 La puesta de Luppi es lúcida y eficaz. Susana Hornos, en el papel de hija, logra transmitir momentos de honda emoción y el adolescente, Nehuen Zapata, se destaca por la frescura de su expresión y una actuación muy equilibrada.

  Ficha artística-técnica 

Dramaturgia: Furio Bordon 

 Traducción y adaptación: Federico Luppi 

 Actúan: Federico Luppi, Susana Hornos, Nehuen Zapata 

 Escenografía y vestuario: Nicolás Nanni 

 Música: Iván Nilson 

 Iluminación: Adriana Antonutti 

 Títere: Gustavo Garabito  

Fotografía: Akira Patiño 

 

Maquillaje y Peinado: Néstor Burgos 

 

Maquillaje: Estela Cáceres 

 

Diseño Gráfico: Sergio Calvo 

 

Prensa: Marisol Cambre 

 

Producción ejecutiva: Pablo Silva y Susana Hornos   

 

Asistencia: Tony Chávez, Eliana Sánchez 

 

Asistencia de Dirección: Milagros Plaza Díaz 

 

Dirección: Federico Luppi 

 

Funciones: Domingos 18.30hs. y Lunes 21hs.

 

Teatro Picadero | Pasaje Discépolo 1857 | CABA http://teatropicadero.com.ar

 

Localidades: $100 y $120 | Reservas por Plateanet: http://pateanet.com

 

Más información: http://www.lanochedeangelenargentina.blogspot.com.ar

 

 En Facebook: La noche del ángel 

 

Furio Bordon: El dramaturgo, director y novelista italiano Furio Bordon comenzó su carrera como escritor a los 20 años en la RAI. Escribió para teatro, televisión y radio. Entre sus obras se destacan: “Querido Elvis, querida Janis”, con la cual ganó el premio a mejor pieza teatral del año otorgado por el Instituto de Teatro Italiano, la obra “Las últimas lunas” con la cual se despediría de los escenarios Marcello Mastroianni poco antes de fallecer en París,  y “La noche del ángel” con la que conquistó los grandes escenarios europeos. Al respecto, Federico Luppi sostiene: Hace muchos años que leí esta pieza y decidí que quería hacerla; el autor, Furio Bordon siempre me ha resultado de una sensibilidad y un coraje sincero en sus obras. Decidí que este texto y lo que trae a escena merecían la pena ser contados”.

 

 

 

Cabe destacar que Federico Luppi se encuentra realizando trabajos de traducción y adaptación de otras obras de Furio Bordon a fin de trabajarlos y presentarlos en los próximos meses. Respecto a la actriz Susana Hornos, co autora y co directora junto a Zaida Rico de la renombrada obra teatral “Granos de uva en el paladar”, se encuentra preparando su próxima obra “Pinedas tejen lirios”, a estrenarse en julio de 2013, además de presentar diversos trabajos actorales en España y Argentina, y de haber recibido el premio actriz revelación en el Festival de Toulouse (Francia) por la película “Pasos” de su autoría.

Primer semanario de literatura japonesa el sábado 18 en Buenos Aires

El Centro de lecturas anuncia el "Primer semanario de literatura japonesa," el próximo sábado 18 a las 14 horas en Ambrosetti 100, CABA, abarcando la literatura del siglo xix y XX en Japón, con especial énfasis en las características propias de la literatura y de la cultura japonesa y asimismo trazando los paralilismos y similitudes con la literatura occidental.

Consultas: http://www.centrodelecturas.com.ar

"Lugar, tiempo, mujeres," nuevo espectáculo de Marisa Cura en el Centro Cultural Borges

"Lugar, tiempo, mujeres," nuevo espectáculo de Marisa Cura en el Centro Cultural Borges

La bailaora y coreógrafa Marisa Cura, de regreso de su último viaje a España, estrenó el el viernes pasado el notable espectáculo flamenco "Lugar, tiempo, mujeres" en el Centro Cultural Borges en Buenos Aires. Dice Marisa que en el nuevo trabajo circulan pensamientos relacionados "con la madre tierra, la madre patria, las maestras, mi madre, mi ser mujer, mi hija y todas las mujeres que nos ensenan y nos transmiten algo de ese ser."

En efecto el espectáculo es un homenaje a la mujer, de distintos lugares y tiempos, la búsqueda por el lugar de la mujer en el mundo. De una energía artística impresionante, el espectáculo aborda diferentes aspectos de la esencia femenina a través del baile, el cante y un escenario que incluye en el fondo proyecciones de video que agregan elementos expresivos a los bailes y en las cuales aparece el único hombre en el espectáculo.

Aparte del trabajo impecable de Marisa Cura y su compañia hay que destacar Claudia Montoya(cante), Fernanda de Córdoba (guitarra), Paz Maiaru (violin).

Funciones: Viernes y sábados de mayo a las 20 horas

Centro Cultural Borges, Viamonte 525, esq. San Martín, Sala III, piso 3

Localidades $80 y $90 / Estudiantes y jubilados $60

Entradas por http://www.plateanet.com o en boleteria del teatro

Facebook: Marisa Cura (Compañia de Arte Flamenco

Trailer: http:www.youtube.com/watch?v=EUXF96a_frw&feature=youtu.be

 

Ficha artística-técnica

Dirección general: Marisa G. Cura

Músicos: Claudia Montoya (cante), Fernanda de Córdoba (guitarra), Paz Maiaru (violin)

Bailarinas: Marisa G. Cura, Cecilia Lagarejos, Dalia Rosenfeld, Fernanda Brandao, Joanna Ingrassia, Macarena Cambre, Yamila Lahoud

Bailarina invitada: Yasmin Frione

Diseño gráfico: Cecilia Lagarejos

Fotografía afiche: Analía Ledesma

Diseño de vestuario: La Compañía

Confección de vestuario: Cristina Miranda

Video y proyección: Martín Aletta

Prensa: Marisol Cambre

Producción: M´Oro Rubí

Sobre Marisa Cura:

Bailarina y coreógrafa, Marisa Cura, es hoy una de las principales representantes del flamenco en Argentina. Su estilo jondo y visceral la sitúa como una bailarina de carácter y peso en el escenario. Sus amplios conocimientos del flamenco, además de otros estilos de danza: clásico, contemporáneo y otras artes escénicas como teatro y música, la destacan a la hora de dirigir un espectáculo. Estudió flamencoen Buenos Aires y en España. Entre sus principales formadores se encuentran: “la China”, Manolete, Belén Maya, Eva la Yerbabuena, Antonio Canales, Juana Amaya, Farruquito, Antonio Reyes, Belén Fernández, Juan Andrés Maya, Miguel Cañas, Isabel Bayón, Soledad Barrio, Rafael Amargo, Ana Cali, Pilar Ortega y Antonia Moya.

 

Comienza a dirigir sus propios espectáculos en 1996 con “Lorca y Flamenco” (C.C.G.S.M), entre otros éxitos. Luego le suceden obras como “Aire Flamenco”,  “Flamenco y otras yerbas…” “Flamenco Vivo” y “Menta y Fuego”. En el año 2006, y con el apoyo de ARNET como sponsor principal y el subsidio de PRODANZA, realiza “Lugar, Tiempo y Flamenco” (Teatro Avenida, y gira Nacional) y en el año 2007 estrena “Menta y Fuego II” (Teatro El Círculo de Rosario, Teatro Real de Córdoba) con el mismo sponsor, y luego “Y a la 1, las 2 y las 3…” (2008). Desde el año 2010 realiza funciones en el Ciclo “Maestras Flamencas” en el Perro Andaluz.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

"Zero Dark Thirty," the hand of the CIA in the making of the movie

How many Hollywood movies have been inspired by U.S. wars, invasions and minglings outside its boundaries? How many times have secret agents given advice or a bit of editorial prettying up to movies supposedly based on those extra-territorial missions? "Zero Dark Thirty," the latest movie of the sort, on the killing of Omar Ben Laden, perhaps gives a hint to those questions.

According to Tim Walker writing for the British newspaper "The Independent" from Los Angeles, a declassified memo indicates that the CIA pressured the author of the film, Mark Boal, to change scenes which in the original skript showed crude scenes of torture. The memo was revealed after the web site Gawker raised the issue of freedom of expression.

The cloak and dagger agency picked up the telephone five times to give its suggestions to Boal, so as to provide a sweeter image of the CIA. In one of the first drafts of the script Maya--the CIA agent acted by Jessica Chastain--subjected a prisoner to the "submarine" torture treatment. The agency said that was inexact, so the actress in the movie became a mere observer of the torture sequence. 

Among other touchings up, the script writer removed a scene in which dogs were used to intimidate prisoners. (Dogs were used to attak naked prisoners in the invasion of Iraq because it is believed that persons of Islamic faith have special fear of angry dogs.)

How many other movies have had the "touch" of the CIA is anyone’s guess. Yet it is clear that countless movies of this sort are produced and marketed in such a way as to promote a whitewashed version of Washington’s actions abroad in its struggle to defend and expand its cultural, economic and military interests--a version that is quite often in sharp contrast with that of persons on the other side of the fence.

The message of the hidden powers of state is embedded in thrillers and action movies that are entertaining, usually featuring impressive actions, counting with sexy or otherwise appealing actors, capable of captivating the viewers--and in this way violence and undercover actions are presented as actions for the good of the nation or even of the world, so dressed up that a more objective view of the circumstances brought to life on the screen are pushed out of movie goer’s consciousness. 

In theory the CIA's operations are supposed to take place outside the U.S., so on what grounds did the agency justify its editorial pressuring concerning a film made in the country? In theory freedom of expression should not suppose the need to change movie scripts to satisfy undercover agents, should it? Neither the budget nor the activities of the CIA are subject to popular scrutiny.

 

 

Loryn Spencer-Jones: Una figura de mujer

Loryn Spencer-Jones: Una figura de mujer

"Dirán que fue la noche," notable espectáculo poético-musical de Malala González en La Scala de San Telmo

"Dirán que fue la noche," notable espectáculo poético-musical de Malala González en La Scala de San Telmo

La cama es lugar de sueños, fantasías, vuelos poéticos; entre las sábanas por momentos el mundo con sus realidades sórdidas se hace humo y aparece la reina palabra: “Mi casa tan lejos del mar/ Mi vida tan lenta y cansada/Quien me diera tenderme a soñar/Una noche de luna en la playa.” (J. de Ibarbourou)

Malala González, actriz y cantante, se despierta, estira el cuerpo, mira a su alrededor como si el sueño todavía se envolviera su cuerpo. “En plena noche, cuando levanto/ la vista a la estrellada inmensidad/Siempre me digo a solas/¡esos astros en que silencio/ caminando van!”

Los versos salen de su boca como descubrimientos del alma; otras veces, con el acompañamiento del pianista Gustavo Twardy, canta como una mujer enamorada, dispuesta a emplear el escenario como el nido de un pájaro.

“Dirán que fue la noche,” es un espectáculo musical-poético de mucho vuelo. Las poesías han sido elegidas con gran criterio: Alejandra Pizarnik, Silvina Ocampo, Susana Thénon, Alfonsina Storni, Ivonne Bordelois, Marosa Di Giorgio, Juana de Ibarbouru…

Es una experiencia teatral innovadora, ya que resalta la belleza de la palabra, la organicidad del cuerpo de la actriz, la música original y vestuarios de gran variedad que Malala va incorporando en la medida que avanza entre una poesía y otra.  

Dirán que fue la noche: Domingos 18 horas

 La Scala de San Telmo, Pasaje Giuffra 371

Bono contribución: $ 60

(Descuentos estudiantes y jubilados: $40)


Reservas / Bar: 4362-1187

Actriz / Cantante: Malala González

Pianista: Gustavo Twardy

Música original: Gustavo Twardy

Puesta en Escena y Dirección: Alfredo Martín

Domingos 18hs. (Funciones: abril y mayo)

La Scala de San Telmo - Pasaje Giuffra 371
Bono contribución: $ 60 (Descuentos estudiantes y jubilados: $40)
Reservas / Bar: 4362-1187

Escenografía: Alejandro Alonso

Iluminación: Alejandro Alonso y Alfredo Martín

Vestuario: Ana Revello

Asesoramiento Artístico: Marcelo Bucossi

POESÌAS:

Silencio (Juana de Ibarbouru) Desde mi ventana (Juana de Ibarbouru)

Almas Jugosas (Alfonsina Storni)

En tu aniversario (Alejandra Pizarnik)

Nada (Alfonsina Storni)

Siempre salgo (Marosa di Giorgio)

A veces, en el trecho de huerta (Marosa di Giorgo)

Oración de gracias por un insomnio (Ivonne Bordelois)

El amor perseguido (Silvina Ocampo)

Exorcismos (Ivonne Bordelois)

Alguna vez (Alejandra Pizarnik)

Si muriera (Idea Vilariño)

Me he casado (Susana Thénon)

Murgatorio(Susana Thénon)

Que ángel te librara de la tristeza (Silvina Ocampo)

"SchultzundBielerundSteger," espectàculo de humor negro de Matías Feldman

"SchultzundBielerundSteger," espectàculo de humor negro de Matías Feldman

La memoria humana tiene fallas, es cierto. Pasan horas, días, años y cuando la mente vuelve a concentrar sobre un hecho del pasado lo reconstruye sutilmente, agregando o quitando, introduciendo leves modificaciones. Es lo que sucede en “SchultzundBielerundSteger,” un espectáculo de humor negro, un policial con arrebatos surrealistas.

Los espectadores se preparan para el espectáculo subiendo una larga escalera en caracol con una pelota plástica en la mano (la entrada), para luego acomodarse en las butacas. En el fondo del escenario algo mínimo sucede entre un hombre y una mujer, se apagan las luces, se levanta el hombre, camina con aire desconcertado, llega ella, conversan, o más bien una interrogación.

La primera secuencia se repite dos veces más, con pequeñas modificaciones. El hecho narrado es complejo y a la vez poco preciso. Involucra a Schultz, Bieler y Steger, las situaciones se intercalan; Steger trata de reconstruir lo que verdaderamente aconteció, si es que algo sucedió realmente. Hay un muerto en el baño, un cadáver que escapa. En realidad, todo sucede en la cabeza de Steger, quien poco a poco va dando pistas imposibles de seguir; las versiones se distorsionan.

En concordancia con el argumento, las voces de los actores suben o bajan, los ojos se agrandan o se achican, hay miradas extrañadas, acciones que se repiten pero nunca exactamente de la misma manera. De modo que el espectador se entretiene con la percepción de los cambios anímicos de los actores mientras luchan con una historia que no tiene una lectura única. O con acciones que proponen ruptura: la mujer muestra sus dientes, el hombre dice “me gusta tus dientes” y luego la besa apasionadamente.  


Viernes 21 hs.

EL TEMENOS TEATRO

Av. Gaona 1.880 – CABA.

Reservas 45832782

Entradas $45- Desc a jubilados y estudiantes $30-

Actúan:

María Laura Castillo

Laura Aramburu

Rodolfo Zaiat

 

Autor: Matías Feldman

Dirección: Sebastián Raffa

Asistente de dirección: Gisela Rebichini

Producción: Compañía Bisou

Prensa: Laura Castillo

Voz en off: Martín Najlis

Fotos y diseño gráfico: Andrea Salomón

Luces: Camilo Cerón

ESTA OBRA CUENTA CON EL SUBSIDIO DE PROTEATRO

Marietta Louise Johnson: an educator who believed in the growth of body, mind and spirit

Twisted and yanked here and there by pressures from all sides, crisis ridden consumer society has us it its mortal grip and even dares to contaminate the education of our children—leading us to overlook our own essence and to fall into the claws of a system seeking obedient servants.

More than a century ago, in the midst of the industrial revolution, U.S. educator Marietta Louise Johnson developed an educational philosophy stemming from the importance of play, which marked a hallmark but which was highly resisted by the academic status quo: "Play should be spontaneous, the expression of an inner necessity. The inner necessity is profound and far reaching."

Born on October 8, 1864 in Minnesota, U.S.A. Marietta believed that in education there were no failures. The only requirement asked of students was attendance at class, punctuality and a sincere effort. She opened the Organic School at Fairhope. The school grew rapidly and subsequently she wrote many articles expressing her educational vision.

“What is necessary for the spirit?” she asked. “Joy in the work—a genuine desire to do it; work which enlists every part of the organism. All half-hearted work is insincere and we develop dishonesty in the child when we try to develop “will power” by arbitrary requirements. True education is ORGANIC—that is, it develops, strengthens and improves the body, makes the mind more intelligent, and the spirit sweeter, in fact perfects the organism.”

In a 1923 brochure entitled “...from The World Tomorrow” she outlines a clearly divergent view of education:

 “Society has been so accustomed to seeing the process of industry shaped to conform to certain standars in the interest of business efficiency, that it naturally attempts to adopt similar methods in dealing with its educational problems. This, of course, is the easier method—to standardize. To make models and moulds of that model and thereafter turn out products on a wholesale basis has been profitable in our economic world of things; why should not a similar plan be successful in the realm of education?”

 She provides the following stimulating answer to her own question:

 “If education means the growth of body, mind and spirit, the development of initiative, intellectual honesty, openmindedness, freedom of thought, fearlessness, physical and moral courage, then our educational programs cannot be built aroundthe mould idea.”

 One essential idea which dominated the thinking of Marietta had to do with the importance of play. Today in progressive educational institutions the use of theatre in the learning process, but a century ago few thought of theeatrical art as an educational tool.

 “Dramatics are a great means of education,” wrote Marietta, “and are used by all groups. Emphasis (in dramatics) should always be placed upon the effect of the performance on the children, and not upon the perfection of the production. Children should enjoy the rehearsals and there should never be any strain or exhaustion in giving the play. There is no greater socializing experience than that found in dramatics of the right sort.”

 Technology and specialization have launched modern society onto a hectic and ever faster spiral of renovation. But where does that leave the body? We think not only with the frontal lobes in our brain. Challenging physical activities stimulate the brain to discover new ways of doing things; laughter sets free creative energy; imagining the life of a character and resolving his or her problems gives us new social insights. Marietta’s ideas were amasingly advanced and continue to be amasingly apt educational.approaches.  

Jaquematepress contacted Louise Imm-Cooper, long dedicated to the advancement of education and social issues in the U.S., for her views on Marietta. 

--How did you become interested in Marietta Johnson and "organic education?"

     Throughout my career as a public school teacher and community educator, I made use of a teaching style known as "The Project Method."  In researching different uses of this method, I discovered reference was frequently made to Marietta Johnson and the School of Organic Education in Fairhope, Alabama.  Her work and ideas fascinated me since they were similar to my own ideals of what educating children should be like.  And further, I strongly believe, like Marietta, that "education is life, life is education!" (John Dewey, founder of progressive education in America)

 --In the light of your investigations concerning Marietta's educational ideas, where do you think the educational system in the U.S. is now headed.

     Well, presently, the public school system is guided by the provisions of the No Child Left Behind Act.  This act requires states to administer periodic testing of student achievement  in the basic areas of reading and mathematics.  School districts that fail to meet the standards set by the state and NCLB face the risk of losing funding and are categorized as "failing schools."  Many of the "failing schools" are located in areas of either high population concentration or ones that are economically struggling. Schools that had the greatest obstacles to overcome in order  to increase their achievement levels were originally targeted to receive more assistance. However, since time limits were set by governmental regulations on when certain student achievement levels were to be met- by 2011 a large percentage of schools were labeled as "failing." The result of this plan, is that many schools are now focusing their energies on responding to the testing instead of implementing a broader inclusive curriculum of arts and humanities- the cornerstone of the Organic School curriculum. The key factor of Ms. Johnson's ideas, addressing the varying developmental levels of individual students, is greatly limited by excluding the arts and humanities.

 --Do you see a connection between the "standardization" of education and the push of the consumer society to penetrate the minds of students, buyers, and the general public?

     The "standardization" of education, really aims at creating a workforce designed to meet the wants and needs as projected by those who control and guide the business community. In general, our society has become more of consumer society and less and less a society that produces the goods and services it needs.  It's difficult to ascertain what workforce is envisioned  beyond  limited  service  and technological communities that now exist. As for the consumption of goods, that is driven by the ever expanding mass media that is constantly pushing the population to purchase, purchase, purchase.  And although the stated purpose of NCLB was to ensure that children in deprived areas receive an education, therefore more career opportunities in the future, equal to more affluent areas, the "supposed choice" supplied to parents to leave "failing neighborhood schools" and enter their child(ren) in private schools along with current economic conditions further erodes funds for public schools, by diverting tax monies to the private institutions.

 --What kind of response have you received to your "theatralizaions" of Marietta's life and work?

      Very positive reactions have come my way, especially from those who are carefully critiquing the current trends in public education.  Several supporters are from college education departments who propose a reexamination of how and why we are educating our children and what purpose public education and all education serves.  Marietta's ideas and work, when presented with honesty and enthusiasm challenges the thinking of those already in and those entering the teaching profession.  Students will remark how they want their career in the classroom to provide their students with days full of learning that is both joyful and where where "work" is regarded as "play!" This desire is helping to create a new benchmark in education.

 -- Are there any movements afoot to renovate education in the U.S. using a more humanistic approach or play?

      Yes, there are.  In the city in which I live, despite the fact that many of the individual schools are labeled as "failing", programs in the arts and humanities still occupy a portion of the curriculum.  Poetry, drama, music and an emphasis on challenging the children to develop critical thinking is pursued in a variety of ways.  In other areas throughout the country there are also teachers and administrators who continue to "blaze a different trail" not focused on testing...and with good results!!  One such school is in Roxbury, MASS. where the principal has replaced security guards and used the monies to expand the theater, musical and visual arts programs in a school that was troubled by violence and a failing school label. The result has been a transformed school where children's needs are met and joy in learning thrives!  Parent groups, also, have challenged the idea of "standardizing" education for all as developmentally inappropriate and not in accordance with the many variables that effect how individuals learn.  There is hope!!

 

 

 

"Matrimonio," excelente película argentina de Carlos Jaureguialzo, con Cecilia Roth y Darío Grandinetti

"Matrimonio," excelente película argentina de Carlos Jaureguialzo, con Cecilia Roth y Darío Grandinetti

Los 23 años de matrimonio flotan pesadamente sobre las emociones e incluso los cuerpos de ella (Cecilia Roth) y su esposo (Darío Grandinetti) y la cámara de Miguel Abal reproduce el ánimo casi existencial de la pareja, en una película generosa, exquisita, que hace honor al cine argentino. Es una historia intimista, llena de primeros planos, silencios, suspiros, misterio, que logra cautivar gracias a la impecable actuación de los dos protagonistas.

Si bien hay aire de crisis, lo que propone el director Carlos Jaureguialzo es una exploración subterránea, discursos interiores de los protagonistas, hechos cotidianos que cobran gran significación, como el goteo de la canilla en la cocina. Pero además la historia expone sus idas y venidas desde dos planos: el plano del marido y el de ella, en un día cargado de tensión casi silenciosa. Separación está en el aire, pero no tanto por infidelidad común sino por fastidio.

 El espectador puede disfrutar a la vez la gran actuación de los protagonistas, y al mismo tiempo dejarse llevar por otros lenguajes: la fotografía, la música (ella compone y el piano resalta sus sentimientos, como así también los objetos fácilmente reconocibles que intervienen en la vida de esta pareja de clase media afincada en la Ciudad de Buenos Aires.

 También hay escenas que provocan pensamientos referidos a varios aspectos de la vida. Por ejemplo, la excelente secuencia en la cual la mujer tiene un ataque de taquicardia antes de acudir a una cita. (Ella no puede llevar a cabo su intención de probar suerte con una infidelidad). ¿Cuántas enfermedades y problemas físicos se deben a pensamientos negativos que entran obsesivamente en la cabeza?

 La película es una joya artística pero a la vez una diversión profunda. Se puede verla en el Espacio INCAA a las 12:30 horas, 16:10 horas y 19:30 horas.

 Ficha técnica:

Matrimonio (Argentina/2013). Dirección: Carlos M. Jaureguialzo. Con Cecilia Roth, Dario Grandinetti, Manuel Vicente, Susana Lanteri, Rafael Spregelburd y Andrea Garrote. Guión: Marcela Silva y Nasute. Fotografía: Miguel Abal. Música: Federico Marrale. Edición: Delfina Jaureguialzo. Dirección de arte: Aldo Guglielmone. Sonido: Javier Stavropulos. Distribuidora: Aura Films. Duración: 85 minutos. Inspirada libremente en "Ulises" de J. Joyce.

 

Loryn Spangler-Jones: an artist who paints her life journey

Loryn Spangler-Jones: an artist who paints her life journey

 Loryn Spangler-Jones is a professional artist living in Lancaster, PA. (USA) where she is a resident artist and instructor at Annex 24 Gallery. She has participated in several exhibitions including some in New York, Los Angeles and the United Kingdom. Spangler-Jones’s work is inspired by her journey on the path to self-discovery. She lives to create and creates to live!!

"El puente de la Mariposa," espectáculo de energía bailada de Teresa Duggan

"El puente de la Mariposa," espectáculo de energía bailada de Teresa Duggan

"El puente de la mariposa” de Teresa Duggan es un despliegue de energía danzada, color, música, máscaras y ritmos que intercalan técnicas de oriente y occidente, enlazando sutilmente relaciones del mundo animal con el andar del ser humano. Propone sorpresas, cambios constantes, desarrolla un universo propio en el escenario del British Arts Center.

Es impactante ver desplazar los cuerpos de los bailarines en constante recambio de energía, experimentando con la velocidad y el peso, trabajando formas geométricas, entremezclando con telas de múltiples colores, dibujando una enorme mariposa en el fondo de la sala, cruzando el puente con la música de “Madam Butterfly.” Cabe destacar el noble e impactante sonido de los tambores, del Mukaito Taiko, una agrupación que difunde un estilo musical que combina la percusión tradicional japonesa con los movimientos del karate, mediante el ensamble de tambores.

 Se rescata la belleza de los objetos escénicos, perfectamente incorporados a los movimientos de danza, los juegos rituales, las sensaciones oníricas o bien lúdicas sensaciones, como si el espectáculo fuera una invitación al sueño o a la liberación de la imaginación.

 Ficha Artística Técnica:

Idea t dirección:                     Teresa Duggan

Música original:                      Facundo López Burgos

Música en vivo:                      Narda Gómez Gutiérrez y Natalia Yagi, del grupo Mukaito

Taiko

Coreografía:                            Teresa Duggan y aportes creativos del elenco

Intérpretes:                             Teresa Duggan, María Ingrey, Laura Spagnolo, Josefina

                                               Peres y Ariel Tejada

Artista que participa en algunas funciones: Silvia Kaehler

Diseño de iluminación:          Teresa Duggan

Vestuario:                               Nam Tanoshii

Prensa:                                               Simkin & Franco

Asistente general:                   Claudia Valado

Director técnico del BAC:     Daniel Campoya

Foto:                                       Mariana Berger

Maquillaje:                              Mónica Sarli

 

Teresa Duggan:

Es bailarina, coreógrafa y maestra de danza. Se formó en Buenos Aires en el estudio de Ana Itelman y en New Cork en las escuelas de Alwin Nikolais, Merce Cunningham, José Limón y Movement Research. En 1984, luego de vivir 4 años en New Cork, regresó a Argentina y creó Duggandanza. El grupo cuenta con una gran coreográfa, y obtuvo premios en Brasil y Argentina.

Duggan estrenó más de 50 obras coreográficas presentadas en Latinoamérica, Estados Unidos, Europa y Asia. Fue galardonada con los premios Argentares 2005 por “Fulanos,” “A todo vapor,” “Sin Escalas” y “Zigzag el movimiento de los niños.” En 2007, recibió el premio Trinidad Guevara por “Sudestada”; y el Ace por “Sin Escalas.”

Como maestra de danza formó bailarines en las escuelas de Margarita Bali, Taller del Teatro San Martín, Escuela de circo La Arena, Escuela Arte XXI, Fundación Horacio Harper, Estudio de Ana Itelman, Ana Deutsch y en su propio espacio, sede de Duggandanza desde 1996.

Sobre Mukaito Taiko

La agrupación nació en agosto de 1994 y mantiene viva la tradición de este estilo musical que combina la percusión tradicional japonesa con los movimientos del karate, arte marcial propio de la isla de Okinawa.

Se formó por iniciativa de Mónica Higa y Claudia Toma, quienes luego de una beca en Okinawa quisieron transmitir lo aprendido sobre taiko.

En l994, con la visita de Mukaito Daiko de Okinawa a la Argentina y la donación de tambores, surge Mukaito Taiko Argentino como primer grupo de kumidaiko en el país. Los caracteres que conforman el nombre tienen por significado “El sueño de cruzar el mar” y hacen alusión a la gran cantidad de jóvenes Okinawenses que salieron de sus tierras en busca de nuevos horizontes.

Actualmente, la agrupación está integrada por jóvenes descendientes de japoneses así como también por argentinos que comparten el interés por su cultura.

"Pensando en Astor," espectáculo de Walter Eliseo Centurión en el teatro Empire

"Pensando en Astor," espectáculo de Walter Eliseo Centurión en el teatro Empire

En uno de los teatros más típicos de Buenos Aires, a un grito del Congreso Nacional Argentino, los bailarines del espectáculo “Pensando en Astor” llevan los genuinos aplausos de un nutrido público, explorando la estética del tango y la generosidad musical de Astor Piazzolla.

El espectáculo se presenta en el Teatro Empire, uno de los teatros de más historia en la vida de Buenos Aires. Diseñado por el Arquitecto Sabaté, en un estilo del mejor Art-Deco de preguerra, y ornamentado por los murales de Juan Carlos Montero y Dante Ortolani, fue inaugurado el 20 de Junio de 1934 con una función en la que participaron Azucena Maizani, Camila Quiroga, Fernando Quiroga, Fernando Ochoa , y Gloria Kazda entre muchos otros.....

Es sin embargo un lugar ideal por un espectáculo como "Pensando en Astor." No solo es notable el cuerpo de baile: la banda que toca en el fondo del escenario es un muy fiel representante del concepto musical de Piazzolla.

El resultado es un espectáculo de muy preciso engrenaje, tanto para el ojo como para el oído. La elegancia de los bailarines se fusiona perfectamente con la ejecución de los músicos.

Funciones:

Domingos 14 de Abril ,19 de Mayo, 16 de Junio, 14 de Julio y 18 de Agosto a las 20 hs

Teatro EMPIRE

Hipolito Yrigoyen 1934. Teléfonos: 4953-8254 / 4954-0192

Entradas anticipadas : $70

Entradas el día de función $90

http://www.alternativateatral.com/entradas25299-pensando-en-astor?o=15

Compañía Expresarte Ballet

Director de la Cia. : Walter Eliseo Centurión.

Ariel Almirón, Anabella Sofia Chinellato, David Fabricio Ávalos, Evelyn Bareille Hosel, Pablo Flores, Gabriel Piñeiro, Aldana Jiménez, Jennifer Cerrotta, Candela Liss, Christian Horacio Herrera, Marcela Jimenez, Charly Morales y Sabrina Ramos Carrasco.

Coreografías: Mariana Gallo Sacerdote, Sebastián Huici, Juan Manuel Genes, Jorgelina Platania.

Orquesta Astormentados Quinteto: Adolfo Trepiana en bandoneón, Nicolás Garay en guitarra, Javier Kase en violín, Javier Arteaga en contrabajo y Juan Ignacio Esteguy en piano.

Música original: Astor Piazzolla.

Artistas invitados: Maxi Copello y Nadia Jonshon y Silvina Vaccarelli

Fotografia : Hernan Conde, Maru Pasacariello, Erica Ventre, Jazmin Paz

DIRECCION GENERAL: Mariana Gallo

Más informacion sobre la compañía http://waltercenturion.wix.com/expresarteballet

Acreditaciones, entrevistas, fotos y más info:

Lic María Laura Castillo

15.6837.7711

prensa@castillomarques.com.ar

www.castillomarques.com.ar

""El caso Revoredo," un espectáculo de humor de Guillermo Difilippo con la dirección de Horacio Acosta

Hay algo que perturba en el escenario: muchas cajas llenas de papeles y personajes que parecen no reaccionar según la lógica común. Bueno, los seres humos en realidad no somos muy lógicos. De todos modos los espectadores en el teatro La Terfulia no dejan de reír.¿Será un cuento de Franz Kafka? ¿Pero no, Kafka no escribe comedia, verdad?

En realidad La dramaturgia es de Guillermo Difilippo y la dirección de Horacio Acosta. "El caso Revoredo," es un espectáculo de humor ácido basado en situaciones de la realidad, una realidad torcida, boca abajo. Dos abogadas, su secretaria y su cadete se encuentran en un extraño lugar. De repente, alguien toca la puerta. ¿Quién será? Aparece un cuerpo envuelto en un bolso negro de plástico...

¿Para que seguir? Habrá que ir al teatro La Tertulia algún viernes dispuesto a reíar y pasar un buen rato con un nivel de actuación superior y un guión muy logrado.  Por las dudas el espectador podrá revisar alguna historia de Kafka.

Funciones:

Viernes 21 hs

LA TERTULIA

Gallo 826

Reservas s: 4865-0303

Entradas $ 70 Desc jubilados y estudiantes $ 50

Elenco (por orden de aparición):

Jana Vidal........................... Dra Mecha Espeche

Cecilia Prado .......................Dra. Fernández

Indiana Vissani..................... Ana

Jorge Gregorio .................... Hugo

Matías Zambrano ....................Yonatan

Luis Pasquali.........................Rivas

Idea: Guillermo Difilippo y Horacio Acosta

Dramaturgia: Guillermo Difilippo

Escenografía y vestuario: Félix Padrón

Asistente de Escenografía: Mauro Petrillo

Iluminación: Félix Padrón

Edición de Sonido: Nicolás Mariano Moro

Operacion de sonido: Mauro Petrillo

Prensa: Laura Castillo

Gráfica: Armando Ricci

Fotografía: Lula Gregorio

Dirección: Horacio Acosta

 

Acreditaciones, entrevistas, fotos y más info

Lic María Laura Castillo

15.6837.7711

prensa@castillomarques.com.ar

www.castillomarques.com.ar

 

Colección Tango, nueva creación de Leonardo Cuello

Colección Tango, nueva creación de Leonardo Cuello

Los espectáculos tangueros de Leonardo Cuello son composiciones estéticas con marcadas características dramáticas, que investigan los límites de la expresividad corporal de los bailarines. Es el caso de Colección Tango, espectáculo estrenado el jueves pasado en el Centro Cultural de la Cooperación.

En tango para silla sin asiento de Isabelle Paez la bailarina se desplaza por el escenario como un pajarito en su jaula, exponiendo todas las posibilidades del cuerpo con una precisión exacta y con la esencia de tango en cada paso. El juego que arma con la silla incorpora la sorpresa y el dramatismo.

Colección Tango abarca tres piezas, Diamante, Entre tus brazos y Eterno, entrelazas cada una con contenidos de tango, danza contemporánea, teatro, escenografía estética, variados vestuarios y el vertiginoso juego de piernas, brazos y miradas.

El resultado es un espectáculo visualmente bello, lleno de pausas, ritmos y recambios que reflejan los intentos de la compañía de Cuello de abordar la innovación y a la vez buscar la personalidad intrínseca de cada uno de los artistas.

Funciones

Jueves 11 de abril a las 20 horas
Ciclo Abril/Mayo - Funciones: Jueves 20 hs.
Centro Cultural de la Cooperación, Sala Solidaridad
Av. Corrientes 1543 - Informes: 5077-8077
Localidades $ 60

Coreografía y Dirección General:  Leonardo Cuello


Bailarines:


Milagros Rolandelli y Lisandro Eberle
Ayelen Sanchez y Walter Suquia
Laura Zaracho y Ollantay Rojas
Andrea Kuna y José Lugones
Nuria Lazo y Federico Ibáñez

 Diseño de Vestuario e Escenografía: Nora Churquina
Diseño de Iluminación: Koqui Ferreyra
Diseño de Banda Sonora: Sebastián Verea
Fotografía: Luciana Paduano

Artistas invitadas:

Isabelle Páez (funciones de Abril)
Maximiliano Martino Ávila (funciones de Mayo)

La Compañía de Leonardo Cuello viene realizando un intenso trabajo creativo con la búsqueda de nuevas maneras de proponer el Tango en el escenario. En sus años de vida ha logrado plasmar sus logros a través de dos obras “Quintaesencia” y “Tetralogía”, ambas con excelentes críticas de la prensa especializada de Buenos Aires, su público y algunas incursiones internacionales, específicamente en Italia. 
Entre los nuevos retos que nos proponemos está el de dar a conocer nacional e internacionalmente nuestro trabajo, nuestro serio y comprometido logro a partir de pensar en cómo sorprender a un público ya habituado al género, pero que aún no conoce nuestro particular estilo de hacer Tango.
“Colección Tango” es sin duda una inteligente reunión de obras, que sin traicionar la personal filosofía artística de la Compañía, posee todos los elementos necesarios para ser un éxito en el mundo comercial de la danza. 
Una a una cada pieza entrelaza contenidos de tango, danza contemporánea, teatro, escenografías y elementos de diseños originales de banda de sonido y vestuario, sin traicionar por ello los valores fundamentales del abrazo y el maravilloso lenguaje que se genera a partir del vertiginoso cruce de piernas, que son su identidad profunda.
Leonardo Esteban Cuello.
Coreógrafo y Maestro de Tango. Ex Bailarín.
 Profesor Asociado de las materias Tango III y IV e Interpretación Coreográfica del Tango I y II para la Licenciatura en FØolklore Mención Tango en el Área Transdepartamental de Folklore del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA).
 Coreógrafo y Director Artístico de la Compañía de Tango del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA).Ø
 Consejero Superior por el Claustro Docente del Honorable Consejo Superior del Instituto Universitario Nacional del Arte.Ø
 Asesor de la Comisión Directiva del Festival Internacional Cambalache.Ø
 Maestro de Tango y Coreógrafo del Ballet Folklórico Nacional.Ø 
 Maestro y Coreógrafo (en colaboración permanente desde 2006) en el “Laboratorio di Tango Argentino” (Torino-Italia) y en “Patras Tango” (Patras-Grecia, desde 2012)Ø
 Coreógrafo del lenguaje Tango en las Galas del Día Internacional de la Danza de Buenos Aires (2009/10/11/12)Ø
Menciones 
Seleccionado por la “HISTORIA DEL TANGO” Volúmen Nro. 20 “Siglo XXI década 1”, de Editorial El Corregidor, como uno de los tres Coreógrafos más destacados.
2011 Nominación: “Premios Teatro del Mundo” Rubros Coreografía y Fotografía de “Tetralogía” Tango & Fusión.
La Cia. ha presentado sus espectáculos en los festivales de la ciudad 2008 y 2010.

Festivales Internacionales:
2008 “Florence Dance Festival” Florencia-Italia
2010 “Festival Oriente-Occidente” Rovereto-Italia
2012 “Primer Encuentro de Intercambio Artístico Torino-Buenos Aires” Italia (Organizado por el Laboratorio Baires).

Concurso literario internacional: "Huellas Contemporáneas"

Atención poetas y narradores: tienen hasta el 30 de abril de enviar sus trabajos al Concurso Literario Internacional "Huellas Contemporáneas," en la ciudad argentina de Córdoba. Para más información los escritores pueden consultar las bases en:

http://cenediciones.com.ar

Más información: centroescritores@gmail.com /concursocen@gmail.com

 

 

 

 

Vuelve el espectáculo "Lamérica," de Giampaolo Samá

Vuelve el espectáculo "Lamérica," de Giampaolo Samá

Luego de haber sido seleccionado Premio Mundo T 2012, mejor labor masculina en unipersonal, el espectáculo "Lamérica," de Giampaolo Samá vuelve a subir a un teatro porteño, El Búho.

El cocinero prepara su ragú cuenta historias de inmigrantes, vivencias que nos llevan a las minas, en las entrañas de la tierra, a navegar con un barco lleno de emigrantes al borde de una tragedia. Nos lleva a principios del 1900 mediante una relato de trámites kafkianos, los empleados autómatas, colas infinitas para conseguir la "radicación definitiva. El protagonista tiene un secreto en las mangas: cómo no sufrir el infierno del inmigrante.

Funciones: viernes 20:30 horas. Teatro El Búho, Taquarí 215, CABA.

                Teléfono: 4342 0885.

Email:  elbuhoteatro@gmail.com                       http://lamericaobra.blogspot.com.ar