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Espectáculos (Shows)

"La Malcriada," espectáculo insólito de canto y teatro de Verónica Díaz Benavente

"La Malcriada," espectáculo insólito de canto y teatro de Verónica Díaz Benavente

Ya no se escucha el chasquido de los vasos en el teatro concert Moliére, los espectadores han apagado sus teléfonos y se acomodan en sus sillas. En el escenario el pianista toca una pieza ligera, bañado en luz azul. Una voz en off anticipa al espectador que algo insólito espera detrás de las bambalinas. Aparece Verónica Díaz Benavente, en toda su gloria y de un humor insolente: canta con su enorme y bella voz, insertada en un vestido iluminado con luces de navidad.

“La Malcriada, Opera Insolente,” espectáculo escrito y protagonizado por Verónica Díaz Benavente, peregrina, humor mordaz mediante y con teatralizaciones intermitentes el mundo lírico de la cantante, desafiando con su cuerpo activo y expresivo el estereotipo duro de los cantantes operísticos. Trabaja las más reconocidas arias de ópera desde Tosca, Traviata, Flauta Mágica, Opera Francesa, Carmen hasta Madam Butterfly, interponiendo en algunas un toque de cumbia.

La protagonista se llama Idelva del Mar. Prepara un concierto para un público poco acostumbrado a su estilo y mientras va de aria en aria ocurren cosas no esperadas, los errores o rabias que pueden suceder a cualquier ser humano. Se corta, grita, se dirige furiosa al pianista exquisito Damian Roger, se interrumpe para hacer un comentario propio, desaparece detrás de las bambalinas…En medio de su desquicio con el pianista, con el iluminador van apareciendo lucecitas de su infancia, sus equivocaciones, sus desventuras, sus secretos, los hombres, todo para salir del corseé común del cantante lírico. Su amplia experiencia en teatro hace posible entrar y salir entre una situación y otra con gran soltura.

Sorprende con su frescura insólita y audaz, deslumbra con el caudal impresionante de su voz y provoca diversión o piel de gallina en los espectadores.

 

Ficha técnico artística

Autoría:

LA BENAVENTE

Intérpretes:

LA BENAVENTE

Músicos:

Damián Roger

Voz en Off:

Rodrigo Cárdenas, Paula Casabona, Valentina Diaz, Jorge Luis Rabuffetti

Vestuario:

Ana Clara Uhrich

Escenografía:

Babel Producciones

Iluminación:

Gastón Díaz Berrios

Realización de muñecos:

Veronica Grau

Fotografía:

Fernando Niemevz

Diseño gráfico:

Mery Vanborder

Asistencia de dirección:

Fernando Gaba Theuler

Prensa:                   Silvina Pizarro

 

Dirección:               Rodrigo Cárdenas

TEATRO MOLIERE


Balcarce 682, Capital Federal - Buenos Aires – Argentina


Teléfonos: 4343-0777


Web:        http://moliere-cafe.com


Entrada: $ 70,00 - Viernes - 20:30 hs - Hasta el 22/03/2013

"La historia de Ixquic," espectáculo de Rubén Pagura en el CELCIT

"La historia de Ixquic," espectáculo de Rubén Pagura en el CELCIT

Un enorme tapiz cubre el fondo del escenario del CELCIT, tejido con figuras de Popol Vuh, libro de la comunidad maya-quiché; en el escenario gran número de instrumentos autóctonos. Tras el apagón  aparece el actor Rubén Pagura: ha comenzado el espectáculo “La historia de Ixquic.”

El Popol Vuh narra el nacimiento del mundo y el hombre, creado de maíz tras varios intentos fallidos—es la historia sagrada del pueblo asentado en gran parte de lo que es hoy Guatemala y duramente castigado por la represión dictatorial en el país.  

Para armar su espectáculo Pagura toma la historia de una muchacha llamada Ixquic, que consigue burlar a los señores del reino subterráneo de Xibalbá, escapando a la superficie y dando luz de esa manera a una nueva generación de hombres que abandonan la costumbre de celebrar sacrificios humanos.

El actor es el narrador pero además con gran agilidad expresiva pasa a interpretar a los principales personajes de la historia, matizando su actuación con baile y canto y valiéndose de media docena de instrumentos musicales. Pagura combina en su actuación una estética depurada, precisión en el uso del espacio, ironía refinada y utiliza todo su cuerpo como instrumento expresivo, transformándose con la rapidez de un rayo en uno que otro personaje mientras teja la trama de acción, terror, amor y magia.

 Ixquic, hija del Señor Cuchumaquic, Señor de Xibalbá, escuchó la historia de un dios que había sido transformado en un árbol, entonces lo visita clandestinamente y quedó preñada milagrosamente cuando el árbol le baña una mano con saliva. Es condenada a muerte pero huye de los guerreros que la persiguen y rescatada por su suegra, en cuya casa nacen sus dos hijos gemelos, que derrotarán finalmente a los Señores de la Muerte para luego ascender al cielo y convertirse uno en el sol y el otro en la luna.

El espectador atento no puede dejar de reconocer en la historia una evocación sutil a la ganadora del Nobel de la paz, Rigoberta Menchú.

Ficha técnico artística

Autoría:

Rubén Pagura

Actúan:

Rubén Pagura

Escenografía:

Irene Hernandez

Música:

Rubén Pagura

Utilero:

Rubén Pagura, Daniel Pretiz

Dirección:

Juan Fernando Cerdas

CELCIT
Moreno 431, CABA. Teléfonos: 4342 1026Web: http://www.celcit.org.ar

Entradas: $80 /$50. Viernes- 21 hs. Hasta el 26/04/2013.

 


RUBEN PAGURA


Actor, cantautor y dramaturgo. Cursó estudios de teatro en la Universidad de Costa Rica. Premios Nacionales al Mejor Actor Debutante (1973), al Mejor Actor (1975), al Mejor Grupo (Quetzal -1992), a la Mejor Obra Nacional (Memorias del ombligo del mundo-1992), al Mejor Actor (2009). Premio ACE de Argentina al mejor espectáculo extranjero –Temporada 1998/99– por “El viejo y el mar”. Se desempeñó como actor en gran cantidad de obras teatrales en Costa Rica desde 1972. Autor, junto con Juan Fernando Cerdas, de varias obras de teatro. Autor de nueve espectáculos teatrales-musicales presentados dentro y fuera de Costa Rica: “Cantata Centroamericana”, “El Cristo de las Indias”, “La Patria Grande” y “La historia de Ixquic”, “Función gratis”, “La originalísima historia del Justiciero Enmascarado”, “Te lo canto”, “Exorcismale”, “Julius” y “Romeo y Julieta” (Adaptación de la obra de William Shakespeare para actor y utensilios de cocina). Miembro fundador, en 1974, del Movimiento de la Nueva Canción Costarricense. Autor de más de 150 canciones para solista, espectáculos musicales y películas. Participó representando al país en numerosos festivales internacionales tanto de teatro como de canción. Miembro fundador del Teatro 56, del Taller Integral de Teatro, del grupo Pentadrama, del Proyecto Teatro y Música en las Comunidades (Municipalidad de San José) y del Teatro Quetzal.
Desde 1990 se desempeñó como actor y productor del Teatro Quetzal -con el cual realizó gran cantidad de giras internacionales por América y Europa– y como cantautor. En 2003 se disuelve el Teatro Quetzal y desde entonces ha creado y producido varios espectáculos teatrales y musicales, el último, “Romeo y Julieta”, en co-creación con Roberto White.



LA HISTORIA DE IXQIC se ha presentando en el V Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, España en 1990; las IV Jornadas Iberoamericanas de Teatro de Caracas, Venezuela, el Festival Internacional de Teatro de Manizales, Colombia, el Festival Internacional de Teatro de La Habana, Cuba y el IV Encuentro Teatral Tres Continentes, Agüimes, Canarias, en 1991; en el VIII Festival Internacional de Teatro Hispano, Florida, U.S.A. y el Festival Internacional de Teatro Experimental de El Cairo, Egipto, en 1993; el II Festival Centroamericano de Teatro, Honduras, en 1994; el Festival Centroamericano de Teatro de San Salvador, El Salvador, en 2002, y en el Festival Centroamericano de Teatro de San José, Costa Rica, en 2010. Ha realizado giras y temporadas en Argentina, España, Costa Rica, El Salvador, Colombia, México, Guatemala, USA.

 Invitado por el Celcit, el teatrista y cantautor radicado en Costa Rica mostrará en Buenos Aires, de aquí a mitad de año, tres de sus espectáculos unipersonales. El primero de ellos es un montaje que versiona uno de los relatos contenidos en el libro sagrado de los mayas.



Recién llegado al país, el actor y director Rubén Pagura –un rosarino que ya lleva cuatro décadas de radicación en Costa Rica– se apresta a instalarse en Buenos Aires todo este año. Invitado por el Celcit, Pagura presentará en la sala de Moreno al 400 tres de sus espectáculos unipersonales, además de impartir seminarios de actuación. Con una extensa trayectoria como cantautor (fue uno de los fundadores del Movimiento de la Nueva Canción Costarricense) y como actor al frente del Teatro Quetzal, desde hace varios años Pagura trabaja por fuera del marco de contención de un grupo. Es que, según comenta en una entrevista con Página/12, el apoyo a la cultura que existió en otros momentos en el país centroamericano hoy se ha desvanecido, tornándose muy difícil sobrevivir en los límites del teatro independiente.



Creado en 1990, durante la primera época del Teatro Quetzal, La historia de Ixquic es  un espectáculo que continúa llevando en gira por América y Europa. Con él visitó Buenos Aires en los ’90, tomando parte de la primera edición del Encuentro Iberoamericano de Teatro, festival creado por Osvaldo Dragún en los años en que se desempeñó como director del Teatro Cervantes. Se trata de un montaje que versiona con técnicas de juglar uno de los relatos contenidos en el Popol Vuh, libro sagrado de los maya-quiché. Le seguirán a éste otros dos unipersonales: Romeo y Julieta (una versión interpretada con utensilios de cocina, a estrenarse en mayo) y, después de junio, Julius, monólogo sobre textos que el periodista checo Julius Fucik escribió en la cárcel poco antes de su muerte, durante la Segunda Guerra Mundial.



De adolescente, Pagura eligió quedarse en Rosario, en tanto su familia se trasladaba a San José de Costa Rica por cuestiones laborales. No tardó mucho en cambiar de opinión y reunirse con los suyos: por entonces le gustaba el rock, llevaba el pelo largo y sufrió la intolerancia propia de la época del gobierno de Onganía cada vez que, por su aspecto, terminaba en la comisaría. “Cuando llegué a Costa Rica me impresionó comprobar que no había ejército”, recuerda hoy. Al teatro llegó, según cuenta, con la idea de encontrar el mejor modo de expresarse en el escenario, tocando rock. Y si bien nunca abandonó la música, ya desde sus primeros años en el Teatro Universitario comenzó a intervenir en montajes teatrales. Sus primeros maestros fueron argentinos, discípulos de Dragún, y, más tarde, uruguayos –el recordado Atahualpa Del Cioppo, uno de ellos–, además de teatristas chilenos, llegados a Costa Rica luego del golpe a Salvador Allende. “Había un movimiento cultural muy importante en esos años –recuerda Pagura–, el país era una especie de oasis que se nutría con exiliados argentinos, uruguayos y chilenos.”

"Ceremonia de hombres solos," elegante y acertada puesta de Eva Halac en el teatro Andamio 90

"Ceremonia de hombres solos," elegante y acertada puesta de Eva Halac en el teatro Andamio 90

Los cuatro chicos bien del espectáculo “Ceremonia de hombres solos” tienen de todo y sin embargo sufren del vacío y de la insignificancia de sus vidas. ¿Será por eso que buscan experiencias extremas, por ejemplo juntarse para jugar a la ruleta rusa? No tienen problemas económicos, nunca han conocido la falta de nada, jamás han sufrido hambre; pero el ocio les lleva a extremar la desvalorización de sus vidas. Humberto Riva, autor del recién estrenado espectáculo arma la obra con el ojo detallista de un fotógrafo: ubica la situación a mediados del siglo pasado, esboza acciones mínimas, juega siempre con el límite, el suspenso y condimenta todo con un humor mordaz.

¿Es cierto que la vida no tiene sentido para estos adinerados señores? Si es así habría que ver lo que pasa cuando la bala retumba en la cabeza de uno de ellos. Jugar a la ruleta rusa parece significar que la vida no tiene sentido, la muerte tampoco. Pero: ¿qué pasa si uno de ellos muere durante el juego?

En su muy acertada puesta escénica Eva Halac no pretende juzgar a los protagonistas. Los coloca en una muy precisa situación de riesgo extremo para explorar las reacciones y las justificaciones y las debilidades de los personajes, sin resolver nada, sin proponer solución alguna.

La acción transcurre en los años 30, en un casco de estancia de Navarro, provincia de Buenos Aires. El espectáculo de Riva se estrenó ayer en el teatro Andamio 90, veinte años después de su estreno en el Teatro Payró, bajo la dirección de Lisardo Laphitz.

A través de acciones ejecutadas con maestría por los actores se siembra la duda. Se escucha el disparo, se cae el hombre. ¿Muere fiel al juego o es suicidio? ¿Qué hacer con el cuerpo? ¿Quién se hace cargo del muerto? ¿Quién lo prepara para el morgue? ¿Quién llama la policía? ¿Murió realmente?

Si la escritura de Riva es compacta, acabada e íntegra, la puesta de Halac es ceñida, hábil y de gran fluidez dramática. La actuación complementa perfectamente el guión de Riva y la dirección de Halac mediante una entrega rigurosa y minuciosa. “Ceremonia de hombres solos” merece la atención de los espectadores y los críticos; es una obra sobresaliente que transmite emoción, suspenso y a la vez invita al espectador a contemplar los temas tratados.

Humberto Riva

Nació en Córdoba en 1933 y falleció en Buenos Aires en el 2000. Fue dramaturo y profesor de letras. Vivió en La Plata y en San Miguel, donde se hizo cargo de los talleres de literatura de la Dirección de Cultura. Esos talleres formaron a tres generaciones de escritores regionales. En homenaje, la Biblioteca gremian del sindicato de municipales de Malvinas Argentinas y José C. Paz de la localidad de San Miguel lleva el nombre de Humberto C. Rivas, y recientemente, se abrió un certamen literario juvenil, "Humberto Rivas" en los géneros poesía y relato breve, convocado por instituciones de San Miguel. Entre sus obras: La Malinche, amante de Hernán Cortéz, Ese Purrete Juan Duarte, Ceremonia de hombres solos, almuerzo para el carnero, un destino para el Sargento Cruz, La Celebración del Cuerpo (sobre el pintor Durero, premiada y representada en Alemania) Oir el acordeón (Premio Argentores) ¿Civilización o barbarie? (Escrita con Mauricio Kartun). También fue guionista de las películas de Jorge Polaco.

Funciones: sábados a las 20:30 horas en el teatro Andamio 90,


Ficha Técnica:

Elenco: Hernán Marquez, Marcos Horrisberger, Aníbal Brito, Darío Bonheur

Diseño de escenografía y vestuario:        Micaela Sleigh

Diseño de iluminacion:                               Miguel Solowej

Producción ejecutiva:                                 Demian Kaltman

Asistente de dirección:                              Erika Estiz

Prensa: Octavia Comunicación www.octaviacultura.com.ar

Sobre el Autor:

Humberto Riva ( 1933-2000)  fue dramaturgo y profesor de letras. Nació en Córdoba y vivió en La Plata, donde trabajó en la Comedia Nacional. Propulsó la creación de la Escuela Municipal de Teatro de General Sarmiento. Sus talleres de literatura formaron a tres generaciones de escritores de la provincia de Buenos Aires.  Entre sus obras cabe destacar:  La Malinche, amante de Hernán Cortéz,  Ese Purrete Juan Duarte, Ceremonia de hombres solos, Un destino para el Sargento Cruz.

"Empiezo Vóley," del juego deportivo al juego teatral, espectáculo de Paola Peimer estrenado ayer en el Teatro del Abasto

"Empiezo Vóley," del juego deportivo al juego teatral, espectáculo de Paola Peimer estrenado ayer en el Teatro del Abasto

Desde la antigüedad el hombre ha encontrado en el teatro un juego que provoca y estimula la sensibilidad del espectador; es decir, el teatro es un juego con reglas propias. En las palabras de Voltaire: “el teatro en una mentira, haced que sea lo más verídica posible.” Paola Peimer, directora y autora de “Empiezó Vóley,” estrenado anoche en el Teatro del Abasto, montó el espectáculo a partir de una clase de Vóley en una cancha de un club deportivo.

Mientras los espectadores entran en la sala, los actores realizan tareas de precalentamiento sobre la cancha de vóley, se enfrentan fuertemente, unos contra otros, hay miradas ácidas, empujones, se produce un clima enrarecida de agresión.

Silencia, oscuridad. Entra la profesora. No está de buen ánimo, una sensación de malestar que crece con la entrada de una alumna nueva—una rubia con un tic facial e inesperados desmayos—y más aún con una alumna que es conocida de la profesora desde la infancia.

Se multiplican las discrepancias, en cada acción y en cada gesto subyace una provocación: los enfrentamientos rebotan como las pelotas de vóley entre las tres mujeres, la política, la vida social, conceptos enfrentados. La alumna nueva es torpe pero a la vez graciosa en sus desplazamientos, algo que desconcierta tanto a la profesora como a la otra alumna.

De repente aparece un conflicto externo. Una protesta sindical de parte de un sector del club y la llegada del profesor de futbol infantil: un hombre entre tres mujeres, con las consecuencias más o menos predecibles, hecho que eleva aún más el nivel de conflicto.

El planteo es interesante: por un lado el intento de aprender cómo jugar vóley, mientras simultáneamente surgen los conflicto humanos de seres que exponen en cada jugada las “reglas” que la sociedad impone; las reglas como así también el desprecio por las reglas, en fin, la tragedia de la existencia humana.

Si bien la idea es original, pensamos que cabe ajustar todavía algunos detalles para producir una verdadera síntesis entre el juego deportivo y el juego actoral.   

Elenco:  

Silvina Buzzetti

María Laura Caccamo

Julieta Condro

Mauricio Heredia

 

Dramaturgia y direccion: Paola Peimer

  

Diseño escenografico:                Gabriela Sciascia y Paola Peimer

Vestuario:                                        Nosotros

Realizacion:                                    Marcelo Pavone y Nosotros

Asesoramiento coreografico:    Lucas Condro

Diseño de luces:                           Sergio Cucchiara

Operacion de luces:                     Guillermo Merzari

 

Funciones: Lunes a las 21 hs.

Localidades: $ 60.-.

Teatro del Abasto - Humahuaca 3549 – Reservas al 4865-0014

 Paola Peimer 

 Egresada de la Escuela Municipal de Arte Dramático de la Ciudad en la carrera de actuación, continuó su formación en danza con Teresa Duggan, en Clown con Marina Barbera, en dirección de actores con Nora Moseinco y en dramaturgia con Román Podolsky y Mariana Obersztern.

Desde 1995, viene trabajando como actriz dentro del circuito de teatro off, siendo lo más destacado su participación en la compañía “La Fronda”.  Entre los años 1998 y 2007 es miembro de la misma, bajo la dirección de Ciro Zorzoli y Ana Sanchez.  Participa de las obras “Living, último paisaje”, “A un beso de distancia” y “Ars Higiénica”. Con esta última realiza varias giras internacionales en España, Ecuador, Chile y Uruguay. En 2007 participa de “Flia”, última producción que realiza junto a la compañía, en el Teatro del Abasto. En 2010 estrena “Vivarium”, con dirección de Luis Di Carlo en la misma sala.

Dedicada a la docencia teatral, tanto a nivel institucional como privado, continuando con su formación dentro del área pedagógica en el IUNA.

"Llanto de Sauce," un espectáculo de Horacio Nin Uría en el teatro del Abasto

"Llanto de Sauce," un espectáculo de Horacio Nin Uría en el teatro del Abasto

   Un fotógrafo tiene una forma particular de ver el mundo; cuando el hombre que busca imágenes reveladoras es además adicto a los viajes se produce una situación potencialmente dramática. Es lo que aprovecha el actor y director Horacio Nin Uría y el Grupo Teatral Aqueles para montar el espectáculo “Llanto de Sauce,” que se estrenó ayer en el Teatro del Abasto de Buenos Aires.

   El viajero-fotógrafo, harto de la ciudad, busca en el campo otra oportunidad, algo impreciso y a la vez urgente. Es una aventura común con un ingrediente excepcional. ¿Quién no haya encontrado algo inexplicable en sus fotos de viaje? Asimismo, si el motivo del viaje es organizar una exposición fotográfica, aparece un aspecto práctico fuertemente ligado a lo artístico.

   Al inicio del espectáculo, el espectador visualiza en el escenario tan solo dos elementos que pueden despertar su curiosidad: un barril rojo en medio del escenario y al fondo la proyección de una imagen rústica. El viajero se ha propuesto ir al campo y sin habérselo propuesto llega a una finca y allí conoce una pareja joven y un peón. Sobreviven como pueden acechados por una fuerte sequía y el aburrimiento. El viajero pide permiso para sacar fotos. Su curiosidad artística lo involucra en una situación no esperada.

   El espectáculo avanza mediante acciones mínimas y diálogos comprimidos, casi carentes de emoción. Es el fotógrafo, a la vez narrador de su propia situación, quien imprime el ritmo y segmenta los acontecimientos de acuerdo a su memoria de viajero.

Viernes a las 21 horas. Teatro del Abasto, Humahuaca 3549, CABA. Localidades: $60. Estudiantes y jubilados: $40. Reservas por Alternativa teatral o al 4865-0014. Facebook: Llanto de Sauce

Ficha artística-técnica

Actúan: Mariana Estensoro, Alfredo Staffolani, Román Tanoni, Juan Manuel Zuluaga.

Diseño de escenografía e iluminación: Magali Acha

Diseño de vestuario: Mercedes Uría

Fotografía: Pia Leavy

Peluca: Daniel Medrano

Realización de traje: Jame Nin Uría

Producción: Fabio Petrucci

Prensa: Marisol Cambre

Asistencia de Dirección: Bárbara Lier

Dramaturgia y Dirección: Horacio Nin Uría

 

Sobre Horacio Nin Uría

Es actor, autor, director y docente. Egresado de la Carrera de Dramaturgia en la EMAD teniendo de profesores a Mauricio Kartun y Alejandro Tantanian, Luis Cano e Ignacio Apolo. Como actor se formó con Claudio Tolcachir, Ricardo Bartis, Guillermo Angelelli y Andrea Garrote, entre otros. Además cursó la carrera Licenciatura en Dirección Escénica en el IUNA.

 

Como docente se desempeña en su propio espacio siendo parte del Estudio Teatral Rioplatense. En 2010 estrenó como autor y director "Aqueles que não são mais", obra preseleccionada para el Premio Argentores 2011 a la producción teatral. A su vez trabajó en teatro con directores como Luciano Cáceres ("Creo en Elvis", "Cané: Estudiantina", "Los reyes"), Joaquín Bonet ("Acercamientos personales II"), Claudio Tolcachir ("Fuera de casa"), Daniel Dalmaroni (“El Secuestro de Isabelita”), Ezequiel Tronconi ("Esa no fue la intención"), entre otros.

 

En cine formó parte de los largometrajes "Verdades Verdaderas", dirigida por Nicolás Gil Lavedra, y "There be dragons" del director inglés Roland Joffé. Además realizó decenas de participaciones en televisión, y en publicidades nacionales e internacionales.

"MacBicentenario, un recorrido absurdo por la historia argentina" en el teatro Liberarte

"MacBicentenario, un recorrido absurdo por la historia argentina" en el teatro Liberarte

                ¿Cómo ven los adolescentes argentinos la historia de su país a partir de la gesta de 25 de mayo? De eso se trata el espectáculo “MacBicentenario, un recorrido absurdo por la historia argentina,” estrenado en el teatro Liberarte de Buenos Aires. Un grupo de siete jóvenes actores de entre 15 y 19 años, miembros del Ad Honorem Group, se juntan para ensayar y aparece la idea de contar los 200 años de historia argentina, en el marco del Bicentenario.

          No resulta una tarea fácil, pues sus intentos están plagados de errores, los ensayos salen mal, como han salido mal también tantos intentos de reconstruir el país luego de la guerra anticolonial. Sucede que la historia de cualquier país es una herencia, un relato subjetivo usualmente redactado por quienes ostentan el poder. Es decir, se puede concebir la historia como un relato construido por las acciones políticas, económicas, sociales y culturales.

       Pero en el caso específico de Argentina, no es fácil conseguir dos relatos iguales. Si uno habla con dos argentinos muy probablemente se escucharán dos versiones encontradas con respecto al significado de la independencia, del papel de San Martín, de Moreno, de la “conquista” del desierto, de Irigoyen, de Perón, de la Dictadura.

     ¿Y en las escuelas? ¿Cómo se enseña la historia a los jóvenes?

     En el espectáculo los actores, vestidos todos en negro con corbatas blancas, intentan reproducir aspectos de la vida en la época del virreinato, qué comían (siete platos). Van tropezando entre error y error, pero todo se cuenta desde la óptica, la frescura y la vitalidad de los jóvenes. Un buen ejemplo: para ejemplificar la época infame de fraude, los votantes ponen truchas en la urna. (votos truchos). La escena sobre la represión durante la dictadura es muy lograda y puntualiza el momento culminante del espectáculo. Sin embargo, allí mismo aparece la directora para retarles: la obra no está saliendo bien, dice. Es justo en ese momento que aparece la democracia.

    Necesariamente, la historia es algo banal, pues contar 200 años de historia en menos de una hora es un desafío demasiado grande. Hay que resaltar que el espectáculo es una creación de los mismos actores, con la asistencia de Zulema Czéin en el texto y Carlos Rapolla en la dirección. Tal vez el mejor mérito del espectáculo es ver la frescura física y emocional de los adolescentes luchando con la historia de Argentina, a través de un código preciso de actuación, con un sentido de humor agudo y sano.

    Enero y Febrero en el teatro Liberarte, Corrientes 1555. Entradas $60.

Ficha técnica:

Elenco (por orden de aparición) Camila de Genaro, Catriel Bidarte, Jasón Riopedre, Luca Andrea Mele, Nahual Valiente, Víctor David Díaz y Nicolás Ligorria Ozón.

Asesoría histórica: Sebastián Armesto-Ozón

Sonido e iluminación: GuillermoLigorria

Producción ejecutiva: Valeria Reglá

Producción general: Zulema Ozón

Diseño gráfico: Jonatham Noto

Dirección: Carlos Rapolla

"Dalí y Lorca," un espectáculo muy logrado en Liberarte

"Dalí y Lorca," un espectáculo muy logrado en Liberarte

André Breton entendía el surrealismo como un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, sin preocuparse demasiado de la estética o moral. Coincidió históricamente con los graves conflictos ideológicos y militares que ardían en Europa a principios y medianos del siglo veinte. En el espectáculo “Dali y Lorca,”que se presenta en el teatro Liberarte de Buenos Aires, el autor y actor Rolo Sosiuk ha creado con maestría la nunca esclarecida relación de amor entre el pintor Salvador Dalí y el escritor Federico García, una relación salpicada de pasión, celos y rechazo. La pieza cuenta con la impecable dirección de Carlos Rapolla.

Rolo está en el escenario pintando; su parecido físico es llamativamente similar al extravagante artista. Dice: “estoy enredado en mi cuerpo.” Describe su encuentro con Federico Lorca (Julio Chiarazo) en 1922, en la Residencia de Estudiantes; los dos exteriorizan su admiración mutua, su amor surrealista por las formas, por las letras, por la libertad expresiva. Lorca, de un carácter más humilde, más sensible, le dice a Salvador, “tus formas se mesclan con mis palabras.”

Es cierto. Uno de los aspectos fascinantes del surrealismo fue la saludable falta de respeto por  las reglas y los límites preestablecidos. Dalí no tenía empacho en decir que buscaba la fama, el reconocimiento, el aliento de su ego. Anuncia Salvador que irá a París. “¿y yo?” pregunta Federico. “Nada,” contesta el artista. En realidad, no fue tan así porque ni Salvador ni Federico podrían ocultar el amor fuerte y abarcador y la admiración mutua que los unía.

Pero siete años después, orgulloso de haber sido admirado por los más renombrados artistas y personalidades del momento, Dalí vuelve a España, cambiado, coqueteando con las ideas fascistas, en tanto Lorca seguía firme a su compromiso con su pueblo, Granada, firme en su rechazo visceral hacia el dictador Franco. Dalí propone subir al caballo del momento, sus ideas parecían cada vez más confusas y contradictorias; Federico anuncia su determinación de volver a Granada, dice que quiere volver a su tierra aunque tenga que morir, porque no puede escribir fuera de su pueblo.

Las fuerzas franquistas lo capturan y lo fusilan. Más allá de su exuberante exhibición de ideas extravagantes, y su aparente falta de sensibilidad social, Salvador se deshace en llanto cuando escucha la noticia sobre la muerte del hombre que había amado con tanta pasión y locura. No se sabe si el amor de los dos hombres incluyó el aspecto carnal.

Es un espectáculo visualmente atractivo que logra capturar momentos profundos en la relación entre Dalí y Lorca, sazonado a través de un compromiso actoral bien acorde con la situación planteada.

Viernes 4 de enero 21:30 hs
"DALI Y LORCA, diario de un viaje imposible"

De Rolo Sosiuk

ENERO y FEBRERO
Viernes 21:30 hs
LIBERARTE TEATRO
Av. Corrientes 1555.
Reservas: 4375 – 2341 - Entradas:$60
Promociones en: http://www.liberarteteatro.com.ar

Es
ta obra estará los días 12 y 26 de ENERO – 21hs en:

CASA DE LA CULTURA DE VILLA GESELL
Av.3 nº 874 (entre 108 y 109)
Villa Gesell

Protagonistas:
Salvador Dalí Rolo Sosiuk
Federico García Lorca Julio Chiorazo
Ficha Técnica
Dramaturgia Rolo Sosiuk-Realización de Escenografía Teatro Sin Fronteras
Realización de Vestuario Rosa López - Esther Montenegro-Realización de Iluminación Carlos A. López
Música Eufonía España-Fotografía Arte Gráfica
Gráfica Artística Lito Madrid-Edición de Video Lucrecia Heredia
Productor Marcelo López-Asistente de Dirección Renata Marrone
Prensa Laura Castillo- Producción Ejecutiva Teatro Sin Fronteras
Dirección General Carlos Rapolla

Web: www.teatrosinfronteras.com

A
uspician y acompañan:
MINISTERIO DE CULTURA DE LA CIUDAD DE BS. AS.
A
MIGOS DE LA FUNDACION SOLDI
Museo del Puerto y las Vias Navegables- Direccion Nacional de Vias Navegables

"En familia," de Florencio Sánchez en el teatro 25 de Mayo

"En familia," de Florencio Sánchez en el teatro 25 de Mayo

Sí bien el argumento de “En Familia” del dramaturgo, periodista y anarquista Florencio Sánchez sucede en el seno de una familia “acomodada” de hace más de cien años, el espectáculo montado por la directora Eva Halac logra una asombrosa actualidad. Asimismo y gracias a la visión particular de la directora, lo trágico se une con lo cómico, o mejor dicho, lo irónico.

Dice Eva: “Me resulta muy atractivo ese cruce de los elementos de una comedia divertida con ese drama que conjuga las palabras desgracia, crimen y deshonra, al lado del dinero, el único tema tabú que nos queda”, señala Halac, también a cargo de la dirección de la puesta.”

El espectáculo cerró su exitoso ciclo anoche en el teatro municipal 25 de Mayo.

En el fondo del escenario y detrás de una cortina el espectador observa una calle porteña repleta de tránsito, colectivos y coches nuevos—algo que sirve como nexo entre el momento cuando Sánchez escribió la obra y la actualidad. Sin el toque humorístico y sin la actualización la obra hubiera sido más cercana a una melodrama y menos comprensible para el público de hoy.

De todos modos quedan latentes los conflictos que incluso hay día dividen las familias, conflictos de valores (el padre es un jugador obstinado)…mediante el resquebramiento familiar el espectáculo deja ver temas como la pérdida de los valores, la pérdida de honor y de la palabra y la importancia del trabajo como pilar que dignifica.

La familia aparece como una especie de agrupamiento de individuos juntos por una relación más ficcional que real; Sánchez intenta demostrar que esas ficciones funcionan a menudo sobre la base de un fracaso personal (del padre). El deber, el motor de la familia, se derrumba con el derrumbamiento del padre.  (De alguna manera uno no puede dejar de pensar en “La muerte de un Viajante”), obra escrita durante el colapso económico de los ’30.

Ficha Técnica Artística:

Elenco: Guillermo Pfening, Carlos Scornik, Monina Bonelli, Michel Noher, Natalia Señorales, Ariadna Asturzzi, Agostina Degasperi, Gabriel Rivas y Lucas Ferraro.
Dirección de Arte: Micaela Sleigh
Iluminación: Miguel Solowej
Música: Sergio Vainikoff
Videos y fotografías: Laura Casabé
Dirección: Eva Halac
Producción Ejecutiva: Demián Kaltman
Fotografía: Rodrigo Tubio
Prensa: OCTAVIA Comunicación

 

Julia Varley del Oden Teatret presentó "Ave María" en el teatro Empire de Buenos Aires

Julia Varley del Oden Teatret presentó "Ave María" en el teatro Empire de Buenos Aires

     Hacer un comentario sobre un espectáculo de Julia Varley, del Odin Teatret, ha de ser como organizar una conferencia sobre la cultura en el año 3012. Sin embargo, el intento ayuda a entender mejor la esencia de un arte milenario que sigue robusto a pesar de internet y la tecnología comunicativa cada vez más avanzada.

     Los espectáculos del Odin Teatret, inspirados por el gurú Eugenio Barba son el resultado de largos y pacientes investigaciones, integrando el canto, la danza y los ritos populares a las herramientas del actor, cuidando cada aspecto hasta el último detalle y siempre aplicando en las acciones y en la puesta un muy elevado contenido artístico.

    Así es “Ave María” de Julia Varley, un audaz performance dirigido por Barba y puesta anoche en el escenario del teatro Empire de la Ciudad de Buenos Aires.

    Es un espectáculo lleno de vida, sobre la muerte; una ceremonia para la actriz María Cánepa, inspirado en unos versos del poeta italiano Antonio Verrí:

“Trescientos escalones en pocos instantes.

            Piel de piedra sobre mi cabeza.

Los muertos y las moscas transparentes

            ¿qué son? ¿Y yo qué valgo?

A lo mejor la muerte no se lo lleva todo.”

    La muerte se lamenta y se festeja de mil maneras por las diversas culturas alrededor del mundo; pero siempre supone un ritual. Tiene mucho que ver con el teatro, pues los espectáculos también llevan en su seno la esencia de un ritual, la celebración del paso que nos transporta desde la vida al incógnito de la muerte.

     El personaje que entra en el escenario parece ser un hombre elegante, de gran altura, su cabeza un cráneo. Sus movimientos son lentos, pausados, su expresión amable, de buen humor, no transmite terror. Pronto agarra hojas verdes esparcidas por el escenario y las tira sobre su cabeza para luego transformarse en mujer igualmente elegante, vestida en rojo y blanco. Deja el cráneo cerca de una cuerda que emplea para colgar diversos elementos: pantalones cortos dibujados con cráneos, un muñeco con cabeza de cráneo. Ella no deja ver nunca su rostro.

    Varley conoció a María Canepa en 1988 durante la primera visita del Odin Teatret a Chile, cuando el país todavía estaba bajo la dictadura de Pinochet. Tenía una voz extraordinaria, según Varley—ella misma conocida por sus muy profundos trabajos con la voz.

    Ave María es entonces a la vez un homenaje a María Canepa y una oportunidad para hablar sobre el sentido de hacer teatro, de una forma particular de hacer teatro. Todas las acciones, incluso las expresiones vocales, el vestuario y la puesta en escena invitan al espectador a contemplar la muerte como un ritual de paso. Permite asimismo comprender el hecho teatral como un juego elegante que apela a diferentes lenguajes: el vestuario, el modo de moverse en el escenario, los gestos, las palabras como pinceles en un dibujo mayor, los variados tonos de la voz, el ritmo, las pausas…

    El espectáculo de Julia Varley llegó a Argentina gracias al esfuerzo de El Balio teatro. Contactos: mail: info@elbaldio.org   Web: http://elbaldio.org

     La fotografía que acompaña la nota es de los archivos del Odin Teatret. El fotografo: Tommy Bay.

"Ensayo para un hereje," espectáculo de Hernan Costa y Silvia Goldstein

"Ensayo para un hereje," espectáculo de Hernan Costa y Silvia Goldstein

La única luz en la sala son las lámparas que maneja el torturador. El preso no sabe qué responder. No sabe por qué lo han secuestrado. No sabe qué actitud le conviene tomar frente al opresor. No sabe si sobrevivirá.  Su estado de aislamiento, de desprotección lo sumerge en un miedo brumoso. Los espectadores comparten esa misma sensación, pero han pagado sus entradas, saben que van a salir, saben que son simplemente espectadores de un “Ensayo para un hereje.”

El espectáculo sobre un hombre sorprendido en un operativo forma parte de una iniciativa importante: “El teatro y las transformaciones sociales” que se realiza en el teatro El Desguace durante el mes de noviembre. “Ensayo para un hereje” se presentó el sábado pasado.

Poco después del golpe militar en Argentina del 25 de marzo, 1976, aproximadamente a la 1:00 de la mañana unos chicos vieron cómo dos coches estacionaban frente a la iglesia San Patricio, en el barrio de Belgrano. Una hora después uno de los chicos vio que cuatro hombres salían de los autos y entraban a la iglesia con armas largas. Esa mañana cinco religiosos palotinos fueron fusilados por la espalda: el hecho se conoce como “Masacre de San Patricio.”

Hernán Costa organizó el espectáculo “ensayo para un hereje” a partir de ese hecho, sin intención de poner el hecho en sí en el escenario. La sala del teatro El Desguace se convirtió en un centro clandestino: oscuridad, una extraña máquina, algún ruido raro, un torturador, un preso, el silencio, las lámparas iluminando el rostro del secuestrado, los movimientos deliberados y planificados del opresor, cuyo apodo es “Tutor.”

Un hombre desprovisto de nombre—una técnica habitual en la represión--narra pedazos de su historia, con sucesos intercalados, una guardia inmobiliaria. No está preparado para responder a semejante maltrato, a este submundo en el cual se encuentra, acorralado, sin salida a la vista. ¿Cómo entender cuando siquiera hay una mínima explicación lógica del porqué de su secuestro?

La represión funcionaba así: un secuestrado era un condenado, sin jueces, sin jurados, sin leyes; no hacía falta explicitar ni siquiera acusar a la víctima: su condena se realizó en el momento de su secuestro. Llevar al escenario esa sensación de total desamparo ha sido un gran desafío para Silvia Goldstein y Hernán Costa.

¿Cómo escenificar lo que un hombre siente cuando queda solo, espiritualmente desnudo, frente a un poder oscuro, de poder ilimitado? El preso no puede dejar de pensar en el pasado, en su historia, pero sus memorias sólo le producen un mayor sufrimiento. ¿Qué sucede con su pasado? ¿El futuro? ¿Cómo encarar el presente?

Más allá de los hechos que han inspirado el espectáculo, “Ensayo para un hereje” es un trabajo teatral notable: elementos simples que cobran una dimensión enorme; una actuación visceral, sin adornos, eficaz.

Elenco:                                               José Márquez, Pablo Álvarez y Alberto Carmona

Voz en off:                                          Carlos Veiga

Diseño de luces y escenografía:                    Eduardo Spíndola

Diseño gráfico, fotografía y vestuario:        Dany Torta

Diseño sonoro:                                              Sergio Klanfer

Música:                                              Eduardo Bertaina

Dramaturgista:                                    Silvia Goldstein

Producción ejecutiva:                                   Claudio Lentz

Autor:                                                Hernán Costa

Dirección:                                          Silvia Goldstein / Hernán Costa         

 

Teatro El Desguace, Almacén Cultural

México 3694, Boedo, CABA

Tel: 3966-8740

eldesguaceteatro@gmail.com

http://teatroeldesguace.blogspot.com

"En otra vida fui Marlon Brando," entretenido espectáculo de Jorge Tomás en el teatro La Tertulia de Buenos Aires

"En otra vida fui Marlon Brando," entretenido espectáculo de Jorge Tomás en el teatro La Tertulia de Buenos Aires

     Es cierto: poco saben los espectadores sobre las rencillas que suceden en los camarines de un teatro antes de un estreno. “En otra vida fui Marlon Brando” de Jorge Tomás es un juego dramático brillante basado en las siempre cambiantes situaciones de tres actores justo antes del estreno del espectáculo “Lo mejor de Shakespeare.”

     Están en los camarines probando sus vestimentas, calentando la voz, estirando los cuerpos, practicando Tai Chi, buscando el texto, repasando la letra, “ser o no ser,” poniendo los últimos toques en su maquillaje. Toto, nervioso, sale para ver si hay mucha gente y vuelve consternado: entre los espectadores está su ex novia…con su novia nueva. Su cara dice todo.

     Otro actor, teléfono móvil por medio, recibe un golpe al corazón: su novia dice que está embarazada. Justo antes del estreno. Pero el actor tiene que mantener la cabeza fría, ¿no es cierto? Ser o no ser.  No está para asumir el rol de padre, es suficiente intentar dominar los textos de William Shakespeare. No importa, ella quiere tener el bebé. ¿Y el nombre? ¿Marlon? ¿Marlon Brando? ¿Mario? ¿Mario Brando?

    Tranquilo dice un compañero. En este momento me siento pleno. En este momento soy yo.

     Oscuridad, cambio de escena. Los tres son personajes de Shakespeare, trabajan los textos y las acciones dramáticas con cuerpo y alma, entregando lo mejor de su preparación actoral, contienen la respiración, sus bocas y labios ponen mágica a las palabras del bardo inglés, con humor alegre y a la vez ácido; incluso con canto, gestos magistrales: es el momento culminante para ellos y para cualquier actor.

     Pero la realidad siempre asoma su espinosa cabeza. Desde la primera fila de los espectadores pisan el escenario un hombre y una mujer. Es la pareja del ex novio de Toto…

     Es un espectáculo entretenido, bien dirigido, un espacio de muy pocos objetos que transmite una energía vital, un texto ágil, moderno a pesar de o tal vez gracias a los textos de Shakespeare, con la actuación de un grupo de artistas provenientes del mundo del clown, Iuna y Emad.

Funciones: Viernes 21 horas, teatro La Tertulia, Gallo 826, CABA

Elenco: Rodrigo Arostegui, Estefanía Valdatti, María Florencia Tomás, Marcelo Martín, Pedro Padilla López.

Vestuario y Escenografía: Lía Espiro
Diseño de luces: Verónica Alcoba, Fernando Chacoma
Diseño gráfico: Metele Que Son Pasteles
Entrenamiento actoral: Paulina Grosclaude
Asistencia de dirección: María Florencia Tomás
Asistencia técnica: Mariana Álvarez.
Diseño Grafico: Metele que son Pasteles.

Dramaturgia: Jorge Tomás

Dirección:   Jorge Tomás y Paulina Grosclaude

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Llega Julia Varley de Oden Teatret para presentar: "La alfombra voladora"

Llega Julia Varley de Oden Teatret para presentar: "La alfombra voladora"

      Julia Varley, actriz del Oden Teatret durante 30 años, presentará dos únicas funciones del espectáculo/demonstración de trabajo “La alfombra voladora,” que cuenta con la dirección artista de Eugenio Barba, el 20 y el 21 de noviembre en el teatro Empire en la Ciudad de Buenos Aires.

      El espectáculo comienza con una frase: “El texto es una alfombra que debe volar lejos.” Varley trabajará con fragmentos de textos pertenecientes a los espectáculos que ha interpretado a lo largo de su carrera con el Oden Teatret.

Actriz: Julia Varley
Duración: 1 hora

Función: martes 20 de noviembre a las 21hs. Entrada general: $120.

Entradas online: http://www.alternativateatral.com/entradas7216-la-alfombra-voladora
Venta en TEATRO EMPIRE (solo en efectivo) Hipólito Yrigoyen 1934

Teléfonos 4953-8254
http://www.elbaldio.org/

"La tormenta," del dramturgo ruso Alexander Ostrovsky, dirigida por Daniel Suarez Marzal y Roberto Aguirre

"La tormenta," del dramturgo ruso Alexander Ostrovsky, dirigida por Daniel Suarez Marzal y Roberto Aguirre

            El espectáculo de Ostrovsky, un autor Ruso de la época de los Zares, poco conocido en Argentina, toma un vuelo de gran belleza poética a través de la hábil dirección de Marzal y Aguirre y la impecable actuación de un elenco distinto cada función, actores provenientes de un seminario de teatro ruso.

            “La Tormenta,” un título justo pues retrata la sensación de opresión previa a la inevitable tempestad, es una obra que sitúa la acción en un contexto de enfrentamiento entre el naciente realismo y el convencionalismo del teatro de la Corte del Zar, cuando nacen los primeros cuestionamientos de una estructura social vertical y resistente al los vientos de cambio.

            Si bien la historia es compleja, la acción enfoca sobre una joven, Katerina Kabanova, atormentada por su apetito de libertad y su miedo a trasgredir a los muy estrictos códigos de conducta de un patriarca de provincia; es decir, un mundo altamente codificado en el cual cada personaje no es más que sus propias contradicciones. Sin embargo, el espectáculo provoca e invita los espectadores a meditar sus propias contradicciones.

            Katia es esposa de un hombre sumamente débil, y alcohólico: vive rodeada por  una sociedad que tiende a ver sus propias miserias en las acciones de los demás, un entorno social hipócrita, decorado hasta el tedio por las creencias de la Iglesia Ortodoxa.

            Es llamativa que la solución dramática de Ostrovsky sea el suicidio: Katia engaña a su marido con un hombre joven recién llegado de Moscú (es decir, una persona ajena a la pequeña localidad rusa de 1860). Llena de culpa, ella termina matándose a las orillas del río Volga.

         Es decir, una historia “realista” que surgiere una fuerte crítica social, embellecida en la puesta de Marzal y Aguirre, por silencios escénicos, metáforas (el Río Volga), humor, movimientos escénicos de gran agilidad y un coro que canta en ruso e impone un notable clima de dramatismo a las acciones de los personajes.

             La Tormenta es una importante experiencia teatral que además refleja la sensibilidad y visión dramática de los directores.  

       Funciones: Los viernes y sábados a las 23 horas en el Centro Cultural de la Coopperación, Corrientes 1543, CABA. Reservas: 5077-8077.

     Web: http://www.centrocultural.coop . Entrada: $80/$70

Ficha técnico artística

Autoría: Alexander Ostrovskyi

Intérpretes: Julia Azar, Cecilia Belmonte, Amanda Bond, Ana María Castel, Oscar Cisterna, Daniel Di Cocco, Emiliano Estevanez, Guillermo Forchino, Maia Francia, Guido Grispo, Florencia Limonoff, David Paez, Ariel Perez De Maria, Maria Viau, Alejando Zanga.

Vestuario: Sofía Di Nunzio

Escenografía: Gonzalo Córdova

Iluminación: Gonzalo Córdova

Edición musical: Alejandro Zanga

Diseño gráfico: Patricio Peréz Ututo

Asistencia de dirección: Lucía Liviero, Agustín Sampietro Sullivan

Dirección: Roberto Aguirre, Daniel Suárez Marzal

"Quién hay?" espectáculo de humor seco de Raúl Kreig en el teatro La Carbonera

"Quién hay?" espectáculo de humor seco de Raúl Kreig en el teatro La Carbonera

     Cinco sillas, cinco mujeres, un espacio casi vacío, las paredes antiguas de ladrillos a la vista del teatro La Carbonera, golpes, reacciones, cada personaje busca protegerse con lo que tiene a la mano. ¿Quién es? Cada personaje una composición. Cada mujer un mundo de soledades, aciertos y desaciertos, frustraciones, la inevitable presencia de la envidia, los celos, la solidaridad. Golpes a la puerta. Entra el miedo, la histeria, la confusión. ¿Quién toca con tanta insistencia? ¿Por qué? ¿Qué busca?

    “¿Quién hay?” un espectáculo de Raúl Kreig, actor, docente y dramaturgo santafecino de larga trayectoria,  fue premiado en el último festival de humor de Zapala, estrenado en la Ciudad de Buenos Aires con la dirección de Ariel Osiris. Plantea incognitos de la vida femenina mediante juegos, indagación de estados y la dialéctica entre lo exterior y lo interior.

    No tiene una historia lineal, un hecho que puede descolocar en un primer momento, pero al incorporar a varios lenguajes expresivos y trabajar sobre la sorpresa el espectador queda atrapado en las múltiples e insólitas situaciones que surgen a partir de los golpes a la puerta.

     El guión dota las actrices con un nutrida cantidad de expresiones populares, con algunos resabios del absurdo (cuando una mujer menciona lo que sucede luego de un mes sin cagar), con algunos exabruptos ontalogicos:

   --A dónde van los muertos?

    --Al cielo.    

Funciones:

Sábados a las 21 horas en el teatro La Carbonera, Balcarce 998, CABA.

Reservas: 4362 2651. Entradas: $60 y $40 (jubilados y estudiantes)

Elenco:

 María Inés Alvarez- Verónica Medina-Myriam Ramírez-Alicia Reilly- Paola Triñanes

Asistente de Dirección:                     Anush Bustos

Dirección:                                          Ariel Osiris

Autor:                                                Raúl Kreig

Música Original:                                Alejandro Catarino

Vestuario:                                          Natalia Lavigna


Asesoramiento en luces:                    Dora Milea


Diseño Gráfico:                                 Luciano Crispi


Fotografía:                                         Carlos Vizzotto



"La verdad sobre la temporada de liebres," espectáculo de Patricio Ruiz en el Teatro El Extranjero

"La verdad sobre la temporada de liebres," espectáculo de Patricio Ruiz en el Teatro El Extranjero

      ¿Cuál es el común denominador entre un día de caza y una reunión familiar? “La verdad sobre la temporada de liebres,” un espectáculo de Patricio Ruiz, explora y se inmersa en esta pregunta provocadora, planteando  una situación familiar en la cual se destacan crispaciones de todo tipo, actores entrenados en la profundización de los estados interiores, vueltas inesperadas, como si la dialéctica entre presa y cazador hubiera entrado en la casa.

      La familia Ferrero quiere festejar el cumpleaños de una de las hermanas, quien ha quedado paralítica. Por eso debe nombrar como apoderado a un miembro de su familia para que cobre por ella su reciente subsidio por discapacidad. Todo sucede en una vieja casona del campo, animales embalsamados, un fusil, una cazadora, un taxidermista, una prima moralista y la mujer paralítica.

     Subyacen en las tensiones entre los familiares mitos y leyendas, tal vez el diablo en cualquiera de sus manifestaciones, la difunta Correa, el pasado, las leyendas propias de la vida en el campo, las ambiciones y, sin lugar a dudas, las víboras.

    Más allá de la historia relatada el espectador puede apreciar un estilo de actuación particular, actores que cambian abruptamente el tono vocal, gestos que surgen de los estados interiores de cada personaje, una utilización económica del espacio escénico. Cada personaje tiene una modalidad particular de moverse y de hablar y es meritorio que todos se mantienen fiel a la propuesta asumida.  

    "La verdad sobre la temporada de liebres" forma parte de "Del Campo", trilogía en curso del autor Patricio Ruiz, vinculada al universo de los mitos, historias populares, leyendas.

Patricio Ruiz

Formado en las escuelas de Pompeyo Audivert, Ricardo Bartís y Mirta Bogdasarian, entre otros, y en dramaturgia con Alejandro Genes, Ricardo Monti y Alejandro Tantanian, Patricio Ruiz ha publicado "Tyndall" y está por publicar "Memorias que explotan pájaros", ambos en Ediciones Encendidas. 

Ficha técnico artística


Autoría:                      Patricio Ruiz

Actúan:                       Yanina Gruden, Bárbara Massó, Kairiana Núñez Santaliz, Patricio Ruiz, Camila Vanore

Vestuario:                   Merlina Molina Castaño


Escenografía:              Fernando Lancellotti


Iluminación:               Julio Alejandro López


Fotografía:                  Lucas Coiro, Nicolás Deshusse


Arte:                           Merlina Molina Castaño


Diseño gráfico:             Nicolás Deshusse


Colaboración en vestuario: Loana Javiera Junco


Asistencia de dirección:         Maria Florencia Colace


Prensa:                                Octavia Gestión Cultural y Comunicación


Producción general:               María Solari


Dirección:                               Luciano Ricio

Funciones:

Jueves 22 horas en el teatro El Extranjero, Valentín Gómez 3378.

Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4862-7400
Web: http://www.elextranjeroteatro.com
Entrada: $ 50,00 - Jueves - 22:00 hs -

Video: http://www.youtube.com/watch?v=2Xk2igsRxhE

Tumbrl: http://temporadadeliebres.tumblr.com/

Fan Page: facebook.com/TemporadaDeLiebres

 

 

 

 

 

 

 

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Autoría: Patricio Ruiz
Actúan: Yanina Gruden, Bárbara Massó, Kairiana Núñez Santaliz, Patricio Ruiz, Camila Vanore
Vestuario: Merlina Molina Castaño
Escenografía: Fernando Lancellotti
Iluminación: Julio Alejandro López
Fotografía: Lucas Coiro, Nicolás Deshusse
Arte: Merlina Molina Castaño
Diseño gráfico: Nicolás Deshusse
Colaboración en vestuario: Loana Javiera Junco
Asistencia de dirección: Maria Florencia Colace
Prensa: Octavia Gestión Cultural y Comunicación
Producción general: María Solari
Dirección: Luciano Ricio

Web: http://temporadadeliebres.tumblr.com/

"El otro Judas," de Abelardo Castillo, con dirección de Mariano Dossena, en el Centro Cultural de la Cooperación

"El otro Judas," de Abelardo Castillo, con dirección de Mariano Dossena, en el Centro Cultural de la Cooperación

     En la historia de la religión cristiana hay dos temas recurrentes: la culpa y la traición. El escritor Abelardo Castillo describe a Judas como un traidor con piel humano. Para montar “El otro Judas” en el Centro Cultural Cooperación el director Mariano Dossena se empapó de los textos de Castillo, de la “conjunción de poesía y tragedia con la que se va entretejiendo la trama. Me gusta pensar la obra como un tratado sobre la fe a siete voces, todas ellas, distintos aspectos del pensamiento y el sentir de Judas…”

     Por su parte Castillo ha dicho sobre su obra: “La traición, nadie lo duda, es todo lo contrario de una bella virtud, pero conjeturar que la Traición y Judas Iscariote son la misma cosa, y que, por lo tanto, el escritor que trate de explicar humanamente a uno justifica al mismo tiempo y en escala universal, a la otra, es un despropósito case brutal.”

    No habrá sido fácil montar el espectáculo, ya que en gran parte del público subyacen fuertes prejuicios en relación con el personaje de Judas. ¿Cómo ha de ser el actor para no caer en los estereotipos? ¿Y si Judas no es traidor, o menos traidor de lo que nos cuenta los curas y papas y pastores evangélicos? ¿Y si la traición fuera por el amor? Es justamente lo que propone Castillo, ver el personaje desde una perspectiva diferente, más alejado de los prejuicios religiosos y a partir de una visión más humanista.

     El espectáculo tiene una estructura dramática que sugiere una tragedia griega, incluso con coro, protagonistas que hablan entre sí y a los espectadores, con toques Brechtianos, ya que Judas narra su propia situación con la finalidad de provocar una reflexión entre los espectadores, un mar de pensamientos recónditos, rabiosas contradicciones.

   El protagonista, Walter Quiroz, trabaja el personaje meticulosamente, con admirable entrega y pasión. Pero tal vez con un exceso de gritos de furia; hubiese sido interesante ver un Judas no convencional un poco más introspectivo.

Funciones:

Viernes de noviembre a las 20:30 horas

 en la  Sala Solidaridad del Centro Cultural de la Cooperación, Av. Corrientes 1543. Entrada $70.- Tel – Informes: 50778077.  

Prensa: Silvina Pizarro / Tels.: 35325580 /150448132  pizarrosilvina@gmail.com

Contacto Producción, grupos, funciones // SILVA Producciones teatro

www.silva.com.ar / info@silva.com.ar

 

Ficha Técnica: Interpretes: 

 Walter Quiroz, Talo Silveyra, Manuel Vignau, Gabriel Serenelli, Alejandro Falchini, Rodrigo Mujico , Livia Koppman y Graciela Clusó; 

Voz en Off:Gustavo Pardi; 

Diseño de Escenografía  Vestuario: Nicolas Nanni;

 Realización Escenográfica: Gaston Nanni; 

Realización de Vestuario: Nicolas Nanni ySilviaAbad; 

Diseño de iluminación: Pedro Zambrelli; 

Música Original y Diseño Sonoro: Gabriel Senanes; 

Técnico de Grabación, Edición y Mezcla: Juan Belvis; 

Entrenamiento Corporal y Vocal: Livia Koppman; 

Fotografía: Juan Borraspardo; 

Diseño Gráfico: Andrés San Martin; 

Asistencia de Producción:  Tony Chavez, Nico Marciulionis y Majo Urlezaga; 

Asistencia de Direccion: Leandro Labraña; 

Produccion Ejecutiva: Pablo Silva; 

Dirección General: Mariano Dossena 

 

Sobre Abelardo Castillo

Abelardo Castillo nació en San Pedro (Prov. de Buenos Aires) el 27 de marzo de 1935. Comenzó a publicar cuentos hacia 1957 -Volvedor ganó un premio en el concurso de la revista Vea y Lea en 1959, siendo jurado Borges, Bioy Casares y Peyrou-. Fundó El Grillo de Papel, continuada por El Escarabajo de Oro, una de las revistas literarias de más larga vida (1959-1974) en la época, caracterizada por su adhesión al existencialismo, al compromiso sartreano del escritor.  Su primera obra de teatro, El otro Judas (1959), reitera el problema de la culpa que asume el traidor del Nazareno, tal vez como un secreto instrumento de Dios, quizá desde el acto existencial de la responsabilidad de un hombre por todos los hombres. Culpa y castigo que son tema de numerosos cuentos de este narrador, un hilo conductor por los arrabales, las casas, los boliches, los cuarteles, las calles de la ciudad o de pequeños pueblos de provincia, donde sus personajes llegan, por lo general, a situaciones límite. No son pocas las veces que parecen concurrir a una cita para dirimir un pleito con su propio destino. La fatalidad de los sucesos hace recordar a Borges, una de sus devociones, de quien toma a veces cierta entonación criolla y distante. En otros cuentos, largos períodos apenas puntuados por la coma, aluden a la violencia, al vértigo de las imágenes, al vivir en tensión de sus criaturas. Algunos relatos incursionan en el delirio y lo fantástico y son secretos homenajes a Poe, a quien Abelardo Castillo transformó en personaje teatral en Israfel, obra premiada por un jurado internacional y que tuviera aquí un largo éxito.  Dirigió también la revista El ornitorrinco (1977-1987). Algunos de sus cuentos fueron traducidos al inglés, francés, italiano, alemán, ruso y polaco. Entre sus obras destacan: Cuentos: Las otras puertas (1961, Premio Casa de las Américas), Cuentos crueles (1966), Los mundos reales (1972) y El candelabro de plata, entre otros /  Novelas: La casa de cenizas (1968) El que tiene sed (1985, Premio Municipal) Crónica de un iniciado (1991) El Evangelio según Van Hutten (1999)  / Teatro: El otro judas (1959, 1er. Premio Festival de Teatro de Nancy en 1964) / Israfel (1964, 1er. Premio Internacional de la UNESCO)

 

Sobre Mariano Dossena. Docente & Director Teatral 

 Se ha formado como actor y director con maestros tales como Juan Carlos Gené, Verónica Oddó, Augusto Fernández, Rubén Szchumacher, Luciano Suardi y con diversos profesionales del exterior, tales como Alberto Isola (Perú), Jorge Guerra (Perú), Beatricce Braco (Italia) y Marcelo Díaz (Director residente en Alemania).Como director, se destacan los siguientes trabajos: “Petrona, una delicia teatral” (actualmente en cartel; todos los sábados a las 21 hs. en el Teatro Inboccalupo) y “Espectros” (con DOS NOMINACIONES AL ACE – Rubros “Mejor Actor” / Walter Quirozy “Mejor Espectáculo Alternativo”, sábados de octubre y noviembre a las 22 hs. en el Centro Cultural de la Cooperación);   “Los invertidos” de José González Castillo en el Extranjero teatro, (4 nominaciones premios ACE 2011 actor Off, actor revelación, Director y espectáculo alternativo), Nadie plancha como yo de Ana von Rebeur en el Centro Cultural de la Cooperación “El Tiempo y los Conway” de J.B.Priestley en el Centro Cultural de la Cooperación(Nominado mejor espectáculo alternativo PREMIOS ACE 2009 y 2 nominaciones PREMIOS TEATROS DEL MUNDO 2009-traducción: Jaime Arrambide y adaptación Mariano Dossena); “La Música” de Marguerite Duras en el Centro Cultural de la Cooperación; “Espacio Escondido” de Paúl Auster (La Tertulia y Teatro Nacional Cervantes); “Ensayo anterior”, un espectáculo inspirado en textos de F. G. Lorca, Shakespeare y T. Kantor (Teatro IFT); “Bardo, la puerta de la tierra pura”, una propuesta con dramaturgia, actuación y dirección de Silvana Correa y Mariano Dossena (Espacio Callejón, IMPA La Fabrica Ciudad Cultural); “Del estomago bien gracias” , de Silvia Spina (Teatro La Colada).En el área pedagógica, desde el año 2004 hasta la actualidad, trabaja como docente teatral en El Colegio Nacional de Buenos Aires (U.B.A.) y en diversas instituciones culturales.

Sobre Walter Quiroz

Formado con los maestros Carlos Gandolfo, Agustin Alesso y Guillermo Angelelli. En teatro trabajó en La muerte de Danton, En la cama, El Anatomista, Los Poetas de Mascaró, El Especulador, Espectros, entre otras. En televisión hizo de muy joven Socorro quinto año y Verano del 98. Luego "Son o se hacen" de Diego Kaplan,  "Sin codigo" con Adrian Suar dirigidos por Jorge Nisco, El tiempo no para, Los exitosos Pells, entre muchas tiras y unitarios. En cine destacan sus trabajos en "El viaje" de Pino Solanas, "Perfume de gardenia" de Almeida Prado, "El impostor" de Alejandro Maci , "Corazón Iluminado" de Hector Babenco, y” Mentiras piadosas” de Diego Sabanes.

"¿Cómo te explico?" Espectáculo juvenil en el teatro Tinglado

"¿Cómo te explico?" Espectáculo juvenil en el teatro Tinglado

      Es cierto. A veces suceden cosas en la adolescencia que van más allá de la lógica (de los mayores). “Cómo te explico” es un espectáculo entretenido, veloz,  de aire juvenil que pone actores adultos en el escenario y los hace volver a la escuela, al primer amor, a la música, a los celos, a los pactos con amigos, a las bromas.

       Con la dirección de Gustavo Salgado, y un elenco de actores memoriosos de su pasado reciente, de sus músculos y rapidez verbal, el espectáculo en el teatro El Tinglado también reflexiona sobre el tipo de educación que imparta las escuelas públicas, la relación de los chicos con sus padres, el camino a veces doloroso que nos transporta de la adolescencia a adultez.

 

Ficha técnico artística

Adaptación: Gustavo Salgado
Actúan: Guillermo Borello, Monica Divella, Patricia Fisman, Carolina Frogley,

Candelaria Lua, Pablo Maltese, Lalo Ramos.
Cantantes: Jimena Gonzalez
Músicos: Emiliano Salinas, German Salinas
Vestuario: Pablo Maltese
Asistencia de dirección: Carolina Correa
Puesta en escena: Gustavo Salgado
Dirección: Gustavo Salgado

Web: http://www.teatroeltinglado.com.ar

"No he dicho," espectáculo emotivo sobre Alfonsina Storni en el teatro Pan y Arte

"No he dicho," espectáculo emotivo sobre Alfonsina Storni en el teatro Pan y Arte

                  “Hombre pequeñito, hombre pequeñito,

                   Suelta a tu canario que quiere volar…

                   Yo soy el canario, hombre pequeñito

                   Déjame saltar.” (Hombre pequeñito)

      Alfonsina Storni nació en Sala Capriasca, Suiza italiana en1892, pero su alma de mujer creadora y pensante, feminista, escritora de bellas y melancólicas poesías, brotó en Argentina y terminó cuando ella saltó al mar tres días antes de escribir su despedida:

                 “Dientes de flores, cofia de rocío,
                  manos de hierbas, tú,” nodriza fina,
                  tenme puestas las sábanas terrosas
                  y el edredón de musgos escardados.

                  Voy a dormir, nodriza mía, acuéstame.
                  Ponme una lámpara a la cabecera,
                  una constelación, la que te guste,
                  todas son buenas; bájala un poquito.

                  Déjame sola: oyes romper los brotes,
                  te acuna un pie celeste desde arriba
                  y un pájaro te traza unos compases

                  para que olvides. Gracias... Ah, un encargo,
                  si él llama nuevamente por teléfono
                  le dices que no insista, que he salido...” (Voy a dormir)

       María Marta Guitart toma el rico material poético de Alfonsina para montar “No he dicho, “ un espectáculo unipersonal de singular belleza, un digno tributo a los 74 años de la muerte de la escritora.

     La actriz pasa una hora poniendo vida a los versos de Alfonsina, en un escenario llena de hojas secas, una valija, un banco, un escritorio y el fiel acompañamiento en piano de Carolina Ison. El fondo del escenario en el teatro Pan y Arte es utilizado para proyectar videos, como las olas de mar en “Voy a dormir.”

        El espectáculo rescata la lucha de Alfonsina en el mundo machista y violento de principios del Siglo XX, su empeño en romper el paradigma de estigmatización de la mujer, su exclusión del mundo de la cultura y el trabajo, los estereotipos (todavía fuertemente presentes en Argentina) sobre el derecho de la mujer al goce, a su capacidad de decidir sobre su propio cuerpo, como así también los derechos de los niños.

        La voz de la actriz es profunda, de una dicción muy clara; la emoción evocada conmueve; el uso del espacio, la estética de la puesta y la expresión corporal de Guitart combinan para lograr un espectáculo de gran fluidez.  

      “No he dicho” fue presentado a principio de este año en un ciclo de funciones en la Casa Nacional del Bicentenario; el espectáculo fue llevado a Barcelona, España, donde fue presentado en la sala Circol Maldà.

                                      Funciones:

Domingos de octubre a las 19 horas en Pan y Arte, Boedo 876, CABA.

Localidades $50 (estudiantes y jubilados, $35

Reservas por Alternativa teatral o al 4957-6922

Facebook: “No he dicho” de María Marta Guitart

Web: http://www.nohedicho.blogspot.com.ar

Mail: nohedicho@hotmail.com

 

 

Ficha artística-técnica

 

Dramaturgia dirección y actuación: María Marta Guitart

Música original e interpretación en escena: Carolina Ison

Diseño de movimiento: Nara  Carreira

Dibujos: Sol Storni

Diseño lumínico: Diego Todorovich 

Diseño gráfico: Cecilia Carballo

Edición de imágenes: Diego Enriquez

Prensa: Marisol Cambre

Producción: Nicolás Maffongelli

"Granos de uva en el paladar," espectáculo de Susana Hornos en el Payró de Buenos Aires

"Granos de uva en el paladar," espectáculo de Susana Hornos en el Payró de Buenos Aires

“Granos de uva en el paladar,” un espectáculo que participó en el Ciclo 2012 de Teatro x la Identidad, basado en tres cuentos de la dramaturga española Susana Hornos, una puesta teatral que tiene como leit motif la dolorosa historia reciente de España, se presenta en el Teatro Payró de Buenos Aires.

La historia es interpretada por seis actrices españolas que dan vida a numerosos personajes que sufren los acontecimientos en el país desde la Segunda República hasta la actualidad.

Explica Susana Hornos: "La obra me ha redescubierto nuestro país, pero sobre todo su historia desde un lado humano que ni silencios ni transiciones han podido tapar. Siento que desde nuestro lugar, desde el teatro, hemos abierto una puerta, capaz que diminuta pero es un inicio, es la sensación de que del otro lado hay voces, susurros, gente que callaron, pero están. Nadie pudo ni podrá nunca con ellos”.

Agrega Zaida Rico, co-directora: "Esta obra me ha dado una visión holística, no sólo del echo teatral, sino de la vida, de mi posición ante ella. Valorar el hecho de hablar sobre la historia de nuestro país, a la distancia, pero a la vez desde una cercanía y un amor (también dolor) muy grandes. Siento que todo lo que contamos en "Granos de uva en el paladar" está hecho desde el corazón".

Funciones:

Viernes a las 21 horas en el Teatro Payró, San Martín 766, CABA

Entrada: $60 pesos, estudiantes y jubilados $30.

Reservas: http://www.teatropayro.com.ar / 4312 5922

Web:        http://granosdeuvaenelpaladar.blogspot.com.ar

 

Ficha artística-técnica

 

Actrices: Arantza Alonso, Morgane Amalia, Lucía Andretotta, Marta Cuenca, Clara Díaz, Ruth Palleja

Diseño de caracterización y vestuario: Néstor Burgos

Iluminación: Mariano Arrigoni

Diseño escenográfico: Alejandro Mateo

Banda Sonora Original: Gonzalo Morales

Coreografía "Paco y Rosa": Antonio Luppi

Fotografía: Akira Patiño

Producción ejecutiva: Cooperativa "Granos de uva en el paladar"

Prensa: Marisol Cambre

Dramaturgia y dirección: Susana Hornos y Zaida Rico

 

                                      SUSANA HORNOS

 

Actriz licenciada en la Escuela de Arte Dramático de Zaragoza, complementa su formación con John Strasberg, Bernard Hiller, Assumpta Serna, Mariano Barroso, Helena Pimenta, Augusto Fernándes entre otros. En Argentina trabajó en Verano Amargo, de J. C. Desanzo y La patria equivocada de C. Galletini y La pasión de Verónica Videla de C.D.Pellegrini. Con la película Pasos dirigida por Federico Luppi ganó el premio actriz revelación en el Festival de cine de Toulouse. Como actriz de teatro comenzó en la compañía estable Teatro de La Estación, donde realizó numerosos montajes de teatro clásico y contemporáneo. En Madrid trabaja con R. Ballesteros en Los ángeles beleneros y con Cristina Marsillach en Long’s Day Journey into night. Con la gira Gente guapa, gente importante recorrió el territorio español.  Ha trabajado en cortos de directores argentinos, ( Efraín de G.Rodríguez; Justo a tiempo de G.Palanco; Palabras mudas de A.Paredes), cubanos, (Arrow’s Cupid de L. Perez) y mexicanos ( 1% Agua de S. Macip).  En Buenos Aires como actriz estrenó La casa de Bernarda Alba como Poncia, dirección: Gonzalo de Ottaola y Los últimos días de Don Juan en el papel de Doña Elvira, dirección: Yoska Lázaro. Dirigió a las actrices Mireia Gubianas y Zaida Rico en la obra "Como si fuera esta noche" de Gracia Morales dentro del cliclo Scriptum Est. Tiene un amplio curriculum como guionista en cine y televisión. 

 

ZAIDA RICO 

Actriz licenciada en Arte Dramático por la Escuela Superior de Arte Dramático de Valencia. Complementa su formación actoral con Emiliano Bronzino del Piccolo Teatro di Milan; Arístides Vargas; Raúl Serrano; Assumpta Serna; Juri Krasovskij de la Academia de Arte Teatral de San Petersburgo; Jorge Sánchez y Ricardo Bartís. Recibe la Beca de Casa de América de estudios de dramaturgia y dirección con Rodrigo García, Sergi Belbel, Fernando Rubio, Santiago García y Benjamin Galemiri. Además complementa su formación en dramaturgia con José Sanchis Sinisterra. Diplomada en Ballet Clásico perfecciona diversas técnicas de danza contemporánea con Marta Carrasco, Butoh con Hisako Horikawa y entrenamiento corporal con Viviana Iasparra. En España trabaja como actriz bajo la dirección de Cruz Hernández en “La traición en la amistad” y “La sangre de Antígona”; con Ximo Flores en “Parpadeos”; con Yoana López en “Container 26” (Premio Actriz Revelación Festival Valdemorillo); con Jorge Sánchez en “Mierdra! Ubu Rey”. En Argentina trabaja como actriz en “De mí” dirigida por Juan Coulasso y Daniela Cuculiansky. Desde 201o forma parte de AEBA - Actores Españoles en Buenos Aires - y, además de ser parte del equipo de gestión y dirección, realiza diferentes trabajos como actriz: “La casa de Bernarda Alba” por Gonzalo de Otaola; “Don Juan Tenorio” por José Gamo; “Como si fuera esta noche” y “Ana el once de marzo” con Susana Hornos. Su último trabajo como actriz corre a cargo de Dora Milea en “Mujeres de ambas clases”. Su primera obra como co-dramaturga y co-directora, junto a Susana Hornos, es “Granos de uva en el paladar

 

"El puente de la mariposa," espectáculo de Teresa Duggan en el British Arts Centre

"El puente de la mariposa," espectáculo de Teresa Duggan en el British Arts Centre

     En el reluciente espectáculo que Teresa Duggan ha montado en el British Arts Centre de Buenos Aires se nota un aroma tan refrescante como original, acaso un parpadeo hacia el teatro Noh, un acontecimiento artístico de gran vuelo que se ejecuta sobre un espacio a la vez amplio y estrecho, insinuando una temporalidad imprecisa, convirtiéndose en un espacio de reflexión estética que de alguna manera intenta unir el pasado, presente y futuro de la humanidad.

     Es un mundo sanamente alejado de la cotidianidad, una oportunidad estética que habla sobre los incesantes cambios, las transformaciones, las mutaciones, los saltos efímeros sin retorno, los repliegues y despliegues, el amor por la naturaleza, por las cosas simples que nunca son lo que parecen ser. Los cuerpos de los bailarines parecen “hablar” con diferentes tonos, acentos, ritmos y pausas, en tanto que el espacio escénico experimenta modificaciones inesperadas.

    No extraña entonces ver el proscenio convertirse en lugar para mariposas, orugas, plantas. Bailarines de gran técnica llenan el escenario de energía desbordante; los cuerpos de los artistas parecen danzar hasta con los huesos, creando yuxtaposiciones de  imágenes y sensaciones lúdicas:  humos, nubes y juegos oníricos  acentuados con la presencia de taikos (ensambles de tambores) y telas; rostros inocentes sorprenden apareciendo desde una abertura en el piso del escenario, creando a menudo cuadros sugestivos de la pintura surrealista.

   Es un tipo de espectáculo que apela a la imaginación del espectador sin descuidar los elementos clásicos de los espectáculos teatrales: las tensiones, los desenlaces y las inquietudes, estimulando de este modo la formulación de preguntas sin repuestas inmediatas en mente de los espectadores.

Intérpretes:

Daniela Velázquez, Giancarlo Scrocco, Marcela Figini, María Laura García, Teresa Duggan, Ariel Tejada, Josefina Peres, Laura Spagnolo, Magda Ingrey, Vanesa Blaires

Dirección: Teresa Duggan

Música: Facundo López Burgos, Narda Gómez Gutiérrez, Natalia Yagi

Vestuario: Nam Tanoshii

Iluminación: Teresa Duggan

Coreografía: Teresa Duggan, Marcela Figini, Maria Laura García, Giancarlo Scrocco, Daniela Velazquez

Artistas invitados: Vanesa Blaires, Maqda Ingrey, Josefina Peres, Laura Spagnolo, Ariel Tejada

Músicos:                            Narda Gómez Gutierrez, Natalia Yaqi

Vestuario:                         Nam Tanoshii

Diseño de luces:                Teresa Duggan

Música original:                 Facundo López Burgos

Asistencia general:           Claudia Valado

Coreografía:                    Teresa Duggan

Dirección técnica:             Daniel Campoya

Dirección:                        Teresa Duggan

Funciones:

British Arts Centre, Suipacha 1333, CABA

Reservas: 4393 6941

Web: http://www.britishartscentre.org.ar

Lunes   15, 22 y 29 de octubre:20:30 horas y 19 de octubre 20:30 horas

Sábados 3,10 y 17 de noviembre a las 20:30 horas

Entrada $50