¿Es Repsol una empresa española?

El proceso de expropiación de las acciones de Repsol en la empresa YPF ha despertado comentarios en contra o bien a favor de la medida de la Presidenta Argentina Cristina Fernández de Kirschner en tanto que el gobierno español ha expresado que el tema constituye una medida “agresiva” contra Madrid, pero Juan Torres López, Catedrático de Economía Aplicada de la Universidad de Sevilla aclara que “Repsol no es España.” Aquí publicamos sin comentario su opinión:

“La única manera de entender las razones que provocan el furor con que el gobierno español, los medios de comunicación y tantos tertulianos de toda laya defienden a Repsol no puede ser otra que comprobar el amplio listado de ex autoridades del Estado, incluyendo actuales ministros, que han estado en su nómina, las miles de páginas y horas de su publicidad que financian a los medios y quién sabe qué otro tipo de influencias más inconfensables e inconfesadas.

Defender la españolidad de Repsol es algo demasiado forzado y olvidar que los que ahora lo hacen con tanto ímpetu fueron, en su gran mayoría, los que promovieron y llevaron a cabo la privatización de empresas que entonces sí que eran efectivamente españolas, no solo porque la totalidad o la inmensa mayoría de su capital era español, lo que quizá incluso sea lo de menos, sino porque la estrategia empresarial que perseguían respondía a intereses nacionales y no globales que apenas si repercuten en el progreso de España y en el bienestar de sus ciudadanos.

Desde que fue privatizada, Repsol tiene su cerebro y su alma puestos en otros lugares e intereses y no se puede decir que haya sido España en su conjunto quien se haya beneficiado de su actividad empresarial. Utiliza paraísos fiscales para tratar de tener aquí la menor carga fiscal posible, ha destruido empleo y a docenas de pequeñas y medianas empresas española al someterlas a condiciones de pagos draconianas a pesar de que cuenta con abundantes recursos financieros y liquidez suficientes.

Es por ello una perversión inaudita que el gobierno y ex políticos en su nómina salgan a defenderla y que no dijeran nada cuando Repsol actuaba de esa manera lesiva para la economía nacional.

Y si la actuación en España de Repsol ha resultado tan escasamente beneficiosa para nuestros intereses nacionales su comportamiento en el exterior resulta sencillamente vergonzoso y justifica que los españoles “de bien y como Dios manda”, por utilizar la expresión que tanto le gusta a Mariano Rajoy, hubieran condenado hace tiempo sus desmanes y tropelías, especialmente, por cierto, en las tierras que en los discursos oficiales tanto alabamos considerándolas como nuestras hermanas. En Ecuador, Bolivia y otras latitudes ha provocado grandes daños medioambientales y sociales y vulnera constantemente los derechos humanos de pueblos enteros, generando una ingente deuda ecológica allí donde actúa. Como otras multinacionales, que en realidad no tienen Patria alguna, Repsol ha promovido gobiernos totalitarios con los que poder llegar a acuerdos que la exonerasen de pagar impuestos y cuando otros dignos y con vergüenza se lo han exigido ha puesto el grito en el cielo y recurrido a su españolidad, como ahora, para recabar el apoyo de gobiernos y medios de comunicación.

¿Dónde estaban entonces los defensores del libre mercado y la competencia, de la justicia, la libertad y los derechos humanos?

En Argentina, como en otros países, Repsol utiliza las respectivas filiales nacionales, como hacen todas las empresas multinacionales, para fijar los llamados “precios de transferencia” (artificialmente bajos para hacer que aparezcan pérdidas allí donde conviene y beneficios en donde pueden conseguir tratamiento fiscal y condiciones políticas más favorables). Y en lugar de orientar la explotación de los recursos nacionales hacia el abastecimiento interno que cubra las necesidades de la población y satisfaga los respectivos intereses nacionales, se utiliza como parte de una estrategia de maximización de beneficios global que, entre otras cosas, pasa por considerar al petróleo, y al resto de las materias primas, como una commodity, es decir, no solo un bien orientado a la producción y el consumo sino, sobre todo, a su utilización como activo financiero para especular con él en los mercados.

Confundir los intereses de Repsol con los de España es un insulto a la inteligencia de los españoles. Ni es española por la composición de su capital -mayoritariamente en manos de intereses extranjeros-, ni por la estrategia empresarial que persigue ni, como he dicho, porque beneficie principal o sustancialmente a las familias o empresas españolas. Más bien todo lo contrario.

Y la defensa numantina que ahora quiere hacer de Repsol el gobierno resulta verdaderamente patética y vergonzosa cuando día a día se somete sin más a los mercados, a los bancos que han provocado la crisis, a los grandes grupos empresariales y al gobierno alemán que impone medidas totalmente lesivas para los intereses españoles. ¡Eso sí que merecería una respuesta valiente y patriota por parte de nuestro gobierno y de los medios de comunicación!

Lo que está haciendo el gobierno es patético y se debe decir claramente: no está defendiendo los intereses de España y de sus ciudadanos, como dice, sino de una gran empresa a la que España, el bienestar de su población o la situación de las empresas  que verdaderamente están aquí tratando de sacar adelante la actividad y el empleo sin gozar del apoyo y los privilegios de Repsol, le importan un rábano en el día a día de sus actuaciones

Ya está bien de tanto teatro y de tanta sumisión ante los grandes. Lo que necesitamos en España no son precisamente repsoles que se dediquen a ganar dinero a espuertas en Argentina y otros países a base de mal explotar sus recursos, de evadir impuestos y expatriar beneficios a paraísos fiscales, sino un gobierno digno que se plante ante quienes de verdad están llevando a la ruina a la economía española.”

¿Un lapsus del General Jorge Videla?

¿Será un lapsus linguae? ¿Cuál habrá sido la intención del General Jorge Videla de hablar con tanta precisión sobre la represión y el modus operandi del golpe ilegal de 1976 dirigido contra el gobierno de Presidenta Isabel Perón? ¿Cuál habrá sido la intención del diario La Nación de publicar las entrevistas con el general, enjuiciado por genocida? Reproducimos aquí sin comentario alguno varias de las más pavorosas (desde nuestro punto de vista) revelaciones del General Jorge Videla. (La Nación 15 de Abril 2012)

1)    “La verdad es que durante cinco años hice prácticamente todo lo que quise. Nadie me impidió gobernar, ni la Junta Militar ni ningún factor de poder.”  

2)    Nuestro objetivo era disciplinar a una sociedad anarquizada volverla a sus principios, a sus cauces naturales. Con respecto al peronismo, salir de una visión populista, demagógica, que impregnaba a vastos sectores; con relación a la economía, ir a una economía de mercado, liberal. Un nuevo modelo, un cambio bastante radical; a la sociedad había que disciplinarla para que fuera más eficiente. Queríamos también disciplinar al sindicalismo y al capitalismo prebendario.”

3)    “El tema de los desaparecido es ‘el’ tema presente, actual, que nos pesa como resabio de la guerra contra la subversión;el tema que ha quedado como herencia de esa guerra y el tema que compromete el futuro de la Argentina. Quiero decir: no hay futuro si no hay concordia, y no hay concordia si no se ‘blanquean’ los hechos ocurridos; asuntos que hieren y que justifican los reclamos, válidos muchos de ellos aunque también hay especulación política sobre ellos.

4)    Se lavaron las manos (los empresarios). Nos dijeron: ‘Hagan lo que tengan que hacer; y luego nos dieron con todo. ¡Cuántas veces me dijeron: ‘Se quedaron cortos, tendrían que hacer matado a mil, a diez mil más. Era barato decir eso: ¡Mire el precio que tuve y que tuvimos que pagar! Y no me refiero sólo al precio objetivo de nuestra situación actual, de nuestra prisión actual, sino al precio subjetivo, a los planteos morales. Yo soy creyente, y esta situación me molesta. Confieso que tengo una molestia en el alma, que es cómo hacer para darle una solución a este problema.

5)    No había otra solución; estábamos de acuerdo en que era el precio a pagar para ganar la guerra y necesitábamos que no fuera evidente para que la sociedad no se diera cuenta. Había que eliminar a un conjunto grande de personas que no podían ser llevadas a la justicia no tampoco fusilarlas. El dilema era cómo hacerlo para que a la sociedad le pasara desapercibido. La solución fue sutil—la desaparición de personas—que creaba una sensación ambigua en la gente: no estaban, no se sabía qué había pasado con ellos; yo los definí alguna vez como ‘una entelequia.’ Por eso, para no provocar protestas dentro y fuera del país, sobre la marcha se llegó a la decisión de que esa gente desapareciera; cada desaparición puede ser entendida ciertamente como el enmascaramiento, el disimulo, de una muerte.”

6)    “La libertad de acción derivó en frupos que se manejaron con demasiada autonomía. Había una finalidad, que era lograr la paz sin la que no habría una república. Pero los medios fueron tremendos.”

7)    “os detenidos eran alojados en lugares no comunes por razones de seguridad, que debían ser muy rigurosas, y además para tenerlos a mano para apretarlos cada vez que lo necesitábamos a cambio de nada o de algo. Son los mal llamados Centros Clandestinos de Detención, o los Lugares de Reunión de Detenidos, que era el término reglamentario.”

8)    “Siempre se nos ha preguntado por las listas de desaparecidos; eso ya no es una novedad, porque las listas son las conocidas; habrá que depurarlas de casos que no corresponden, pero las listas, de hecho, están. El problema es que a partir de ellas se nos lleva a un final que no tiene respuesta, al menos en la mayoría de los casos: la pregunta final, definitiva, es dónde están los restos de cada uno de los desaparecidos. No hay respuestas. Habrá casos en que si hay respuestas, pero no todos, por lo cual es preferible nada para no sembrar desconfianza a partir de contradicciones. Y no hay respuestas en todos los casos por la misma modalidad (de la represión). Las respuestas dependen de muchas personas, algunas de las cuales ya están muertas.”

Segundo festibalde en Villa Urquiza del 14 al 29 de abril

Habría que aprovechar mientras el tiempo juega a favor. Durante los fines de semana entre el 14 y el 29 de abril de 2012 se realizará en la calle el 2º Festibalde Villa Urquiza, con espectáculos de todo tipo a la gorra y para toda la familia. Las actividades se llevarán acabo en la Plaza de los Vecinos, avenida Triunvirato y la vía. Invitados especiales: Urraka. También música con objetos, Circo Alboroto, Murga La Redoblona, Niño Costrini y Manu Mansilla con su Teatro de Títeres Anticostumbrista.

La idea de 2º Festibalde, al igual que el primero, es llevar funciones de espectáculos callejeros y arte a los distintos barrios de la ciudad para que todos los vecinos puedan acceder a espectáculos de calidad.

 La Plaza de los Vecinos fue recuperada en el año 2002 junto con el espacio de la ex Pizzería "La Ideal" por los vecinos del barrio. El proyecto de la plaza se presentó en el año 2003 cuando el organismo del cual dependía el espacio estaba concediendo a un Supermercado el lugar para un estacionamiento de autos. El diseño del proyecto estuvo a cargo de vecinos profesionales, estudiantes de la Facultad de Arquitectura de la UBA, abogados. La plaza fue construida e inaugurada en el año 2009 con un nombre distinto al propuesto por los vecinos y con rejas, pero de igual manera sigue siendo utilizada como un espacio público necesario en el barrio y cercano a la estación Villa Urquiza.

 Cabe destacar que el Primer Festibalde se realizó durante tres fines de semana en Diciembre de 2011, albergando en la plaza a la Compañía Circortito, Furman Ferramenta, Les Ivans, la compañía La Arena y Manuel Mansilla, con una gran participación del público de Villa Urquiza.

Para más información sobre la programación y las compañías invitadas a participar en esta 2º edición: www.festibalde.blogspot.com | Video Promoción: http://youtu.be/RRHqvdn0iqE

"Ostras frescas," un espectáculo impecable de Luis Cano dirigido por Dora Milea

      Frente a una enorme imagen del cielo celeste, matizado con nubes blancas, dos hombres vestidos casi impecablemente, personajes de características similares y a la vez discordantes, esperan en un banco, en silencio, cada uno profundamente metido en su mundo interior.

      Finalmente rompe el silencio Bujarín: “No tenía qué ponerme. El mismo traje usé para mi casamiento. Es el que tengo. Pero me queda apretado. Estaba más delgado que ahora. Uno engorda cuando se casa. No estoy de acuerdo. Pero no tengo otro traje.”

     Hay muchas formas de contar historias, hay muchas formas de hacer teatro, muchas formas de comunicar ideas y sentimientos, muchas maneras de abordar la vida. Luis Cano tiene una manera muy propia de contar historias; la directora Dora Milea una manera muy propia de montar historias  en los escenarios.

     Los dos han encontrado en “Ostras frescas” un espacio común de verter sus sensibilidades artísticas de una manera única. El resultado es un espectáculo, denso pero visualmente sugestivo, de estilo cercano al absurdo: los silencios se convierten en huellas, las miradas sugieren un lenguaje codificado, los ademanes puntos de referencia y  los cambios de ritmo en palpitaciones dramáticas.

     ¿Qué esperan los dos señores? ¿El féretro de un escritor? ¿Un general? En realidad, no importa tanto el motivo de la espera. La directora explica:

     "Quizás el arte esté en la búsqueda de encontrar un sentido a esa espera. Ese sentido que cada uno intenta rellenar con más o menos gracia, con más o menos profundidad, con más o menos creatividad. Rellenar, más o menos, como podemos.”

     Agrega el dramaturgo Luis Cano: "Estoy convencido de que la gracia en las obras de teatro nos hace llegar al amor.”

     No son vagabundos, como en el caso de “Esperando Godot” de Samuel Beckett. Son hombres “comunes.” Hablan de la muerte, de sus vidas, del teatro:

     Maklakov: “El teatro tiene un efecto sobre las personas. Yo estoy muy a favor del teatro, en general. ¿Conoce la obra de Moseievsky?

     Con ojo de dramaturgo Luis Cano advirtió un relato de Máximo Gorki sobre una reducida muchedumbre que esperaba en una estación la llegada del féretro del general Killer, cuando en realidad el cajón correspondía al gran escritor Antón Chéjov.   

Funciones:

Sábados 19 horas, Teatro Patio de Actores, Lerma 568

 Entradas: $60 / $40 desc a jubilados y estudiantes

 Reservas al 4772-9732 [e-mail]

La sala cuenta con el apoyo de Instituto Nacional del Teatro, PROTEATRO y el Fondo Nacional de las Artes.

Dirección:    Dora Milea

Actúan: Maklakov: Ariel Osiris y Bujarín: Dante Iemma

Voz en off: Osmar Núñez Asesoramiento en escenografía y vestuario: Alejandro Mateo

Asesoramiento en iluminación: Leandra Rodríguez

Realización de escenografía: Nadia Dotta / Dante Iemma

Diseño de luces: Dora Milea

Música original: Alejandro Catarino

Fotografía: Ostras Frescas

Diseño gráfico: Luciano Crispi

Prensa y difusión: Laura Castillo

Asistencia de producción y dirección: Andrea Giglio

Prensa:   http://castillomarques.com.ar  tel. [phone]

La crisis financiera: las preguntas. ¿Las repuestas?

1. ¿Por qué la actual crisis del sistema financiero-capitalista tiende a favorecer a quien la provocó?

2. ¿Por qué el Estado o los Estados cuidan más los bancos y grupos financieros que el bienestar de los ciudadanos?

3. ¿Por que los voceros del neoliberalismo y del Fondo Monetario Internacional y corporaciones financieras presentan como soluciones "reformas laborales," rebajas para los jubilados, recortes en educación, cultura y bienestar social?

4. ¿Por qué nos dicen que la solución pasa inevitablemente por rebajas en los ingresos de la mayoría de la población?

5. ¿Por qué la gran mayoría de los ciudadanos parece suponer que su empobrecimiento es inevitable? ¿Por qué a menudo votan para quienes avalan a los grandes intereses financieros?

6. ¿Por qué los ingresos de los más ricos siguen aumentando de una manera escandalosa, mientras se achican los ingresos medios y crece la desocupación?

7. ¿Por qué nos dicen que la solución está en el crecimiento económico de las grandes corporaciones, sin cuestionar si la sociedad de consumo responde a las verdaderas necesidades de los seres humanos?

8. ¿Por qué se consideran a las personas que cuestiona el sistema como locos e incluso subversivos? ¿Por qué quienes no están conformes no pueden elaborar una alternative creíble?

9. ¿Por qué tienen tanta influencia los calificadores de riesgos?

10. ¿Qué sucerdería en Argentina ante el regreso del neoliberalismo?

--El Fondo Monetario Internacional (IMF) volvería a imponer sus recetas restrictivas.

--Se negociaría una suba de la edad jubilatoria, tal vez hasta los 67 años, y simultáneamente habría una leve rebaja en la jubilación mínima y condiciones más estrictas para acceder al retiro.

--El Banco Central dejaría de actuar activamente en la economía para asumir su rol de centinela de divsas.

--El crédito circularía con más fluidez entre las grandes corporaciones y con más dificultad entre las pequeñas y medianas empresas nacionales.

--Se iniciaría procesos de privatización de los servicios médicos y de educación y por lo tanto habría un aumento considerable en los costos.

--Se efectuaría una reducción general de los subsidios para el transporte y los servicios domésticos, produciendo como resultado un incremento de los gastos fijos de los ciudadanos.

--Habría una campaña fuerte para lograr la inversión extranjera, especialmente en minería y en productos como la soja, y una merma en los controles sobre la contaminación del medio ambiente.

--Las relaciones económicas y políticas con el MERCOSUR sufrirían una paulatina debilitamiento en tanto se activaría el trato con los Estados Unidos y con la NAFTA.

--Se intentaría introducir reformas laborales como las que se imponen actualmente en España y Grecia, con probables rebajas en los sueldos y modificaciones legales facilitando el despido y el trabajo temporario.

--Se dejaría "flotar" la divisa argentina y como consecuencia habría una devaluación considerable de la moneda.

--Probablemente habría una reducción en la tasa inflacionaria debido a la reducción en el nivel de consumo y, como contrapeso, un aumento en la exportación de bienes.

Cabe preguntar cuáles sectores económicos cosecharían los beneficios de estas políticas. ¿Es lógico sospechar que detrás de la crisis provocada por los grandes gurú del sistema capitalista aflora un plan de reorganizar la economía mundial de acuerdo a las necesidades de los sectores dominantes?

 

"Guardapolvos," de Tamara Kiper en el teatro Timbre 4

El espectador entra en el escenario por un armario lleno de vestuarios, cruza el espacio delante de una cama y se acomoda en su butaca. En el aire hay algo de misterio, como sucede cuando un extraño abre la puerta y se convierte en testigo de una escena íntima. Tamara Kiper, autora y directora de “Guardapolvos” explica:

 “Guardapolvos” narra los vínculos de una familia atravesada por una ausencia y por una necesidad latente de hacer presente el pasado para seguir adelante.” Se trata de una investigación autobiográfica sobre la desaparición forzada de su padre durante la última dictadura militar argentina, una ficción realizada sobre una dura realidad.

 Todos los personajes son mujeres—una madre y sus hijas, tres tías, cuatro hermanas, atravesadas por la desaparición del marido, el padre, el sobrino. Una situación que muchas familias tuvieron que sufrir durante los oscuros años de la dictadura, durante la cual alrededor de 30.000 personas fueron desaparecidas.

 ¿Cómo hacen los demás miembros de una familia cuando uno de ellos es desaparecido, cuando de la noche a la mañana se convierte en una sombra? ¿Cómo seguir la vida, cómo encontrar las repuestas, cómo hacer?

 La obra no tiene un argumento lineal, es más bien una especie de rompecabezas que salta desde la infancia a la adultez, expone los temores, los silencios, la paranoia. En una escena muy lograda la época es reflejada en la búsqueda de datos, algún papel, y termina con una lluvia de papeles tirados de pura bronca, de marcada paranoia, sobre el escenario.

 Kiper dramatiza el secuestro y desaparición de su propio padre, Luis Saúl Kiper. Pero lo hace a partir de experiencia teatral. Guardapolvos” es un viaje a la intimidad, dice Kiper.  “A una intimidad tan profunda y sensible que nos atraviesa amorosamente el alma. Es imposible no sentirse hijo, padre, hermano de esa ausencia. Una obra de teatro que es una experiencia total de los sentidos, llena de señales tan sutiles que nos pertenecen a todos. Un corazón que se abre y se expande en muchos corazones, en tantos como espectadores que la viven.

“Ficha artística-técnica

Dramaturgia y dirección: Tamara Kiper

Actúan: Alejandra Carpineti, Gabriela Irueta, Nadia Marchione, Vanina Montes, Julia Montiliengo, Soledad Sauthier

Escenografía: Tamara Kiper

Diseño de luces: Ricardo Sica

Asistencia de dirección: Fabricio Mercado Producción ejecutiva: Fabio Petrucci Colaboración artística: Macarena Trigo

Comunicación: Mariana Mazover

Prensa: Marisol Cambre

Lunes a las 21 Hs. Teatro Timbre 4 | México 3554 | Tel. [phone] Reservas: www.alternativateatral.com

Localidades $ 40| Descuento para estudiantes y jubilados

Más info: www.guardapolvos.wordpress.com | En Facebook: Guardapolvos de Tamara Kiper

[e-mail]

www.marisolcambre.com.ar

"Bonjour resác," un espectáculo de Loïc Lombard en el teatro Moulin Bleu de Buenos Aires

“Bonjour resác” es un espectáculo al viejo estilo café concert, estrenado en un teatro porteño especializado en shows del mismo género, una historia moderna sobre amores cruzados, sexualidades atiborradas, una historia francesa resucitada en Buenos Aires por un elenco de actores de nivel superlativo.

Con más de 450 funciones en París, la versión en español de Loïc Lombard estrenado en el teatro Moulin Bleu el 7 de abril, rescata el aspecto Vaudeville y agrega un montaje muy ágil, vestuario colorido, musicalización de época y una dosis grande de humor irónico.

Benito Chevrier es un muchacho gay a punto de festejar su trigésimo cumpleaños. Su hermana, María, le hace llegar una lista de “objetivos” que él mismo habrá redactado de muy joven, metas que se ha propuesto cumplir justamente antes de los 30 años de edad. Claro, el tiempo tiende a meter mano con las promesas de la juventud.

De allí el asunto es una historia de enredos, equívocos, confusiones amorosos y sexuales de todo tipo y en la elaboración de la historia participan la mejor amiga de Benito, Wanda, a y un ex novio de María y pretendiente de Benito en su juventud, Rafael.

Lombard y Claudio Martini hicieron la traducción y adaptación al castellano de la obra francesa “Bonjour ivresse” escrita e interpretada por Franck Le Hen.

Más allá de la historia ultra-moderna y algo banal de la obra, el espectáculo es muy atractivo debido a la entrega y expresividad corporal de los actores, la gran sincronización en las acciones y en el notable llegado de los artistas al público.

Es un espectáculo para adultos. No se entiende el criterio de la boletería de permitir la entrada de una niña de no más de diez años en el estreno.  

 

Funciones:  

Sábados a las 21 horas en el Teatro Moulin Bleu.

Rodriguez Peña 411 (Esquina Corrientes)

Localidades : $60 (Descuento estud. y Jub. $50)

Reservas: 4371-8672

http://www.lemoulinbleu.com.ar

 

Elenco : Gerardo Blain, Lola Montiel, Hervé Segata, Stella Moris Taborda.

 

Adaptación: LOÏC LOMBARD y CLAUDIO MARTINI

Producción General: LOÏC LOMBARD

Música original: CLAUDIO MARTINI

Escenografía: LAURA SÁNCHEZ

Maquillaje: SEBASTIÁN ESTRADA

Fotografía: CÉSAR MANSILLA SIALER

Diseño Gráfico: CLAUDIO MARTINI

Triente y cuatro grados

Hacía mucho calor, demasiado, la humedad oprimía el corazón, en el aire uno sentía que algo grande iba a pasar, pero en la calle todos iban y venían con una especie de simulada normalidad. Ahí adentro la mujer desparramó su cuerpo desnudo sobre la cama, pasó la mano por sus largos cabellos morenos, murmuró algo entrañable al aire y luego fijo su mirada en la puerta.

Carlos Padilla se detuvo brevemente afuera en el pasillo, su mente vagando, fantaseando mil escenarios, presintiéndola acostada, manos y piernas aferradas a la almohada de plumas; sentía que no estaba en control de sus acciones. Su cuerpo sudoroso temblaba de deseo, de miedo y de confusión. Abrió la puerta, la miró extrañado, sin saber cómo proceder.

--¿Cómo llegaste?

--Caminando.

--¿Nadie te vio entrar?

--No creo. Observé la cautela de siempre.

Al ver la figura del hombre en el umbral de la puerta, Alma Paz sonrió; de repente el calor, 34 grados, se transformó en un caldo provocador. Sus ojos verdes, bellísimos, grandes, picarones, filosos, desmenuzaron las entrañas de  Padilla. ¡Qué mujer! Los pómulos sublimes, la piel aceitunada, el rostro delegado, una pintura del renacimiento.

--¡Acércate!

--Y…No sé…tenemos que hablar…

Se quedaron súbitamente absortos en reflexiones íntimas, ella acostada, el hombre parado en el umbral de la puerta como un pájaro recién nacido. El cerebro de Padilla clamaba acción pero su cuerpo lúgubre y pesado lo frenaba.

--Dame un beso—la voz de Alma Páez sonaba un poco aniñada.

--Algo está mal, algo grande está gestándose, no sé si es el momento…

La frase salió así, incongruente, con acidez. Sin explicación alguna, Padilla cruzó la pieza y marchó  al baño. Estudió su rostro en el espejo, lavó su cara, abrió la canilla, accionó el botón del inodoro, sudaba, el miedo y la excitación lo tenía desesperante; salió, se dirigió hacia la cama, su mente deambulando por el espacio pidiendo consejos al aire tórrido, su mente acariciando las blancas y lánguidas caderas de la mujer. Se desabotonó la camisa, aflojó el cierre del pantalón. ¿Qué estoy haciendo? Se preguntó, reprochándose. Sintió rabia, estaba atrapado, preso de sus propias contradicciones. Algo grande está por pasar, y aquí estoy enceguecido por esta yegua, no, por favor, tengo que accionar. Desde afuera apenas filtraba la luz del atardecer, los bocinazos de siempre. Se dirigió hacia la puerta entreabierta y miró hacia adentro. Alma estaba enmarañada en las sábanas, sus pechos rosaditos descubiertos, sus caderas meneándose rítmicamente. Padilla se quedó contemplándola; sentía la boca seca, entre sus piernas crecía su sexo irreversiblemente. Ya no era dueño de su destino. Algo lo empujaba hacia ella. La guerra, la lucha, los gritos, la solidaridad con los compañeros, las utopías, las ganas de tomar el mundo entre las manos y cambiarlo, los sueños repletos de democracia, libertad y justicia, todo quedaba bloqueado, en segundo plano. Ahora lo que lo empujaba hacia ella era la rigidez de su órgano sexual. Alma sonría con gran naturalidad. Entendía el momento desde otra óptica, sin contemplaciones, sin cálculos, sin miedos; quería ser amada, quería amar, quería sentir el tibio calor del cuerpo de Padilla penetrándola. El calor del cuerpo de un hombre es único, la humedad de la piel, la  rigidez muscular, la ternura de un macho enamorado. 

--Sólo quiero tocarte—susurró Padilla en el oído de Alma, en un vano intento de circunscribir su deseo. Acarició primero las manos, sin dejar de masajearla con sus ojos, seguían avanzando las manos sobre las piernas, el tórax, los pechos, el vientre. Ella temblaba, emitía suaves llantos de placer, gruñía, algo grande y fuerte iba a pasar. Forcejaron, se acostó sobre ella, la apretó, la besó enfebrecido, apasionado, mordía la piel de su cuello; se movieron fundidos en abrazos apasionados, las manos de ella se clavaban en su espalda, no faltaban los dientes mordisqueando la piel. En el momento de penetrarla sintió que el mundo se había dado vuelto, las galaxias estrelladas, exaltadas y embellecidas; ella apenas frenó un aullido, pidió más, sus labios buscando luz en la piel tropical del hombre. Hacía mucho calor, 34 grados, elevada humedad. Marzo es así, caliente y frío a la vez. Tiempo inestable, impredecible.

Padilla salió despedido de la cama gritando ¡”Milicos hijos de puta! ¡Hijos de puta!” Se resbaló, se levantó, parecía haber perdido el equilibrio, caminó alrededor de la cama como un zombi bramando: “¡Viva Espartaco!” “¡Libertad, Igualdad, Fraternidad!” “¡Manuel Ascencio Padilla gran caudillo sudamericano!”

--¿Amor? ¡Amor mío! ¡Carlos Padilla te estoy hablando! ¡Basta de soñar!

Padilla abrió un ojo, luego el otro, miró a Alma como si ella fuera un ser imaginario. Con las yemas de los dedos sacó el sueño de sus ojos.

--¿Qué día es?

--Veinte cuatro de marzo—Alma limpió el sudor que humedecía la cara de Carlos.

-- Entre sueño y realidad no hay más que una cuestión de perspectiva—murmuró. 

--Sí, mi amor. Uno llega a otoño como a la tierra santa—le decía suavemente Alma mientras le ayudaba a levantarse—para soñar tiempo siempre hay, para amar tenemos la eternidad. Hacía calor, 34 grados, algo grande iba a pasar.

--Te amo—dijo el hombre.

--Yo también—dijo la mujer.

Alfredo Hopkins: [e-mail]

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Cuatro versiones de la realidad: Nietzche, Kafa, Joyce y Sábato en un seminario de Augustín Romano

La obra del filosófo, filólogo y poeta Friedrich Nietzche será el leit motif durante el mes de abril de “Cuatro versiones de la realidad” un seminario a cargo de Augustín Romano, profesor en Filosofía, investigador de la obra de Borges, teórico literario y coordinador de talleres literarios y filosóficos.

Con entrada gratuita, el evento comenzará el jueves 12 de abril a las 19 horas en la Asociación Mutual de Profesionales del Hospital Italiano (AMPHI), Potosí 4296, y continuará todos los jueves a la misma hora y en el mismo auditorio. Se dedicará un mes a cada autor incluido en la propuesta: Friedrich Nietzsche, Franz Kafka, James Joyce y Ernesto Sábato.

El propósito de este seminario es  discutir el concepto de realidad partiendo de la obra de estos cuatro autores, y asimismo promover la investigación y la escritura. La AMPHI ha creado un certamen de ensayo para los participantes que quieren intervenir y el ganador recibirá una recompensa en dinero y será publicado en la revista AMPHI.

Los participantes recibirán la bibliografía correspondiente a cada una de las reuniones y se entregarán certificados de asistencia.

AMPHI: Potosí 4296 CABA

Teléfonos: 4571 1761   /  1533777051

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Adriana Bruer: una propuesta de alta performance para mejorar la calidad de vida

"El método De Rose es una propuesta de alta performance en todo sentido que mejora notablemente la calidad de vida," dice Adriana Bruer, directora, en una entrevista con Jaquematepress sobre su propuesta cultural-artística.

--¿Cómo es la propuesta artística del Método, es decir, puede explicar el concepto que tiene sobre la coreografía corporal, de qué manera el público ha de recibir las obras?

--Nuestra propuesta artística es dar a conocer a través de las coreografías una filosofía práctica que contiene técnicas ancestrales para el autoconocimiento y la superación personal. En lo corporal, se trata de un rescate de técnicas muy antiguas que surgieron a partir de la observación de los animales y la propia naturaleza, y que se ejecutan de manera encadenada, conformando una coreografía. También se incorporan gestos que se realizan con las manos, que realzan las secuenciasy generan un canal de mayor expresividad. Lo que va a ver el público son técnicas de fuerza, de flexibilidad, de equilibrio, que requieren un gran dominio corporal y mucha concentración.

--¿Cómo es el estilo de vida que propones el Método, quienes pueden practicarlo, cuál es su significación social-cultural?

--El Método DeRose es una propuesta de alta performance en todo sentido, que mejora notablemente la calidad de vida. Algunas de nuestras herramientas son las técnicas de reeducación respiratoria, técnicas corporales, de concentración, de relajación. Pero también hay todo un lado conceptual que tiene que ver con hábitos o costumbres y abarca desde recomendaciones en cuanto a la alimentación, hasta una mejor forma de relacionarnos con nosotros mismos y con los demás. Nuestro trabajo apunta a la expansión de la conciencia, a tornarnos seres más conscientes y libres. Para lograrlo, la principal herramienta es la energía vital. Cualquier persona que se identifique con el Método puede practicarlo. Por lo general, gusta mucho a los jóvenes, a las personas activas, dinámicas y vitales.

--¿Qué enseñanzas ha dejado su trabajo con el Método?

--Desde que empezamos en el 2007 hasta acá, veo una evolución inmensa tanto individualmente como a nivel compañía, claro que tenemos un largo camino todavía por delante, pero estoy muy satisfecha con el proceso que fuimos haciendo. Este año queremos concentrarnos en viajar y tenemos muchas ganas de reestrenar nuestra opera prima, Padma.

Contactos:

http://deroseartcompany.com

mail: [e-mail]

"Mundo Costrini," espectáculo del clown Sebástián Guz, cuatro funciones únicas

Todas las mesas están ocupadas en la amplia sala del Teatro del Viejo Mercado, las mozas y mozos corriendo alegremente tomando pedidos, las bandejas alzadas por arriba de las cabezas de los espectadores, el cuchicheo es animoso y  constante a la espera del estreno del espectáculo “Mundo Costrini” del clown sutil, refinado y atrevido Sebastián Guz.

Su mundo es una mescla de situaciones absurdas, provocativas; ensalzadas con un delicado humor, sin herir, sin agredir, una receta de ironía reflexiva, destreza física, delirio fino, en realidad un mundo no tan distinto del mundo que todos conocemos; será la perspectiva la que convierte el mundo de Guz en algo raro, es decir, la capacidad del artista de partir de lo mundano y llevar el espectador a una especie de introspección transcendental.

Concentra en su cuerpo una bola de energía perfectamente manejada: la precisión de sus movimientos en concordancia con efectos sonoros y lumínicos muy acertados, produce una estética muy particular y muy lograda que gana la simpatía del espectador.

El espectáculo no se limita al escenario. El artista busca la participación de espectadores y de ese modo logra de alguna manera desmitificar el mito que pone una cortina invisible entre artista y espectador.

El idioma universal del clown introspectivo, en el cuerpo del artista meticulosamente entrenado le ha dado reconocimiento universal, pues Guz ha sido premiado en varios festivales alrededor del mundo.  

4 Funciones: sábados 23:30 horas

Teatro del Viejo Mercado, Lavalle 3177, Ciudad de Buenos Aires

31 de marzo al sábado 21 de abril

Reservas: http://www.tuentrada.com

Más información: http://www.mundocostrini.com

Facebook: Mundo Costrini

Ficha artística-técnica:

De y con: Sebastián Guz

Dirección: Romina Krause y Sebastián Guz

Diseño de luces: Juana G.

Vestuario: minaclown.com

Escenografía: Cía. mundocostrini.com

Producción: Cía. mundocostrini.com

Prensa: Marisol Cambre

Sobre Sebastián Guz:

Sebastián Guz  se crió y se formó en Madrid y las Islas Baleares, donde se interesó por el mundo del circo. A su regreso a la Argentina estudió circo en la Escuela de Circo Criollo y tomó cursos de clown y comedia. En 1994 presenta su primer espectáculo entorno al circo y el humor. En 1996 es co-fundador del Circo Xiclo, la primera agrupación de circo callejero argentina que logró llevar su propio espectáculo a una tradicional carpa, y fue ampliamente reconocido en sus giras europeas en años posteriores.

 

En el año 2003, nuevamente afincado en Europa, crea la Cía. Mundo Costrini y su unipersonal Costrini, recorriendo  más de 27 países. Hasta la fecha lleva recorrido más de 800 festivales de Teatro de Calle. Mundo Costrini se han presentado en: Japón, China, Corea, Emiratos árabes, Djibuti, Francia, Escocia, Holanda, Polonia, Alemania, Bélgica, Suiza, Italia, Portugal, España, Honduras, Nicaragua, Costa Rica, Guatemala, México, Bolivia, Uruguay, Brasil, Chile, entre otros.  Actualmente también imparte talleres y workshops en España, Francia, Italia, México y Costa Rica.

 

Los siguientes festivales han premiado la originalidad, fuerza y comicidad del Mundo Costrini:

Primer premio World Cup Daidogei en Shizuoka - Japón

Primer premio Festival Internacional de Valladolid - España

Primer premio Festival Internacional Festiclown de Galicia – España

Primer premio Festival Internacional de Circo de Santa Cruz – Bolivia

 

Convocatoria teatral: "El teatro y las transformaciones sociales"

 

El teatro y las transformaciones sociales es el eje de una convocatoria no convencional de El Desguace--Teatro y Almacén Cultural que propone "un espacio destinado a promover aqeullos proyectos teatrales que aborden el tema de las transformaciones y cambios sociales, ya sea de una manera direct o indirecta."

 A continuación publicamos la convocatoria:

"Entendiendo por transformaciones sociales a los grandes cambios políticos, económicos y culturales -de la historia y la actualidad-, que han incidido de manera notoria en la vida de los pueblos y las personas. En un sentido amplio abarcan desde la Revolución Francesa al Zapatismo, desde la abolición de la esclavitud al voto femenino, desde el hippismo y la píldora anticonceptiva al matrimonio igualitario, por citar sólo algunos pocos ejemplos.

En esta convocatoria se privilegiarán aquellos proyectos que por su forma y contenido expresen, de manera artística y creativa, interrogantes y reflexiones más que certezas u opiniones cerradas.

 

Bases de  la convocatoria:

1-Podrán participar todos los elencos que así lo deseen.

2-Los proyectos deben ajustarse en su contenido a la propuesta central de la convocatoria. También podrán participar espectáculos ya estrenados.

3-La duración de las obras no debe superar los 75 minutos.

4-La puesta debe requerir elementos escenográficos y de utilería de rápido ensamble (El armado y desarmado de la misma no debe superar los 40 minutos en total.)

5-Los proyectos deben ser enviados por correo a “El Desguace” Teatro y Almacén Cultural. “Convocatoria: El teatro y las transformaciones sociales”, México 3694,  (CP 1223) CABA.

6-El material debe incluir -sin excepción- el texto de la obra y una filmación de la misma en DVD, todo por quintuplicado. En el caso de obras sin estrenar la filmación puede ser de un ensayo general o avanzado. También debe constar el elenco y la ficha técnica, diseños de vestuario y escenografía, planta de luces y banda sonora. Adjuntar un breve currículum de los participantes del proyecto (Autor, director, actores, técnicos, etc.) Debe constar nombre real, número de documento, domicilio, teléfono y mail del responsable del proyecto. El material también podrá ser entregado en mano en la misma dirección, de martes a viernes de 17 a  21 hs.

7-Se evaluará el proyecto teatral en su conjunto y complejidad: la pertinencia del tema, la originalidad de los planteos, la riqueza del lenguaje teatral, la creatividad y calidad artística general del proyecto.

8-Se seleccionarán hasta 6 (seis) proyectos. La selección no supone un juicio de valor sobre aquellos trabajos que no hayan sido incluidos.

9-Las obras seleccionadas se representarán en EL DESGUACE  durante 4 (cuatro) funciones en el mes de noviembre del 2012. EL DESGUACE se compromete a realizar la difusión y prensa del ciclo “El teatro y las transformaciones sociales”  y de cada trabajo en particular.

10-Cada obra será debatida con el público y una personalidad del ámbito de la cultura, al menos una vez durante el ciclo.

11-Los trabajos podrán presentarse hasta el 31 de Mayo de 2012.

12-El resultado será dado a conocer el 15 de julio del 2012.

13-El comité de asesoramiento y selección del ciclo estará integrado por Cecilia Rossetto, Patricia Zangaro, Ingrid Pelicori y Manuel Callau. Por El Desguace Rubén González  y Daniel Kersner.

 

INFORMES: El Desguace, Teatro y Almacén Cultural.

                      México 3694, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

                      TE 3966-8740.

                      [e-mail]

Demonstration class of theater in English March 31st at the Faro theater

 

Men and women have been acting, role-playing and telling stories since the dawn of history. Today actors and story tellers (also teachers) use a wide variety of techniques to embellish the stories they tell or act out. The performer needs to polish skills related to breathing, use of the voice, mind, memory, emotions, gestures, body expression, movement, concentration, imagination, projection; performers should be good observers, cultivate an inquisitive spirit; they should develop  open-mindedness, self-critical attitudes, flexibility and willingness to recognize the inevitable errors which pop up in the give and take of human relationships.

Actors need to get to know their own potential, develop the tone and timber of their voices, explore the secrets of their bodies, minds, emotions and memories; practice the possibilities of movement, energy, rhythm, pause, projection, stage presence and delve into the past, the present and the essence of the human condition.

         Theater, a tool for many professions

 Acting techniques are not just used by stage artists. They may be employed in teaching, to enhance the growth of children, to entertain and stimulate retired people, to comfort and stimulate the healing of patients in hospitals, in the education of the handicapped; likewise acting techniques may be of great use to psychoanalysts, sales persons, journalists, and language teachers.

Theatrical training gives the teacher stage presence and enables her to build her self confidence and transmit empathy. Techniques such as role-playing allow students to discover the dynamics of discourse; dramatic games and improvisation greatly enhance fluency and the ability of the speaker to modify his or her behavior and adapt rapidly to varying circumstances. Stress on breathing and diction facilitate the development of refined speech. Lastly, but not of least importance, the need to “think in the shoes of the character” demands the use of logic and also enables the actor to better understand the social, economic, cultural and religious factors which influence the life of his or her characters.

                  To play, that is the question

 The English language still refers to “play” and to “player” when mentioning the theatrical act; play is the essence of acting. As in all other games, theatre is played according to rules. But players are also allowed to “break the rules,” as long as they realize and assume the consequences of their acts. Furthermore, the game can be played in many different ways; there are diverse schools and acting tendencies but what all of them seek is transcendence.

The actor must ask and resolve fundamental questions such as: who am I? Where am I going? Where have I come from? What is my objective? What is my point of reference? To whom is my action directed? How can I do this?

In this workshop we will delve into some of the mysteries of acting. No previous experience is required, although we do insist that participants have at least an intermediate level of spoken English. Each class will include work on breathing and the voice, physical limbering up, dramatic games, the invention and telling of stories, improvisation and role-play. Later on we will begin to work on short plays or stories. Towards the end of the year we will organize a show based on what we have worked on during the year. Students are encouraged to suggest ideas—stories or short plays—which they would like to work on.

                          Details:

Time and place: We will meet here at the Faro theater: 2151 Moreno street 2ºB every Saturday from 12 noon to 2:45pm.

We ask students to arrive as promptly as possible and to advise the coach at 4342 3588 or 1562521028 email: [e-mail] concerning absences or other difficulties. Workshop participants should come with relaxed clothing, gym or other light wear.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

36 años después: la memoria dice presente

Hacía mucho calor el 24 de marzo de 1976 y un silencio pesado e inusual parecía confirmar lo que saltaba de boca en boca: algo iba a pasar. Pasó. Un grupo de militares tomaron por asalto el poder en Argentina, con la anuencia insinuada o expresada de preponderantes grupos corporativos, financieros, religiosos, políticos e ideólogos del neo-liberalismo. La bandera: la lucha contra la subversión, guerrilleros peronistas y de izquierda, sindicalistas rebeldes, intelectuales y estudiantes, el caos reinante en el gobierno de Isabel Perón…El programa: restablecer el poder de la élite, extirpar para siempre la amenaza subversiva. Lo dijo el General Videla cuando tomó un micrófono para proclamar que tendrían que morir suficientes personas para devolver al país las instituciones republicanas y la fe apostólica y romana.

El sábado, 36 años después, la Plaza de Mayo se llenó de sobrevivientes e hijos de la represión, actores, artistas, Madres de Plaza de Mayo, organizaciones políticas populares, y gente curiosa. La consigna: profundizar los juicios contra militares acusados de crímenes de lesa humanidad, seguir buscando la desaparición de alrededor de 30.000 personas, seguir buscando niños secuestrados por comandos de la dictadura y entregados a sus amigos y pedir que la justicia investigue y juzgue la complicidad de civiles en la organización y realización de actos ilegales en complicidad con el poder de facto.

Si bien el golpe militar era un acto claramente contrario a la constitución argentina, lo que preocupa a los defensores de los derechos humanos y jueces era el uso de métodos aberrantes: torturas, violación, asesinato, persecución a familiares, robo de bebés y de bienes y chantaje y presión contra grupos económicos para beneficiar sectores cercanos al poder de facto.

"Cartas de amor en papel azul," de Arnold Wesker en el teatro Andamio 90 de Buenos Aires

Víctor tose, se mueve incómodo en la cama, intenta escribir algo, aparece su amigo del alma y le confía la noticia: está muriendo. “seis meses, nueves meses, un año…no están seguros pero pronto…” Pero por favor no diga nada a mi mujer. La cara de Mauricio parece  no querer entender lo que acaba de escuchar pero finalmente registra el dato, promete acompañar a Víctor y ayudarlo a cumplir el deseo de su vida: escribir una “modesta historia del arte.” En realidad, será testigo de las cartas de amor que le escribirá su mujer, Sonia.

“Cartas de amor en papel azul,” de Sir Arnold Wesker, realista, investigador de la vida de la clase media inglesa, del sindicalismo, de la crisis del creador ante la pérdida de su capacidad poética, autor de más de 40 obras teatrales, atrapa al plantear un dilema común a todo ser humano: la evaluación de la vida en el momento de enfrentar la desaparición física. Es un espectáculo sobre la muerte que habla de la vida, del amor, de la familia, por lo que pudimos o no hacer en la vida.

Hace tiempo Sonia escribe cartas a su marido, sin comienzo y sin fin, en las cuales expresa el amor que no pudo manifestar en su presencia. El contenido de las cartas adquiere cada más emoción mientras la muerte de Víctor se acerca. En una de ellas dice: “¿Y nuestras peleas? Primero discutimos sobre nuestro primer jardín: sus dimensiones, qué plantar, hacía qué dirección debería apuntar el jardín. Para vos el sol salía en un punto y yo sabía perfectamente bien que salía desde otro punto. Te equivocaste, claro. No sabés cuán importante era para mí saber que yo tenía la razón….”

Otra carta interpreta lo que Sonia consideraba odio en los ojos de Mauricio, pero a pesar de todos los contratiempos, similar a los de todas las parejas, ella mantiene fiel a su profundo y generoso amor hasta el fin.

Si bien el texto tiene la poesía de un gran dramaturgo, a nuestro entender la puesta en escena adolece una falta de organicidad en los movimientos escénicos y en la articulación de los textos, pero es nuestra percepción subjetiva; el espectáculo es sin duda  muy atractivo y conmovedor—especialmente para personas mayores.  

Funciones:

Sábados 20 horas en el teatro Andamio ’90, Paraná 660.

Reservas: 4373 5670. Entradas: $50 pesos, estudiantes/jubilados $30.

Web:  http://www.andamio90.org

Elenco:

Noelia Bertinat, Luis Sifuentes, Alberto Casal y Augusto Ceresole.

Dirección:

Paula Ettedgui.

Asistente de dirección: Constanza Lundborg.

Dirección de arte: Florencia González

Deseño de escenografía: Paula Ettedgui y Florencia González

Traducción: Paula Ettedgui

 

Sir Arnold Wesker 

Sir Arnold Wesker (nacido Stepney 24 de mayo de 1932) es un prolífico dramaturgo británico conocido por sus contribuciones al fregadero de la cocina drama. Es autor de 42 obras de teatro, 4 volúmenes de historias cortas, 2 volúmenes de ensayos, un libro sobre el periodismo, un libro para niños, amplia el periodismo, la poesía y todo tipo de escritos. Sus obras han sido traducidas a 17 idiomas y se lleva a cabo en todo el mundo. Vida

Nacido en Londres, sus primeras obras Raíces, La Cocina, y su propia ciudad y de Oro fueron organizadas por la Empresa Etapa Inglés en el Royal Court Theatre bajo la dirección de George Devine y más tarde William Gaskill. Su inspiración para la cocina se produjo cuando estaba trabajando en The Bell Hotel en Norwich. Fue mientras trabajaba aquí que él también conoció a su futura esposa Polvorientos. Las raíces también se establece en Norfolk.

Fundó el teatro Roundhouse de la primera, denominada Centro 42, en 1964.
En 2005 publicó su primera novela, la miel, que relató las experiencias de Beatie Bryant, la heroína de su juego anterior raíces. La novela fue notable por su cronología de las divergencias. Raíces se estableció a principios de los años sesenta y Beatie es de 22, en la miel tiene sólo de 3 años sin embargo, la acción ha sido trasplantado en el decenio de 1980. Otras curiosidades es que el plazo incluye el asunto Rushdie y John Major como la caída de los últimos acontecimientos y, sin embargo, la acción se refiere a la dotcom boom.

Fue nombrado caballero en 2006 el Año Nuevo Galardones lista. Fue el náufrago en la isla desierta de discos, BBC Radio 4 el domingo 17 de diciembre de 2006.
Arnold Wesker en 2008 publicó su primera colección de poesía, todas las cosas de neumáticos de ellos mismos (Flambard Press). La colección se remonta a muchos años y representa lo que él considera sus mejores y más característicos poemas.

Política
Muchas de las obras Wesker había temas políticos subyacentes, Wesker y el mismo fue abierto sobre su admiración de la clase obrera lado de la clase ’lucha’.
Wesker se sumaron con entusiasmo a la Corte Real en el grupo de Aldermaston marzo en 1959. Otro de los contingentes de la Corte Real, Lindsay Anderson, hizo un documental sobre la marcha.

Alma Farinello y Pablo Goldberg hablan sobre el proceso de montaje del espectáculo "Instinto Humano"

“Desde adolescente me fascinaron las situaciones límites en las que una persona dejaba de lado sus valores, su moral y sus necesidades en pos de lo que decía su instinto,” dice Alma Farinelli  sobre “Instinto Humano,” el espectáculo  de su inspiración que se presenta en un patio colonial de la Manzana de las Luces.  Aclara el concepto: “Una madre perdiendo la vida para salvar a un hijo, las inmolaciones en la guerra, los asesinatos por pasión, etc.”

Jaquematepress se acercó a Alma y a Pablo Goldberg, a cargo de la dramaturgia del espectáculo, para profundizar sobre aspectos de este singular espectáculo sobre el desarrollo humano.

--No parece ser una tarea fácil dramatizar la historia de occidente en algo más de una hora…

Alma: Surgió la necesidad de plasmar a través del arte estas situaciones, de un modo entendible para la gente. “Instinto Humano” está hecho para todo público, cualquier persona puede entender el concepto y lo que se está contando ya que cada parte de la historia que se representa es conocida popularmente.

Pablo:   Es verdad, este espectáculo está hecho para todo público, pero los menores tienen que venir acompañados, no olvidemos que hay escenas de violencia y de sexo. La idea surge de un primer borrador que me presenta Alma (donde estaba plasmada la base de lo que hoy es Instinto Humano) y me ofrece escribirla y dirigirla juntos, y yo, inconsciente de mi acepte (ja!). No es fácil montar una obra con tantos actores y con tanto para decir…pero se pudo y con resultados más que satisfactorios.

 

--En el proceso de creación uno siempre tiene que buscar y descartar. ¿Cuál fue el criterio que se utilizó para incluir o excluir momentos históricos?

 

Alma: Incluí solamente los momentos históricos que eran conocidos por la mayoría a los efectos de lograr una mejor identificación del publico con la obra.

 

Pablo: Otro de los desafíos que se presentó fue… ¿Qué contar de cada momento histórico seleccionado? Porque cada escena hace referencia a unos 500 años de historia como mínimo. Entonces decidimos rescatar lo que nos pareció la esencia de cada época sin fijar la atención en ningún evento en particular (salvo la última escena que es claramente una referencia a la Revolución Francesa).

 

--Lo que propone su teatro parece ser una especie de regreso a las raíces, sin escenarios específicos, con las acciones en diferentes espacios, incluso entre los espectadores o con la participación de ellos…

Alma: La idea de realizar este tipo de teatro surge de la necesidad de un teatro más dinámico, que el público deje de ser pasivo y se incluya dentro de la obra, siendo parte del espectáculo.

  

Pablo: No se si las raíces, porque hay palabra y no hay mascaras danzando alrededor de un fuego ritual. Pero lo que si fue pasando es la sensación que se genera en el público de total acercamiento hacia el hecho teatral. Como dice Alma el publico pasa a ser parte, no se queda quieto y se mueve junto con lo que le sucede alrededor. Es esclavo y pueblo, es espectador de torturas y no hace nada, hasta que finalmente es invitado a reclamar libertad y la gente se une. Participa.

 

--Llama poderosamente la atención el alto grado de entrenamiento físico de los actores. ¿Hubo un entrenamiento específica o fueron elegidos los actores de acuerdo a sus habilidades físicas?

 

Alma: Hubo mucho entrenamiento y es esencial para que este espectáculo lo puedan realizar. Son 6 épocas diferentes, con 6 vestuarios distintos y con personajes diversos. Imposible llegar a hacer un trabajo con semejante gasto de energía y control del cuerpo sin entrenamiento.

 

Pablo: Yo creo que el cuerpo del actor tiene que poder estar disponible para cualquier acción, tiene que ser un cuerpo preparado físicamente y sensible. De otra forma se queda en el camino y no rinde al cien por cien. Lo digo porque yo como actor, trabajo de esa manera y como director no espero otra cosa de mis actores.

--Un elemento interesante en la función: los gritos. ¿Qué representan? ¿Qué timpo de trabajo se tuvo que realizar para lograr gritos tan expresivos de acuerdo a las diferentes situaciones?

 

Pablo: Ante todo para los gritos hicimos un laburo vocal aparte, también para los susurros, ya que la obra tiene la particularidad que por momentos el actor le habla al público al oído y eso es algo que la mayoría de los actores no están acostumbrados.

            A mí se me figura que el grito es lo mas instintivo que tenemos surge en las situaciones más extremas ya sean de goce o sufrimiento.

          El grito es una acción que declara libertad; un cuerpo gritando es un cuerpo ahuyentando sus temores y asumiendo una posición de estar presente. Un grito nos hace sentir presentes y con la capacidad de accionar. Nos despierta si es que estamos dormidos y nos aleja del pasado que no se puede modificar para traernos al hoy y darnos la posibilidad de hacerlo nuestro y alejarnos, en el futuro, de cualquier yugo que nos impongan. Un grito soy yo, aquí y ahora.

 

--¿Cómo fue el proceso de escritura de la obra? Si bien tiene una mirada a la vez negativa e irónica sobre el desarrollo humano, termina con un baile de alabanza a la libertad, a la justicia y a la democracia. ¿Hay razones para ser optimistas?

Alma: El proceso de escritura llevo poco tiempo, con Pablo nos entendimos al toque, a pesar de que tenemos dos visiones distintas (el viene del teatro y yo de la danza), pudimos fusionarnos y armar Instinto como un espectáculo de entretenimiento pero con toda la base y el peso del teatro.

 --De acuerdo pero…

 En cuanto a la obra en sí, lo que me importa marcar es que a pesar de todos nuestros intentos está demostrado que no hay manera de acallar nuestro instinto humano. La evolución en la historia puede ser en la organización social, política, en tecnología, etc pero en realidad seguimos siendo los mismos hombres del paleolítico...La obra en realidad consta de dos partes. Esta primera es la Edad antigua (presentada anteriormente en el IMPA y ahora en La Manzana de Las Luces) y en el 2013 se representará la segunda parte, La edad contemporánea, que abarcara desde la revolución industrial hasta el futuro. 

 Pablo: En este punto disiento con Alma, para mí fue tedioso y engorroso, hasta lo sufrí…qué sé yo no es fácil realizar la dramaturgia de una obra. A veces te bloqueas y para un ensayo tenés que terminar una escena y no te sale nada, ahí es donde viene el momento de gran angustia. Pero luego aparece una ráfaga de inspiración y escribís todo de un saque.

--Entonces: ¿Debemos ser optimistas?

  Pablo:  No sé si debemos, lo que si estoy seguro que siendo optimistas el mundo se ve mejor, lo que no quiere decir, que nos quedemos mirando el mundo con un pensamiento optimista. Si hay algo de lo que habla la obra es de esto mismo, de no quedarse quietos y accionar en el presente, se ve lo que paso en el pasado (valga la redundancia) y se vive también lo que podríamos hacer, la posibilidad latente de no quedarnos como esclavos diciendo a todo que sí. Accionar para modificar aquello con lo que no estamos de acuerdo. Los lugares de poder no pueden ni deben quedarse estáticos, el poder lo tenemos todos en nuestro accionar y si solo nos quedamos mirando, la vida entera se nos va a pasar por delante como una gran obra de teatro. Y cuando esta termine, no hay a donde ir a comer después de la función.

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“El Instinto Humano,” sábados a las 22:30 horas en la Manzana de las Luces, Perú 272.

Reservas: 1536172249.

Web: http://manzanadelasluces.org.ar/teatro.php

email: [e-mail]

 

Free demo class of theater in English March 31st

There will be a free demonstration class of theater in English on March 31st at 1pm at the Faro theater, 2151 Moreno street 2-B, in downtown Buenos Aires. All those persons with an intermediate to superior command of English are warmly invited to attend.

Led by a native coach, the workshop is dedicated to using acting and creative techniques to improve language, enhance communication and bring to birth the hidden creator who lies inside us, waiting for his opportunity to express himself.

The workshop will continue during the year at the same theater, Saturdays from 12 to 3 pm., with work on diction, voice, use of space and energy, body limbering, how to create and tell stories and the staging of short plays.

More information is available at [e-mail].

"La señorita Julia," en una puesta impactante de Gabriel Molinelli

1888, Suecia. La clase dominante es testigo de los estertores que acompañan su ocaso. August Strindberg, escritor maldito e iconoclasta, expresa en la pieza dramática “La señorita Julia” su amargura hacia una sociedad dividida en  clases que luchan por revisar su papel social con la nobleza; una sociedad que comienza a vislumbrar un rol cada vez más destacada para la mujer.  

Es la noche de San Juan, con sus pasiones y libertades enardecidas. La joven Julia, hija neurótica de un conde, provoca un encuentro sexual con el criado Juan. ¿O es al revés?

Es conocido el concepto negativo que tiene Strindberg sobre el mundo femenino, especialmente sobre la mujer nueva, más ambiciosa, literaria, que busca su propio destino. ¿Sería por los tres matrimonios desafortunados del dramaturgo? Sin embargo el texto de “La señorita Julia” es justo y preciso con cada uno de los protagonistas.

A Julia poco importa las conductas que la sociedad impone a las personas que ocupan diferentes nichos sociales. Quiere ser dueña de su destino, satisfacer sus deseos a su manera. Decide ir a bailar a la fiesta de los criados. Juan, criado obediente pero a la vez muy ambicioso, intenta resistir la actitud provocativa de Julia, no corresponde a su condición social, piensa, pero al final no deja pasar la oportunidad de tener una relación íntima con ella.

¿Ahora qué hacer? La relación se hace pública. ¿Huir? ¿A dónde? ¿Cómo? ¿El suicidio? ¿Es una trampa? ¿Puede un criado de origen humilde encarar una relación con una mujer de la alta sociedad? ¿Lo que sucede entre los dos es amor, pasión sexual o…? ¿En una sociedad con tantos prejuicios puede tener éxito una relación entre un criado y la hija de un conde?  ¿Cuáles son las ventajas y desventajas de la relación?

La solución no está a la vista pero discutirla convierte la pieza en una obra de mucha profundidad, en una joya de acción dramática. Strindberg juega a los límites del realismo y de ese modo obliga al espectador a reflexionar sobre la situación social y la relación hombre-mujer.

Más allá de la historia inventada por el autor, la puesta en el teatro La Tertulia de Gabriel Molinelli cuenta a su favor con tres actores de oficio que componen personajes  muy creíbles: seres atrapados en una travesía sin salida que luchan por encontrar su propia identidad. El despliegue de energía escénica, el empleo de acciones y gestos precisas y la organicidad con la cual los actores trabajan los textos convierte el espectáculo en un fiel reflejo de las intenciones del autor.  

Por eso el espectador sale de la sala reflexionando sobre las relaciones entre hombres y mujeres y los prejuicios sociales que aún hoy nos condicionan; también sobre la magia del arte teatral.

 

Ficha técnico artística

Autoría: August Strindberg
Versión: Gabriel Molinelli
Actúan: Graciela Bonomi, Augusto Britez, Laura Sardin
Vestuario: Cristina Tavano
Escenografía: Jorge Leyba
Peinados: Silvia Zavaglia
Maquillaje: Silvia Zavaglia
Diseño de luces: Jorge Leyba
Música original: Marcelo Ferreyra
Fotografía: Ana Laura Devanna, Mariana Varela
Diseño gráfico: Dante Rodríguez
Asistencia de dirección: Cristian Albornos
Prensa: Laura Castillo
Dirección: Gabriel Molinelli

LA TERTULIA
Gallo 826 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 6327-0303
Web: http://www.latertulia.on.to / [e-mail]

Entrada: $ 50,00 - Domingo - 21:00 hs - Hasta el 13/05/2012

 

 

 

"Camille Claudel, la escultora hembra," espectáculo sobre la lucha de la mujer por su identidad artística

Ni ahora, ni hace 200 años: una mujer creativa, apasionada por el arte, tiene que luchar por su propia forma expresiva y a la vez contra los prejuicios de una sociedad dominada por valores masculinos. De eso se trata el espectáculo “Camille Claudel, la escultora hembra,” de Carlos Repolla.

Dice el director: “Camille encarna, a semejanza de Van Gogh, el paradigma de la artista maldita, así como la mujer deshonrada y engañada, la hermana suplantada por el hermano, la hija odiada por su madre, la loca genial. “

El espectáculo sobre la fascinante vida de Camille se centra en el estudio de ella, en París, en primavera del 1905. A pesar del fuerte rechazo de su familia, Camille vuelca su vida a la escultura, trabaja con Auguste Rodin, se convierte en su compañera y amante, la relación se rompe...a pesar de su enorme talento ella se queda cada vez más sola y con la muerte de su hermano, Paul Claudel, los familiares la internan en un sanatorio para dementes—por el resto de su vida.

Vale la pena rescatar especialmente la actuación de Bábara Strauss, que dibuja un Camille cálido y creíble.

LIBERARTE
Av.Corrientes 1555 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4375-2341
Web: http://www.liberarteteatro.com.ar
Entrada: $ 50,00 - Jueves - 21:30 hs - Hasta el 29/03/2012

Funciones:                     Jueves 20:30 horas

Ficha técnico artística

Dramaturgia: CarlosRapolla

Actúan:

Julio Chiorazo, Mónica Fuino, Rolo Sosiuk, Barbara Strauss

Realización de vestuario: Celina Arteaga

Edición de video: Lucrecia Heredia Fuino

Música original: Agniezka Zanowska

Fotografía: Zek Ramgian

Asesoramiento estético: Irene Villagra

La belleza obnubila los pensamientos: "¿No te conozco?

La vi, estirada lánguidamente sobre la roca, iluminada por la poderosa luz de la luna, me acerqué, quise conocerla, pero las palabras quedaban atrapadas en mi garganta, temblaba mi alma. Sentí tonto, desesperado, y lo único que salió de mi boca fue…

--¿No te conozco?

Ay, las palabras son tan inútiles a veces. Las usamos para tantas cosas, pero cuando la emoción sube como las olas de un mar agitado son herramientas perdidas en el viento. Ella me miraba como si nada pasara, cruzó sus brazos por debajo de sus pechos, estiró sus pétalos. Un perfume llenó el aire de un sabor inexplicable. Tenía hambre. Tenía sed. ¿Qué ha de ser uno en presencia de la belleza, de la hermosura más exótica salida de una roca, del alma de la tierra misma?

Mis pies quedaron clavados en la tierra, no pude avanzar, no pude dejar de avizorarla. Sudaba, me dolía la cabeza, tomé una aspirina, dos, no podía pensar, el silencio fue total, mi excitación también. Hacía calor en la montaña, sin viento, mi memoria buscaba frenéticamente información útil, todo en vano, la contemplaba tirada desnuda sobre la cama, cada curva hecho a la perfección, sus pechos erguidos, rosaditos, ay, perdí la noción del tiempo, no pude dejar de pensar en ella, verla desnuda, amarla hasta la última gota de mi energía vital.

Ahora la veo girar la cara hacia la luna, sus caderas marcando el ritmo de su respiración. No pude dejar de mover mi propio cuerpo con la misma cadencia, como si mi cuerpo hubiese entrado en contacto físico con el cuerpo de ella, como si fuéramos un solo cuerpo.

Empecé a acariciarla con las dos manos, mis ojos abiertos como ventanas, mis dedos recorriendo su cuerpo, su vientre, explorando sus pechos. Ella suspiraba, temblaba.

--¡Qué cosa tan divina!

Nuevamente palabras inútiles. Me acosté a su lado, mis manos, dedos, piernas y pies totalmente fuera de control. Volaba. Yo no era un ser humano. ¿Qué era? ¿Una semilla? No recuerdo mucho más pero eso sí en el momento de penetrarla creo que ella soltó un aullido que debe haber despertado la Pacha Mama.