Espectáculos (Shows)

"Comer de noche," espectáculo cómico-trágico de Romina Moretta y Lorenzo Quinteros

     ¿Qué puede pasar cuando dos hermanos se encuentran para comer, cuando la comida no es el atractivo principal, cuando el ambiente se carga con la presencia de dos mujeres de personalidad inquietante? Cuando se trata de un espectáculo escrito por un hombre y una mujer, Romina Moretto y Lorenzo Quinteros. Cuando lo cotidiano se amasa con fuertes porciones de humor negro, cuando los vínculos tiemblan, se quiebran y se recomponen, cuando la diferencia entre comedia y tragedia se parece a una manzana en proceso de putrefacción.

     Con la hábil dirección de Quinteros, “Comer de Noche” atrapa casi como si fuera de suspenso. La historia sucede en el departamento de uno de los hermanos, un hombre con visión teatral. Allí las circunstancias se mezclan, brotan engaños, traiciones, el desamor, el dinero… Comer, brindar, cortar la carne, mirarse, sospechar el otro, palpar sus intenciones, los recuerdos, el sexo, las infructuosas reparaciones. 

      La co-autora, Romina Moretto, explicó que "la obra fue una idea de Lorenzo que compartió conmigo a modo de imágenes y puntos de arranque: dos hermanos, una misma mujer... la preparación de una cena caótica, el baño y el vapor... en fin, imágenes que lo estimulaban para ir tejiendo una historia. Luego apareció la tragedia y el paralelo con Agamenón. Cuando nos pusimos a escribir el material, encontramos más coincidencias de las que creíamos entre estos cuatro personajes y la tragedia de Esquilo. Bianca resultó una Cassandra contemporánea, Lucrecia una Clitemnestra pasional y argentina y los hermanos, los primos de antaño: Agamenón y Egisto. Que la muerte ocurra en el baño tiene que ver con esto último también, quisimos ser fieles al estilo griego donde estos hechos jamás ocurrían en escena."

      La situación vuela dramáticamente debido a la detallada y fina caracterización de los personajes y a acciones insólitas que provocan risas incómodas y un final sorpresa que deja preguntas tumbando en las cabezas de los espectadores.

     Además el espectáculo da lugar a una elucubración sobre el teatro y su vínculo con la vida, el teatro como espejo, como sombra, y la posibilidad de modificar la perspectiva. 

“Comer de Noche”

 Ficha técnico artística

Autoría: Romina Moretto, Lorenzo Quinteros
Actúan: Anita Gutierrez, Gabriel Lima, Julio Molina, Romina Moretto
Vestuario: Paola Delgado
Escenografía: Félix Padrón
Diseño de luces: Félix Padrón, Lorenzo Quinteros
Video: anitaquin
Fotografía: Guillermo Kalb
Asistencia de dirección: Javier Kussrow
Prensa: Walter Duche, Alejandro Zarate
Dirección: Lorenzo Quinteros

TEATRO PAYRÓ
San Martin 766 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4312-5922
Web: http://www.teatropayro.com.ar/
Entrada: $ 60,00 / $ 30,00 - Viernes - 20:30 hs
Entrada: $ 60,00 / $ 30,00 - Sábado - 22:30 hs

"Terzo, una boda entre dos reinos," espectáculo de una estética inovadora basado en Ricardo III, en el teatro Espión

     El arte teatral en sus muy variadas formas propone una aventura creativa, un juego ejecutado con palabras, imágenes, sonidos, sensaciones, desplazamientos, cuerpos que hablan, tensiones que buscan resoluciones, mutaciones, estéticas escénicas, conflictos que chocan, rebotan y se adaptan a realidades cambiantes y un público que participa a través de su empatía, comprensión, asombro y/o rechazo hacia las acciones realizadas en el escenario.

     Es lo que sucede los sábados a las 21 horas en la puesta de “Terzo, una boda entre dos reinos,” en la sala del teatro El Espión, una versión libre del clásico Ricardo III de William Shakespeare y sobre el libro “Superposiciones” de Carmelo Bene-Gilles Deleuze, cuya frase “No hay más vida que aquella  que conecta y hace converger entornos” precipitó el armado del espectáculo.

     De acuerdo al director Eduardo Meneghelli, “Carmelo Bene propone una política extrema de la puesta en escena y entre otros, propicia la irrupción de elementos inesperados, formas de desagregación del poder lingüístico, extrema deformidad del cuerpo y su carácter monstruoso. Se propone la disrupción, el caos sensible como variación continua y la supresión de textos para encontrar nuevas formas expresivas.”

     Al comienzo de la obra la puesta contrapone dos espacios actorales ocupados por dos parejas claramente diferenciadas; los espacios luego irán transformándose en algo así como espejos agitados cuyas superficies quedarán cada vez más turbadas.

     El personaje de Ricardo III que sale de la pluma de Shakespeare es un hombre feo y jorobado, mutilado mental y emotivamente, lleno de envidia, ambición, que conspira para que su hermano, Jorge Clarence, que le precede como heredero al trono, sea recluido en la Torre de Londrés como sospechoso de asesinato. Y para cumplir sus ambiciones, pretende los favores de Lady Ana, la viuda de Eduardo de Lancaster, tras haber asesinado a su marido y a su padre.

      Desde ese punto la obra de Shakespeare, entre las más largas de su autoría, se hunde en un mar de complicaciones y asesinatos, cada vez más dramáticas.

      La puesta de Meneghelli, sin menospreciar el rico y poético texto, concentra en extremar la gestualidad de los actores—especialmente en el personaje de Ricardo—y aprovecha una banda sonora muy apropiada. Además,  introduce un muy poderoso elemento escénico a través de la risa pasmosa y cortante de Lady Ana. Es una obra de una estética muy lograda que puede ser apreciada incluso por una persona que no entiende el español, ya que la riqueza de las acciones y las tensiones escénicas suplantan de alguna manera la comprensión profunda del texto.

TEATRO EL ESPIÓN

 SARANDÍ 766 - C.A.B.A.

SÁBADOS 21 HS.

Reservas: 4943-6516

Intérpretés: Adrián Tórtora, Jennifer Dondi, Silvio Parapugna y Marilyn Petito

Música original: Matías Villarruel

Diseño de escenografía: Magali Acha

Realización de escenografía: Carlos Acosta

Diseños de luces: Magali Acha

Diseño y realización de vestuario: Mariana Arzola

Maquillaje: Ana Siniego

Fotografía: Abel Abadie

Ilustración: Alexis iseño gráfico: Luján Ochoa

Operadora de luces: Ana Siniego

Operador de sonido: Matías Villarruel

Dirección y puesta en escena: Eduardo Meneghelli

La guerra de las Malvinas sube al escenario: "Piedras dentro de la piedra," de Mariana Mazover, en el teatro La Carpentería de Buenos Aires

      En “Los Pichiciegos,” el sociólogo cuentista y novelista Rodolfo Enrique Fogwill  redactó uno de los relatos de más resonancia sobre la guerra de las Malvinas: imaginó un grupo de soldados desertores que esperaban en una fría madriguera bajo tierra en las islas Malvinas el momento para escapar de la guerra y volver a sus hogares en Argentina.

     Fogwill los describe luchando por sobrevivir, y la situación permite desnudar el horror que el increíblemente mal planificado conflicto armado entrañó para los conscriptos enviados al campo de batalla por la Dictadura Militar.

     La directora Mazover tomó la idea de Fogwill y trabajó con un grupo de actores para elaborar una escenificación enfocándose en la idea del desertor y en el absurdo trágico que significa esta guerra y todas las guerras:

    “Acá, el desertor no es el traidor, sino aquel que no está dispuesto a participar de una masacre en nombre del honor”, explica Mazover.

    En la elaboración de la estructura dramática mediante improvisaciones, los actores proponían trabajar también con autores dramáticos universales, de modo que hay en el espectáculo un cierto meollo de Samuel Beckett, entre otros dramaturgos que ejercían influencia en la conceptualización que los artistas y la directora dieron al espectáculo.

    Asimismo se detecta un claro rastro de las películas de guerra de Hollywood, con su exagerado realismo bélico, algo muy poco frecuente en los escenarios teatrales porteños, un aspecto que da lugar a una ironía sana en el espectáculo de Mazover:

    Un soldado con fusil en mano vigilando el escondite, los diálogos a veces muy resumidos, los puchos, el chocolate, los efectos sonoros, las acciones físicas de rigor. En efecto, además de contar con una literatura dramática muy bien armada el espectáculo luce por las muy logradas acciones físicas, los efectos sonoros y la luminotecnia.

 "Piedras dentro de la piedra"

Los viernes a las 23 horas,

Teatro La Carpintería

Jean Jaures 858, CABA

Localidades: $45 / $35 esudiantes y jubilados

Web: http://piedrasdentrodelapiedra.wordpress.com

Ficha artística-técnica

Dramaturgia y dirección: Mariana Mazover
Actúan: Alejandra Carpineti, Mariano Falcón, Laura Lértora, Hernán Lewkowicz,  Alejandro Lifschitz y Sebastián Romero
Asistente de dirección y producción: Natalia Slovediansky
Diseño de escenografía y vestuario: Cecilia Zuvialde
Diseño de Iluminación: Alfonsina Stivelman
Diseño de Maquillaje: Ana Pepe
Música Original: Mariano Pirato
Prensa: Marisol Cambre
Fotografía: Malena Figó y Claudio Da Passano
Diseño Gráfico: Dalmiro.com

"La Décima Sinfonía," espectáculo sobre Ludwig Van Beethoven de Jorge Ducca

Está en escena Ludwig Van Beethoven, con su autoestima, con su memoria, con sus ilusiones, con su lucha por terminar lo que considera la culminación más noble de su carrera musical. La sala del teatro La Mueca retumba con la Décima Sinfonía, el actor levanta su batón, su rostro se transforma, vive un gran momento, todo su ser se desliza hacia el movimiento de sus brazos, su cuerpo actúa como si fuera una sucesión de notas musicales. Después el actor se detiene, Ludwig Van Beethoven se detiene desilusionado.

“La Décima Sinfonía” de Jorge Ducca indaga sobre la vida íntima del gran compositor alemán en vísperas de su muerte, su obsesión de terminar la Décima Sinfonía antes de su muerte, sus miedos, sus pasiones, sus ilusiones, sus deseos, la vida privada del gran artista atormentado, la parte oculta de su vida, su extrema sensibilidad, su soledad, su dolor, sus sufrimientos metafísicos.

Una receta muy exigente para una puesta en escena, pero el resultado es un espectáculo visualmente atractivo gracias a un escenario simple pero acorde. Hacia el final las bailarinas agregan un soporte estético y emotivo al momento culminante en la vida del compositor.

Si bien el espectáculo enfoca sobre el sufrimiento intenso del personaje en el momento culminante de su vida artística, tal vez sería interesante elaborar además más sus momentos de profunda alegría.

La Décima Sinfonía

Funciones:     jueves, 20:30 horas, teatro La Mueca, av. Córdoba 5300

Informes:       4777-0825

Entradas:       $50

Mail:               [e-mail]

 

Autor, dirección y puesta en escena:          Jorge Ducca

Actores:                                                 Manuel Mazza y Fernando García Cormick

Bailarines:                                               Franco Marcoccia y Rosana María Ruiz

Vestuario y escenografía:                         Pablo Graziano

Maquillaje y caracterización:                     Florencia Moyano y Poly García Deparci

Musicalización:                                         Carlos Gutiérrez

Coreografía:                                            Franco Marcoccia y Rosana María Ruiz

 

"Memoria de un gesto (nada extraño) la guerra fría en el escenario, Melisa Hermida

     La Guerra Fría, la conferencia de Yalta, el mundo dividido artificialmente entre “Occidente capitalista” y “Soviético comunista,” zonas peleadas entre las dos potencias, intervenciones, golpes de estado, guerras como en Corea, Vietnam, guerras psicológicas, manejo de la información, espías, James Bond, el macartismo, bombas atómicas y bacteriológicas, infiltración, la sociedad de consumo versus capitalismo de Estado, la conquista de la luna, la dialéctica del bien y el mal,  blanco y negro, comunismo y el anticomunismo.

     En el espectáculo “Memoria de un gesto (Nada extraño)” escrita y dirigida por Melisa Hermida, los hechos siempre pasan por los enfrentamientos ideológicos plasmados durante la prolongada lucha entre “rusos” y “estadounidenses.” En el escenario un plano del mundo marcando zonas rojas y azules. En el despacho del Primer Ministro británico quieren saber cómo ubicar el oculto botón que detonaría la bomba atómica. El Campeonato Internacional de Patinaje Artístico en Berlín Occidental: el gran patinador sobre hiel ruso Helstag Guldberg quiere un salvoconducto a Washington. Para meterle presión el Primer Ministro pone en funcionamiento una misión para un búnker en Alemania Oriental a cargo de Diane Weinger. Uta y Milton, un matrimonio de papel. Ella se infiltra en el campeonato como patinadora para desenmascarar a Helstag. Pelígro: Uta ve en Helstag una posibilidad de escape a su vida como espía…y se enamora, pasa información falsa sobre la ubicación del botón.

      Milton se da cuenta de la movida, informa a sus superiores en el búnker: deben detenerla, código rojo…El espectáculo enfatiza el juego irónico, el absurdo de la guerra fría, la fragilidad del amor, la necesidad del ser humano de definirse por lo negativo, por los opuestos, un mundo que responde a intereses y no a deseos; el sacrificio que implica el amor, la memoria de una lucha sórdida durante la cual los ideales fueron sofocadas.

     A pesar del tema pesado, el espectáculo es muy entretenido y cuenta con una puesta en escena muy ágil. Además sobre el fondo del escenario se proyectan imágenes muy logradas que otorgan la sensación de estar viendo una película y no un espectáculo teatral.

 Ficha artística-técnica

Dramaturgia y dirección: Melisa Hermida

Actúan: Magdalena Grondona, Fabián Verlini, Fernando Sala, Maxime Seugé, Ana Scannapieco, Inés Cejas, Tulio Gómez Alzaga, Mario Bodega 

Vestuario: Pamela Peluso-Miriam Cabrera 

Coreografías: Mariano Balloni

Iluminación: Omar Posematto

Escenografía: Gonzalo Córdoba

Producción y Asistencia de Dirección: Sebastián Romero, Mariano Balloni

Prensa: Marisol Cambre

Funciones: Viernes a las 23 Horas Teatro Timbre 4 | Boedo 640 | Tel. [phone]

Reservas: http://www.alternativateatral.com  /  http://timbre4.com

Localidades: $ 40| Estudiantes y jubilados $30En

Facebook: Memoría de un gesto (Nada extraño)

                                   Melisa Hermida (Buenos Aires, 1978).

Es licenciada en Artes Combinadas de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA. Egresada de la carrera de actuación de Andamio 90, continuo sus estudios con Claudio Tolcachir, Luciano Suardi y Guillermo Angelelli, entre otros. Como actriz se desempeñó en obras como Jamón del Diablo, cabaré y Lisistrata, ambas dirigidas por Claudio Tolcachir y representadas en Timbre 4. Como dramaturga y directora realizó junto a Ana Lidejover La única manera (de contar esta historia es con Mandarinas) en El Camarín de las Musas durante los años 2008 y 2009. Actualmente es docente de la escuela de teatro de Claudio Tolcachir, Timbre 4 y actriz de la obra Tercer Cuerpo, escrita y dirigida por Claudio Tolcachir, que se encuentra en cartel en el teatro Timbre 4 y que se representó en más de 17 países y 30 festivales internacionales.

"El extraordinario incidente del Hombre Flama," de Pablo Palavecino en el teatro Anfitrión de Buenos Aires

¿Un hombre común? Manuel (Pablo Palavecino) ocupa una silla que podría ser de un rey, en medio del escenario. Comienza a grabar algo, su historia, sus sensaciones, su análisis de su papel en un mundo cruel, ajeno, violento, irreal y a la vez real. A partir de una fuerte acidez nace una historia insólita, con personajes magistralmente caracterizados.

“El extraordinario incidente del Hombre Flama” es un espectáculo poco común sobre Manuel, un hombre “común,” que luego de consultar al médico sufre un cambio abrupto en su vida. Suceden extraños hechos, rayando al absurdo pero entendibles como reales por el espectador.

El hombre común termina siendo acosado por los medios; de repente la ciencia y la religión lo ven como una especie de salvador…

En realidad el planteo de Palavecino se parece a un existencialismo absurdo, la búsqueda de Dios, algo más allá, la necesidad que tiene la gente de creer en algo a cualquier precio. Manuel, acusado, buscado, oculto, intenta la mesiánica tarea de salvar el mundo con sus propias manos; es una historia llena de humor seco e irónico sobre un hombre crucificado en vida.  

Aparecen en el cuerpo de Manual extraños fenómenos mezclando lo divino con lo maligno; la esperanza recaerá en quien pueda redescubrir las llamas aminoradas en su interior, que pueda interpretarlas y estallar en flamas sanadoras que pongan sensatez a este mundo opaco y cruel.

Para contar esta historia el actor se desdobla en varios personajes. Son ellos tal vez el eje del espectáculo, ya que cada uno de ellos constituye una creación artística de gran vuelo literario y actoral.

 

“El extraordinario incidente del hombre flama”

JUEVES 21:00 HS.

TEATRO Anfitrión, Venezuela 3340

 
RESERVAS AL 4931.2124

Entrada General: $ 50.-  C/descuento estudiantes: $ 35.-

 www.hombreflama.com.ar

Intérprete:  PABLO PALAVECINO

Escenografía y Vestuario: VANESA ABRAMOVICH

Voces en Off:

MONICA CABRERA, JORGELINA ARUZZI, DAMIAN DREIZIK,

VANESA WEIMBERG, TERESA MURIAS, SEBASTIAN IGLESIAS , RAFAEL LAVIN.

Foto: LEANDRO ALLOCHIS

 Coordinación de Producción: VANINA FABRICA

Asistencia de Dirección: CAROLA KATZ

Dramaturgia y Dirección: GUSTAVO LISTA

 

Pablo Palavecino.

Como muchos intérpretes que están destacándose en la cartelera teatral porteña actual, nació en el interior. Estudió teatro en Rosario, su ciudad natal. Allí se formó con maestros como Oscar Medina y Chiqui González. En los 90 formó parte de unos de los grupos más interesantes de la movida teatral rosarina de entonces, la Agrupación filodramática te quisimos con locura. Con otro destacado actor rosarino que vive y trabaja en Buenos Aires, Pablo Razuk, puso en escena Litófagas, de Aldo El-Jatib, una obra con la que recorrieron el país.

Ya instalado aquí tomó clases con Cristina Moreira, Ricardo Bartis, Luis Romero, Alejandro Catalán, y empezó a transitar un género para el que parece haberse preparado de manera muy tímida: el varieté. Ha participado, entre otras experiencias, en: El 3340 , Las noches del Flan Club , Stand up Argentino y Concha del Río Cabaret . "Ese género me condujo a armar mis propios personajes y a estar solo en el escenario. Hacer una obra completa venía llevándome por el camino del juego con el humor y también con lo oscuro, con el drama", dice el intérprete en estos días, en que está a punto de estrenar un nuevo trabajo. A partir de hoy, en Anfitrión, presentará con dramaturgia y dirección de Gustavo Lista El extraño incidente del hombre flama .

El proceso de creación de este proyecto comenzó hace tres años. Entonces Pablo Palavecino trabajaba junto a Jorgelina Aruzzi y tuvo necesidad de armar su propio unipersonal. "Desde el principio -cuenta- existió un hombre solo, encerrado, perseguido; un hombre común, pero con algo especial, de otro mundo. Necesitaba que alguien escribiera, que contuviera a ese hombre y me conecté con Gustavo Lista. El le dio vida a nuestro hombre flama . Se trata de un ser común que un determinado día ve cambiar su vida a partir de una simple acidez. La ciencia, la religión, y los medios lo acorralan, lo investigan, dicen que es el salvador, el nuevo mesías, lo veneran y lo crucifican. Hacen de él un hombre especial, algo inesperado para el propio personaje."

Palavecino, que actualmente forma parte, también, del elenco de El susto 1813 , la propuesta que dirige Toto Castiñeira, suele tener continuas participaciones en diferentes tiras televisivas ( Los únicos, Los exitosos Pells, La niñera, Lalola ). "Me gusta trabajar en televisión. Es otro lenguaje y como actor me interesa la variedad. En televisión todo es inmediato y efímero. En el teatro podes estar buscando un personaje dos años. El teatro te permite buscar, investigar, jugar y volver a probar. Es el vivo, es ese momento, y no otro, es como subirse a un avión y no poder bajar hasta que la obra termine."

En ese proceso está actualmente y como le gusta, en cada temporada, participar de diversas propuestas, también está ensayando junto a Noralíh Gago, Simplemente Concha , un trabajo que formará parte, en mayo, de la reinauguración del renovado teatro El Picadero

"El almirante:" Se estrenó ayer el habil e incisivo unipersonal sobre Emilio Massera

      En Argentina la palabra “almirante” evoca irremediablemente el nombre del Almirante Emilio Massera, uno de los personajes más nefastos de la historia reciente del país.  ¿Cómo elaborar un espectáculo sobre él sin caer en los más burdos estereotipos?  A ese desafío se lanzó el dramaturgo y director Daniel Kersner y encontró en la actriz Isabel Caban la artista ideal para la tarea.

      El espectáculo “El Almirante,” estrenado el sábado en el Desguace teatro, CABA, modifica la perspectiva esperada, permitiendo al espectador conocer el militar mediante los ojos de su mujer. De este modo el espectáculo logra un alto vuelo creativo, sin caer en los estereotipos.

       En la piel de la mujer de Massera, la actriz Caban habla con naturalidad sobre su vida matrimonial  y mediante los detalles de la relación desnuda los dobleces y la crueldad del poder,  la ambición, el racismo, el odio anti-peronista y la paranoia anti-comunista del almirante, aderezando su monólogo con los más calcados lugares comunes y mitologías de las clases acomodadas.

      La habilidad de la actriz en recrear los detalles de la historia, agrega una fuerte dosis de credibilidad a su personaje, si bien produce muchos momentos de risa. Es que para gran parte del público la mera mención de conceptos del almirante produce una reacción irónica, pero la intención de la protagonista es ser fiel a su personaje y no buscar la risa fácil.

     (¿Quién no se acuerda de la frase de Massera ante el juicio a las Juntas en octubre de 1985? “Me siento responsable pero no me siento culpable, sencillamente porque no soy culpable.”)

“El Almirante”

 Sábados 21hs

El Desguace Teatro

México 3694 (y Colombres)  Boedo

Localidades: $40

Reservas: 3966-8740

http://teatroeldesguace.blogspot.com

http://www.facebook.com/EL DESGUACE

                               Mail:  [e-mail]

Actriz: Isabel Caban

Escenografía y vestuario: Laura Cardoso

Diseño de iluminación: Paula Fraga

Banda sonora:   Lautaro González

Diseño gráfico y fotografía: Ximena Roux

Asesoramiento técnico: Daniel Grilli

Asistente de dirección y operación técnica: Sebastián Bahamonde

Dramaturgia y dirección: Daniel Kersner

________________________

 

"Brick" un espectáculo de Camila Fabbi, un proceso de construcción

“Brick,” ladrillo en inglés, es un personaje de gran peso en este espectáculo atrapante,  romántico, cómico, difícil de encasillar, que se presenta en Garante Espacio Teatral, un reducido ambiente lejos del centro cultural de la Ciudad, un espacio con ladrillos a la vista y un jardín que podría ser el patio de una casa de antigüedades.

Lo que logran muy bien los tres obreros-actores es transformar pequeños detalles en acciones relevantes, pues todas las acciones de los trabajadores de una obra en algún sitio alejado se conjugan para conformar un cuadro teatral elocuente.

Jaime es de los tres el más curtido y experimentado, un hombre bondadoso; Claudio, que se hace llamar Toni, tiene un amor loco por una pared (la besa, la abraza, la mira con ojos de enamorado); Javier, el más joven tiene estallidos de miedos inexplicables. Los tres son hombres sensibles, humanos, unidos por el trabajo, por la pared.

Escrita y dirigida por Camila Fabbi, “Brick” investiga la mirada, la intriga insertada en el cuerpo. El texto es ágil. Plantea los temas de siempre, los celos, el enojo, los temores, los reproches, la exclusión, el mundo masculino.

         Un dato curioso: los tres obreros toman una medicación para la memoria, lo que complica el trabajo de construcción y hace posible desnudar el mundo de cada uno de los varones y sus relaciones entre sí. Fabbri juega con la imagen de la construcción de la pared y los cambiantes roles entre hombres de edades diversas. Los detalles de la historia se entrelazan con el cemento y las herramientas de trabajo.

 Ficha técnico artística

Texto: Camila Fabbri
Actúan: Bruno Campos, Julian Infantino, Mario Sala
Escenografía: Julieta Potenze
Iluminación: Leonardo Daiuto Paladino
Diseño gráfico: Altair Mon
Asistencia de dirección: Ramiro Bailiarini
Prensa: Tehagolaprensa
Dirección: Camila Fabbri

Web: http://www.bricklaobra.com.ar

 

Funciones:

Viernes a las 22 horas

Granate Espacio Teatral

Álvarez Thomas 1529 /33, CABA

Reservas 4551 8068

 

El espectáculo formó parte del evento: Festival Escena 2011

"Que las parió de las patas," espectáculo de juego-danza en la Ciudad Cultural Konex

      En el escenario reposan camisas de varios hombres, telas, asoman por el escenario una mujer, dos, tres…cuatro, bailando con todo el alma, movimientos basados en lo cotidiano que sobrepasan lejos el día a día.

      Intercambian miradas, juegan con las camisas, con las telas, siempre en movimiento, arman juegos, escondidas, van a parir, nacen, crecen, se pierden, se encuentran de nuevo, bailan sus deseos inconscientes, caminan con las manos, sobre los pies, se confunden, es baile, es teatro, es contact, es gimnasia expresiva, es la estética del cuerpo humano experimentando y gozando de las múltiples formas de mover el cuerpo sobre el escenario.

         Termina la función. Aplausos. Gritos. Abrazos.

Que las pario de las patas

Dirección:  Ana Valeria Gonzalez Selligra

Ciudad Cultural Konex, viernes a las 21 horas.

Sarmiento 3131, Capital Federal

Tel: [phone]

Entradas: $40 /$30

Web: http://ciudadculturalkonex.org

Contacto: [e-mail]
Facebook: Grupo Turuleca Danza

http://quelaspariodelaspatas.blogspot.com

"Compañeros de ruta," de Eduardo Calvo, una experiencia escénica única

Desde antaño el teatro ha sido un juego, una especie de espejo juguetón y mágico mediante la cual los seres humanos han podido distraerse de la existencia cotidiana. Con el paso de los siglos el hecho teatral ha ido asumiendo formas más pre-establecidas. En su espectáculo “Compañero de ruta,” el actor argentino Eduardo Calvo parece volver a las raíces, incluso rompiendo la barrera artificial que separa los “artistas” de los espectadores.

La concurrencia no entra en una sala oscura a la espera de observar una acción en el escenario. Calvo aparece y habla directamente, en forma casi familiar a los espectadores, solicitando a asistencia de una persona dispuesta a acompañarlo. Puede ser hombre o mujer pero tendría que asistirlo durante la función.

Es un juego algo peligroso para un actor sin mucha experiencia en el arte de improvisar. Si bien hay un “guión” en la mente de Calvo—trabajado a la perfección y con mucha fluidez de acción y palabra—lo que puede suceder depende mucho de las repuestas que el compañero/a da a las propuestas del actor.

¿Cómo inducir el o la acompañante a responder de acuerdo a las necesidades escénicas y narrativas? ¿Cómo hacer para cuidar al acompañante para que no pase miedo o vergüenza? ¿Cómo hacer para remodelar acciones y actitudes de acuerdo a las características de la acompañante y del público presente en la sala?

Mediante técnicas de improvisación el actor puede explorar personajes y situaciones y puede descubrir aspectos de la trama que nunca hubiera imaginado de haber trabajado exclusivamente con el guión escrito.

El personaje de Calvo es difícil de describir, una mescla de clown, actor, cuenta-cuentista y juglar, un humorista patético. Un ejemplo de su humor:  “El sueño me vence. Voy a ver si lo pago mañana.”

Alrededor del eje central del espectáculo aparecen diversas situaciones que Calvo maneja parodiando la realidad y la historia, incorporando el compañero de marras en un delirio de ocurrencias, un coya, una dama cortesana a punto de morir, un psicodélico de décadas pasadas, un bañista que estudia la letra en la playa de un musical titulado “Evito,” siempre con la asistencia del acompañante.

El público se divierte con las incongruencias de las situaciones y las repuestas, pero el quid está en la expresividad vocal y corporal de Calvo, especialmente la alacridad siempre cambiante de sus ojos.

Dirección: Eduardo Calvo y Pablo Angeli

Funciones: sábados 23hs Centro cultural de la Cooperación - Sala: Osvaldo Pugliese Av. Corrientes 1543 – CABA –

 Informes: 5077-8077  http://www.centrocultural.coop

Localidades: $ 70 (Descuento estudiantes y jubilados: $40)

Idea y libro:   Eduardo Calvo

Vestuario:     Federico Farías

Diseño de Escenografía:  Mariel Basso y Anahí Suray Veiga

Asistencia General:   Anahí Suray Veiga

Asistencia de Escena:  Gustavo Martín Romano

Comunicación visual:   CCC

Selección de Música:   Lisandro Calvo

 

 

 

 

Se estrenó "Eso quiero" de Darío Luchetta, versión innovadora y actualizada de Macbeth de William Shakespeare

       Los conflictos de los seres humanos se reproducen remendados una y otra vez a través de la historia, pero su esencia permanece tan inalterable como el viento en Patagonia. Los artistas, actores, escritores, narradores y demás creadores reelaboran problemas tales como la obsesión por el poder, tema que retrató William Shakespeare con maestría en la tragedia “Macbeth.” El director teatral argentino Darío Luchetta estructuró el espectáculo “Eso quiero” respetando el núcleo del original, ambientando la acción en el presente, en la lucha por el poder dentro de una empresa multinacional, con un sucursal en Buenos Aires.

       No está mal la idea. Cabe recordar que cuando Shakespeare escribió la obra hace 400 años recién estaba por nacer el capitalismo, no existían empresas multinacionales, pero el colonialismo expandía su garra por todo el mundo.

       De acuerdo a los procedimientos actuales, un team de la empresa (para mayor ironía, de capitales británicos) se encuentra reunido a la espera de la llegada de Macu (Macbeth, en la versión de Luchetta, una mujer), luego de efectuar una importante negociación junto con Banchi. Teléfonos celulares abundan, las brujas vaticinan sutilmente que Macu puede tomar el poder pero debe desconfiar de un profesor de historia, el único hombre en condiciones de bloquear su marcha triunfal al poder.

      Curiosa forma moderna de subvertir el poder: el acoso sexual. Lady provoca sexualmente al capo de la empresa, Duncan, de ese modo debilitando su papel en la empresa. Pero el contra-ataque no tardará mucho en llegar: estalla una lucha sórdida, sin cuartel. Finalmente las ambiciones de Macu quedan neutralizadas. A la espera, clara, de una repetición ad infinitum de luchas e intrigas, pues el poder funciona como un embudo para los seres humanos. En las palabras de Shakespeare:

“La vida es un cuento contado por un idiota, con mucho alboroto, con mucha furia, que no significa nada…”

     Muchos de los textos son originales de Shakespeare, como los monólogos. Precisamente son tal vez los discursos originales los más elaborados. Falta un poco de engranaje en las acciones escénicas para que el espectáculo tenga un brillo propio, pero ciertamente con dos o tres funciones más se logrará acoplar las piezas de una obra muy compleja que exige una dosis grande de entrega actoral. Cabe agregar que hay momentos muy bellos, un estilo de actuación que pone el acento en la capacidad expresiva del cuepo. La lucha por el poder en una empresa multinacional, planteado por el director, induce el espectador a salir de la sala meditando la actual crisis financiera, la actual lucha por el poder...  

Actores por orden alfabético: 

Verónica Alvarenga - Eduardo Arias - Juancho Ferrería - Laura Ledesma - 

Paola Muratorio - Grillo Oviedo - Evelia Romano - Alejandro Schijman - Mariví Yanno.

Música original: Miguel Gomiz

Violonchelo: Miguel Gomiz - Barítono: Alejandro Schijman

Asesoramiento coreográfico: Lara D’Anna.

Vestuario: Mona Estecho

Escenografía: Coop. "De la hostia"

Diseño de luces: Fernado Díaz

Fotografía y diseño: Paula Aiello

 Asistencia de dirección: Beatriz Del Giovaninno

Adaptación y Dirección general: Darío Luchetta

 Funciones:

Todos los viernes 20:30 hs. De abril-mayo-junio

 Teatro La Mueca

Avda. Córdoba 5300

Capital Federal

Reservas al tel- 4777-0825  

 [e-mail]

http://www.lamueca.com.ar

En facebook : grupo abierto :Eso quiero-Versión libre de Macbeth de William Shakespeare.

"Ostras frescas," un espectáculo impecable de Luis Cano dirigido por Dora Milea

      Frente a una enorme imagen del cielo celeste, matizado con nubes blancas, dos hombres vestidos casi impecablemente, personajes de características similares y a la vez discordantes, esperan en un banco, en silencio, cada uno profundamente metido en su mundo interior.

      Finalmente rompe el silencio Bujarín: “No tenía qué ponerme. El mismo traje usé para mi casamiento. Es el que tengo. Pero me queda apretado. Estaba más delgado que ahora. Uno engorda cuando se casa. No estoy de acuerdo. Pero no tengo otro traje.”

     Hay muchas formas de contar historias, hay muchas formas de hacer teatro, muchas formas de comunicar ideas y sentimientos, muchas maneras de abordar la vida. Luis Cano tiene una manera muy propia de contar historias; la directora Dora Milea una manera muy propia de montar historias  en los escenarios.

     Los dos han encontrado en “Ostras frescas” un espacio común de verter sus sensibilidades artísticas de una manera única. El resultado es un espectáculo, denso pero visualmente sugestivo, de estilo cercano al absurdo: los silencios se convierten en huellas, las miradas sugieren un lenguaje codificado, los ademanes puntos de referencia y  los cambios de ritmo en palpitaciones dramáticas.

     ¿Qué esperan los dos señores? ¿El féretro de un escritor? ¿Un general? En realidad, no importa tanto el motivo de la espera. La directora explica:

     "Quizás el arte esté en la búsqueda de encontrar un sentido a esa espera. Ese sentido que cada uno intenta rellenar con más o menos gracia, con más o menos profundidad, con más o menos creatividad. Rellenar, más o menos, como podemos.”

     Agrega el dramaturgo Luis Cano: "Estoy convencido de que la gracia en las obras de teatro nos hace llegar al amor.”

     No son vagabundos, como en el caso de “Esperando Godot” de Samuel Beckett. Son hombres “comunes.” Hablan de la muerte, de sus vidas, del teatro:

     Maklakov: “El teatro tiene un efecto sobre las personas. Yo estoy muy a favor del teatro, en general. ¿Conoce la obra de Moseievsky?

     Con ojo de dramaturgo Luis Cano advirtió un relato de Máximo Gorki sobre una reducida muchedumbre que esperaba en una estación la llegada del féretro del general Killer, cuando en realidad el cajón correspondía al gran escritor Antón Chéjov.   

Funciones:

Sábados 19 horas, Teatro Patio de Actores, Lerma 568

 Entradas: $60 / $40 desc a jubilados y estudiantes

 Reservas al 4772-9732 [e-mail]

La sala cuenta con el apoyo de Instituto Nacional del Teatro, PROTEATRO y el Fondo Nacional de las Artes.

Dirección:    Dora Milea

Actúan: Maklakov: Ariel Osiris y Bujarín: Dante Iemma

Voz en off: Osmar Núñez Asesoramiento en escenografía y vestuario: Alejandro Mateo

Asesoramiento en iluminación: Leandra Rodríguez

Realización de escenografía: Nadia Dotta / Dante Iemma

Diseño de luces: Dora Milea

Música original: Alejandro Catarino

Fotografía: Ostras Frescas

Diseño gráfico: Luciano Crispi

Prensa y difusión: Laura Castillo

Asistencia de producción y dirección: Andrea Giglio

Prensa:   http://castillomarques.com.ar  tel. [phone]

"Guardapolvos," de Tamara Kiper en el teatro Timbre 4

El espectador entra en el escenario por un armario lleno de vestuarios, cruza el espacio delante de una cama y se acomoda en su butaca. En el aire hay algo de misterio, como sucede cuando un extraño abre la puerta y se convierte en testigo de una escena íntima. Tamara Kiper, autora y directora de “Guardapolvos” explica:

 “Guardapolvos” narra los vínculos de una familia atravesada por una ausencia y por una necesidad latente de hacer presente el pasado para seguir adelante.” Se trata de una investigación autobiográfica sobre la desaparición forzada de su padre durante la última dictadura militar argentina, una ficción realizada sobre una dura realidad.

 Todos los personajes son mujeres—una madre y sus hijas, tres tías, cuatro hermanas, atravesadas por la desaparición del marido, el padre, el sobrino. Una situación que muchas familias tuvieron que sufrir durante los oscuros años de la dictadura, durante la cual alrededor de 30.000 personas fueron desaparecidas.

 ¿Cómo hacen los demás miembros de una familia cuando uno de ellos es desaparecido, cuando de la noche a la mañana se convierte en una sombra? ¿Cómo seguir la vida, cómo encontrar las repuestas, cómo hacer?

 La obra no tiene un argumento lineal, es más bien una especie de rompecabezas que salta desde la infancia a la adultez, expone los temores, los silencios, la paranoia. En una escena muy lograda la época es reflejada en la búsqueda de datos, algún papel, y termina con una lluvia de papeles tirados de pura bronca, de marcada paranoia, sobre el escenario.

 Kiper dramatiza el secuestro y desaparición de su propio padre, Luis Saúl Kiper. Pero lo hace a partir de experiencia teatral. Guardapolvos” es un viaje a la intimidad, dice Kiper.  “A una intimidad tan profunda y sensible que nos atraviesa amorosamente el alma. Es imposible no sentirse hijo, padre, hermano de esa ausencia. Una obra de teatro que es una experiencia total de los sentidos, llena de señales tan sutiles que nos pertenecen a todos. Un corazón que se abre y se expande en muchos corazones, en tantos como espectadores que la viven.

“Ficha artística-técnica

Dramaturgia y dirección: Tamara Kiper

Actúan: Alejandra Carpineti, Gabriela Irueta, Nadia Marchione, Vanina Montes, Julia Montiliengo, Soledad Sauthier

Escenografía: Tamara Kiper

Diseño de luces: Ricardo Sica

Asistencia de dirección: Fabricio Mercado Producción ejecutiva: Fabio Petrucci Colaboración artística: Macarena Trigo

Comunicación: Mariana Mazover

Prensa: Marisol Cambre

Lunes a las 21 Hs. Teatro Timbre 4 | México 3554 | Tel. [phone] Reservas: www.alternativateatral.com

Localidades $ 40| Descuento para estudiantes y jubilados

Más info: www.guardapolvos.wordpress.com | En Facebook: Guardapolvos de Tamara Kiper

[e-mail]

www.marisolcambre.com.ar

"Bonjour resác," un espectáculo de Loïc Lombard en el teatro Moulin Bleu de Buenos Aires

“Bonjour resác” es un espectáculo al viejo estilo café concert, estrenado en un teatro porteño especializado en shows del mismo género, una historia moderna sobre amores cruzados, sexualidades atiborradas, una historia francesa resucitada en Buenos Aires por un elenco de actores de nivel superlativo.

Con más de 450 funciones en París, la versión en español de Loïc Lombard estrenado en el teatro Moulin Bleu el 7 de abril, rescata el aspecto Vaudeville y agrega un montaje muy ágil, vestuario colorido, musicalización de época y una dosis grande de humor irónico.

Benito Chevrier es un muchacho gay a punto de festejar su trigésimo cumpleaños. Su hermana, María, le hace llegar una lista de “objetivos” que él mismo habrá redactado de muy joven, metas que se ha propuesto cumplir justamente antes de los 30 años de edad. Claro, el tiempo tiende a meter mano con las promesas de la juventud.

De allí el asunto es una historia de enredos, equívocos, confusiones amorosos y sexuales de todo tipo y en la elaboración de la historia participan la mejor amiga de Benito, Wanda, a y un ex novio de María y pretendiente de Benito en su juventud, Rafael.

Lombard y Claudio Martini hicieron la traducción y adaptación al castellano de la obra francesa “Bonjour ivresse” escrita e interpretada por Franck Le Hen.

Más allá de la historia ultra-moderna y algo banal de la obra, el espectáculo es muy atractivo debido a la entrega y expresividad corporal de los actores, la gran sincronización en las acciones y en el notable llegado de los artistas al público.

Es un espectáculo para adultos. No se entiende el criterio de la boletería de permitir la entrada de una niña de no más de diez años en el estreno.  

 

Funciones:  

Sábados a las 21 horas en el Teatro Moulin Bleu.

Rodriguez Peña 411 (Esquina Corrientes)

Localidades : $60 (Descuento estud. y Jub. $50)

Reservas: 4371-8672

http://www.lemoulinbleu.com.ar

 

Elenco : Gerardo Blain, Lola Montiel, Hervé Segata, Stella Moris Taborda.

 

Adaptación: LOÏC LOMBARD y CLAUDIO MARTINI

Producción General: LOÏC LOMBARD

Música original: CLAUDIO MARTINI

Escenografía: LAURA SÁNCHEZ

Maquillaje: SEBASTIÁN ESTRADA

Fotografía: CÉSAR MANSILLA SIALER

Diseño Gráfico: CLAUDIO MARTINI

"Mundo Costrini," espectáculo del clown Sebástián Guz, cuatro funciones únicas

Todas las mesas están ocupadas en la amplia sala del Teatro del Viejo Mercado, las mozas y mozos corriendo alegremente tomando pedidos, las bandejas alzadas por arriba de las cabezas de los espectadores, el cuchicheo es animoso y  constante a la espera del estreno del espectáculo “Mundo Costrini” del clown sutil, refinado y atrevido Sebastián Guz.

Su mundo es una mescla de situaciones absurdas, provocativas; ensalzadas con un delicado humor, sin herir, sin agredir, una receta de ironía reflexiva, destreza física, delirio fino, en realidad un mundo no tan distinto del mundo que todos conocemos; será la perspectiva la que convierte el mundo de Guz en algo raro, es decir, la capacidad del artista de partir de lo mundano y llevar el espectador a una especie de introspección transcendental.

Concentra en su cuerpo una bola de energía perfectamente manejada: la precisión de sus movimientos en concordancia con efectos sonoros y lumínicos muy acertados, produce una estética muy particular y muy lograda que gana la simpatía del espectador.

El espectáculo no se limita al escenario. El artista busca la participación de espectadores y de ese modo logra de alguna manera desmitificar el mito que pone una cortina invisible entre artista y espectador.

El idioma universal del clown introspectivo, en el cuerpo del artista meticulosamente entrenado le ha dado reconocimiento universal, pues Guz ha sido premiado en varios festivales alrededor del mundo.  

4 Funciones: sábados 23:30 horas

Teatro del Viejo Mercado, Lavalle 3177, Ciudad de Buenos Aires

31 de marzo al sábado 21 de abril

Reservas: http://www.tuentrada.com

Más información: http://www.mundocostrini.com

Facebook: Mundo Costrini

Ficha artística-técnica:

De y con: Sebastián Guz

Dirección: Romina Krause y Sebastián Guz

Diseño de luces: Juana G.

Vestuario: minaclown.com

Escenografía: Cía. mundocostrini.com

Producción: Cía. mundocostrini.com

Prensa: Marisol Cambre

Sobre Sebastián Guz:

Sebastián Guz  se crió y se formó en Madrid y las Islas Baleares, donde se interesó por el mundo del circo. A su regreso a la Argentina estudió circo en la Escuela de Circo Criollo y tomó cursos de clown y comedia. En 1994 presenta su primer espectáculo entorno al circo y el humor. En 1996 es co-fundador del Circo Xiclo, la primera agrupación de circo callejero argentina que logró llevar su propio espectáculo a una tradicional carpa, y fue ampliamente reconocido en sus giras europeas en años posteriores.

 

En el año 2003, nuevamente afincado en Europa, crea la Cía. Mundo Costrini y su unipersonal Costrini, recorriendo  más de 27 países. Hasta la fecha lleva recorrido más de 800 festivales de Teatro de Calle. Mundo Costrini se han presentado en: Japón, China, Corea, Emiratos árabes, Djibuti, Francia, Escocia, Holanda, Polonia, Alemania, Bélgica, Suiza, Italia, Portugal, España, Honduras, Nicaragua, Costa Rica, Guatemala, México, Bolivia, Uruguay, Brasil, Chile, entre otros.  Actualmente también imparte talleres y workshops en España, Francia, Italia, México y Costa Rica.

 

Los siguientes festivales han premiado la originalidad, fuerza y comicidad del Mundo Costrini:

Primer premio World Cup Daidogei en Shizuoka - Japón

Primer premio Festival Internacional de Valladolid - España

Primer premio Festival Internacional Festiclown de Galicia – España

Primer premio Festival Internacional de Circo de Santa Cruz – Bolivia

 

"Cartas de amor en papel azul," de Arnold Wesker en el teatro Andamio 90 de Buenos Aires

Víctor tose, se mueve incómodo en la cama, intenta escribir algo, aparece su amigo del alma y le confía la noticia: está muriendo. “seis meses, nueves meses, un año…no están seguros pero pronto…” Pero por favor no diga nada a mi mujer. La cara de Mauricio parece  no querer entender lo que acaba de escuchar pero finalmente registra el dato, promete acompañar a Víctor y ayudarlo a cumplir el deseo de su vida: escribir una “modesta historia del arte.” En realidad, será testigo de las cartas de amor que le escribirá su mujer, Sonia.

“Cartas de amor en papel azul,” de Sir Arnold Wesker, realista, investigador de la vida de la clase media inglesa, del sindicalismo, de la crisis del creador ante la pérdida de su capacidad poética, autor de más de 40 obras teatrales, atrapa al plantear un dilema común a todo ser humano: la evaluación de la vida en el momento de enfrentar la desaparición física. Es un espectáculo sobre la muerte que habla de la vida, del amor, de la familia, por lo que pudimos o no hacer en la vida.

Hace tiempo Sonia escribe cartas a su marido, sin comienzo y sin fin, en las cuales expresa el amor que no pudo manifestar en su presencia. El contenido de las cartas adquiere cada más emoción mientras la muerte de Víctor se acerca. En una de ellas dice: “¿Y nuestras peleas? Primero discutimos sobre nuestro primer jardín: sus dimensiones, qué plantar, hacía qué dirección debería apuntar el jardín. Para vos el sol salía en un punto y yo sabía perfectamente bien que salía desde otro punto. Te equivocaste, claro. No sabés cuán importante era para mí saber que yo tenía la razón….”

Otra carta interpreta lo que Sonia consideraba odio en los ojos de Mauricio, pero a pesar de todos los contratiempos, similar a los de todas las parejas, ella mantiene fiel a su profundo y generoso amor hasta el fin.

Si bien el texto tiene la poesía de un gran dramaturgo, a nuestro entender la puesta en escena adolece una falta de organicidad en los movimientos escénicos y en la articulación de los textos, pero es nuestra percepción subjetiva; el espectáculo es sin duda  muy atractivo y conmovedor—especialmente para personas mayores.  

Funciones:

Sábados 20 horas en el teatro Andamio ’90, Paraná 660.

Reservas: 4373 5670. Entradas: $50 pesos, estudiantes/jubilados $30.

Web:  http://www.andamio90.org

Elenco:

Noelia Bertinat, Luis Sifuentes, Alberto Casal y Augusto Ceresole.

Dirección:

Paula Ettedgui.

Asistente de dirección: Constanza Lundborg.

Dirección de arte: Florencia González

Deseño de escenografía: Paula Ettedgui y Florencia González

Traducción: Paula Ettedgui

 

Sir Arnold Wesker 

Sir Arnold Wesker (nacido Stepney 24 de mayo de 1932) es un prolífico dramaturgo británico conocido por sus contribuciones al fregadero de la cocina drama. Es autor de 42 obras de teatro, 4 volúmenes de historias cortas, 2 volúmenes de ensayos, un libro sobre el periodismo, un libro para niños, amplia el periodismo, la poesía y todo tipo de escritos. Sus obras han sido traducidas a 17 idiomas y se lleva a cabo en todo el mundo. Vida

Nacido en Londres, sus primeras obras Raíces, La Cocina, y su propia ciudad y de Oro fueron organizadas por la Empresa Etapa Inglés en el Royal Court Theatre bajo la dirección de George Devine y más tarde William Gaskill. Su inspiración para la cocina se produjo cuando estaba trabajando en The Bell Hotel en Norwich. Fue mientras trabajaba aquí que él también conoció a su futura esposa Polvorientos. Las raíces también se establece en Norfolk.

Fundó el teatro Roundhouse de la primera, denominada Centro 42, en 1964.
En 2005 publicó su primera novela, la miel, que relató las experiencias de Beatie Bryant, la heroína de su juego anterior raíces. La novela fue notable por su cronología de las divergencias. Raíces se estableció a principios de los años sesenta y Beatie es de 22, en la miel tiene sólo de 3 años sin embargo, la acción ha sido trasplantado en el decenio de 1980. Otras curiosidades es que el plazo incluye el asunto Rushdie y John Major como la caída de los últimos acontecimientos y, sin embargo, la acción se refiere a la dotcom boom.

Fue nombrado caballero en 2006 el Año Nuevo Galardones lista. Fue el náufrago en la isla desierta de discos, BBC Radio 4 el domingo 17 de diciembre de 2006.
Arnold Wesker en 2008 publicó su primera colección de poesía, todas las cosas de neumáticos de ellos mismos (Flambard Press). La colección se remonta a muchos años y representa lo que él considera sus mejores y más característicos poemas.

Política
Muchas de las obras Wesker había temas políticos subyacentes, Wesker y el mismo fue abierto sobre su admiración de la clase obrera lado de la clase ’lucha’.
Wesker se sumaron con entusiasmo a la Corte Real en el grupo de Aldermaston marzo en 1959. Otro de los contingentes de la Corte Real, Lindsay Anderson, hizo un documental sobre la marcha.

"La señorita Julia," en una puesta impactante de Gabriel Molinelli

1888, Suecia. La clase dominante es testigo de los estertores que acompañan su ocaso. August Strindberg, escritor maldito e iconoclasta, expresa en la pieza dramática “La señorita Julia” su amargura hacia una sociedad dividida en  clases que luchan por revisar su papel social con la nobleza; una sociedad que comienza a vislumbrar un rol cada vez más destacada para la mujer.  

Es la noche de San Juan, con sus pasiones y libertades enardecidas. La joven Julia, hija neurótica de un conde, provoca un encuentro sexual con el criado Juan. ¿O es al revés?

Es conocido el concepto negativo que tiene Strindberg sobre el mundo femenino, especialmente sobre la mujer nueva, más ambiciosa, literaria, que busca su propio destino. ¿Sería por los tres matrimonios desafortunados del dramaturgo? Sin embargo el texto de “La señorita Julia” es justo y preciso con cada uno de los protagonistas.

A Julia poco importa las conductas que la sociedad impone a las personas que ocupan diferentes nichos sociales. Quiere ser dueña de su destino, satisfacer sus deseos a su manera. Decide ir a bailar a la fiesta de los criados. Juan, criado obediente pero a la vez muy ambicioso, intenta resistir la actitud provocativa de Julia, no corresponde a su condición social, piensa, pero al final no deja pasar la oportunidad de tener una relación íntima con ella.

¿Ahora qué hacer? La relación se hace pública. ¿Huir? ¿A dónde? ¿Cómo? ¿El suicidio? ¿Es una trampa? ¿Puede un criado de origen humilde encarar una relación con una mujer de la alta sociedad? ¿Lo que sucede entre los dos es amor, pasión sexual o…? ¿En una sociedad con tantos prejuicios puede tener éxito una relación entre un criado y la hija de un conde?  ¿Cuáles son las ventajas y desventajas de la relación?

La solución no está a la vista pero discutirla convierte la pieza en una obra de mucha profundidad, en una joya de acción dramática. Strindberg juega a los límites del realismo y de ese modo obliga al espectador a reflexionar sobre la situación social y la relación hombre-mujer.

Más allá de la historia inventada por el autor, la puesta en el teatro La Tertulia de Gabriel Molinelli cuenta a su favor con tres actores de oficio que componen personajes  muy creíbles: seres atrapados en una travesía sin salida que luchan por encontrar su propia identidad. El despliegue de energía escénica, el empleo de acciones y gestos precisas y la organicidad con la cual los actores trabajan los textos convierte el espectáculo en un fiel reflejo de las intenciones del autor.  

Por eso el espectador sale de la sala reflexionando sobre las relaciones entre hombres y mujeres y los prejuicios sociales que aún hoy nos condicionan; también sobre la magia del arte teatral.

 

Ficha técnico artística

Autoría: August Strindberg
Versión: Gabriel Molinelli
Actúan: Graciela Bonomi, Augusto Britez, Laura Sardin
Vestuario: Cristina Tavano
Escenografía: Jorge Leyba
Peinados: Silvia Zavaglia
Maquillaje: Silvia Zavaglia
Diseño de luces: Jorge Leyba
Música original: Marcelo Ferreyra
Fotografía: Ana Laura Devanna, Mariana Varela
Diseño gráfico: Dante Rodríguez
Asistencia de dirección: Cristian Albornos
Prensa: Laura Castillo
Dirección: Gabriel Molinelli

LA TERTULIA
Gallo 826 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 6327-0303
Web: http://www.latertulia.on.to / [e-mail]

Entrada: $ 50,00 - Domingo - 21:00 hs - Hasta el 13/05/2012

 

 

 

"Camille Claudel, la escultora hembra," espectáculo sobre la lucha de la mujer por su identidad artística

Ni ahora, ni hace 200 años: una mujer creativa, apasionada por el arte, tiene que luchar por su propia forma expresiva y a la vez contra los prejuicios de una sociedad dominada por valores masculinos. De eso se trata el espectáculo “Camille Claudel, la escultora hembra,” de Carlos Repolla.

Dice el director: “Camille encarna, a semejanza de Van Gogh, el paradigma de la artista maldita, así como la mujer deshonrada y engañada, la hermana suplantada por el hermano, la hija odiada por su madre, la loca genial. “

El espectáculo sobre la fascinante vida de Camille se centra en el estudio de ella, en París, en primavera del 1905. A pesar del fuerte rechazo de su familia, Camille vuelca su vida a la escultura, trabaja con Auguste Rodin, se convierte en su compañera y amante, la relación se rompe...a pesar de su enorme talento ella se queda cada vez más sola y con la muerte de su hermano, Paul Claudel, los familiares la internan en un sanatorio para dementes—por el resto de su vida.

Vale la pena rescatar especialmente la actuación de Bábara Strauss, que dibuja un Camille cálido y creíble.

LIBERARTE
Av.Corrientes 1555 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4375-2341
Web: http://www.liberarteteatro.com.ar
Entrada: $ 50,00 - Jueves - 21:30 hs - Hasta el 29/03/2012

Funciones:                     Jueves 20:30 horas

Ficha técnico artística

Dramaturgia: CarlosRapolla

Actúan:

Julio Chiorazo, Mónica Fuino, Rolo Sosiuk, Barbara Strauss

Realización de vestuario: Celina Arteaga

Edición de video: Lucrecia Heredia Fuino

Música original: Agniezka Zanowska

Fotografía: Zek Ramgian

Asesoramiento estético: Irene Villagra

“INSTINTOHUMANO,” Teatro Performatico e interactivo en la Manzana de las Luces

     Las paredes coloniales de la Manzana de las Luces suspiran historias ocultas, de ellas rebotan gritos desesperados, llantos, insultos, plegarias, suspiros; entretanto, en el patio esperaron ayer cautivados cuatro docenas de espectadores, atraídos por el nombre evocativo y tal vez provocativo del espectáculo estrenado por el Grupo Euphoria, “INSTINTOHUMANO.”

     La historia humana nos envuelve constantemente, es nuestra memoria colectiva, nuestro sueño o bien una pesada pesadilla que nos inmoviliza. Plantear representarla sintética y teatralmente en una hora con diez actores parece a primera vista un desafío tan enorme como imposible. Pero es lo que propone el Grupo Euphoria con la muy acertada dirección de Pablo Goldberg y Alma Farinelli.

    --En vez de poner los actores en un escenario, con los espectadores cómodamente sentados en sus butacas, los protagonistas actúan entre los concurrentes que participan de los hechos de pie, conducidos a ocupar los espacios más idóneos según las exigencias de cada situación.

     --De este modo todo el espacio vibra de emoción y tensión y el espectador participa en las acciones según su propio grado de compromiso: se reparte a los participantes pan y vino (¿vino?) en la escena sobre el catolicismo; y al final, con el triunfo de la revolución francesa toda la sala salta y grita de alegría y de libertad.

      --Vale la pena señalar que la mirada está puesta en la historia occidental, y en los hechos más pavorosos: la violencia, esclavitud, la inquisición, la represión. De ese modo presenta una visión trágica e irónica de nuestro pasado, dialécticamente saborizado con los gritos de libertad.

       --El espectador contempla peleas a muerte ejecutadas con un asombroso realismo; gritos conmovedores, gladiadores batiendo con espada y escudo,  orgías, venta de esclavas sexuales, torturas, abusos y represiones de todo índole a servicio del poder de paso.

         --Es imposible salir del espectáculo sin efectuar una exploración mental sobre el ser humano, nuestro pasado, nuestra identidad como homo sapiens, hacia dónde apunta nuestro futuro, el instinto humano.

Funciones:

Sábados a las 22:30 horas en la sala Mariano Moreno de la Manzana de las Luces, CBA. Entradas: $40 pesos, $25 estudiantes.

 Elenco:

Florencia Castro, Fabián Vilte, Brenda Peluffo, Lucila Chedufau, Laureano Ferro, Hernan Spiousas, Francisco Jalil, Tatiana Cirese, Nerea del Rio y Santiago Cisnero.

  Ficha técnica:

 Idea Original, Coreografía, Directora General: Alma Farinelli;

Dramaturgia, Dirección General y Puesta en Escena: Pablo Goldberg;

Asistente de Dirección/Producción: Florencia Castro;

Producción Ejecutiva: Alma Farinelli;

Coreografa: MarianaSuppicich;

Coordinación de Violencia: Fernanda Sancineto Sayus;

Percusión: Damian Janza;

Música: Carlos Ledrag;

Vestuario: Ana Paula Fernandez y AlejandraCollia;

Fotos: Agustin Mendaña y Wendy Niklewicz; Herrería: Fabian Vilte

  Pablo Goldberg:

De chico y hasta la adolescencia estudió mimo, danza, teatro clásico e improvisación. Cursó la Lic. En Actuación en elIUNA, Interpretó numerosas obras para chicos en colegios y teatros céntricos. Formo Parte del G.T.D.I. Los Semilla realizando teatro callejero en los Subtes de la Capital Actualmente Forma parte de la compañía de teatro físico de Yamil Ostrovsky y da clases de corporal en la escuela de teatro de Néstor Romero y Teresa Calero (EFA)

 

AlmaFarinelli:

Desde los 4 años unida a la danza, desde los 18años interpretando y dando vida a coreografías originales. Estudio danza jazz yhip hop, disciplinas de las que actualmente dicta clases. Directora de “Tributo a Madonna” que durante 3 años estuvo en Cartelera sobre Avenida Corrientes, creadora de “Divas del Pop”,” Retrovisión”, y “Crónicas de Seol” que permaneció dos temporadas en la antigua sala Arlequines. Realiza Eventos Sociales y Empresariales para pequeñas y grandes empresas con temáticas originales y multidisciplinarias. Obra: Instinto Humano

 Contacto:

 [e-mail]

 Sitios:http://comunicarteprensa.blogspot.com/www.wix.com/almafarinelli/instintohumano http://www.manzanadelasluces.org.ar/teatro.php

 

"Nexus y Shaktí," espectáculo corporal deslumbrante de Adriana Bruer en el Teatro del Sur de Buenos Aires

En la India antigua el cuerpo de las bailarinas conformaba el escenario: de sus pies, brazos, dedos, ojos y labios brotaban la expresividad indispensable para relatar leyendas, poesías, historias y consejos espirituales. En el espectáculo “Nexus y Shaktí” de Adriana Bruer, montado por el DeRose ArtCompañía en el Teatro del Sur de Buenos Aires, el guión está insertado en los cuerpos de los bailarines.

“Mi intención, tanto con estas dos obras como en cualquier otro trabajo que realizamos con la compañía, es llegar al espectador, embelesarlo y llenarlo de sensaciones nuevas a partir de lo que verá,” dice Bruer.

El resultado es a la vez impresionante y de una gran belleza estética: intérpretes que, con una sana sonrisa en los labios, sostienen el peso de su propio cuerpo apoyados exclusivamente sobre las puntas de los dedos, las piernas y brazos abrazados al aire; mediante acciones que exigen un equilibrio asombroso, que presentan el cuerpo humano como especie de pluma artística, la sala se llena de una energía sana, alegre y vital.

Explica Bruer: “No nos quedamos únicamente en el ‘virtuosismo,’ sino que además hay una energía latente, una fuerza que se percibe y que tiene que ver con un trasfondo filosófico que, unido a lo artístico, da por resultado una expresión original.”

Shaktí es la energía primordial y constante que origina el Universo, visible ó invisible; es la creatividad, es la Madre Universal. Durante la duración del espectáculo los intérpretes permanecen en escena constituyendo una red indivisible, como si todos fuesen un único cuerpo. Cada integrante se vincula con los demás, entrelazando y moldeando esculturas vivientes, a través de un ritmo suave que transita entre pausa y pausa, como el ir y venir de la respiración.

En Nexus mediante impactantes trabajos corporales se propone cuadros constantemente diferentes en los cuales predominan los colores vivos, la música, variadas perspectivas que van generando un clima fragmentado y a la vez único; unido por un hilo conductor guardián, los cuerpos tejen encuentros múltiples, proximidades, vínculos íntimos, entrelazan los conocimientos.

Si bien varios de los miembros del elenco trabajan artísticamente, el deseo de todos es explorar el autoconocimiento, llegar a ser personas más libres y felices, según los conceptos de DeRose ArtCompany, fundada a fines de 2007, que da la base para el entrenamiento del grupo. Año tras año se viene trabajando en la creación de obras y en la investigación de un lenguaje coreográfico enteramente novedoso, de gran despliegue técnico, destreza física, movimientos que exploran la sensorialidad y desafían las leyes de gravedad, inspirándose en formas ancestrales y técnicas milenarias, combinadas con tecnológicos actuales.

Funciones: Sábados a las 21:30 horas

TEATRO DEL SUR: Venezuela 2255, Capital Federal, Argentina.

Teléfonos: 4941 1951

Web: http://teatrodelsur.blogspot.com  

http://www.DeRoseArtCompany.com

http://www.MetodoDeRose.org

 

Entradas: $60. Funciones hasta el 31/03/2012

Ficha artística:

Ideay dirección:  Adriana Bruer

Intérpretes: Yael Barcessat, Sebastián Carvall, Mariela Dossena, Pablo Férnandez, Lucía López, Lucio Martínez, Denise Nenezian, Celeste Saráchaga, Mariano Tejido.

Música original: Horacio Gómez en Shaktí, Rado Valente en Nexus

Diseño de vestuario: Gianna Guerrante en Shaktí, DeRose ArtCompany en Nexus

Diseño de iluminación: Guillermo Tello.

DeRose ArtCompany

Estrena en el 2008 su ópera prima Padma, una obra cautivante por la belleza y la calidad de sus movimientos. Diez artistas en escena, imágenes, textos en off y música definen la atmósfera de este espectáculo. Durante el 2009 realiza varias funciones en el Teatro del Sur de Buenos Aires y es invitada a participar del lanzamiento de la nueva colección de indumentaria de OSX. Es convocada a participar de festivales en Buenos Aires y Florianópolis. A fines de ese año estrena su segunda obra, Shaktí, en el Teatro del Globo de la Ciudad de Buenos Aires. En el 2010 se presenta en el Teatro de la Asociación Cultural Armenia, y nuevamente en el Teatro del Globo.En febrero del 2011 actúan en el City Hall de São Paulo y durante mayo y junio hacen varias presentaciones en el Teatro del Sur de Buenos Aires. En setiembre del mismo año, pone en escena su nuevo trabajo Nexus, en el Teatro Margarita Xirgu.

El Método DeRose desenvuelve alta performance profesional y deportiva. Es una propuesta de buena calidad de vida, buenas maneras, buenas relaciones humanas, buena cultura, buena alimentación y buena forma. Algunas de nuestras herramientas son la reeducación respiratoria, la administración del estrés, las técnicas orgánicas que mejoran el tono muscular y la flexibilidad, procedimientos para perfeccionar la descontracción y la concentración mental. Todo eso, en última instancia, con miras a la expansión de la lucidez y al autoconocimiento.