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Espectáculos (Shows)

"Quizás," última función este viernes de un profundo divertimento sobre el amor

"Quizás," última función este viernes de un profundo divertimento sobre el  amor

Qué puede suceder  cuando dos extraños, un hombre  y una mujer, se encuentran en un basural sin saber si el otro es realmente la persona que busca? El delicioso espectáculo “Quizás” intenta responder a esa pregunta. Si Usted quiere saber cómo se resuelve el asunto la cita es este viernes cuando a las 21 horas se realiza la última función de la obra en el Teatro El Tadron, en Buenos Aires.

     “Quizás” fue seleccionada para participar en el Festival del Amor que organizó el Centro Cultural de la Cooperación, y Proyecto 34°s la consideró como una de las diez mejores obras nacionales, siendo por eso invitada a participar en distintos festivales europeos (en España e Italia) para la segunda mitad de 2011.

    Es curioso y acertado la elección del espacio: un basural. Es una especie de metáfora, pues el hombre y la mujer son seres extremadamente frágiles, confundidos, que buscan el otro, quieren enamorarse pero algo hace que esa búsqueda sea como encontrar la salida de un laberinto…o de un basural.

      Sol Pavéz, dramaturga, directora y protagonista, presenta una visión muy propia del arte teatral, yendo desde lo absurdo a la emoción más profunda, empleando un lenguaje corporal único y muy ajustado al relato escénico. En efecto el espectáculo se deja ver incluso sin escuchar o entender el texto; el guión divierte al espectador y lo sorprende y lo mantiene atento a un asunto a la vez simple, complejo y enigmático.

      El cambio de perspectiva que supone la estética absurda, permite mantener gran frescura en las idas y venidas de los personajes que buscan desesperadamente completarse a través del vínculo con el otro; es un intento de hablar sobre el amor desde otro lugar, abarcando incluso sus formas crueles, la imposibilidad de ver el otro tal como es, el impulso de buscarlo de todas formas, a pesar de todo, a pesar de esos momentos en los que el deseo de amar o de matar pueden confundirse.

     El espectador sale de la sala con su cabeza llena de preguntas, dialogando consigo mismo sobre la situación planteada, la poética del lenguaje, la imagen fresca de cuerpos desesperadamente confundidos y de alguna manera enamorados.

Última función:

Viernes 24 de junio a las 21 horas

Teatro El Tadron, Niceto Vega y Armenio, Ciudad de Buenos Aires

Entrada $4º pesos

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Sol Pavéz
Actuan: Pablo Cerri, Sol Pavéz
Vestuario: Mariana Ron
Escenografía: Pablo Calmet
Diseño de luces: Christian Gadea
Música original: Alejandro Kauderer
Diseño gráfico: Santiago Fraccarolli
Asistente de producción: Tatiana D’agate, Vicky Lagos
Asistencia de dirección: Jonathan Esquivel
Prensa: Carolina Alfonso
Producción ejecutiva: Pablo Silva
Dirección: Sol Pavéz

Web: http://www.teatroquizas.com.ar

 

 

"El casamiento," espectáculo sobre la apropiación de hijos en la sala Clac de Buenos Aires

"El casamiento," espectáculo sobre la apropiación de hijos en la sala Clac de Buenos Aires

     Escribir y dirigir un espectáculo sobre la apropiación de hijos durante la última sangrienta dictadura en Argentina es un desafío muy grande, ya que todavía a 35 años del asalto al poder del General Jorge Videla y compañía las heridas todavía están abiertas y pendientes de su curación. Pero la directora Mariela Karina Ruibal encaró el armado del espectáculo “El casamiento,” que se presenta en la sala Clac de Buenos Aires, con gran sensibilidad.”

    Quedan en el camino muchas heridas sin curar, personas que les cuesta hablar de lo que les pasó, otras que siguen defiendo la sanguinaria represión de los golpistas, otras que prefieren no hablar del tema, hijos e hijas apropiados que descubren quienes fueron sus verdaderos padres…

    Dice la directora: “Minutos antes de su casamiento, Paulina se sumerge en un mundo fantástico donde la presencia de su padre desaparecido y su apropiadora la sumergirán en un caleidoscopio de sensaciones y contradicciones que impulsarán y detendrán el acto de darle el sí al amor.”

    Se apagan las luces. Al lado del proscenio comienza a cantar con caja una pareja de cantantes, estableciendo el atmosfera del espectáculo. Van a intervenir en diferentes momentos críticos del espectáculo a través de canciones folklóricas, algunas con letras muy antiguas que sin embargo dan un marco histórico—cultural a las acciones dramáticas.

    Paulina parece feliz, enamorada, alegremente esperando su boda. Pero de repente empieza en ella una reflexión y es en ese momento que el fantasma de su padre entra en escena. Aparecen flashes del pasado, el secuestro de sus padres, datos de su juventud con su madre apropiadora, y ella comienza el camino que le llevará a conocer la verdad.

     En un momento de fuerte roce entre la apropiadora y Paulina, brotan tres palabras de la boca de la madre que modificará para siempre la historia y la vida de la hija: “sos hija de desaparecidos.” Un momento denso. ¿Cómo reaccionar ante semejante anuncio? ¿Cómo entender que creciste en manos de una mujer de “bien,” que fuiste entregado como botín de guerra, que tus padres fueron secuestrados, brutalmente torturados y desaparecidos (muertos) por alguna banda al servicio de un régimen ilegal y fascista?

    Cabe destacar especialmente el rigoroso y convincente trabajo de Carolina Barrera, en el rol de Paulina.

Funciones: Domingos 12, 19 y 26 de julio a las 18:30 horas, en la sala Clac, avenida de mayo 1156, Ciudad de Buenos Aires

Elenco:                        Victoria Forgione, Carolina Barrera y Marco Parrrella.

Dirección, texto y dirección de luces: Mariela Karina Ruibal

Escenografía:               Dirección colectiva

Vestuario:                   Dirección colectiva

Producción:                Dirección colectiva

Diseño gráfico:           Nicolás Letelle

Contactos:                 marielakarinaruibal@yahoo.com.ar

                              maug100@yahoo.com.ar

 

                            

"La última rebelión," espectáculo de alto vuelo sobre personas mayores en el Korinthio Teatro de Buenos Aires

"La última rebelión," espectáculo de alto vuelo sobre personas mayores en el Korinthio Teatro de Buenos Aires

 “Estoy emocionada, terriblemente emocionada,” dijo una anciana agarrando el periodista por el brazo al finalizar la función de “La Última Rebelión,” un espectáculo del dramaturgo Raúl Garavaglia y el director Miguel Iglesias. “Es increíble,” seguía suspirando la mujer, mirando al periodista con ojos de una niña enamorada, su cuerpo temblando de emoción.

Combinando una puesta en escena efectiva y  estética, actores de primer nivel, personajes perfectamente trabajados y un texto atrapante que supera ampliamente los conflictos planteados en una residencia para mayores, la obra  que se presenta los domingos en el Korinthio Teatro de Buenos Aires muestra acabadamente la vigencia del arte teatral.

 Jaquematepress preguntó a Garavaglia sobre la génesis de la obra:

“Hace varios años, por los noventa para ser más preciso, yo pertenecía a la Comisión Directiva de una Residencia para Adultos y en una de las visitas a los ancianos, un par de ellos me contó la historia. En un principio pensé que la estaban inventando pero al testearla confirmé su veracidad. Esa historia de amor incomprendido me conmovió tanto que me dije: esto tiene que ser una historia para ser contada. Y me tomé un tiempo. Cuando me interesé por escribir para teatro, allí percibí el espacio ideal para desarrollarla.

El reencuentro con una amiga después de treinta años disparó la motivación necesaria para comenzar. Después ella tuvo que abandonar el proyecto por cuestiones profesionales y seguí solo. Así se convirtió en mi ópera prima.

 Parece que la obra no se limita al mundo de los geriátricos…

 “Lo cierto es que más allá de la metáfora que podría resultar la obra en su conjunto, hay una historia de base que es real pero que ficcionada bien podría convertirse en un microcosmos, un mundo íntimo en el que se producen estas interacciones y cuándo no, conflictos, alianzas, negociaciones, intereses, amores y odios, cooperación y desinteligencias. En definitiva, de eso se trata la vida en grupos. El grupo es siempre una réplica reducida de la sociedad en la que está inserto y todo lo que allí pasa, pasa también en el plano social.

 ¿Qué tipo de trabajo o de investigación hiciste para sumar conocimientos sobre la vida de los mayores encerrados en hogares para ancianos?

Como escritor, no mucho más que mi propia intuición, mi formación y mi experiencia de vida. A medida que avanzaba con el texto observaba ciertas actitudes o escuchaba conversaciones en la calle, en los colectivos, en el subte y debo confesarlo, mucho de lo que observaba o escuchaba, terminó en algún dialogo. También me debo la sinceridad de reconocer la paciencia de mi esposa e hijos a quienes los acoso con mis textos, se los leo y escucho sus aportes, los cuales aparecen después en algún pasaje.

  ¿Pensaste en otro final y cuáles fueron las otras opciones?

 Con el final ocurrió algo increíble. Este era el final original. Cuando les leí la obra a algunos conocidos, incluida la familia, sugirieron que tal vez el tema de la puerta podía resultar difícil de decodificar o generar sentimientos no felices. Entonces el final fue modificado. Cuando Miguel, el director y los chicos del elenco empiezan a trabajar el texto, me preguntan por qué no modificamos el final y dicen como opción aquella que yo mismo había corregido. Por lo tanto y ante semejante coincidencia, decidimos reinstalar la puerta.

 ¿Trabajaste junto al director? ¿Hubo intercambio de opiniones con los actores, con el director?

 Conozco al director y al elenco de actuar juntos los fines de semana hasta el ante año pasado. Cuanto terminé de escribir La Última... Miguel inmediatamente quiso empezar a ensayar y desde allí hasta hoy día continuamos juntos construyendo el espectáculo. Cada uno tiene muy claro su rol, pero eso y `por la relación que tenemos, no nos privamos  de sugerir, decir y modificar cuestiones que entendemos mejoran el espectáculo. Lo mismo ocurre con el elenco. Sus ideas son siempre escuchadas tanto para flexibilizar algún diálogo como para sugerir cuestiones de puesta o de actuación.

No tengo dudas de que esto es el resultado del trabajo en equipo. Hay detrás o adelante (no sé bien) un grupo humano muy consolidado y profesional.

Trabajar con este elenco es un placer y sentirse protegido por Miguel te da una tranquilidad increíble porque tiene el don y la capacidad de ver más allá de lo que pueden otros ojos."

Hay dos temas de gran actualidad no sólo para las personas mayores: el amor y la lucha por mejorar las condiciones de la vida. Uno de los ancianos, Dandy, se enamora perdidamente con la recién llegada Nina. ¡Qué vergüenza! Los celos, los chismes, la lucha intestina entre los demás. Pero el amor de Dany y Nina es tan contagioso que incluso despierta la dormida conciencia de los demás, que en la monotonía del lugar tenían olvidados sus derechos, lo bello y edificante que puede representar una lucha por una causa justa.

De repente una extraña energía surge por las venas de hombres y mujeres encerrados en un espacio concebido simplemente como preludio a la muerte, tamizado por nostalgias, egoísmos extremados, miedos, quejas, intolerancia, indiferencia, incomprensión; el amor y una rebelión inesperada y disparatada contamina con su aire de libertad, de la lucha por la justicia.

Korinthio Teatro, Junín 380, Capital Federal, Argentina

Domingos a las 19:30 horas

Reservas: 4951 3392

Entrada: $40

Autor:                                     Raúl Garavaglia

Dirección y puesta en escena:  Miguel Iglesias

Asistente de dirección:               Daniela Succi

 Elenco:   Daniel Succi, Carolina Suárez, Alejandro Vera, Miguel Iglesias, Alejandra Bozzini, Rodolfo Frangipani, Eduardo Darani, Natalia Montenegro, Ramiro Iglesias, Silvina Quintanilla.

Ficha Técnica: Sonido, Deborah Wallace; Iluminación, Claudio Buscemi; escenografía y diseño de luces: Luís Serrano; vestuario, Alicia Robles; Producción, LUR

 BLOG: http://laultimarebelion-miguel.blogspot.com

"El aire de mi papá," atrapante espectáculo en el teatro Querida Elena en la dulce Boca, Buenos Aires

"El aire de mi papá," atrapante espectáculo en el teatro Querida Elena en la dulce Boca, Buenos Aires

Recostada en una casita que ocupa el centro del escenario, una mujer canta con voz en cuello…”rara, como encendida…” mientras los espectadores van acomodándose en las butacas en la sala detrás del jardín en el teatro Querida Elena. El aire que se respira en el lugar está cargado de algo indefinido, raro, encendido. Es que está por comenzar la función de “El aire de mi papá,” a dramaturgia, iluminación, puesta en escena y dirección de Martín Wolf.

Termina la canción y la mujer sale de la casita para encontrarse con su amiga. ¿Amiga? La acusa de ser el amante de su pareja. ¡Momentito! ¿Dónde estamos? ¿Importa el lugar? Hmm. Un gato negro se desliza seductivamente entre el escenario y los pies de los espectadores. ¿Es un actor? ¿Protagonista?

A simple vista estamos frente a un problema de ética. Claro. El amor es una cuestión de ética. La salud es una cuestión de ética. La independencia es una cuestión de ética. ¿O estamos todos patas arriba? El aire tiene algo surrealista. Por eso la lógica de las acciones y los discursos de los actores estallan y dejan bastante atrás  los convencionalismos. Sin embargo los actores muestran un estilo de actuación orgánico y se muevan sobre el espacio con gran convicción y un sabio uso de recursos como la pausa y el cambio de ritmo.

De repente el actor formula una pregunta que queda sin repuesta: ¿No se te ocurrió pensar por qué los dos héroes más grandes de la Argentina fueron asmáticos? Un hombre pasea su particular verdad ante ellas, las mujeres de la historia, mientras el paradigma de la modernidad se estalla contra su pensamiento íntimo.

“El aire de mi papá” vuelve por seis funciones más luego de su exitosa temporada en el 2010 y antes de iniciar una gira por Latinoamérica. La sugestiva y entretenida dramaturgia es de Martín Wolf, a partir de textos de Rodolfo Kusch, K. Stanislavsky, B. de Spinoza, W.Allen, J. Grotowsky, E. Martínez Estrada, S. Beckett, E. Ionesco y propios.

La historia es entretenida, de un humor ácido, pero lo que sobresale son los personajes perfectamente delineados. Ellos atrapan la atención de los espectadores. Los textos son sus pretextos.

Elenco:
Mónica Valle
Roció Reyes Grau
Fabiana Katz
Martín Wolf


Asistencia de dirección:
Viviana Vallejos
Realización escenográfica:
Eduardo Spíndola
Asistencia de vestuario:
Daniela Torta
Musicalización:
Cristian Benito Acosta
Edgardo Benito Acosta
Leandro Benito Acosto

Producción:
Espacio vació Compañía de Investigadores Teatrales
Producción ejecutiva:
Jose J. Maldonado
Dramaturgia, Iluminación, Puesta en espacio, Dirección:
MARTÍN WOLF

Viernes 21 Hs.

QUERIDA ELENA, sencillas artes

Calle: Pi y Margall 1124, La Boca

(a una cuadra de Parque Lezama)

Reservas 4361 5040 

Mail: espaciovacioteatro@yahoo.com.ar


(Realicen sus reservas con antelación dado que la sala cuenta con capacidad reducida)

Valor de entrada: $ 35 / Entrada almohadón: $ 20

 

Acerca de Espacio compañía de investigadores teatrales:

 

Se fundó en Adrogué en el año 1995, su conformación, en cuanto a los integrantes respecta, es dinámica. Los procesos investigativos y de obra que se realizan fueron determinando diferentes equipos, según las necesidades que el proyecto en cuestión lo requiriera. Los objetivos de investigación de la compañía se establecen dentro del campo de la dramaturgia espacial y actoral. Se parte de la concepción de Teatro de Síntesis, o de Teatro como continente de lenguajes, como herramientas de aplicación en el campo de la pedagogía teatral, la línea stanislavskiana establecida por Galina Tolmacheva en nuestro país, se suma al planteo de Síntesis de Komijarsevky, y juntos a las escuelas antropológicas, tanto la línea desarrollada por Grotowsky como las líneas de Yoga antiguo, constituyen la concepción técnica y ética de la compañía. Esta concepción teatral desemboca en otro objetivo, que es la producción de obras. Entre sus trabajos presentados se encuentran: Clitemnestra, el juicio- Ifigenia, cuando el sacrificio de los hijos es el precio para conservar el poder! - Frank - Alguien boca arriba - Cenicienta  - Antes, todavía -  Las Preciosas Ridículas-  La Lección - El Día del Maestro - Culifrunci Experimento Williams. Las obras han participado de ciclos, festivales, encuentros, fiestas, jornadas, congresos, nacionales e internacionales, y en giras por el territorio nacional.

La Compañía fue invitada con una Pantalla cultural, por su producción de obras y pedagógica en II Congreso argentina de Cultura de la Secretaría de Cultura de la Nación.

La investigadora Lic. María Florencia Heredia (GETEA/ CONICET), publico “Espacio Vacío, itinerarios de una poética del espacio y la ensoñación”, en Estéticas de la periferia. Ediciones del C.C.C. / Doc-Sur.

Recientemente finalizaron de rodar  Ifigenia, Un Cruce de las Artes. (En proceso de  montaje y post-producción). Proyecto de investigación  pedagógica. Auspiciado por Brown  Cultura / INT.  

 Martín Wolf

Director - Docente - Actor - Investigador teatral  

 

Especialidad: Teatro / Movimiento / Espacio/ Objetos / Cine

 

Fundador y director desde 1995 de ESPACIO VACIO – compañía de investigadores teatrales. Distinguida con el apoyo del Instituto Nacional de Teatro.                                                                                                       

Como actor y director se formó con Agustín Alezzo – Augusto Fernandes - Laura Yusem – Josette Feral – Ana Strasberg. Inició la Licenciatura en Artes del espectáculo (opción teatro), en la Universidad de París VIII y de Realizador en medios audiovisuales en el IUNA.                                                                                                         

Es Coordinador del Comisión de Pedagogía teatral del Departamento de Artes del CCC- Centro Cultural de la Cooperación. Es Secretario general de AINCRIT Asociación argentina de Investigación y Crítica teatral. Publicó más de 50 artículos, notas y ensayos en revistas y libros especializados sobre Teatro y Educación artística.                                                                                                        Brinda ponencias, charlas y conferencias en Congresos/ Jornadas / Festivales/  Encuentros nacionales e internacionales.                                                  Coordinó y participó como tallerista y seminarista en todo el territorio nacional a través de Programas Nacionales de Educación artística del Ministerio de Educación de la Nación, Ciencia y Tecnología / OEI - Organización de Estados Iberoamericanos / Secretaría de Cultura de la Nación y provinciales / Dramatiza (Red nacional de profesores de teatro). INT Instituto Nacional de Teatro. Además de teatros independientes, y públicos como el Teatro Nacional Cervantes.

Un refinado puesto de "La cantante calva" de Eugenio Ionesco en el teatro La Carbonera de San Telmo

Un refinado puesto de "La cantante calva" de Eugenio Ionesco en el teatro La Carbonera de San Telmo

Hay una forma de decir las cosas desprendiéndose de la lógica común, de la rutina lingüística acostumbrada. Hablar de la sopa, por ejemplo, como si fuera una experiencia rara; contestar una pregunta sin usar palabras, con una expresión desorbitada de la cara. Es lo que sin mucha exactitud se llama “el absurdo,” una manera de abordar la teatralidad exitosamente empleada por Eugene Ionesco.

El resultado es un humor ácido y a la vez provocativo. En el estreno de “La cantante calva” anoche en el teatro La Carbonera de Buenos Aires, la joven directora Leticia Tómaz, egresada de la EMAD, supo explorar ampliamente los diferentes lenguajes latentes en en género absurdo.

En realidad la expresión “absurdo” queda a mitad de camino, pues es una forma de abordar los conflictos humanos saliendo de lo rutinario o de la búsqueda de un mundo sublime para situar los problemas desde otro registro (jugando con las palabras, violando las leyes comunes de la lógica, poniendo el foco en los aspectos de menos relieve de una situación).

“La cantante calva” se estrenó en París en medio de la furia de la Segunda Guerra Mundial, y desde entonces ha sido representada tantas veces que se ha convertido en una de las obras más representadas en Francia.

Subyace en la incomunicación entre los personajes, una fuerte crítica hacia la vida cotidiana.  Las vidas del matrimonio Martin son casi idénticas a las del matrimonio Smith; incluso el tiempo parece desaparecer. Las dos parejas discuten, pretenden arreglar cosas pero todo es inútil. En un momento llega un bombero y pregunta a los Martin: “¿y en su casa no se está quemando nada?” La repuesta: “No. Desafortunadamente…” Es decir, no pasa nada.

El bombero parece representar algo así como el hombre idealista, o de lógica común, para (junto a la criada) crear un fondo de contraste para entender mejor “lo absurdo” de la existencia de los dos matrimonios.

La directora Leticia Tómaz ha agregado un muy refinado concepto de lo estético y ha puesto en la gestualidad y en los movimientos precisos y perfectamente combinados de los actores el eje de la puesta. De esta manera, el espectáculo es lindo de ver no sólo por los textos de Ionesco; adquiere nuevo vuelo en las manos de la directora, posibilitando la exploración de diferentes lenguajes teatrales.

La cantante Calva de Eugenio Ionesco

Viernes de mayo a las 21 horas en el teatro La Carbonera, Balcarce 998 de San Temo.

Dirección: Leticia Tómaz

Reservas:        4362 2651

Localidades:   $40 (Descuentos estudiantes y jubilados $25)

 

Elenco: Leticia Llagostera, Darío Serantes, Natalia Oyanedel Issa,  Nicolás Giménez, Guadalupe Iturbide y  Matías Stella

 Escenografía:    Susana Russo / Vestuario: Ana Julia Figueroa / Iluminación: Nadia Strier

Maquillaje:    Lis Iun / Ilustración: Esteban Tómaz / Diseño Gráfico: Florencia Romero

Asistencia de Dirección:   Nicolás Isasi

 

 

 

 

"A contra luz," un espectáculo basado en cuadros de Oswaldo Guayasimín en el Teatro Espacio Urbano de Buenos Aires

"A contra luz," un espectáculo basado en cuadros de Oswaldo Guayasimín en el Teatro Espacio Urbano de Buenos Aires

Cuando el espectador entra en la sala del teatro Espacio Urbano los sábados de mayo a las 21 horas, se encuentra con un enorme, impactante e inquietante cuadro del pintor ecuatoriano Oswsaldo Guayasimín, sin lugar a dudas uno de los más grandes artistas plásticos de América Latina, junto a Orozco, Rivera y Portinari Tamayo, unidos por su identificación con la cultura indígena y su compromiso artístico con ella.

Se trata de “A contra luz, sobre lo pictórico en el movimiento," un espectáculo único basado en obras de Guayasimín, plasmado a través de los meticuloso y atrapantes movimientos de bailarines sobre el escenario vacio de la sala, acompañados por los ajustados acordes de un conjunto musical.

 Dice Pablo Neruda de Guayasimín: “Pocos pintores de nuestra América tan poderosos como este ecuatoriano intransferible: tiene el toque de la fuerza, es un anfitrión de las raíces, de cita a la tempestad, a la violencia, a la inexactitud. Y por ello, a vista y paciencia de nuestros ojos, se transforma en luz…Guayasamín es uno de los últimos cruzados del imaginismo; su corazón es nutricio y figurativo, está lleno de criaturas, de dolores terrestres, de personas agobiadas, de tortura y de signos. Es un creador del hombre más espacioso, de las figuras de la vida, de la imaginación histórica.”

Las obras del pintor ecuatoriano tienen una carga emotiva muy fuerte en cualquier ámbito: proyectando algunos de ellos en el escenario, intercalados con los movimientos de un grupo de bailarines dispuestos a explorar los límites expresivos del cuerpo humano, “A contra luz” se convierte en una oportunidad escénica original, única y innovadora.

A primera vista el espectáculo parece ser de danza, pero la proyección de los cuadros cercanos al expresionismo de Guayasimín otorga un contenido fuertemente emotivo y hace pensar que el teatro en realidad nació como ritual; en una época durante la cual no existían claras líneas de demarcación entre las diferentes expresiones artísticas.

A CONTRA LUZ, sobre lo pictórico en el movimiento.

Dirección general y coreografía: Estefanía Zerbino

Dirección musical: Sebastián Anús.

Realización visual: Nicolás Salinas

Edición: Raúl Hochman
Intérpretes: Maria Silvina Biondi, Maria Fernanda Solari, Florencia Castro, Josefina Vassallo, Adríán Salas.

Intérpretes invitados: Leonardo Porfiri y Claudia Tapia Mendoza.

Músicos: Daniel Duer Ziblat (en violoncello), Lucila Garibotto (en viola), Sebastián Anús (en charango y guitarra)
Músico invitada: Natalia Mancini (en voz)

Vestuario: Sol Ruiz Luparia

Diseño de ilumonación: Estefanía Zerbino

Una producción de S u j e t o t A c i t o

Sábados de mayo a las 21 horas

Teatro Espacio Urbano

Acevedo 460, Ciudad de Buenos Aires

http://tacitoarte.blogspot.com

tacitoarte@hotmail.com

"Woyzeck," un espectáculo perturbador sube al teatro Delborde en Buenos Aires

"Woyzeck," un espectáculo perturbador sube al teatro Delborde en Buenos Aires

El Capitán le advierte al soldado:  “Despacio, Woyzeck, despacio; cada cosa a su tiempo. Me mareas. ¿Qué voy a hacer con los diez minutos que te van a sobrar hoy’ Woyzeck, deberías pensar que todavía te quedan tus buenos treinta años de vida. ¡Treinta años que son 360 meses, con sus días, sus horas y sus minutos! ¿Qué quieres hace con toda esa monstruosidad de tiempo? Tienes que distribuirlo, Woyzeck.”

Woyzeck: ¡A sus órdenes, mi capitán!

La obra inconclusa del joven dramaturgo Georg Büchner, muerto con apenas 24 años, es sin duda una de las más inquietantes del teatro moderno. Escrita en 1837, ha sido entendido como una especie de adelanto de lo que sucedió 100 años después en Alemania bajo el nazismo; es un estudio maquiavélico y trágico del poder, explora poéticamente el abuso de la inocencia y el sometimiento del individuo a los más variados dardos envenenados del sistema autoritario.

Es también un ensayo sobre los desafíos y peligros del mundo actual.

Woyzeck es un soldado raso del pelotón de fusilamiento, cuya vida es manipulada por su superior, el capitán, por su médico y por su mujer: ellos lo someten constantemente a torturas psicológicas y físicas, a tal punto que comienza a desmoronarse su sentido de identidad y termina reaccionando violentamente.

Hay algo de Fritz Lang y del “Mundo bravo y nuevo” en esta obra. El protagonista es desechable, víctima del cambio socio-económico hacia un capitalismo feroz, colocado en un escenario de un expresionismo grotesco y a la vez bello.

Gónzalo Facundo López, a cargo de la adaptación y dirección general, encontró varias innovaciones escénicas válidas y sugestivas. En primer lugar, un escenario completamente dominado por el blanco con la única excepción de woyzeck; además con un coro femenino que funciona de modo muy similar al coro en el teatro griego; un toque mecanizada y casi perfecta que contagia a todos los actores excepto Woyzeck; un video que reproduce y deforma la realidad escénica.

Tiene un ritmo raro el espectáculo y tal vez ciertas acciones, como las del coro, se tornan previsibles, pero deja el espectador con incontestables inquietudes sobre sí mismo, sobre el mundo, sobre el poder, sobre el lugar del hombre común en este mundo, sobre la libertad, la posibilidad o no de rebelarse contra un sistema omnipoderoso, sobre las manipulaciones sin fin de que todos estamos sometidos en la vida cotidiana.

Woyzeck: “Qué oigo? Algo se mueve. Silencio. Ahí cerca. ¿Marie? ¡Ah, Marie! Silencio. Todo en silencio. ¡Ah hay algo! Frío, húmedo, silencioso. He de irme de aquí. El cuchillo, el cuchillo, ¿lo tengo?...”

Teatro: Del Borde Espacio Teatral –

Chile 630, san Telmo, Buenos Aires, Argentina.. http://www.delborde.com.ar

 

Funciones: Sábados: 23:15 Hs   Entrada: $50 y $30

 Adaptación y Dirección: Gonzalo Facundo López

 Funciones: Sábados 23:15 horas

Localidades: $50 (descuento estudiantes y jubilados $30). Reservas: 4300-6201

 Elenco: Exequiel Abreu, Paola Cappellari, Celina Contin, Mariano Karamanian,  Ariel Mele, Alejandra Mikulan, Paloma Santos y María Viau.

Diseño de escenografía y vestuario Julia Pérez Aguilar

Realización escenográfica Julia Pérez Aguilar, Gonzalo Facundo López.

Diseño y realización de objetos Julia Pérez Aguilar, Luis Arbit.Asistente de Vestuario Melanie DiazDiseño de iluminación Héctor ZanolloFotos Diego BasualtoDiseño sonoro Fabián Kesler y Esteban Insinger.

Animación audiovisual Luis Arbit

Maquillaje Gisela Arrosio

Diseño grafico: Exequiel Abreu

Asistencia de Dirección Victoria CasellasAsistencia de Producción Alejandra MikulanDirección y Producción General Gonzalo Facundo López.

"Oh sarah," atrapante espectáculo sobre Sarah Bernhardt en el teatro Pan y Arte de Buenos Aires

"Oh sarah," atrapante espectáculo sobre Sarah Bernhardt en el teatro Pan y Arte de Buenos Aires

Sarah Bernhardt, nacida entre los embriones de la revolución francesa, entendió que actuar es volcar la pasión de cuerpo y alma en la construcción del personaje, pero en su vida particular anduvo siempre en un camino que bordaba el límite ente la realidad y la fantasía, tanto que llegó a ser prostituta, madre, diva y la primera actriz en la historia del teatro que subió al escenario para encarar un personaje masculino (Hamlet).

            El espectáculo que el actor Juan Mako ha montado en el teatro Pan y Arte de Buenos Aires, con la lúcida dirección de Gabriel Rovito logra resucitar la esencia de Sarah Bernhardt, pues el espacio se vuelve onírico y en medio de un homenaje a la actriz se efectúa una especie de diálogo con el público sobre el difícil oficio de la actuación. Que un joven y talentoso actor tenga la osadía de entrar en la mente y hasta en el cuerpo de una de las más grandes actrices de la historia moderna y hacerlo mediante un espectáculo prolijo y entretenido es prueba clara de la vigencia del arte teatral como forma de expresión artística en constante estado de ebullición.

Funciones: 

Sábados 7, 14 y 21 de mayo en el teatro Pan y Arte, Avenida Boedo 876, CABA.

Entradas $30 pesos (Estudiantes y Jubilados $20)

Reservas:       4957 6922  / 4957-6922

Web: http://unipersonalohsarah.blogspot.com

 Ficha técnica:

Actor:                                                 Juan Mako

Autor:                                                 Ariel Mastandrea

Diseño de Arte:                                    Alejandro  Mateo

Realización de vestuario:                      Nani

Asistente de dirección:                         Tobías Cortés

Dirección:                                            Gabriel Rovito           

Gabriel Rovito

Proveniente de familia de artistas. Su abuela Alba Mujica y sus padres Bárbara Mujica y Oscar Rovito.Fue formado en Teatro por  maestros como Hugo Falleti y Elbio Sciaretta, Danzas Clásicas por Alfredo Gurkel, Jazz y Tap por Osvaldo Palacios, entre otras disciplinas.Forma parte del Grupo "La Banda de la Risa" (dirigido por  Claudio Gallardou) desde el año 1994, con el que realizo las obras como "La comedia es finita", "Fausto", "Arlequino", "Martín Fierro" (TMGSM), "Puck", "El Pelele", "La corte del Faraón" y "Caperucita y el Lobo".


Como actor también participo de las siguientes Obras: "Una visita inoportuna" de Copi en la Ciudad Cultural Konex, "Domesticados" con dirección de Luís Agustoni,  "Tartufo" DIR: Beatriz Matar en el Teatro San Martín, "El Patrón de la Vereda" DIR: Maximiliano Paz, "Muchachos del tiempo aquel" DIR: Juan Carlos Torry,  "La Cenicienta" en el Teatro Nacional Cervantes, "La Farolera" DIR: Virginia Lago, "La delfina" DIR: Daniel Marcove, "Violeta viene a nacer" dé Margulis-Correa y "Jugadores" con dirección de Osqui Guzmán.  También en el terreno de la Comedia Musical se lo pudo ver en obras como "El diluvio que viene", "Autógrafos", "Perdón por mi pasado", entre otras.
 Como Director participo del Ciclo "Teatro x la Identidad" en el año 2001 con la obra "Radiomensajes" de Gastón Cerana. Además dirige la obra "He aquí el hombre" de Gustavo Lista (Actualmente en cartel en el Espacio Urbano), "Gravedad" de Sergio Bizzio (2004) en el Teatro La Comedia, y el Unipersonal "Oh Sarah" acerca de Sarah Bernhardt. Dentro del Ciclo Buenos Aires Lírica, fue asistente de Regie y Stage Manager de Claudio Gallardou en la Opera "Agrippina" (Opera de Georg Friedrich Händel) en el Teatro Avenida (2004). También dirigio el espectáculo para niños "Tutú Maramba".

 En Cine protagonizo la multipremiada película "Los chicos de la Guerra" con dirección de Bebe Kamin, y participó de numerosos films tales como "El juego de arcibel", "La rosa azul", "Ojos que no Ven", "Las fotos del alma", "La redada", "Después de ayer", "Los dueños del silencio" y "Debajo del mundo".
También realizó varias tiras de ficción y especiales para TV.
Forma parte desde el año 2004 del grupo de Tango electrónico Industrial, "Tangolpeando". Actualmente se encuenta actuando en la obra "El Rey se muere" de Eugene Ionesco en el Centro Cultural de la Cooperación bajo la dirección de Lía Jelín.


 Juan Mako


Nació en Capital Federal el 24 de enero de 1984.
Desde sus comienzos hasta la actualidad estudió Actuación con Ricardo Bartís, Pompeyo Audivert y Alfredo Badalamenti, Clown con Pablo de Nito, Guillermo Angelelli, Violeta Naón y Daniel Casablanca , Dirección y puesta en escena con Bernardo Cappa y Emilio García Wehbi y Educación vocal con el Dr. Hector Jatzkevich .En la actualidad se encuentra cursando la LICENCIATURA EN DIRECCION ESCENICA en el IUNA


De sus trabajos en Teatro como actor podemos mencionar: MANOS TRASLÚCIDAS EN FIEBRE DE OLVIDO (Dir. Gabriel Fernández Chapo y Mario Di Nicola), OH SARAH (Dir. Gabriel Rovito), GALILEO, EL MENSAJERO DE LAS ESTRELLAS , INTIMO , NOCHE DE BESTIAS y DESVARIOS VARIOS (Dir. Alfredo Badalamenti), CIRCO CABARETANGO (Dir. Mónica Di Franco).


Como director montó en el 2006 dentro del género infantil EL HOMBRECITO DEL AZULEJO de Manuel Mújica Láinez con el grupo Nobles Bestias, y en el 2010 junto a Luciana Martínez Bayón y bajo la coordinación artística de Bernardo Cappa EL PRIMER DRAMA DE AMANDA en la sala Pan y Arte.


A su vez, realizó la asistencia de dirección de CIUDAD VERTICAL. CONSORCIO "LIVING IN THE SKY" (Proyecto de graduación de la Licenciatura en Actuación del IUNA del año 2009), dirigido por Bernardo Cappa.
Participó en el 2005 de la Video Instalación Performance titulada DARK-ROOM que se realizó en el MALBA bajo la dirección general de Roberto Jacoby y el entrenamiento actoral a cargo de Marcelo Savignone

 .
Trabajó en numerosos comerciales para la Argentina y el exterior, como también así en bolos para TV. Es profesor de teatro para primaria y secundaria en escuelas de la zona sur. Además, realiza la asistencia de las clases de actuación de Bernardo Cappa en Pan y Arte, desde el año 2009 hasta la actualidad.



Web: http://www.juanmako.com.ar

Giampaolo Samá habla sobre el espectáculo "Lamerica" que se presenta en el Espacio Polonio de Buenos Aires

Giampaolo Samá habla sobre el espectáculo "Lamerica" que se presenta en el Espacio Polonio de Buenos Aires

         Domingo, 21:30 horas. Giampaolo Samá, vestido de cocinero, está cortando zanahorias en el teatro Timbre 4 frente a un público expectante. En el escenario hay varios objetos que el espectador identifica claramente con algún viaje. Silencio. Un foco sobre el rostro del actor. Una voz en la radio sugiere y molesta y Samá la apaga. Comenzó la función de “Lamerica.”

         ¿Cómo se atreve un solo actor a contar la historia de la inmigración italiano a Argentina a principios de 1900? Un desafío impresionante. A partir de la construcción de múltiples personajes. El barco, símbolo de esperanza y de desilusión. La  llegada. Los burdos errores de los funcionarios. La despedida. Relatos grotescos.

         Giampaolo Samá entra en el tema con tranquilidad, maestría y sensibilidad, entrando y saliendo de mundos diferenciados, exponiendo la miseria, la discriminación contra el inmigrante, el humor, el desengaño, las mezquindades, el egoísmo, todo va cayendo en la olla.

         A medida que va cortando los ingredientes para cocinar un ragú, el tiempo parece desvanecerse ante los trámites kafkeanos para obtener una radicación definitiva…pero de repente el espectador es llevado a  preguntar: ¿Qué pasa con los inmigrantes actuales que llegan al país?  

 Lamérica es a la vez un espacio de luchas y conflictos y un concepto que abarca el hombre y la mujer que habita la porción de la tierra que va entre Tierra del Fuego y el Río Grande, hechos que se confunden con el imaginario colectivo, un paraíso de sueños de alto voltaje que inevitablemente se corporalizan en la quiebra de la ilusión, en el desasiego, en el individualismo exagerado, la desidia, la ineficacia, el desamor.

 El actor organiza una especie de desfile desde un personaje a otro a través de relatos, el humor, la apropiación del espacio, el recurso del lenguaje alterado de los inmigrantes. Lamérica, dirigida con atención a los detalles por Lorena Barutta, indaga en el  inconsciente de todos los argentinos y por lo tanto establece un muy fuerte lazo con el espectador.

Actor:                                      Giampaolo Samá

Voz en off:                               Miriam odorico

Fotografía:                               Joan Tous

Musicalización y vestuario:       Giampaolo Samá

Diseño luces.                           Dana Barber

Producción:                             Proa a sur

Asistente de dirección:             Elisenda Ibars

Dirección:                                Lorena Barutta

LAMERICA
Funciones: domingos 20 hs.
Teatro: Espacio Polonia | Fitz Roy 1477 | CABA
Reservas: 3965.9549
Valor general $40. Estudiantes y jubilados $25
www.lamericaobra.blogspot.com
 

 

"Mujeres de jabon," un espectáculo que muestra una visión femenina de las relaciones, en el Paseo de la Plaza de Buenos Aires

"Mujeres de jabon," un espectáculo que muestra una visión femenina de las relaciones, en el Paseo de la Plaza de Buenos Aires

La vida teatral en Buenos Aires pasa por un momento de gran actividad y variedad de propuestas, algunas de ellas transgresoras de las tradiciones del arte. Entre la vasta gama de historias que llegan a los escenarios de Buenos Aires, está el singular espectáculo de Daniela Campos, “Mujeres de jabon,” una visión claramente femenina de las relaciones entre hombres y mujeres.

En realidad, el espectáculo no es nuevo, pues el elenco se formó a fines de 2008 y en junio de 2009 la obra fue estrenada en el teatro El Piccolino; además el año pasado participó en el XVI Encuentro de Teatro Latinoamericano realizado en Chile, ganando el Diploma de Honor.

Cuatro mujeres empujando los treinta y pico años viven insatisfechas en diferentes pisos de un mismo edifico. Una quiere pero no puede escapar de un marido machista y aburrido cuyos intereses termina con el futbol y la comida. Después una mujer que no sabe qué hacer con su media naranja excesivamente emocional, otra que tiene que aguantar un ex alcohólico y una soltera que busca un hombre desesperadamente.

Entre el humor desopilante y una especie de super-realismo violento, el espectáculo examina la situación particular de cada mujer, a través de acciones que se realizan en los diferentes pisos del edificio. Ninguna de las mujeres ha encontrado la felicidad y cada una sufre diferentes formas de violencia en sus relaciones con sus esposos; no falta un taxi boy que la chica soltera ha invitado a su departamento sin saber que ha matado a dos hombres.

El taxi boy, tipo tarazan, termina siendo un sex symbol que de alguna manera despierta las fantasías reprimidas de las cuatro mujeres frustradas e insatisfechas con sus vidas y con sus relaciones amorosas. Es una visión tragi-cómica de las relaciones, contada desde la perspectiva femenina.

Si bien el espectáculo no presenta ninguna innovación teatral  importante, atrapa, la historia está muy bien estructurada y narrada y se destaca por la enorme entrega de los actores y la elaborada técnica con la cual se trata la violencia en el escenario.

SALA JOHN LENNON (PASEO LA PLAZA), Ciudad de Buenos Aires, Argentina,  Av. Corrientes 1660

Reservas:    6320-5300

Localidades:  $50

Web: http://www.sites.goggle.com/mujeresdejabon2

Autoría: Daniela Campos

Actuan:   Nicolas Albamonte, Sol Bordigoni, Alejandro Gibeli, Sheila Lemesoff, Fabricio Mercado, Pilar Orellana, Esther Ramos, Marcelo Vacas

Voz en Off: Silvina Lamorte

Escenografía: Ana Sarudiansky

Diseño de luces: Gonzalo Calcagno

Realización de escenografia: Lao Juan Vogelman

Música original: Martín Crespo, Alejandro Daneluz

Fotografía: Gerardo Regos

Diseño gráfico: Alejandro Gibeli

Entrenamiento corporal: Alejandro Daneluz

Prensa: Marisol Cambre

Producción: Maximiliano Viltre

Producción general: Pilar Orellana

Dirección: Daniela Campos

"Submergidos," un espectáculo de variado lenguaje teatrale en el espacio "Entretelones" de Buenos Aires

"Submergidos," un espectáculo de variado lenguaje teatrale en el espacio "Entretelones" de Buenos Aires

      Se podría decir que los espectadores funcionan como “voyeurs” en los bordes extremos de la bodega de un barco que constituye el escenario para “Sumergidos,” un espectáculo en el espacio teatral Entretelones de Buenos Aires, hábilmente dirigido por Fabio Tiberi. En el amor y el odio que une y separa a los dos hermanos condenados a sobrevivir en ese espacio aparecen claramente planteos inter-textuales: “Esperando Godot” de Samuel Becket y “El teatro y la Peste” de Antonin Artaud. En la imposibilidad de modificar la situación se articula el absurdo de la obra y a la vez se refleja el interior profundo del ser humano.

      Los hermanos Carrillo se embarcan en un viaje que en realidad es existencial, pues no hay retorno y el encierro en el barco los obligará a explorar las múltiples facetas de sus vidas. Es decir, el “barco” los llevará a perder la brújula: ¿dónde están los límites, cuál es la línea invisible que separa la realidad de la fantasía? El viaje en soledad los sumergirá en una sucesión de hechos que los conducirá hacia la descomposición, enfrentándolos con su pasado, con sus vínculos y con un futuro nebuloso.

     Si bien el espectáculo de la Compañía Mixto teatral está repleto de acciones, en realidad son acciones que no conducen a ninguna parte, y por lo tanto son no-acciones. No se sabe la procedencia del barco, tampoco su destino material. Pero en el proceso logramos una visión bastante profunda sobre la relación entre los dos hermanos, que en realidad es la relación entre todos los  seres humanos sometidos al encierro y al destino incierto. El estilo absurdo permite diálogos repetitivos, secuencias aparentemente carentes de una lógica “realista.” Podemos observar en el escenario varios lenguajes comunicativos que funcionan simultáneamente, desde el cuerpo hasta la mirada, el silencio, sonidos no lingüísticos. Vínculos que van oscilando entre el amor y el odio, la comunión, el automatismo, actos de agresión generados por la frustración, el encierro y la falta de perspectivas.  

     Está claro que detrás del juego del absurdo, la intención de la obra es llamar la atención a un mundo que en realidad es igualmente absurdo. Es el mundo que figura en los recuerdos de los actores. Las actuaciones son muy compenetradas con la propuesta escénica, pero el guión tal vez desentona en su intento de poner expresiones excesivamente poéticas en la boca de los personajes. La música inquietante de Diego Dzikovski agrega un detalle más para completar la búsqueda de Fabio Tiberi.

ENTRETELONES
E. Martínez 1427
Colegiales, Ciudad de Buenos Aires

Eentrada:    $35 (General) y de $30 (para estudiantes y jubilados)

 Presentaciones:  Desde el 26 de Marzo al 28 de Mayo 22,30

Actores: Claudio Loello, Ezequiel Pandolfi

Música Original: Diego Dzikovski

Diseño Escenotécnico: Ricardo Sassone
Realización de Escen. y Vestuario: Compañía Mixto

Texto Original:Compañía Mixto

Diseño Gráfico: Darío Odriozola

Prensa: ComunicArte Prensa

Fotografía para prensa:  Juan Carlos Piovano

Dirección Gral:Fabio Tiberi

Más Información:

http://sumergidos2011.blogspot.com/

http://comunicarteprensa.blogspot.com/

http://www.entretelonesteatro.com.ar/

"Perderte otra vez," alucinante espectáculo de Emiliano Dionisi de teatro, clown, acrobacía y danza en el teatro El Cubo de Buenos Aires

"Perderte otra vez," alucinante espectáculo de Emiliano Dionisi de teatro, clown, acrobacía y danza en el teatro El Cubo de Buenos Aires

Fastidiado después de más de una hora de espera, volando por el espacio, bailando, practicando alucinantes pasos de acrobacia, Emiliano Dionisi se queda parado en medio del escenario del teatro El Cubo atento al toque de un timbre. Su cara registra bronca, humor y resignación. Todos los espectadores se ponen de pie para aplaudirlo raudamente durante más de cinco minutos. Fue el estreno ayer de “Perderte otra vez,” idea plasmada en el escenario con la hábil dirección de María Rosa Frega.

En el lenguaje se emplean los adjetivos para indicar los matices y las sutilezas de los substantivos, pero resulta difícil encontrar los más adecuados para describir las acciones de Dionisi, dueño absoluto del piso e incluso del aire del enorme escenario del teatro El Cubo.

La obra de Dionisi une drama con comedía; tiene sabor a circo y a clown; parece resucitar remembranzas de Charlie Chaplin y “Esperando Godot” de Samuel Becket, ya que funciona a través de una idea muy teatral: la espera. ¿Qué sucede en la mente de alguien que espera a una persona que tal vez no llegará nunca? ¿Cuántas historias imaginamos mientras esperamos?

En la vida real inventamos historias sin darles mucha importancia. Dionisi tiene la rara habilidad de plasmar lo imaginado en acciones de gran vuelo, es decir, realiza una fusión: lo onírico parece confundirse perfectamente con la narración. Lo que imagina inquieta, arrastra y sumerge lo cotidiano de la espera hacia zonas inesperadas, de una belleza escénica única. Allí está entonces el protagonista suspendido por una soga, volando por el escenario, subiendo cortinas, desafiando las leyes de la gravedad, rebotando como un muñeco de goma sobre el piso, bailando como si sus pies tuvieran autonomía propia. La espera lo lleva desde la efusiva dulzura hasta la frustración de la impaciencia, la bronca incontenible e incluso hasta la autodestrucción: sus fallidos intentos de quitar su vida agregan un toque de gracia a tan existencialista espera.

 “Perderte otra vez”          comedia/dramática/acrobática

Funciones:                         MIÉRCOLES  20.30HS. El Cubo: Pasaje de artistas

                                         Zelaya 3053, Abasto,

                                            Ciudad de Buenos Aires.

Autor e Intérprete:               Emiliano Dionisi

Dirección:                            María Rosa Frega 

 Reservas:                           4963 2568

Localidades                              desde $40

Producción general:                SEBASTIAN EZCURRA

Diseño acrobático:                  GLORIA VILLAVICENCIO

Coreógrafos invitados:           FLORENCIA BORDOLINI, LUCIANO CEJAS,

                                            EMMANUEL ROBREDO ORTIZ

Vestuario y  diseño espacial:   CLARISA GARCÍA

Diseño de iluminación:            CLAUDIO DEL BIANCO

Diseño gráfico:                         PUNTO AHÍ 

Diseño de arte y realización:  GABRIEL BEZUS ESPINOSA

EMILIANO DIONISI

Premio ACE 2006 “revelación masculina” por “El pan de la locura”

Premio Teatro del mundo 2009 “mejor actor” por “De Hombre a Hombre” Premio María Guerrero 2009 “estímulo” por “De Hombre a Hombre” y “Titulares”

 MARIA ROSA FREGA  Premio Estrella de Mar 2000 “mejor actriz de reparto” por “Mataras a tu madre” Primer premio festival internacional de monólogos 2004 por “La Suplente.” Premio Festival Internacional Otoño Azul  “mejor actuación femenina” 2006 por “La Suplente”.

"Glew," o lo que sucede durante los ensayos, espectáculo de Marcelo Bilezker en el Tadron teatro de Buenos Aires

"Glew," o lo que sucede durante los ensayos, espectáculo de Marcelo Bilezker en el Tadron teatro de Buenos Aires

“Glew” es el nombre algo enigmático de un espectáculo que Marcelo Bilezker ha imaginado como un comentario mordaz sobre lo que sucede entre los actores y el director durante el montaje. Pretende además romper los estereotipos, pues la historia va por un lado, los conflictos en el elenco por otro e incluso una actriz  que ocupa un asiento entre los espectadores de repente se revela como un personaje importante en la obra.

Cuando comienza la acción un hombre y una mujer aparecen frente a una cama cubierta de abundantes colchas, de un rojo furibundo. Ella, joven y apenas vestida, lo inunda con un coqueteo simpático; el señor encuentra difícil resistirla. Pero en realidad quiere separarse de ella, cosa que ella no quiere que suceda. De repente hay un corte en la acción y el director reta a los actores.

En el ir y venir entre la historia “real” y los conflictos con el director u otros  integrantes del elenco, la tensión va subiendo y bajando a través de acciones y secuencias ensayados que el espectáculo entrega en cuentagotas a los espectadores.

¿Cómo se resuelve el asunto? Mejor ir al Tadron Teatro cualquier sábado a las 21 horas preparado para alguna sorpresa.  

 

TADRON TEATRO

Sábados 21 hs

Niceto Vega 4802 (esq. Armenia)

Reservas: 4777-7976

 Entradas: $40. Desc a estudiantes jubilados $30.  

Elenco:

Yasmín Gutiérrez, Daniel Higa, Guido Silvestein, León Perazzone, Soledad Perchante y Daniel Napolitano.

 Escenografía y Vestuario: Lorena Segovia

Asistencia de dirección: Euge Demarco

Fotografía: Natalia Fried

Prensa: Laura Castillo

Gráfica: Mariana Rovito.

Colaboración especial: “El arte de fluir” www.artedefluir.blogspot.com

Puesta en Escena e Iluminación: Lili Blanca Kohon

Dramaturgia, Dirección General y Producción: Marcelo Bilezker

"Recuerdo falso," una reconstrucción para el escenario de Patricia Suárez del cuento "La dama del perrito" de Antón P. Chéjov

"Recuerdo falso," una reconstrucción para el escenario de Patricia Suárez del cuento "La dama del perrito" de Antón P. Chéjov

Un texto que comienza con un ferviente y  prolongado abrazo entre amantes promete fuertes emociones. Es lo  que  sucede con “Recuerdo falso” en la reconstrucción que Patricia Suárez ha realizado para el escenario del cuento de Antón P. Chéjov, “La dama del perrito.”  

Después del abrazo, la verdad aparece en cuentagotas, como suele ocurrir. Ana y Dimitri, no muy felices los dos en sus respectivos matrimonios, se conocieron y se enamoraron (¿?) en un balneario, algo así como el amor a primera vista. Como viven en ciudades alejadas, organizan secretos encuentros apasionados durante los cuales vuelven a contar la historia de su romance.

Hasta aquí, todo muy banal. Sucede que cada uno tiene un recuerdo marcadamente diferente sobre aquel encuentro romántico. Es en los intentos de reconstruir ese encuentro romántico que aparece el eje dramático: el relato de Ana no encaja con el recuerdo de Dimitri, y visa versa. Comienzan las disputas, las discusiones, y terminan discutiendo su separación. Es que en el amor los seres humanos inventamos historias falsas, historias en las cuales cada uno cree ciegamente, y terminamos edificando una ficción.

La mujer y el  hombre son esposa y  esposo de otro hombre y  otra mujer, tienen cada uno una familia con la cual se lleven bien o  no tan bien, pero el fantasma de esa relación formal funciona como una sombra que oscurece la en principio idílico encuentro romántico entre Ana y Dimitri.

La obra está puesta con la simpleza que corresponde: un cuarto antiguo, una cama ampulosa cubierta de colchas rojas, espejos, cortinas.

Si bien el planteo  de la obra es “realista,” al  estilo de las obras de Chéjov, la directora María Rosa Pfeiffer ha logrado exprimir de los actores Cecilia Labourt y Néstor Sánchez un performance transparente, emotivo y por momentos conmovedor.

Funciones                            VIERNES de Abril, Mayo y Junio 23hs. Estreno: 1 de abril.

Teatro del Artefacto,       Sarandí 760 (a 30m de Av. Independencia).  Barrio San Cristóbal, Ciudad de Buenos Aires.

Localidades Limitadas - RESERVAS 4308 3353

Texto, Patricia Suárez

Actuación, Cecilia Labourt y Néstor Sánchez

Vestuario, Silvia Iturraspe

Banda de Sonido, Walter Walker

Diseño de Luces y Espacio Escénico, María Rosa Pfeiffer y Laura Barceló

Diseño Gráfico, Asesoramiento Coreográfico y Asistencia de Dirección, Laura Barceló

Dirección General y Puesta en Escena, María Rosa Pfeiffer

"Adonde van los muertos (lado B)," con el Grupo Krapp en el Espacio Callejón de Buenos Aires

"Adonde van los muertos (lado B)," con el Grupo Krapp en el Espacio Callejón de Buenos Aires

“Yo imagino que cuando uno muere, uno camina desnudo por algún lugar,” dice tranquilo y con cara de poker uno de los protagonistas del espectáculo “Adonde van los muertos (Lado B)” que pisa con humor negro el escenario del Espacio Callejón de Buenos Aires. Claro. Cada uno con su historia de la muerte. Un tema inagotable, trágico, divertido o sin mayores inconvenientes según la persona que entra en contacto con ella, es decir, con esa experiencia tan oscura que nadie hasta ahora ha podido describirla.

Es un excelente punto de partida para un juego teatral, pues juega con el misterio, lo desconocido, la sorpresa, la ignorancia, el asombro, la fantasía, y el cambio radical; además figura en toda la literatura universal y tiene asegurado un futuro…negro. Asimismo supone un replanteo sobre el arte escénico, como también la situación del hecho teatral hoy, y apunta a modificar el concepto tradicional de teatro como producto de un texto.

Los artistas del espectáculo son integrantes del Grupo Krapp, músicos, bailarines y actores especializados en sacar del cuerpo su máxima dosis de creatividad que trabajan juntos desde el año 2000, orientando su actividad a la investigación creativa. Krapp ha presentado obras originales tanto  en Argentina como en importantes festivales de Latinoamérica, Europa y EEUU.

A lo largo de los últimos tres años, el grupo se ha dedicado a la realización de producciones personales, investigando temas como los límites del lenguaje y, como en este espectáculo, la muerte. “Adonde van los muertos (Lado B)” en realidad es una obra que habla de otra obra, de una obra del futuro, de una obra sobre la muerte. Con ese anuncio se inicia el espectáculo.

En el fondo del escenario descansa una pantalla aparentemente trasparente, detrás de la cual opinan un grupo de personajes sobre la muerte como concepto y la muerte como algo un poco más cercana y posible, la propia.

A un costado otros integrantes operan las computadoras o preparan los micrófonos.  La idea del espectáculo es apropiarse de la futura obra, para lo cual se presentan casi como un casting una sucesión de escenas compuestas por material en bruto casi sin editar, exponiendo sin pudor sus mecanismos de construcción, develando sus herramientas, sus pruebas fallidas, las dudas, las preguntas más íntimas, el fracaso completo.

Claro, la intención es trabajar las escenas con un lujo de técnica refinada, pero como si los protagonistas no supiesen nada sobre el tema, es decir, como si siempre intentaran realizar la escena por primera vez, con caras de poker, a veces equivocándose a propósito. De ese modo se logran escenas de gran riqueza expresiva—sin palabras. Cabe destacar el “duet” de voces de dos hombres muertos y la del caballo humano.

Evidentemente surge un problema escénico: la imposibilidad de su representación. Pero, eso sí, uno puede plantear muchas preguntas, y eso hizo el Grupo Krapp:  ¿Es cierto que lo primero que se olvida de alguien que muere, es el sonido de su voz? ¿A quién vería por última vez? ¿Qué prefiere: bailar la muerte o matar la danza? ¿Es la muerte parte de un plan? ¿Dormir es parecido a morir?

 El espectáculo cuenta con un subsidio del Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y las Ciencias de la Ciudad de Buenos Aires.  

Funciones: miércoles 21 horas Espacio Callejón, Ciudad de Buenos Aires

ESPACIO CALLEJÓN

Humahuaca 3759

Reservas al 4862-1167

http://www.myspace.com/grupokrapp/comments

EQUIPO

Creación e interpretación

Luciana Acuña, Gabriel Almendros, Luis Biasotto, Edgardo Castro, Fernando Tur

Coreografía y Dirección

Luciana Acuña, Luis Biasotto

Música original en vivo

Gabriel Almendros, Fernando Tur

Escenografía

Mariana Tirantte

Asistente escenográfico

Gonzalo Córdoba Estévez

Iluminación

Matías Sendón

Dirección video y montaje

Alejo Moguillansky

Asistencia video

Santiago Esteves

Sonido video y sonido en vivo

Rodrigo Sanchez Marino

Iluminación video

Agustín Mendilaharzu

Entrevistados

Julián Tello, Gabriel Barredo, Horacio Barredo, Rodrigo Sanchez Mariño, María Villar, Alejandro Karasik, Nele Wohlatz, Luciana Kirschenbaum, Sebastián Lingiardi, Maitina De Marco, Ambra Maniscalco, Ivan Rudnitzky, Claudia Schijman, Natalí Claut, Gaston Claut, Nicolás Claut, Luis Fernandez Arroyo, Ema Fernandez Arroyo, Martín Sandoval, Guilherme Morais.

Creación

GRUPO KRAPP Krapp dictó workshops y realizó residencias en la Universidad de Austin (Texas-USA), ADF (Durhaim-EEUU), Colgate University (New York-EEUU), Ann Arbor University (Michigan-EEUU) entre otras.

"Amor Mito," un espectáculo de clown en el teatro Actor's Studio de Buenos Aires

"Amor Mito," un espectáculo de clown en el teatro Actor's Studio de Buenos Aires

La técnica de clown permite decir y hacer las cosas de un modo no convencional y la simpatía que emana de sus personajes despierta una conexión afectiva con los espectadores. Es lo que sucede con el espectáculo “Amor Mito,” montado por Leticia Torres y estrenado el 18 de marzo en el teatro Actor’s Studio de Buenos Aires.

Santiago Legón y Juliana Ramírez juegan alegremente alrededor de un sillón, cuando de repente ella le dice que quiere un bebe. Silencio, consternación y espanto en la cara de Santiago. Es decir, una situación que en una pareja ha de producir una profunda sensación de bienestar, o bien motivar una discusión a largo plazo, se sintetiza en el estrujamiento del hombre. ¿Es el momento? ¿Los pañales? ¿Las noches sin dormir? ¿Los celos? ¿Ha perdido el hombre su rol exclusivo? ¿Y la sexualidad?

El espectáculo de clown en realidad habla de los cruces que aparecen en la vida de una pareja desgastada por el paso del tiempo, en el marco de una mirada desde el clown de la mitología del amor, de Cupido, del deseo, de los miedos, las dudas, y la ironía que necesariamente acompaña el amor.

Si bien en la función del 25 de marzo, hubo una franca mayoría de mujeres jóvenes, Juliana salta entre las butacas buscando un hombre y encuentra dos o tres para confesar: “¡Te amo! ¡Te amos!” De ese modo el espectáculo burla también de las barreras tradicionales entre público y el espacio escénico, la famosa cuarta pared.

El tiempo histórico no es un tema, pues la idea es hablar sobre las dificultades que los hombres y mujeres de hoy experimentan, pero en el contexto de la vasta mitología que ha emergido durante la vida de los seres humanos.

Se ha dicho que Venus era la diosa del amor y Marte el dios de la guerra, por ejemplo. De esa unión nació Cupido, un niño atrevido capaz de impartir el deseo en la tierra. Los dos clowns juegan con la complicada mitología amorosa, pero en realidad quieren hablar del amor y del sexo en su versión contemporánea.

Es un espectáculo entretenido y apto para padres e hijos adolescentes.

FUNCIONES:                        VIERNES, 22.30 HS.

Teatro  Actor’s Studio       Avda. Díaz Vélez 3842

Entrada:                              $40 (Est. y jub. $30)

Reservas:                           4958-8268

Duración:                          60 minutos

ELENCO

SANTIAGO LEGÓN                   RAMONAGLETTI

 JULIANA RAMÍREZ                           LÍBIDO

DIRECCIÓN                                      LETICIA TORRES

DIRECCIÓN DE MOVIMIENTO    GEORGE LEWIS

ASISTENTE DE DIRECCIÓN         ROCÍO ORLANDINO

ARTE                                             ANALÍA GAGUÍN

ASISTENTE DE VESTUARIO     EMILIA DEMICHELIS

DISEÑO DE ILUMINACIÓN    OMAR POSSEMATO / GONZALO CALCAGNO

 FOTOGRAFÍA                         GABY LASTMAN

 DISEÑO GRÁFICO                GABIE BONDANCIA

DRAMATURGIA                  Santiago Legón, George Lewis y Juliana Ramírez

Blog:                                     http://amormito.blogspot.com

Contacto:                            amormito@hotmail.com

 La directora:                          

 LETICIA TORRES Estudió actuación en la Escuela de la Asociación Argentina de Actores. Como actriz trabajó en Y.O. unipersonal de su autoría, dirigida por Maximiliano Sarramone, que tuvo excelentes repercusiones en 2010. Además, integró el elenco de la exitosa obra Mujeres en el baño, en el teatro Picadilly y de Hotel melancólico, ambas obras de Mariela Asensio. Este último  trabajo le valió la nominación al premio Teatro del Mundo como mejor actriz. Se destacó también en León, el inútil, de Francis Monty, Pileta libre, de Karina Androvich y El aprendiz, de Pablo Shilton. Integró el elenco de Juego de salón, dirigida por Bob Barr y Carlos Nicastro con la que participó del X Festival Internacional de la Habana, Cuba. Dirigió los espectáculos para niños El país de los sin ceros y El reino de los Mastrototti, de su autoría, y para adultos el espectáculo de clown Bodegón y las varieté de payasos El mezcladito, Clavinclaun Varieté, Payasos mutantes y De Taquito. Dirigió también el espectáculo Última función, del que también es autora. Realizó la asistencia de dirección del espectáculo Popovski, el chow, dirigido por Enrique Federman. Actualmente dirige Las impacientes Polonski. Como actriz se encuentra ensayando el espectáculo Mundo fabril, dirigida por Román Podolsky a estrenarse en marzo de 2011. Participó en el mediometraje Al borde, del director español Diego Casado Rubio.

 

 

 

JULIANA RAMÍREZ GISBERT

 Se formó como actriz con Leandro Rosati, adentrándose en el teatro de humor musical, que pronto derivaría en el estudio de la técnica específica del clown de la mano de Pablo De Nito, Guillermo Angelelli, Cristina Moreira, Hernán Gené, Marcelo Katz y Raquel Sokolowicz. Participó de diversos espectáculos humorísticos como Es lo que hay durante dos años consecutivos en el teatro El Vitral, Zapala, participando también como autora, ¿Queres? (o tentaciones de la vida cotidiana), teatro danza sobre patines en el Centro Cultural Carlos Gardel y en varietés de clown como La Variada y Clown en Chancleta. Como clown, se encuentra realizando funciones del espectáculo Hazañas en el Centro Cultural Recoleta, bajo la dirección de Marcelo Katz y Marcos Arano. Trabaja como animadora de shows, performances de humor circulante para eventos, y en su formación como docente de teatro, transita su último año en el IUNA.

 

SANTIAGO LEGÓN

Se formó como actor con Carlos Gandolfo, entrenó clown varios años con Marcelo Katz, y hace técnica vocal con Mariana Clusella. Además realizó varios seminarios específicos con Eric Morris, Hellen Gallager, Nestor Romero, Guillermo Angelelli, Pablo de Nito y muchos más. Durante el 2010 formo parte del elenco de Chingoil Compani de Jorge Accame bajo la dirección de Ximena Belgrano Rawson y protagonizó su espectáculo de humor a dúo Arrollado Primavera Verano. Fue integrante del elogiado elenco de Aguas (de Marcelo Katz), un espectáculo de clown muy exitoso que sigue desarrollando funciones alrededor del mundo y fue nominado para los premios ACE. Participó, encarnando también a su clown Ramonagletti, en "Tierras", "La Variada", "Universo Paralelo", "Choquen los 5",  y el programa de TV "Taller de Cine". Hace ya 10 años formó el trío de humor PASTICHE junto a Greta Berghese y Lorna Lawrie que recorrió bares y teatros off con sus desopilantes shows humorístico-musicales, del cual derivó su exitoso emprendimiento de shows para fiestas Mozos Locos que ya lleva 8 años de experiencia en humor circulante. Protagonizó como actor también Es lo que hay durante 2 años y Otr@s Canciones en sus 2 temporadas. Su experiencia abarca teatro infantil, teatro en inglés (con la Compañia Buenos Aires Players), musicales, instalaciones, cortos televisivos, publicidad, cine y tv.

"Cadáver exquisito, una frase hecha," estreno de un espectáculo sobre la escritura en el nuevo teatro La Mueca de Buenos Aires

"Cadáver exquisito, una frase hecha," estreno de un espectáculo sobre la escritura en el nuevo teatro La Mueca de Buenos Aires

En “Final de novela en Patagonia,” el escritor Mempo Giardinelli dice: “Toda obra artística que merece ser considerada como tal modifica y subvierte un orden establecido.” No sabemos si comparten el concepto el director y el elenco del espectáculo “Cadáver exquisito, una frase hecha,” espectáculo que se estrenó anoche en el nuevo teatro La Mueca de Buenos Aires.

Pero el espectáculo, escrito y dirigido por Lalo Lanusse, busca claramente romper con los estereotipos teatrales y entretenerse un rato con el trabajo de un escritor medio pelo, obsesionado en su intento de encontrar relatos verídicos para su primera novela.

La idea del texto se remota a una frase escrita por los surrealistas a principios del siglo pasado: “Le cadavre-exquis-boira-le vin-nouveau” (El cadáver exquisito beberá el vino nuevo). Se trataba de un juego de mesa en el cual los jugadores escribían frases u oraciones por turno en una hoja de papel, la doblaban para cubrir parte de la escritura y después la pasaban al siguiente jugador, que sólo podía ver la última parte de lo escrito por el anterior.

Es decir, se suponía que la creación debe ser anónima y grupal, intuitiva, espontánea, lúdica y, en lo posible, automática.

Mucho de estos conceptos están en el espectáculo estrenado en el nuevo teatro La Mueca, pero además se ha agregado elementos actorales novedosos. Por ejemplo, ir de un discurso normal a un idioma inventado (ya insinuado por la mujer que por los parlantes pedía el apagón de los teléfonos y advertía sobre la ubicación de las salidas de emergencia y  los ”chalecos salva-vidas”).

Los tres personajes (dos hombres y dos mujeres), con gestualidad bien comprendida entre la mayoría del público juvenil, se encuentran en la casa del escritor. Lo que sucede allí es una comedia de juego doble (o triple), aunque todo tiene que ver con la página blanca del escritor, la codicia, la violencia verbal, los celos, la creación no-tan-colectiva, los estereotipos sociales más extremados y las situaciones verisímiles menos esperados.

Cabe mencionar que todos los integrantes del grupo de trabajo, incluidos autor y director, actores y asistentes, fueron formados y trabajan activamente en la escuela Odiseia, ya sea como profesores, directores, asistentes o alumnos. Cuentan con una formación en teatro de hace más de diez años y todos ellos, entre otras experiencias en teatro, cine y televisión, estudian o estudiaron actuación con Martín Blanco, director de la escuela, maestro de actuación y director de más de veinte años de experiencia en el rubro.

Elenco:

Alejandro Zocchi, Chantal Glansdorp, Patricia Martorelli, Natalia Tormo y Joe Seitún *Durante las funciones del 25 de marzo y 1 de abril Chantal Glansdorp será reemplazada por Patricia Martorelli.

 Asistencia de dirección:     Julio Aranguren y Juan Pablo Torrado

Iluminación y escenografía: Lalo Lanusse y Martín Blanco

Orientación artística:           Martín Blanco

Producción:                            Odiseia, Club de Teatro

Libro y dirección:                  Lalo Lanusse

 

Funciones:                          Viernes 23.30hs

Teatro La Mueca -                             Av. Córdoba 5300

Localidades:                                        $40

Reservas                                            4777.0825

http://www.lamueca.com.ar

Estreno de "La felicidad según Mabel Riviere," escrito y dirigido de Jorge Acebo

Estreno de "La felicidad según Mabel Riviere," escrito y dirigido de Jorge Acebo

Mabel tiene 52 años, está en crisis con su propia identidad, con su familia, con todo el contorno, padece fuertes estados de depresión. Aconsejada por su terapeuta profesional--tan harta de su paciente que llega a ejerce mal praxis sobre ella--Mabel acepta alegremente la idea de ir a buscar su propia felicidad sin tomar en cuenta su familia. Todo termina en una terrible tragedia, tal vez insinuada por el mismo texto: "¿Hasta qué estarías dispuesto a hacer para lograr alcanzar la felicidad en tu vida?"

El espectáculo intenta ser a la vez super realista e irónica y gracias al oficio de los actores llegar a entretener. Pero...¿se justifica el final? Habrá que verla para encontrar la repuesta.

Funciones:

Sábados 23:00 horas

Teatro: Andamio 90, Paraná 660, Capital Federal

Reservas al 4373 5670

Localidades: $40 (Desc. Estudiantes y Jubilados $25)

http://www.lafelicidadsegunmabelriviere.blogspot.com