Espectáculos (Shows)

"4.48 Psicosis," espectáculo desgarrador de Sarah Kane en el teatro El Espión de Buenos Aires

Antes de quitar su propia vida a los 28 años, la escritora británica Sarah Kane escribió una atormentada y desgarradora narración teatral que—mediante varias voces aparentemente sintetizadas en una sola—indaga  profundamente sobre una crisis depresiva, utilizando una especie de collage de fragmentos, memorias, diálogos, chistes y paranoias hospitalarias.   

En la puesta de 4.48 Psicosis montado por Rafael Garzaniti en el teatro El Espión de Buenos Aires, el personaje se desdobla en dos actrices, decisión que permite explorar hábilmente la intención de la autora de entrar en la mente depresiva mediante fragmentos en vez de emplear un argumento lineal.

Dice Garzaniti: “buceamos en el universo agrio de síntomas y signos que señalan el título del escrito-dramático 4.48 Psicosis, las horas y minutos del síndrome de abstinencia y aparente recuperación de un cuadro dependiente.”

Es un texto muy exigente. La obra de Kane incluye muy pocos señalamientos sobre cómo interpretarla. Es una tragedia dialéctica de una escritora que reconoce su creatividad y sin embargo no puede liberarse de la dispersión de la depresión aguda. Kane explora los límites recurriendo a fragmentos que funcionan como células de una propuesta que escava en la poesía, en una lucha de la protagonista de mantener su autonomía frente al impulso de quitarse la vida.

“Estoy triste y nada me satisface...no puedo escribir…no puedo coger…estoy gorda…nadie me toca…nadie me acerca…”, frases entrecortadas que nos hace reflexionar sobre la división entre la razón y la locura. También hay elementos raros, como los números (la hora 4.48 sería la hora de más suicidios).

Pero no se trata simplemente de un testamento de una persona a punto de matarse; está el proceso creativo, la añoranza por el amor sin condicionamientos,el deseo de recuperar la salud, el diálogo entre la autora y su obra, entre ella y el público, la estructura de un relato sobre la desintegración, la tensión y claridad de la protagonista en su momento más negro…  

En la puesta de Garzaniti una actriz se viste de negro, otra en blanco, a un costado una enorme tela verde-azul. La actuación es muy acertada, precisa, convincente; las dos actrices se cumplimentan perfectamente. Pero hubiéramos querido una puesta sin la tela, con las frías paredes oscuras como único marco del espacio escénico.

 Funciones:    Viernes 23 horas en el Teatro El Espión, Sarandí 766, Ciudad de Buenos Aires

Reservas:        49436516.

Email: [e-mail]

siDirección:        Rafael Garzaniti

Textos:            Sarah Kane

Actrices:          Giselle Glinka y Valeria Barone

 

"Desbocado," espectáculo de Leandro Gazzia, se estrenó en el Moliére Teatro Concert de Buenos Aires

Cantar y bailar y hablar a mil alegremente, melancólicamente, desordenadamente, con amor, pasión, humor desbordante y mantener al mismo tiempo un gran sentido musical, gestual y coreográfico es la propuesta del espectáculo “Desbocado,” que se estrenó anoche en el Moliére Teatro Concert de Buenos Aires.

Inspirado en el Café Concert, con monólogos a mil, humo, canciones, sketches y más todavía, es un show de palabras deslumbrantes, un repaso a veces dolorido a veces desgalichado (De La Rúa, Alfonsín, los militares…) de la historia argentina y de su cultura particular.

No falta casi nada: a partir de un artista verborrágico, multifacético, agudo, que baila y canta y declama como un apasionado, se refleja un sinfín de temas, desde el amor, la pareja, el sexo, la religión, la política, los medios, escenarios tragicómicos de la vida cotidiana.

Lo acompañan en su diversión bailarines y cantantes contagiados por el vértigo. Con la coreografía de Leandro Gazzia, los cantantes Gonzalo Alvarez y Vanesa Martínez; bailarines Bailarinas: Rocío Juri, Malu Lafogianis, Verónica Pacenza, Yanina Ruiz DíazBailarina Suplente: Sofía Sancinetti.

Asistente de Coreografía: Verónica Pacenza

Dirección Vocal | Asistente de Dirección: Francisco Caimmi

Arreglos | Música Original: Gustavo Calabrese

Stage Manager: Viviana Pastorino

Vestuario: Alfredo Miranda

Asesora Legal: Valeria Mon

Comunicación Visual: 3MONOS

Producción General: Claudia Muscatello

Libro original, dirección y coreografía: Leandro Gazzi.

Jueves 21 horas, Moliére Teatro Concert, Balcarce 682, Ciudad de Buenos Aires.

Prensa y difusión: Andrea Feiguin: 4953 7258   /  155062 1635

 LEANDRO GAZZIA

Autor, coreógrafo, actor y cantante.Leandro, es un artista multifacético que comenzó su carrera de la mano de Pepe Cibrián Campoy.Participó como protagonista o co-protagonista en numerosas comedias musicales: Drácula, Las Mil y una Noches, el Fantasma de Canterville, Calígula, Aquí no podemos hacerlo y Alondra.Trabajó con grandes figuras del espectáculo como Laura Fidalgo, Denise Dumas, María    Eugenia Ritó, Raúl Lavié, Ethel Rojo, Norma Pons, Claudia Lapacó, Marcelo Mazzarello y El Negro Alvarez, entre otros. PremiosCarlos 2004 (Mejor Bailarín por Humor Gitano).Carlos 2010 (Mejor Cuerpo de Baile por Bajo sin Tintos).

"Seca," un espectáculo que explora el contraste entre lo exterior y lo interior

Podrá ser libia, podría ser Argentina 2001. En realidad, podría ser cualquier país. Afuera hay lucha, guerra, sangre, caos social, saqueos, tiroteos, gritos. Adentro, en la pieza de los tres protagonistas, hay otra lucha, de otro perfil. Falta agua potable, comida, en el aire flota una sensación de paranoia.

Es un tema bien teatral. Tanto en la dramaturgia de Lucas Lagré, como en la dirección de “Seca,” se nota la intención de plantear el conflicto entre algo que corrompe; está afuera, expresada en la violencia; pero está en la interioridad de los personajes de Javier, de sexualidad no definida, Julia, una muchacha joven y anoréxica que siente repulsión por su imagen y no sabe cómo relacionarse con Javier; entra Gustavo, un vecino, herido, y las cosas se complican, pues busca asilo y algo más, un algo que nunca queda muy claro.

     El director explica: “Seca indaga en un universo de personajes que, inmersos en sus conflictos individuales, no son capaces de ver más allá de sus propias necesidades. Desean encontrar en el otro un refugio, un espacio de seguridad, pero el miedo al rechazo es tan fuerte que los paraliza. La importancia que depositan en la mirada del otro los convierte en seres que buscan desesperadamente evitar la exposición.  Sin embargo, ¿tendrán la fuerza necesaria para silenciar lo que sus cuerpos piden?"

Elenco: Matías Marmorato, Verónica Intile y Sergio Ballerini.

Dramaturgia y dirección Lucas Lagré

Funciones jueves 20:30 horas en Teatro El Extranjero, Valentín Gómez 3378, Capital Federal, Argentina.

Reservas: 4862 7400    http://www.elextranjeroteatro.com

 

"Mujeres de ambas clases," espectáculo sobre textos de José Sanchis Sinisterra en el teatro Carbonera

Las mentiras que ocultan la opresión de la mujer es un tema muy complejo que el dramaturgo español José Sanchis Sinisterra ha abordado con gran sutilidad. Con gran cuidado, y sobre textos del premiado escritor español, Dora Milea ha montado el espectáculo "Mujeres de ambas clases" en el teatro Carbonera, un ambiente de vanguardia en el barrio San Telmo, en la ciudad de Buenos Aires.

A Sinisterra le interesa la naturaleza doble de literatura y escena, es decir, qué sucede a las palabras cuando son pronunciadas ante espectadores en un teatro, la transformación de los significados al pasar de la lectura individual a la acción y la exposición frente al público expectante.

La puesta de Dora Milea responde plenamente a esta inquietud: un escenario prácticamente vacío sobre un espacio limitado en forma de tabla de ajedrez, adornado únicamente por varios pares de zapatos femeninos que corresponden a los personajes de la historia.

Los movimientos escénicos son muy precisos y claramente delimitados; las actrices emplean el mínimo de gestualidad, excepto en los momentos de explosión emocional; asimismo se pone en funcionamiento con mucho éxito las pausas, los silencios, la deliberación que sucede en el interior de cada personaje.

Si bien no hay mención en la obra de la situación específica de la mujer española, se sabe que subsiste en España, como en muchos países que gozan de un relativo bienestar social, un elevado nivel de agresión entre los géneros, de violencia doméstica. Detrás de las reiteradas aseveraciones que insisten en el buen funcionamiento de las cosas, frecuentemente hay razones para sospechar exactamente el contrario: la obra está basada en estos polos opuestos, investiga las realidades complejas sumergidas y a menudo no expresadas.

Entonces, a través de textos muy bien elaborados, tamizados mediante movimientos mínimos, gestos diminutos, el espectador entra en el mundo de las protagonistas, medita y de alguna forma participa en la reformulación de las problemáticas, la identidad de la mujer en el contexto familiar, su rol social.  Es como una ventana se abriera permitiendo al espectador ver lo puro y lo abyecto, el dolor y el amor de cada uno de los personajes.

Nos encontramos con verdades, verdades a medias, pedazos de verdad, la bronca, la furia, mentiras, engaños, interpretaciones subjetivas, los límites de la comunicación, los sentidos alterados, el lenguaje y sus condicionamientos. Todo sucede sobre un espacio cuadrado, blanco, negro y gris, reflejo del encierro; también espacio que promete la posibilidad de la liberación.

Las actrices ArantzaAlonso, Ruth Pallejá y Zaida Rico logran procesar textos largos y complejos con tensiones mínimas en sus cuerpos, la respiración controlada y la mirada bien concentrada.

Domingos                                          20.30hs. Hasta el 27/11/2011

Teatro La Carbonera * -               Balcarce 998, Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Teléfonos:                                         4362-2651

Localidades:                                     $ 50,00

Dramaturga:                              Anabel Cristóbal

Elenco:                                       Arantza Alonso, Ruth Pallejà, Zaida Rico

Voz en off:                                        Osmar Núñez

Escenografía y vestuario:            Alejandro Mateo

Iluminación:                                     Leandra Rodríguez

Producción sonora:                       Julieta Milea

Fotografía:                                        Akira Patiño

Diseño gráfico:                                Sergio Calvo

Realización de vestuario:           Susana Sánchez

Producción ejecutiva:                  mujeresdeambasclases

Nos hace la prensa:                       TEHAGOLAPRENSA

Dirección:                                          Dora Milea

Textos:                                                José Sanchis Sinisterra

 

JOSE SANCHIS SINISTERRA (España): Premio de Teatro “Carlos Arniches” (1968), Premio de Poesía “Camp de l’Arpa” (1975), Premio Nacional de Teatro (1990),  Premio “Lorca” (1991), Premio de Honor del Instituto del Teatro de Barcelona (1996), Premio “Max” al Mejor Autor (1998 y 1999), Premio Nacional de Literatura Dramática (2003). Premio “Life Achievement Award” del XXIII International Hispanic Theatre Festival de Miami (2008).

 

DORA MILEA dirigió las siguientes obras:"Elvira" de Julio Mauricio, Convenio entre el teatro Nacional cervantes y la Municipalidad de Unquillo para el plan Federal 2010. "El libro de almohada" de Pedro Sedlinsky, Teatro Eclèctico (2010).   “Telémaco” de Marco Antonio de la Parra. Teatro Nacional Cervantes, y gira Nacional.  “Bang”  Obra de su autoría Teatro La Carbonera. “Maribel y la extraña familia” de Miguel Mihura, teatro Taller del Ángel. “La música” de Margaritte Duras Teatro Del Nudo. “Vayamos a lo profundo” espectáculo de humor de R.Fontanarrosa,  G. Gambaro,  A. Cuzzani  y J.Garcia Alonso  teatro La Carbonera. “Qué cosa es el amor” espectáculo musical  Teatro Ecléctico. “El corazón del mago” de P. sedlinsky teatro La Carbonera.  “Rudolf” de Patricia Suárez, Teatro Nacional Cervantes y gira nacional   Nominación premios A.C.E  en los rubros “Mejor dirección de obra dramática” y “Mejor actriz dramática”  “Antígona” de Jean Anouilh “La Carbonera” Nominación premios A.C.E. en rubro mejor actriz protagónica de teatro OFF.   “La voz humana” de Jean Cocteau. Teatro La Carbonera. “Berlín ya no usa Rouge” de Ramón Moller. Teatro Espacios. “No es bueno que el hombre este solo” sobre cuentos de Abelardo Castillo, teatro La gran Aldea. “Cuzzani el breve” sobre cuentos de Agustín Cuzzani. Teatro Del Muelle auspiciada por la Municipalidad de Puerto Madryn.  Integró el jurado del premio “Trinidad Guevara” otorgado por el Gobierno de la ciudad de Buenos Aires a la labor teatral, edición 2006.  Dictó clases de actuación en el IUNA . Desde el 2008 forma la compañía de teatro Kantepri desempañando el rol de dirección  y en la que incursiona como dramaturga.  Conduce un taller de entrenamiento para actores en el teatro La Carbonera.  Participa de la Compañía E como actriz. integrando el elenco de “En Alta mar”, de Swomir Mozrek, Teatro “La Carbonera” Con la misma compañía interpreta a la Sra. Rooney en la pieza radiofónica de Samuel Beckett  “Los que caen”,  participa de la performance sonora de dicha obra en el centro Cultural Ricardo Rojas y en el Festival de Escena Contemporánea –Madrid- España-  2008.  La Compañía E  es un grupo estable de experimentación teatral e inicia sus actividades en 1996 bajo la dirección de Leandra Rodríguez.  Además realiza algunas acciones callejeras con dicho grupo. Como asistente de dirección  entre el 2001 y 2005 se desempeña en el Teatro Nacional Cervantes acompañando la labor de directores como Juan Carlos Gené, Tamzin Towzend, Francisco Javier, Lorenzo Quinteros, Leonor Manso, Daniel Veronese, Carlos Alvarenga, Virginia Lago, Hugo Urquijo, Oscar Barney Finn, entre otros.  Entre 1989 y hasta el 2001 desarrolla su carrera en producciones teatrales dentro del ámbito comercial. Trabaja con Oscar Barney Finn, Ricardo Darin, Miguel Ángel Solá, China Zorrilla, Rodolfo Beban, Alejandra Boero, Agustín Alezzo, Oscar Martínez, Virginia Lago y Julio Baccaro entre los más destacados. Coordina extensas giras nacionales e internacionales de las siguientes obras: “Eva y Victoria” con China Zorrilla y Luisina Brando, “Vita y Virginia” con Elena Tasisto y Leonor Benedetto y “Cartas de amor” con Rodolfo Beban y Graciela Borges.  

"Estampas del reflejo absurdo," espectáculo conmovedor de Helen Nesis en el teatro El Espión de Buenos Aires

Vivimos en una sociedad dividida en capas sociales que a menudo no quieren saber nada de su “submundo,” hombres y mujeres arrojados de su seno  que duermen en las calles y luchan por una esquina como si fuera su casa. El espectáculo “Estampas del reflejo absurdo,” indaga sobre este fenómeno al poner en el escenario (un espacio bajo la autopista) cuatro marginales, dos hombres y dos mujeres; todos ellos endurecidos y quebrados por la miseria, la pobreza, la discriminación, el frío, el hambre, los sueños no cumplidos; seres que sin embargo viven sus emociones con gran intensidad.

La propuesta teatral propone un estilo ultra-realista matizado por el absurdo y además agrega una dimensión fotográfica, congelando las acciones en momentos claves para proyectar sobre la pared construida de viejos colchones la imagen de los protagonistas.

De ese modo las situaciones van sucediendo a modo de cuadros o “estampas,” permitiendo una breve meditación sobre diversas circunstancias; como si el reloj dejara de avanzar por un instante. El texto elabora con gran cuidado cada personaje; dentro de la ruina y tristeza de cada uno nacen conflictos de gran intensidad, suavizados con el amor y la solidaridad.

Llama poderosamente la atención la gran habilidad física de los actores: sus explosivas y precisas acciones combinadas con cambios de ritmo producen intriga y constituyen el complemento exacto para la interpretación del texto de Helen Nesis.

Funciones: viernes a las 21:30 horas en el teatro El Espión, Sarandí 766, CBA.

Reservas:       4943 6516/ 15 5929 9065

Entradas:       $35, estudiantes y jubilados $30

WEB:             http://www.teatro-el-espion.com.ar

Autora:                      Helena Nesis

Intérpretes:                Silvio Parapugna, Belén Sosa, Emilio Vittor y Jennifer Dondi

Música Original:       Matías Villarruel- 

Diseño de Luces:       Magali Acha- 

Escenografía:            Magali Acha-

 Diseño de Vestuario: Cecilia Zuvialde. 

Realización de Vestuario: Laura Quintana-

 Peinados y maquillaje: Paula Varela- 

Fotografía: Juan Zysman

-Operador de luces:  Ana Siniego.

Operador de sonido: Matías Villarruel- 

Prensa:                      Laura Castillo- 

Asistente de dirección: Matías Villarruel-

 Dramaturgia y Dirección General: Helena Nesis.

La obra cuenta con el apoyo del Fondo Nacional de las Artes 

Helen Nesis

Egresada 1984 del Colegio Nacional Buenos Aires. Licenciada en las Artes ( Universidad de Buenos Aires).

FORMACIÓN ACTORAL Y DOCENTE:
1979: Asiste al taller de teatro para niños en el teatro I.F.T dictado por la Profesora Azul Quirós.
1980: Integra el Coro de Músicos Independientes ( M.I.A) dirigido por Lito Vitale.
1981: Asiste a curso de teatro para adolescentes dictado por Roberto Saiz. (Perteneciente al Grupo de “Los Volatineros) dirigido por Francisco Javier.
1981: Asiste a cursos de Danza contemporánea en el estudio de Roxana Grinstein.
1983-85:Asiste a cursos de teatro 1ero y 2do nivel dictados por Silvina Sabater y Jorge Delía.
1984-85: Realiza Seminario de Clown en el teatro I.F.T.
1987-89: Realiza el curso completo en la Escuela de Teatro de Buenos Aires (E.T.B.A) con el profesor Raúl Serrano.
1988-89: Asiste al curso completo de 1er y 2do nivel de Técnica vocal expresiva para el actor dictado por Carlos Demartino y Liliana Flores.
1988: Ingresa a la Escuela Municipal de Arte dramático( EMAD).
1989: Asiste a grupo de estudio para la formación pedagógica teatral para niños y adolescentes dictado por Alejandra Balado.
1990: Asiste a curso de perfeccionamiento en la docencia teatral para adolescentes dictado por Eugenia Levin.
1990: Asiste al curso de Impostación de la voz dictado por Liliana Flores.
1991: Asiste a curso de técnicas corporales para el actor dictado por Susana Yasán.
1991: Asiste a curso de Pedagogía Teatral para niños dictado por Roberto Vega.
1991: Asiste a Seminario de TEATRO-IMAGEN dictado por Javier Margulies.
1992-93: Asiste a los seminarios I y II de perfeccionamiento actoral dictados por AUGUSTO FERNÁNDES
1994: Asiste a curso de Canto con Patricia Balado en la Escuela de Rubens Correa.
2001: Asiste a curso de actuación dictado por Ricardo Bartis. 

2009: Curso de expresion corporal en la asociacion argentina de actores con Deborah Kalmar
2010: Brinda charla en la Escuela de cine CYEVIC para cursos de alumnos de la carrera sobre la actuación y dirección de niños en cine.

TRABAJOS REALIZADOS COMO ACTRIZ:

1989: VECINOS Y PARIENTES de Julio Ardiles Gray en la sala Comuna Baires de San Telmo con la Dirección de Hugo Massola.

1989: SOBRE YERMA adaptación del texto “Yerma” de garcía Lorca realizada y dirigida por Víctor Mayol. En el Teatro “LA CAMPANA”.

1990: EL VUELO DE LAS GALLINAS de Hebe Serebrisky, Dirección Gral: M.Teresa Gioia en la sala de la E.T.B.A.

1991: BOEDO CASI AVDA DE MAYO de Eduardo Fredda. Dirección: Eduardo Pavelic. Primer premio en concurso de Autores en el Teatro I.F.T

1994: RAJEMOS,MARQUÉS, RAJEMOS: espectáculo infantil de Jorge Goldenberg. Dirigida por Helena Nesis. Hecho en gira y para escuelas primarias.
1999: LA LEY DEL GALLINERO de Vicente Zito Lema. Dirigida y actuada por Helena Nesis.

2008: Madres de Tela de Corina Harry. Dirigida por Eduardo Meneghelli. Protagónico.TEATRO EL ESPIÓN.SARANDÍ ###.

TRABAJOS EN T.V , CINE y PUBLICIDAD:

1990: Bolo para Televisión en “El mundo del juguete” (Canal 2)

1991: Cortometraje premiado por Bienal de Arte Joven “Al Caleidoscopio” Personaje protagónico. Dirección: Yamila Volnovich.

1992: “Los Visitantes” personaje protagónico cortometraje para televisión realizado por los alumnos de la carrera Imagenm y Sonido (U.B.A).

1992: Documental Ficción Evento “América 92” con Dirección de Eduardo Mignogna.
1993: Publicidad para Lotería Nacional. Dirección: Eduardo Mignogna

1994: Participación en el film “El lado oscuro del corazón” de Eliseo Subiela

1994: Publicidad educativa sobre prevención en la sexualidad, dirigida por Eduardo Mignogna.

1999: Bolo para televisión en programa “CHIQUITITAS” (Telefé).

1999: Bolo para televisión en programa “COMO VOS Y YO” (Canal 13).

1999: Bolo para televisión en: verano del 98” (TeLeFé).

2000: Bolo para televisión en “Primicias” (POLKA).

2000: Bolo para Televisión en “CAMPEONES” (Polka).

2001: Bolo para televisión en “EL 22” (Polka).2006: Publicidad: HEPATALGINA. Coprotagónico.

2007: PERSONAJE EN LARGOMETRAJE "El infinito sin estrellas" estreno en septiembre 07. dirigida por edgardo gonzalez Amer, ópera prima.

2008: bolo en "Valentino" POL-KA.2008:BOLO EN "Amas de casa desesperadas". Colombia. POL_Ka

2009: representa madre del caso SHOEKLENDER en programa deChiche Gelblung.

2010: personaje de madre en documental sobre la vida de la modelo Daniela Scott, ex-cartonera. para formato televisión y producción japonesa.

OBRAS ESTRENADAS COMO DIRECTORA:

1990: Directora-asistente de la adaptación a teatro de la novela “De ratas y hombres” de John Steinbeck. Sala de La escuela de Teatro de Buenos Aires. Dirección Gral : Raúl serrano.
1991: Directora del Unipersonal HISTORIAS DE UN ENAMORADO. Realizado en base a textos de “Fragmentos de un discurso amoroso” de R. Barthes. Presentado en la sala de la E.T.B.A. luego en la temporada de verano en la sala Victoria Ocampo Mar del Plata.
1993: Inaugura el teatro “El callejón de los Deseos “

1994: Dirección General de la obra infantil: RAJEMOS, MARQUÉS, RAJEMOS. De Jorge Goldenberg.

1994-5: Directora de HACEMOS TODO MAL creación colectiva dirigida y actuada por adolescentes. Realizada en la Sala de la E.T.B.A. Inaugura “El callejón de los Deseos”.

1995-98: Comienza la RESIDENCIA de adolescentes a cargo del equipo de profesores. Helena Nesis ( actuación) Eduardo Meneghelli( entrenamiento corporal) y Patricia Zangaro(Dramaturga, integrada al proceso de la creación de un texto a partir de los actores-alumnos). Consecuencia de ello se llegó a un lenguaje escénico propio y al montaje de un espectáculo. En este marco se han estrenado:

1995: OJOS ACECHANTES ( finalista del concurso “Cuando el arte ataca” teatro Regio.
1996-97: HIC ET NUNC en sala E.T.B.A y en el teatro “DEL OTRO LADO” participa del festival: Encontronazo.

1997-98: FOGATA Y LUNA versión libre de “Cómo os gustéis” de W. Shakespeare.Según dramaturgia de Patricia Zangaro. Sala “El Galpón del abasto”

1997: Ayudante en Dirección de casting para el film “Comodines” para búsqueda de personaje adolescente. (Polka).

1998: PER SPECULLUM de Patricia Zangaro en la sala “La Carbonera”.

1999: LA LEY DEL GALLINERO de vicente Zito Lema. Teatro:El Espión. Participó del festival de teatro en Mar del Plata “EL Borde” organizado por La Bancaria.

2000: PASADOS POR AGUA de Vicente Zito Lema. Sala El espión.

2000: Unipersonal: DRÁCULA, INQUILINO DE LA DESGRACIA de Luis Sáez. Centro cultural Julio Cortázar. Mar del Plata. Y sala El Espión.

2001: LA FAMILIA PÉREZ DE Luis Sáez, Sala El Espión.

2001: UN CUARTO DE HUÉSPEDES de Luis Sáez. Sala El Espión.

2002: PROYECTO CRECER escrita y dirigida por Helena Nesis. Sala El Espión. Obra realizada con alumnas del tercer nivel de su Escuelita de adolescentes.

2003: OBNUBILADA VISIÓN :autora y directora: Helena Nesis. Sala El Espión. Obra realizada con alumnos del tercer nivel de su escuelita de adolescentes. Sala “El Espión.”

2005: "Simulacro de Juventud" escrita y dirigida por Helena Nesis.

2009-2010: "Pisar el palito" de Griselda Gambaro. En la sala teatral EL ESPION.

2009-2010:"CHICAS EN ACCION" infantil para grandes y chicos. Escrito y dirigido por Helena Nesis. Sala teatral "El Espión" y participa de Festival de teatro independiente en ciudad de San Jorge. Pcia de Sanata fé.Tambien realiza funciones a la villa 31 de retiro y a diferentes hogares y escuelas.

2011:"Estampas del Reflejo absurdo" escrita y dirigida por Helena Nesis.

TAREA DOCENTE:

1989-1994: Asistente en cursos de actuación para adultos del profesor Raúl Serrano en su escuela.
1990: Se desempeña como docente teatral en las siguientes escuelas primarias: Escuela y jardín de Infantes ARCO IRIS, escuela MARTÍN BUBER y escuela SARMIENTO.
Desde 1990 hasta el 2003: se desempeña como Directora del área de niños y adolescentes de la Escuela de teatro de Buenos Aires cuya Dirección general ejerce el Prof.Raúl Serrano.

1999-2000: Se incorpora como autor al cuerpo docente el poeta, dramaturgo y periodista: Vicente Zito Lema.

2000: Se desempèña como jefa de Trabajos Prácticos en la cátedra de actuación del profesor Raúl Serrano en La Universidad Popular de las Madres de Plaza de Mayo.

2001: Se incorpora el autor Luis Sáez para La residencia de los adolescentes.

2002: Se desempeña como profesora, dramaturga y directora de sus propios alumnos en todos los niveles.

2003: incorpora área de ADULTOS EN DOS NIVELES (Inicial y avanzados)en su escuelitadel Teatro El ESpión.

TAREA DE DRAMATURGA:

Desde el 2002 escribe los textos que se trabajan en su área de enseñanza. Tanto escenas de ejercicio cuanto monólogos y espectáculos de La Residencia de sus propios alumnos.
2002: PROYECTO CRECER Obra escrita para adolescentes que ahonda la temática y problemática de los jóvenes. Sala El Espión.

2002: UN MUNDO DE ESTRELLAS espectáculo Infantil.

2003: OBNUBILADA VISIÓN. Obra de teatro representada por adolescentes alumnos del tercer nivel de su escuelita.

2005: Simulacro de Juventud. (obra escrita para adolescentes)

2007: "Esfuerzos y Tentativas Adolescente" ( escenas y monólogos para ser actuados por adolescentes-jovenes)

2009: Infantil: Heroínas, Chicas en acción".

2011: Estampas del reflejjo absurdo. obra dramática.

 

Web: http://www.teatro-el-espion.com.ar

Sarmiento en el Centro Cultural Rojas, un performance reflexivo

¡Pasa cada cosa en las escuelas! Un grupo de profesores gritan, golpean la ventana del Centro Cultural Rojas y pegan un cartel que dice: “Algo huele mal en el Estado…no al P.E.D.O.”  Entretanto, una chica muy seductora, manos traviesas, inquieta como una adolescente enamorada,  se para delante de otro cartel sobre los vinos “Menem,” invitando un nutrido grupo de hombres y mujeres a probar las bondades de un vino “turbio, oscuro, nada claro.” Moviendo sus ojos de un lado para el otro agrega: “Menem es el trago amargo por excelencia.”

En realidad, no son profesores, son actores: es un espectáculo, “Educación y Distancia,” organizado por la Compañía de Funciones Patrióticas y el Centro Cultural Rojas a los 200 años del nacimiento de Domingo Faustino Sarmiento, una reflexión interdisciplinario acerca del legado de Sarmiento sobre la enseñanza laica, gratuita y obligatoria. El espectáculo advierte mediante el grotesco el final de la Escuela Pública.

Una aclaración: P.E.D.O. no es lo que parece ser; es el Plan de Educación a Distancia Ovligatoria.” La mala ortografía es intencional, corresponde al humor mordaz de la Compañía de Funciones Patrióticas, sintetizado también en la declaración del “ministro de cultura,” que declara en un salón lleno de globos que “De aquí en más todas las escuelas van a ser shoppings.”

                Más que espectáculo, es un performance y forma parte del Homenaje a Sarmiento, “Provinciano en Buenos Aires, porteño en las provincias…ARGENTINO EN TODAS PARTES,” que ha organizado el Centro Cultural Rojas. Los personajes, civilizados, o no tanto, bárbaros, o no tanto, apocalípticos, o no tanto, deambularán por la instalación creada por el artista Claudio Gallina, a partir de objetos del Museo de las Escuelas.

                Alguien explica, con razón, que los pupitres de madera con respaldo firme permitían el crecimiento sano de la columna de los chicos, en contraste con los que se usan actualmente en las escuelas argentinas. Hay dardos por todos lados, incluso mención de la situación en Chile donde los estudiantes luchan por la educación gratuita.  Para la realización de esta performance también se utilizarán objetos del Museo de las Escuelas creados por el artista plástico Jorge Meijide.

Para la realización de esta performance también se utilizan objetos del Museo de las Escuelas creados por el artista plástico Jorge Meijide.

Actúan:

 Paolo Baseggio, Natalia Fernández Acquier, Ernesto Fontes, Leandro Ibarra, Daniel Miranda, Natalia Olabe y Guillermo Valdéz

Luces: Fernanda Balcells

Fotografía: Jorge Marino

Música: Dos Cachivaches

Video y diseño: Paolo Baseggio

Actuación en video: Oscar Ferrero

Colaboradoras: Paula Banfi y Claudia Mac Auliffe

Producción: Natalia Fernández Acquier

Dramaturgia y dirección: Martín Seijo

Quedan tres funciones: jueves 1, viernes 2 y sábado 3 de septiembre, a las

21.30 horas Centro Cultural Rojas

Espacio de Arte + Auditorio

Av. Corrientes 2038. Mail: [e-mail]

Web: http://www.funcionespatrioticas.blogspot.com

La Compañía de Funciones Patrióticas es un elenco estable, en un país por demás inestable, que realiza funciones en fechas patrias y cuyo repertorio debe ceñirse a motivos vinculados al sentimiento patrio y a la historia de nuestro país. Lleva estrenados cinco espectáculos: "El gigante Amapolas", de Juan Bautista Alberdi (2008); "La neurosis de los hombres célebres en la historia argentina", de José Ramos Mejía (2009); "Política casera", de Exequiel Soria (2010); "Tres jueces para un largo silencio", de Andrés Lizarraga (2010); "Historia de cómo nuestro amigo Panchito González  se sintió responsable de la epidemia de peste bubónica en África del Sur / Zona Sur”, de Osvaldo Dragún (2011).

"Su Frida, viva la vida" de Teresa Duggan se despidió anoche del CELCIT

El cuerpo humano es un instrumento tan complejo y versátil que, en manos de artistas talentosos, puede suplantar el lenguaje hablado. En “Su Frida viva la vida,” espectáculo excepcional de Teresa Duggan que se despidió anoche del CELCIT, la historia es contada con el despliegue en el escenario de cuatro elementos comunicativos: danza, música, plástica y teatro, transportando el espectador a ese mundo atormentado, inspirado, fascinante y dolorido de Frida Kahlo.

La puesta de Duggandanza investiga en el escenario las capacidades expresivas del cuerpo mientras pone en funcionamiento una nueva mirada sobre la vida de Frida, en una puesta a la vez compleja y de fácil comprensión. No es que el cuerpo, los gestos, el uso del espacio y la interacción entre los artistas reemplacen las palabras; es otra bella forma de transmitir sentimientos, vivencias y sucesos.

 Aparecen en el escenario varios momentos claves en la vida de Frida, su infancia, el accidente automovilístico, su relación con el pintor mexicano Diego Rivera. Es un espectáculo de pasión, iluminación, investigación de los límites expresivos, en un ambiente cercano al surrealismo; fluyen poesía y arte en un tándem de gran plasticidad, esencialmente teatral ya que trabaja fuertemente el contenido emotivo de las secuencias.

Intérpretes: María Laura García, Daniela Velazquez, Giancarlo Scrocco, Marcela Figini

El espectáculo ahora irá de gira al interior de Argentina.

Más información sobre el espectáculo:   http://www.duggandanza.blogspot.com

 

Presentaciones -Auspicios, menciones y giras de Su Frida viva la vida: 2007-2008-2010

Su Frida viva la vida se estrena el CCC, en junio del 2007
Cuenta con el Auspicio Institucional de la Embajada de México El espectáculo fue declarado de interés cultural por la Secretaria de la Cultura de la Presidencia de La Nación. Obtuvo el Subsidio a la creación del INT 2007 Su Frida viva la vida fue seleccionado entre los trabajos destacados del 2007 –Premios. Teatro del Mundo. Participó del festival 2 Fridas en el teatro El Cubo. En febrero de 2008 se presento en el Festival Estival Humo Negro de San Martín de los Andes. Realizó una gira a México, presentándose en Coyoacan, en el espacio teatral El Vicio, lugar donde solía cantar Chavela Vargas
Se presenta en el Festival Internacional 2010 de la ciudad de Formosa

Conceptos Estéticos -Duggandanza

Desde su nacimiento en el año 1984, la compañía Duggandanza realizó espectáculos de danza con los que recorrió teatros y festivales en Argentina, Latinoamérica y Hong Kong Desarrolló un estilo propio en el que, cruzando lenguajes e investigando, explora las posibilidades del cuerpo, la luz, el movimiento y los objetos.
Utilizando la imagen, el movimiento, la música y la manipulación de materiales, las obras coreográficas reiteran la búsqueda lumínico-espacial creando ambientes oníricos y fantásticos, donde las cosas suceden de verdad sobre el escenario y apuntan a la imaginación y la poesía. Duggandanza ha recibido subsidios y coproducciones del INT, Fondo Nacional de las Artes, Centro Cultural Rojas, Teatro San Martín y Prodanza.

Esta obra formó parte del evento: Frida  Kahlo: 100 Años
Esta obra formó parte del evento: Festival 2 Fridas
Esta obra formó parte del evento: 9° Festival Estival de la Patagonia
Esta obra se presento EN EL Festival Internacional de Formosa

Compañía Duggandanza. Coreografía: Teresa Duggan, con participación creativa de los intérpretes. Música: Eduardo Felenbok. Edición Sonora: Facundo López Burgos. Música de sala en vivo: Marcela Consalvo-Facundo Lopez Burgos. Vestuario: Nam Tanoshii. Diseño de iluminación: Teresa Duggan. Fotos: Nico Colledani. Asistente: Claudia Valado

 

 

 

"Puerto Amberes," atrapante espectáculo en la sala Apacheta de Buenos Aires

Al entrar en la sala del teatro Apacheta para ver el nuevo espectáculo de Julio Molina, todos los actores  yacen dispersados por el piso, como muertos ó dormidos. ¿Ha terminado la obra antes de comenzar? Hay en el aire una sensación enrarecida,  de anticipación, y una pesada melancolía se adueña  del espacio escénico.No por nada el subtítulo de la obra provoca: “Mujer que vuela por la ventana con cortina que flamea a modo de comentario.”

Desde ese momento, desde la muerte de su amante, Laura, Juan no ha dejado de pensar nunca en su propia muerte. Cuando el espectáculo comienza está encerrado en un camarote de un barco amarrado en el Puerto Amberes, borracho, rodeado de botellas.

Un par de marineros intentan sin éxito ahuyentar la melancolía que parece haberse apoderado de Juan, mediante acciones bufonescas, no siempre acertadas; el esposo de Laura tendrá la tarea de enturbiar el espacio claustrofóbico, recibiendo ahí la noticia de la muerte de su esposa.

No es fácil teatralizar sobre la melancolía, pero el texto lleno de poesía de Molina hace que el espectador se identifica con Juan: desde su estado de ebriedad lucha con el vacío, la herencia que ha recibido por la muerte de su amante. Es un texto de dolor, de pérdida, el lamento  de aquella persona que no puede comprender ni avanzar sobre un hecho nefasto, aparentemente sin explicación lógica. Como todo sucede paradójicamente en un barco amarrado en un puerto lejano, la metáfora es fuerte.

El espectáculo plantea algunas preguntas de difícil resolución:  ¿qué hacer con las memorias dolorosas? ¿Dónde ubicarlas en nuestro quehacer actual? ¿Olvidar? ¿Cómo? ¿Cómo superar una experiencia negativa de tal forma que la vida sigue teniendo sentido?

El espacio escénico se divide pragmáticamente en el espacio central, empleado por las acciones bufonescas de los marineros; un espacio en el fondo, una barra de un bar ocupado por el capitán del barco; y el camarote de Juan. El final es fuerte, un toque dialéctico.

El poderoso y emotivo relato de Juan sobre la muerte de Laura, en la presencia del esposo de Laura, termina siendo una especie de clausura, un testimonio cargado de significados.

Elenco: 

  Juan:                                     Marcelo Velázquez

Andres Vallejos:                     Juan Sánchez Maltrain

Capitán:                                  Alberto Fernández San Juan

Marinero 1                              Román Melendrez

Marinero 2:                             Cristian Martinez

Área sonora:                           Javier Mariani

Escenografía y vestuario:       María Sol Suárez

Iluminación:                           Alejandro Le RouxFotografía: Pablo Kalhat

Diseño Gráfico:                      Veronica Duh

Asistente de dirección:          Julieta Vallejos

Dramaturgia y puesta en escena:       Julio Molina

Funciones:                 Viernes a las 21:30 horas en Apacheta Sala/Estudio,

                                   Pasco 623, Ciudad de Buenos Aires

Entradas:                  $40. Estudiantes y jubilados $30

Reservas:                   4941 5669

Web:                          http://www.puertoamberes.blogspot.com

Julio Molina (CABA 1965)

 Es actor, director, dramaturgo y docente teatral.  Se desempeña como docente en el Centro Cultural Ricardo Rojas y el Centro Cultural San Martín. Algunos de sus últimos trabajos como director: “CURUPAYTY, EL MAPA NO ES UN TERRITORIO” Espacio Del Borde – Semana del teatro Argentino, Embajada Argentina de Asunción, Paraguay (2010/11); “LA IMAGEN FUE UN FUSIL LLORANDO” Sala Carbonera. Teatro del Pueblo. FITUU, Festival de monólogos de Uruguay (2009/11); “ESTACIÓN DE FALLECIMIENTO” de Luis Cano – Espacio Del Borde (2008);  “NIÑO DE SIETE AÑOS SE ROCÍA CON UN BIDÓN DE NAFTA Y AMENAZA PRENDERSE FUEGO”  6° Festival Internacional de Buenos Aires, Ciclo Hay algo que me golpea (2007); “UN HOMBRE EN QUIEBRA” de David Lescot. Sala de la Alianza Francesa de Buenos Aires. Espectáculo producido por la Alianza Francesa (2007); “CUBILETE EN BRAZO” Sala Cancha del C. C. Ricardo Rojas coproducido por el C. C. Ricardo Rojas (2006/2007); “GESTO MECÁNICO HEREDADO” C. C. de España en Bs. As. Ciclo Nuevos Dramas Argentinos (2005). Espacio Callejón (2006). Obtuvo diversos premios por sus trabajos Trinidad Guevara, Teatro del Mundo, ACE, Instituto Nacional del Teatro, Antorchas, Premio Municipal de Buenos Aires, Florencio Sánchez en Uruguay, etc.

Recibió apoyos de instituciones como: FIBA, Alianza Francesa, Festival de Otoño Madrid, Fundación Antorchas, Instituto Goethe, INT, Proteatro, Centro Cultural Ricardo Rojas, Facultad de Psicología, Embajada Argentina del Paraguay, Embajada de Noruega, FITU Uruguay, Fondo Metropolitano de Cultura, FEPARA Paraguay, Centro Cultural Gral. San Martín, UNINORTE Paraguay.

 

"Sum Sum," una diversión sobre la comunicación de Laura Weck en el teatro La Tertulia de Buenos Aires

     La (confusa) comunicación entre hombres y mujeres ha sido un tema frecuente en el teatro moderno. Es el caso del espectáculo “Sum Sum” de Laura de Weck, con dirección de Laura Brauer que se presenta los viernes a las 20:45 horas en el teatro La Tertulia de Buenos Aires. Pero además de la confusa ó mala ó escasa ó híbrida comunicación, la obra agrega las complicaciones que surgen entre dos personas que hablan idiomas diferentes y provienen de culturas desemejantes.

      Internet por medio, Urs-Peter, un joven de un país que podría ser Suiza, robotizado con rigideces, se conecta con una novia virtual, Selina, que podría ser argentina, y luego de un largo vuelo se encuentran en el aeropuerto. Una pequeña complicación inicial, además de la del idioma: ella llega en compañía de su hermana y un cura.

      Como Selina no habla inglés, aunque haya tomado algunas clases elementales, se puede imaginar las situaciones grotescas que traban el deseo de ambos de establecer una buena relación amorosa.

     Gestos desesperados, confusiones, caras angustiadas ó pintadas de alegría suprema, el espectáculo combina un muy particular sentido de humor—expresado necesariamente con el cuerpo como eje—con la intención de decir algo más profundo relacionado con la turbación que produce en una relación una comunicación insuficiente. Aquí el problema en la superficie es idiomático, pero el problema no se limita al conocimiento ó no de inglés ó de español.

     Los dos protagonistas despliegan códigos actorales muy acordes con la propuesta de la autora. El resultado es un espectáculo atractivo que divierte del principio al final con personajes caricaturescos y situaciones comunes pero algo surrealistas con las cuales el público se identifica.

“Sum Sum”

Viernes 20:45 horas

Teatro La Tertulia – Gallo 826. Caba

Reservas: 637 0303

Entradas:   $45

Web: http://www.sumsumargentina.blogsopt.com

Esta Obra cuenta con el apoyo de la embajada de Suiza y el Instituto Goethe.

Andarivel Teatro

Nace como un encuentro entre teatristas con interrogantes. De una búsqueda donde el movimiento es la constante que prevalece. De las ganas de replantear la realidad circundante en forma lúdica. Es indagar desde el humor...Desenmascarar desde el juego lo que nos hace humanos... Revelar la intimidad, la sensibilidad, la ingenuidad de cada deseo...Reír de la estupidez de cada cual...Evidenciar aquello que se oculta con tanto esfuerzo para la vida social...Y desterrar la ingenua creencia que nos dice que cada uno "es" como se muestra...

 

Ficha Técnica:

Autora: Laura de Weck

Traducción y Adaptación: Laura Brauer

Actúan: 

Rodrigo Arostegui (Urs Peter)

Carolina Avigliano (Selina)

Natalia Bavestrello (Hermana)

Pedro Padilla López (Che Pibe)

Dani Tazzoli (Cura)

Jorge Tomás (Amigo)

Voz en off: Alejandro Pol.

     Escenografía y Vestuario: Lía Espiro

     Fotografía: Francesco Tetti

     Asistencia Técnica: Mariana Álvarez

     Asistencia de Dirección: Dani Tazzoli

     Dirección: Laura Brauer

Precio de las entradas:

Entrada General: 45$ / Estudiantes y Jubilados: 35$

 

 

El Hamlet de Juan Carlos Gené se estrenó en el teatro Alvear de Buenos Aires

En los cuatro siglos desde el estreno del “Hamlet” de William Shakespeare, directores, actores y compañías de teatro alrededor del mundo han montado un sin número de versiones de la obra sobre un hombre que duda cómo vengarse del asesinato de su padre, el rey de Dinamarca. Para cualquier actor hacer Hamlet es algo así como un cumplido; lo mismo para una actriz que toma el papel de Ofelia, la novia del príncipe.

El seis de agosto se estrenó otra versión más en el teatro Presidente Alvear de Buenos Aires, del director Juan Carlos Gené, con el papel del príncipe a cargo de  Mike Amigorena y Ofelia representada por Esmeralda Mitre.

Si bien la tragedia ha servido para el montaje de películas, musicales, dibujos animados, funciones de títeres, unipersonales, versiones extremadamente cortas, aggiornamentos y adaptaciones de todo tipo, el espectáculo de Gené es fiel al texto de Shakespeare a pesar de un trabajo fino en el  recorte de los textos.

La figura de Hamlet ha entrado en la conciencia moderna como una especie de símbolo, un loco, un rebelde, un pensador, un luchador por la justicia. Cabe pensar que en el momento de su escritura el mundo feudal se derrumbaba ante la aparición en escena del modo capitalista de producción y la feroz colonialización de las zonas periféricas del mundo. No es extraño entonces que cada producción de la obra  represente la trama desde su particular punto de vista; además, cada actor entiende Hamlet a su manera.

¿Cómo debe reaccionar un hijo si sospecha que su padre haya sido asesinado? Habría que tomar en cuenta que hace 400 años en Inglaterra hubo simultáneamente varias formas de  justicia y por lo tanto varias formas de solucionar conflictos, incluyendo los duelos. Hoy tampoco podemos hablar de una justicia ejemplar.

Pero además hay un claro trasfondo político: el tío de Hamlet ha mandado matar al rey para tomar el poder junto a la esposa del soberano, es decir, un golpe de estado.

Quizás lo que fascina especialmente en la obra es la deliberación, las dudas y suspicacias que dan vuelta en la cabeza de Hamlet. ¿Ante semejante crimen, cómo actuar? ¿Confiar en la justicia? ¿Buscar la verdad? ¿Vengarse? ¿Cerrar los ojos? ¿No hacer nada? ¿Congraciarse con el asesino y nuevo esposo de su madre?

La puesta de Gené muestra una economía estética notable: una larga alfombra roja en el medio acentuada con  una mesa-baúl-cajón y dos similares a los costados, sillas tapizadas en rojo, una cortina de hilos en el fondo ocultando una escalera a la derecha. En lo que parece ser un link con la modernidad, la mayoría de los personajes se visten en negro.

Si bien el elenco incluye actores profesionales de primer nivel, a nuestro juicio se destaca la actuación de Mitre (Ofelia) y Horacio Peña (Polonio). Tal vez sea un prejuicio personal, pero el Hamlet de Amigorena es atractivo pero en proceso. Dicción perfecta, fluidez impresionante pero da la impresión de que el verdadero Hamlet está por aparecer.

El Elenco:

Camilo Parodi                        Horacio

Luciano Bonanno                   Marcelo/actor 2/soldado

Victor Malagrino                    Bernardo/actor 3/soldado

Edward Nutkiewicz               El rey Claudio/ la sombra

Esmeraldoa Mitre                   Ofelia

Horacio Peña                          Polonio

Luciano Linardi                     Laertes

Eduardo Bergolio                  Rosencrantz/cortesano/soldado

José Mehrez                           Guilderstern/cortesano/soldado

Francisco Cocuzza                 Actor 1/Cortesano

Pablo Oubiña                         Jefe de la Corte/Marinero

Carlos Scornik                        Fortinbras/Cortesano

Fernando López                     Cortesano/Soldado/Servidor de Fortinbras

Leandro Morcillo                   Cortesano/Soldado

Martín Casalongue                 Cortesano/Marinero 2/ Soldado/ Servidor de Fortinbras

Ariel Guazzone                      Osric

Pablo Lambarri                       Reinaldo/Sepulturero/Cortesano

Celeste Gerez                         Dama de la Reina/ Actriz Reina/ Enfermera

Milagros Plaza Díaz               Dama de la Reina/ Enfermera

Luisa Kuliok                          La Reina Gertrudis

Mike Amigorena                    Hamlet

Puesta en Escena, Dirección y Dramaturgia:  Juan Carlos Gené

Funciones:                              Miércoles a sábados a las 21 horas. Domingos, 20 hs

Entradas:                                Desde $20 pesos

Teatro Presidente Alvear:                  Corrientes 1659, Ciudad de Buenos Aires

Teléfono:                                            4373 4245

e-mail:                                                [e-mail]

Web:                                                  http://teatrosanmartin.com.ar

“Antígona furiosa,” de Griselda Gambaro, un mito que subraya una actualidad innegable en el teatro DelBorde en San Telmo

Cuando la sangrienta dictadura argentina se vio obligada a entregar el poder, la dramaturga Griselda Gambaro ya estaba volcada a la tarea de actualizar el mito de Antígona, dando lugar en el guión a la denuncia política y social y enfatizando la discriminación sufrida por las mujeres en el Río de la Plata.

Con la dirección hábil y sintética de Teresa Sarrail y Sandra Torlucci, el espectáculo presenta a Antígona como una mujer excepcional; en la antigua sociedad tebana se atrevió a no obedecer una ley injusta del rey Creonte, a la vez su tío, enfrentándolo en la sepultura de un hermano muerto a manos de otro hermano; es decir, se coloca a la vereda de enfrente del poder. Uno de sus hermanos que ha dado muerte a otro hermano, Polinices, es considerado un traidor, pero Antígona considera que los dos hermanos merecen ser honrados de la misma manera. Ella intenta hacerlo, desobediencia que le va a costar la muerte.

El personaje de Antígona ha conmocionado escritores y artistas durante largo siglos, desde el momento cuando Sófocles compusiera una tragedia con su nombre. La idea del conflicto ha inspirado muchos escritores. Para Bertolt Brecht, “Antígona es la historia de una revolucionaria feminista ante un tirano.” El dramaturgo alemán ubica la historia en el contexto de la pasiva colaboración de la sociedad civil con los nazis. Otra visión del conflicto es la de la Antígona de Anouilh, que en 1942 la presentó como una adolescente rebelde que se enfrenta con el sistema—es una joven inconformista que desafía el poder de su tío Creonte y se atreve a cuestionar la validez del sistema establecido, y plantea que la única forma de escapar de la decadencia y corrupción de este mundo es mediante la muerte, aunque plantea también que a lo mejor el destino no sea inamovible, que los individuos pueden ejercer influencia sobre la marcha de los sucesos que los abruman.

 La versión de Gambaro, en cambio, concentra el eje de la obra en una muy fuerte crítica contra aquellos (por ejemplo durante la dictadura argentina de 1976-83) que mantenían una actitud pasiva frente a los abusos del poder. Ese aspecto es acentuado con las voces en off de Estela Barnes de Carlotto, Presidente de la Asociación Abuelas de Plaza de Mayo, y otros militantes por los derechos humanos.

Griselda, junto a muchos otros escritores argentinos, tuvo que huir de Argentina y buscar exilio en España, debido a la represión de la dictadura. En la puesta en el teatro Delborde, se proyectan con gran sutileza secuencias referidas a la represión militar, durante el desenvolvimiento de las acciones teatrales.

 ANTIGONA FURIOSA

Funciones:                 viernes a las 21.30 horas  en Delborde Espacio Teatral,  Chile 630

Localidades:              $50 (para estudiantes y jubilados $30)

Dramaturgia:                        Griselda Gambaro

Elenco:                                   Mónica Driollet, Uki Cappellari, Sofía Tizón, Gabriel Nicola, Antonio Bax Re-

                                               vuelta de Antígona Furiosa.

Dirección:                             Teresa Sarrail y Sandra Torlucci

Reservas:                              4300-6201 – www.delborde.com.ar

 Textos en off:                      Estela Barnes de Carlotto (Presidenta Asociación Abuelas de

                                              Plaza de Mayo), Susana Trimarco (Presidenta Fundación

                                             María de los Ángeles, la Lucha contra la Trata de Personas),

                                             Isabel Vázquez (Madres contra el paco

                                            y por la Vida.

 Diseño de luces:                Eli Sirlin

Diseño de vestuario:         Rosana Bárcena

Música original:                Fernando Lerman

Soprano:                            Cecilia Pastorino

Diseño espacio teatral:    Teresa Sarrail y Sandra Torlucci

Diseño y realización del dispositivo escenográfico: Fernando Leiva

Diseño de imágenes para la escena: Sandra Torlucci

Realización de imágenes: Agustín Dalla Via

Diseño gráfico:                      Verónica Duh

Fotofrafías:                           Pablo Stubrin

Prensa:                                 Andrea Feguin

Producción:                        Compañía de Teatro La Muda

"Desconchertados," música, clown, humor y remembranza de Les Luthiers con la puesta de Walter Velázquez en el teatro Beckett

      Incluso en estos días de frío polar, una sonrisa suave y cálida brota en los labios de los espectadores luego de ver  “DesConchertados,” el espectáculo montado por  Walter Velázquez en el teatro Beckett de Buenos Aires, con la  exquisita interpretación de Luis Sticco y Andrés de la Cruz, “el mejor grupo de música y humor,” según “Les Luthiers.”

      Sticco y de la Cruz se divierten en el escenario  tocando instrumentos clásicos y raros de su propia invención, bailando y efectuando burbujeantes secuencias de clown, burlando de las convenciones a través de una sucesión de secuencias casi surrealistas, produciendo momentos teatrales de gran envergadura.  A través de una puja por ver quién es el mejor, los dos músicos incorporan en la diversión a los espectadores.

Una noche se dan cita para realizar un concierto, pero terminan siendo rehenes de sus propias pasiones, intentando cada uno trascender el uno sobre el otro.  

En lo que por momentos parece resucitar al cine Mudo de Charlie Chaplin, los músicos-cómicos emplean la gestualidad y exploran, o mejor dicho, investigan los efectos que producen en el cuerpo ritmos como jazz,  el tango, el Rock y el Folklore, sin tener que decir más que dos palabras (si bien trabajan con gran soltura sonidos no lingüísticos).

Las rutinas de slapstick hacen honor a un humor clownesco de fina ironía. Además de los dos protagonistas aparece otro para ordenar el escenario y sobre el fondo del escenario un muy creativo video interactivo resalta las acciones en el escenario.

Funciones:         domingos, 19 horas, teatro Beckett, Guardia Vieja 3556, Ciudad de Buenos

                               Aires.

Dirección:            Walter Velázquez (La última habitación / Pepino 88)

Actuación e interpretación musical:  Luis Sticco y Andrés de la Cruz con la colaboración de Juan

                                                                         Manual Diana.

Compañía artística Desconcertados

Entradas:            $40 pesos

Teléfono:           5411 4867 5185

Web:                    http://www.desconchertados.blogspot.com 

http://escenikablog.blogspot.com/search/label/%22Desconchertados%22%20%28de%20Walter%20Vel%C3%A1zquez%29

 

 

 

Diseños de luces:                   Ricardo SicaMontaje

Escenográfico:                      Ariel Vaccaro

Vestuario:                              Julio Cesar y Matías Begni

Videos:                                   Imago EuterpeDiseño

Gráfico:                                 Pablo Dutto

Construcción elementos:      Belén Pedernera

Producción ejecutiva:           Andrea Feiguin

ANDRÉS DE LA CRUZ

Músico profesional, Luthiers de Instrumentos No Convencionales, Compositor e Improvisador musical; clown en pleno desarrollo. Profesor de procesos creativos artísticos musicales. Capacitador de docentes sobre procesos creativos grupales ligados a la didáctica y la pedagogía. Cuenta amplia experiencia en distintos proyectos artísticos y educativos. Actualmente coordina y dirige "El laboratorio de Musica", escuela de enseñanza musical para todas las edades. INFO: www.andresdelacruz.blogspot. com

LUIS STICCO

* CONSERVATORIO NACIONAL LOPEZ BUCHARDO – IUNA.
Licenciatura en Dirección Orquestal
*UNIVERSIDAD NACIONAL DE QUILMES.
Licenciatura en Composición y Producción con medios electroacústicos.
Diplomatura en música y tecnología. Técnico realizador musical con procedimientos electroacústicos
• Composición y dirección musical, pedagogía Musical.
Compositor musical para obras teatrales para Centenario y Feria del libro para Argentores, obra Hairspray (director musical) y para los directores Marcelo Mangone, Walter Velázquez entre otros.

WALTER VELAZQUEZ:

Docente/Actor / Director/ Coach Actoral... Dicta talleres y Seminarios de Clown/Dramaturgia y Armado de rutinas de Humor en Argentina y España.
Dirige la Compañía Internacional de Comediantes SIN PULGARES
Co-fundador del Teatro Absurdo Palermo en Buenos Aires-Argentina.
Cuenta en su producción como director de circo y teatro con más de 40 espectáculos, que recorrieron el mundo y sus alrededores... Y va por mas!
Desde hace 6 años visita El Estado Español dictando sus talleres “EL GUSTO ES MUTUO” (Clown) “GANÁNDOSE EL COBRE” (Armados de rutinas de humor) “DANZANDO EN EL TITANIC” (Dramaturgia) en las siguientes ciudades: CATALUNYA (Barcelona-Mataró-Terrasa) – Madrid (Alcorcón) - Murcia- Santiago de Compostela/Valencia (Alzira)/ PAIS VASCO (Bilbao)
Ha trabajado asesorando y formando a los sig. Artistas de circo:
Chacovachi/Circo Chico/ Roque Niklison/ PistaCatro (Santiago)/Tangorditos (Barcelona)/Sebastián Guz (niño Costrini)/Engrata Teatre (Alzira-Valencia)/Gorka Zero (Ganso)/Dando Tumbos (Bilbao)/Fuman (Madrid)/Tres Puntos y Aparte (Madrid- Barcelona)/Circo Culipardo (Ciudad Real- España) y muchos artistas mas.
Comparte su experiencia clown aportando materiales en www.carloscalostopresenta.blogspot.com
Actualmente dirige el espectáculo “La Última Habitación”, en temporada en la ciudad de Buenos Aires.
2010 impartió clases en la XXV Fiesta del Teatro en La Plata Argentina
Entre sus últimos trabajos como actor se destacan:
2009: “Variedades Inefables”, compartiendo escenario con artistas como Tomate, Chacovachi; Lila Monti y Darío Levin en el Centro Cultual de la Cooperación en Buenos Aires Argentina.
2008: Pepino el 88, Un Musical Argentino: Teatro Presidente Alvear-Complejo cultural Gral. San Martín
”Rescate Emotivo (No Pasa Res!)” Espectáculo de Tangos y Clown.Estreno Mundial XI Trobada de Pallassos de Alzira-Valencia.
2008 Premio mejor Clown Trobada de Pallassos. Alzira- Valencia
En 2009-2010 dirigió los sig espectáculos:
“Chosco” Bilbao- País Vasco
“El Avaro” (Cuánto Valé$) Títeres- Adaptación de El Avaro de Moliere- Bs. As - Argentina
“Hasta Que La Muerte Los Separe” Bilbao-País Vasco-
“La Última Habitación”-Teatro Belisario- Buenos Aires - Argentina
“El Circ Filigranas” Terrassa- Barcelona (Catalunya)
“Poyo2.V” Centro Cultural de la Cooperación- Buenos Aires-. Argentina.
“El Pez en La Luna” Teatro Becket- Buenos Aires-Argentina
Sus últimos trabajos como Coach: 2008: Elenco Pepino 88, Un Musical Argentino/Víctor Laplace: Pepino el 88- /Dan Breitman: Cómico Stand Up/2007: Alejandro Paker: Cabaret
Desde hace varios años participa como docente de Clown en Las Convenciones de Malabares y Artistas Callejeros que en Argentina organiza el Payaso Chacovachi.
Desde hace 2 años consecutivos, participa como disertante en el Congreso de Payamédicos de Buenos Aires-Argentina.

"Deportados de Neverland," una comedía dramática de Walter Velázquez se estrenó en el Teatro del Abasto de Buenos Aires

“Neverland” es un lugar de difícil definición, que nunca existió. A partir de ese concepto Walter Velázquez ha armado un espectáculo único, igualmente difícil de  definir, una comedia dramática condimentada con canto, baile y situaciones arrancadas de la realidad de un mundo que parece haber perdido el rumbo.

Hay que ver el baile con resonancias de flamenco cuando  cinco hombres, uno vestido de enfermera, saltan y giran sus manos; cuando un hombre tiene que  extraer  su corazón y dejarlo con un inspector en el aeropuerto como condición para entrar en el país; el momento cuando unos cardenales se juntan a tomar vino y hablar sobre los abusos sexuales en la iglesia católica…

Extremando un poco las categorías, uno podría decir que se trata de un juego de realismo mágico, pues las situaciones tocan la piel de lo real pero como excusa para ir mucho más lejos y llevar adelante un comentario político-social-cultural sobre el mundo que nos rodea.

¿Tendrá el número cinco algún valor especial? Cinco actores, cinco escenas protagonizadas cada una por un personaje que no encuentra salida al conflicto planteado, personajes que agradan al espectador mientras infringen alegremente las reglas de un mundo que parece haber perdido su razón de ser. Errores que se repiten una y otra vez, dolores que uno no siente porque se los pasa a quien esté al lado, acciones totalmente inútiles, esperando hechos inevitables…son situaciones que provocan reacciones de identificación en el espectador, herramientas de una clara teatralidad.

Cabe agregar que las canciones llenan la sala de una musicalidad inusual y muy agradable y la puesta con paneles de tela trasparentes es ágil y facilita el rápido recambio de situaciones dramáticas.  

DEPORTADOS DE NEVERLAND de la Compañía de comediantes SIN PULGARES

Dramaturgia y Dirección:            Walter Velázquez

Elenco:                                                Alejandro Paker, Gustavo Monje, Gonzalo Alfonsín, Diego Recagno

                                                         y Luciano Cohen

Canciones en vivo:                        Seru Girán

Funciones:                                        Martes 20:30 horas

Teatro del Abasto:                         Humahuaca 3549 – Abasto – CABA

Localidades:                                     $ 40 - Reservas: 4865-0014

WEB:                                                    http://www.teatrodelabasto.com/

Estreno de "Tetralogia," tango con corazón y cuerpo de Leonardo Cuello en el Cubo de Buenos Aires

Leonardo Cuello entiende el tango como una poesía corporal en movimiento, como una estética escénica con matices dramáticos en la cual el escenario se emplea como un espacio de diálogo entre los bailarines y entre ellos y el público. Es lo que se vio ayer en el estreno del espectáculo “Tetralogia,” en el teatro el Cubo de Buenos Aires.

En los pliegues y cambios de ritmos, en las pausas, en las miradas, en el desafío a las leyes de gravedad, en el matizado uso del espacio escénico, en el lenguaje corporal, en el plus que el director ha dado a cada paso de tango, en la muy acertada iluminación, en la selección de canciones que acompañan los bailarines, subyace una visión estética de vanguardia que entiende el lenguaje corporal teatralmente.

La fascinación que el espectador tiene por los más que meticulosos desplazamientos corporales, por los bellos episodios plásticos cargados de emoción, se debe a que el “guión” surge en la cabeza del público a raíz de su propia experiencia visual frente a vitalidad de los bailarines.

Cuello crea cuatro episodios que resultan de un trabajo de investigación insistente, que ya ha consagrado Tetralogía local e internacionalmente.

El espectáculo está compuesto por cuatro obras breves, autónomas, cada una producto de un proceso de investigación plástico donde convergen sobre el lenguaje de tango además distintos lenguajes artísticos.

Según el programa los momentos del espectáculo incluyen:

“Spiritual: es una composición  netamente  física, un trabajo grupal de profundo estilo contemporáneo, una puesta fría donde el ejercicio se centra en los extremos de la exigencia técnica para la fusión del tango y la danza. El contrapunto de intimidad tanguera lo propone   la banda de sonido que combina versiones teatrales de tangos memorables, en versiones del Sexteto Mayor, con las voces de Gardel-Tita Merello y Goyeneche entre otros, espíritus angelicales del tango.

Flores de Lino: Cinco versiones diferentes del vals Flor de Lino (Mederos, Troilo, Stamponi, Caló, Mamone). Cinco dúos, cinco momentos frescos con espíritu juvenil ambientados en los años 50, coreografías a medida, matices personales para cada una de las escenas envueltas en la misma melodía que suena y resuena. Abrazos, sonrisas y tango en visiones románticas.

Entre tus Brazos: La puesta es en una milonga  años 30 con un trabajo plástico estilo cine blanco y negro, la narración: un espacio de baile social donde subyacen deseos reprimidos, historias prohibidas nunca develadas. Coreografías grupales con gran cantidad de elementos tradicionales se contraponen con dúos netamente de fusión contemporánea. La poesía trágica tanguera hecha danza y entremezclada en una reunión social milonguera.

 Eterno:  Dos piezas del repertorio de Astor Piazzolla, Milonga del Ángel y Violentango. Un investigación coreográfica a partir de la liberación de los cuerpos sin abandonar el tango, los elementos propios del lenguaje que se transforman, se despliegan, se oxigenan. Un trabajo coreográfico grupal que intenta traducir en danza los memorables acordes del genial compositor.”

Ficha técnico artística Bailarines: Mara Craham, Lisandro Eberle, Sebastián Fernández, Andrea Kuna, Ollantay Rojas,  Milagros Rolandelli, Ayelén Sánchez, Walter Suquia, Gustavo Vargas, María Laura Zaracho Escenografía:                                    Nora Churquina Diseño de vestuario:                          Nora Churquina Diseño de luces:                               Alejandro Arteta Banda de sonido:                             Sebastián Verea Fotografía:                                      Lupa Diseño gráfico:                               Sebastián Verea Asistencia coreográfica:                  Lisandro Eberle, Milagros Rolandelli Prensa: Tehagolaprensa Management: Carina Coronel Coreografía: Leonardo Cuello Dirección: Leonardo Cuello El Cubo, Zelaya 3053, Cap Fed. Argentina Tel: [phone] Web: http://www.cuboabasto.com.ar Funciones: miércoles y jueves 20 horas.    Entradas: $40 pesos

 

 

 

"Sombras sobre vidrio esmerilado," espectáculo de Irina Alonso sobre el texto de Juan José Saer en el teatro Querida Elena de la Boca

La imagen de Irina Alonso sola en su cuarto, meditativa, la luz apenas iluminando su perfil, el silencio tapando hasta el latir de su corazón, es impactante. Irina es actriz, es directora y es poetisa en “Sombras sobre vidrio esmerilado,” sobre un texto de Juan José Saer. La imagen es la esencia de toda obra artística, y es una herramienta de especial importancia para el teatro. Es la imagen la que entra en las zonas más sensibles del actor y si logra convertir la imagen en experiencia propia, el espectador vivirá la experiencia como algo casi íntima.

Pero hay imágenes de todo tipo: lo que el ojo observe y retiene, lo que el oído escucha y recuerda, lo que los dedos tocan, el gusto del vino…gran parte del trabajo del actor es hacerse dueño o dueña de las imágenes sugeridas en los textos dramáticos. Si bien Alonso tuvo que retocar la idea de Saer para el escenario, su trabajo más notable ha sido justamente con el rico y profundo menú de imágenes propuestas en la obra del autor.

Juega fuerte la imagen en el mismo título de la obra. Sombras. ¿Cuántas emociones evocan? ¿Cuántas memorias? ¿Cuántas experiencias? Aquí además de sombras la poetiza se enfrenta con algo que parece agregar un complemento: ausencia. Sus recuerdos afectivos se mezclan y se conjugan con sombras y ausencias, mientras su mente trabaja el lado poético de la existencia.

Se llama Adelina Flores, es provinciana. Asfixiada por el calor, se sienta en el living de la casa donde vive con su hermana y su cuñado, que se está bañando. Ella observa las sombras que se proyectan en el vidrio esmerilado de la puerta del baño. No lo ve, pero su imaginación incluso lo ve desnudo; mientras tanto ella lucha con un soneto. A lo mejor ella no es de vanguardia, pero está tan sumergida en poesía como el cuñado en agua.

Gracias al don de la imaginación, su vida se parece a un pajarito intentando su primer vuelo, viaje que trae memorias, imágenes, melancolía por lo que el tiempo dejo, por lo que no fue. Adelina, poetiza, podría ser una viuda, una abuela que pasa el tiempo de verano  confeccionando una lista de dolores, logros, fracaso, deseos, frases y hechos comenzados pero no terminados, como en la vida misma.

 “Sombras sobre vidrio esmerilado” de Juan José Saer

Funciones: sábados 21hs.Querida Elena (sencillas artes) Pi y Margall 1124 - La Boca Dulce -Reservas: 4361.5040 (capacidad limitada ) Localidades $40.

Web: http://queridaelena.blogspot.com

Actriz y Directora: IRINA ALONSO

Asistente: ANDREA COSTANTINI

Diseño de luces: EDUARDO SPÍNDOLA

Asesora visual/ gráfica: DANIELA TORTA

Fotografía: ANDREA KNIGHT

 Producción ejecutiva: LETICIA HERNANDO  IRINA

IRINA ALONSO  

Se formó actoralmente con Raúl Serrano, Ricardo Bartis y Rubén Szuchmacher. Realizó talleres de dramaturgia con Marcelo Bertuccio y de puesta en escena con Rubén Szuchmacher.  Está formada en danza (Roxana Grinstein y Guadalupe Cejas) canto (Eugenia Trino) y técnica Roy Hart (Livia Koppman) Participó como actriz en distintas puestas de circuito teatral independiente ("Entretanto las grandes urbes", de Rafael Spregelburd, "Dolorosa lucha de María por evitar que la serpiente se muerda la cola", de Marcelo Bertuccio, "La ropa", de Andrea Garrote; "Play" de Samuel  Beckett,  "Enseguida anochece") oficial ("Ifigenia en Aulide", de Eurípides, "Lo que pasó cuando Nora dejó a su marido", de Elfirede Jelinek, ambas con dirección de Rubén Szuchmacher y " El Diván" con dirección de  Michel Dydim, todas en el Teatro San Martín) y comercial ( “Las troyanas” en el Teatro Coliseo, “Calígula” en el Complejo Teatral La Plaza)  Sus últimos trabajos son "Hijos del sol",  "Las troyanas" (por su actuación recibió una nominación para el premio Florencio Sánchez ) y "El Siglo de Oro del Peronismo" (Mejor espectáculo off, para ACE 2004)  Es docente teatral en el Teatro San Martín, en el Centro Cultural Ricardo Rojas y en sus talleres particulares.  JUAN JOSÉ SAER Nació en Serodino (Provincia de Santa Fe) el 28 de junio de 1937. Fue profesor de la Universidad Nacional del Litoral, donde enseñó Historia del Cine y Crítica y Estética Cinematográfica. En 1968 se radicó en París. Su vasta obra narrativa, considerada una de las máximas expresiones de la literatura argentina contemporánea, abarca cuatro libros de cuentos –En la zona (1960), Palo y hueso (1965), Unidad de lugar (1967), La mayor (1976)– y diez novelas: Responso (1964), La vuelta completa (1966), Cicatrices (1969), El limonero real (1974), Nadie nada nunca (1980), El entenado (1983), Glosa (1985), La ocasión (1986, Premio Nadal), Lo imborrable (1992) y La pesquisa (1994). En 1983 publicó Narraciones, antología en dos volúmenes de sus relatos. En 1986 apareció Juan José Saer por Juan José Saer, selección de textos seguida de un estudio de María Teresa Gramuglio, y en 1988, Para una literatura sin atributos, conjunto de artículos y conferencias publicadas en Francia. En 1991 publicó el ensayo El río sin orillas, con gran repercusión en la crítica, y en 1997, El concepto de ficción. Su producción poética está recogida en El arte de narrar (1977), paradójico título que expresa, quizás, el intento constante de Saer por –según sus propias palabras "combinar poesía y narración". Ha sido traducido al francés, inglés, alemán, italiano y portugués.

"El rey se muere" de Ionesco en el Teatro Cooperación de Buenos Aires

Morir en el escenario es una propuesta que a primera vista parece trágica. Pero en manos del dramaturgo Eugene Ionesco, la muerte es otra excusa más para dar vuelta a las convenciones y proponer una visión desde otro lugar. Es lo que sucede con la puesta de Lia Jelin del espectáculo “El rey se muere” que se presenta en el Teatro Cooperación de Buenos Aires.

El este caso se trata de un rey, de poderes absolutos. De repente se acerca la muerte, comienza a fallar su próstata, se queja de dolores y dificultades físicas y su aparente aplomo, su costumbre de mandar, de recibir todo lo que desea, se derrumbe como un castillo en la arena movediza del mar.

Como la mayor parte de los hombres, no quiere o no puede aceptar que sus días se acaban. “No,” le dice a Margarita, la primera reina, “yo puedo  vivir 30º o 50 años más.” Ella, irónica y deshumanizada por su rol, le dice con el humor seco típico de Ionesco: “vas a morir cuando termina el espectáculo.”

El protagonista del creador más conocido del teatro del absurdo es el Rey Berenguer, un monarca que tiene a su alrededor todo lo que desea en la vida, incluso tiene dos esposas-reinas, y su doctor personal—encargado de tratar el paciente y declararlo muerto. Como suele suceder a menudo en la historia de la humanidad, el rey se encuentra a la cabeza de un imperio en ruinas y de ahí surge su angustia existencial cuando además la muerta toca su puerta.

Dice la directora Lia Jelin: “Lo primero que me atrajo de El Rey se Muere es su carácter desopilante frente a la tragedia. Claramente mi intención es destacar el tono extremadamente cómico en el que Ionesco  plantea la situación, casi como en un vaudefille en el que los personajes salen y entran permanentemente.” Uno se siente fascinado. Pero cuanto más se lo mira, más humana y menos pictórica se hace la imagen, hasta que finalmente el espectador se da cuenta—con un escalofrío entre sus risas—que el espectáculo se ha convertido en el espejo de su propia muerte.”

Más allá del estilo absurdo y de las sensatas opciones elegidas por la directora, el espectáculo, muy lindo de ver debido a su escenografía precisa e imaginativa y la iluminación sugestiva, se conecta fuertemente con el mundo real, con la corrupción, con los vicios del poder y la fragilidad humana en el momento de la muerte.

El Rey se Muere

Funciones:      Viernes y sabados 20 hs puntual Teatro Cooperación, Corrientes 1543, $70.

Autorr:                 Eugene Ionesco

Género /Duración: comedia del absurdo…75 minutos

 

 

Ficha técnico artística Autoría: Eugène Ionesco Adaptación: Lía Jelín, Jorge Schussheim Actuan: Omar Calicchio, Agustina Cerviño, Valeria Lorca, María Rojí, Gabriel Rovito, Matías Strafe Músicos: Octavia Bevilacqua Vestuario: María Oswald Escenografía: María Oswald Diseño de luces: Pedro Zambrelli Fotografía: Agustina Perretta Diseño gráfico: Andrés San Martin Asistencia de vestuario: Natalia Kesselman Asistencia general: Santiago Lagos, María José Urlezaga Asistencia de dirección: Tony Chavez Prensa: Debora Lachter Producción ejecutiva: Pablo Silva Dirección: Lía Jelín

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN Corrientes 1543 (mapa) Capital Federal - Buenos Aires - Argentina Teléfonos: 5077-8077 Web: http://www.centrocultural.coop Entrada: $ 70,00 - Viernes y Sábado - 20:00 hs

Estreno de "Hamlet X Hamlet" de Marcelo Savignone en el Belisario Club de Cultura de Buenos Aires

El Belisario Club de Cultura celebró su 10° aniversario el viernes pasado con una función de un Hamlet muy personal de Marcelo Savignone, aplaudido a pie por un público que acompañó atentamente el provocativo replanteamiento de la obra de William Shakespeare.

Nada de castillos y fantasmas, nada de múltiples escenarios y gran cantidad de actores entrando y saliendo, nada de pelucas y vestuarios de época, nada de varias horas de tragedia; además un texto fiel pero replanteado: el espectáculo termina con el famoso monólogo del príncipe—“ser o no ser…”

Hamlet es de alguna manera una obra para actores. ¿Qué actor no ha querido probar suerte con el papel del príncipe? Ser o no ser. ¿Se trata de una obra sobre la locura? ¿Sobre la lucha por el poder? ¿Sobre el sentido de la vida? ¿Sobre la eterna lucha por la justicia? ¿Es Hamlet una especie de Che Guevara? ¿Qué hacer con el fantasma, pues hoy en día no son muchas personas las que dan crédito a sombras. ¿O es que Shakespeare juega un poco y encuentra con el “retorno” del rey asesinado un buen truco teatral, apto para torcer la conciencia de Hamlet hijo y meterle en la cabeza una duda terrible?

En efecto, Hamlet es una obra que juega exquisitamente con la duda y la ambigüedad. Su padre, el rey, murió en extrañas circunstancias. La versión oficial: le mordió una serpiente mientras dormía en el jardín. ¿Es creíble? ¿Qué pasa en la mente del hijo cuando el rey fantasma le dice que el asesino fue su tío? La justicia en aquel momento en Inglaterra se encontraba en una lucha mano a mano con formas antiguas de justicia casera, como los duelos. Se resolvían ofensas de gravedad mediante actos de venganza.

A lo largo de 400 años cada director ha hecho “Hamlet” según sus propios criterios artísticos.

Marcelo encara la obra en la piel de un actor ensayándola durante sus momentos libres, en su propia habitación. Allí lo vemos al comienzo tranquilamente leyendo el guión. De repente, como cualquier actor, suelta el libro y pone su cuerpo y mente a investigar y a jugar. Se propone agregar al sentido Shakesperiano una búsqueda contemporánea, pero mientras ensaya “Hamlet por Hamlet” su personaje vuelve cada vez más obsesivo y entra en un confuso mundo que tiembla en el precipicio que divide realidad y ficción, locura y sed de justicia. Ser o no ser aparece entonces como su manera de entender lo inexplicable.   

Hamlet por Hamlet

Funciones: Viernes y sábados las 21:30 horas en el teatro Belisario, avenida Corrientes 1624. Reservas: 4373 3465. Entradas $45. Mail: [e-mail]

Concepción, dirección e interpretación: Marcelo Savignone

Asistencia y colaboración artística: Luciano Cohen, Federico Costa, M. Florencia Alvarez, Pedro Risi, Juan Manuel Bernal, Deby Low

Entrenamiento en máscaras: Deby Low.

Entrenamiento físico: Juan Martín Fernández Ozán.

Entrenamiento vocal: Claudio Garófalo y Josefina LamarreI

Iluminación: Ignacio Riveros

Escenografía: Lina BoselliVestuario: Lucila Fiorenza

Audiovisuales: Belén Robaina

Asesoramiento Sonoro: Nicolás Savignone

Selección musical: Equipo HxH

Asesoramiento en textos: Juan Manuel Bernal, Eva Rodriguez

Técnicos: Pedro Risi, Luciano Cohen, Federico Costa

Diseño gráfico: Edgardo Carosia

Producción ejecutiva: Silvia Barona y M. Florencia Alvarez

Producción: Producciones Belisarias

MARCELO SAVIGNONE

En el año 1996 funda la compañía Sucesos Argentinos. En el 2001 toma la dirección artística del Teatro Belisario, convirtiéndolo en un espacio polifuncional que adquiere una línea de opinión y desarrollo singular.

Desde 2001 hasta hoy estreno las siguientes obras como actor y director: La esperata, Mojiganga, El Comeclavos, En sincro, Felis, El vuelo, Suerte o Vivo, entre otras.

En el 2002 viaja a Indonesia en busca de máscaras balinesas para perfeccionar y profundizar el trabajo interpretativo en la obra Mojiganga.

Tomas Prakitt (exdirector de la escuela de Lecoq) lo invita en el 2004 a Londres para especializarse en Melodrama, Grotesco y Pedagogía teatral con una beca de estudio apoyada por Cancillería. Ese mismo año el LISPA (London Internacional School of Performing Arts) apoya su nueva creación: Brazos quiebran.

Durante el 2005 trabajó en la dirección de actores y puesta en escena del Darkroom (MALBA), performance de Roberto Jacoby.

Realizó el entrenamiento actoral de la obra Sanos y salvos de G. Hochman y el entrenamiento en Commedia dell’Arte para la obra Arlequino servidor de dos patrones, presentada en el Complejo Teatral de Buenos Aires, donde también interpretó al célebre Pantaleón.

En el 2007 crea Suerte, unipersonal basado en el suicidio.

Durante el 2008 participó de la obra La vuelta al mundo interpretando a Passpartout, finalista como mejor actor de reparto en los premios Florencio Sánchez.

En el 2009 participa de la obra La cocina en el Teatro Regio.

También en este año se estrenan obras que nacen de sus alumnos avanzados entre ellas, De noche, El deseado, El Palmar y Tape. Todas presentadas en Belisario.

En el 2010 estrenó Vivo (unipersonal de improvisación con máscaras Balinesas). Trabajo que obtenido un reconocimiento en diferentes partes del mundo.

En el 2010 se estrena Hamlet en el C.C. Cooperación, donde realiza la dirección de los cómicos e interpreta a Laertes.

Es convocado por el IUNA para dirigir el proyecto de graduación 2010 de donde surgió la obra Detrás, actualmente dirige el proyecto de graduación 2011.

También en 2010 con Vivo participa en festivales en Wuerzburg (Alemania), Lima y Santiago de Chile y es invitado por el LISPA para dictar un seminario de máscaras balinesas y una muestra del espectáculo de Vivo en inglés.

En medio audiovisual ha participado en el film La suerte está echada de Sebastián Borestein y en televisión en: Lo que el tiempo nos dejó, Botineras, Son de fierrro, Sos mi vida, ½ falta, Locas de amor, Algo habrán hecho, Tiempo final, Horizontes lengua, Dromo, Delicatessen, Un año para recordar, Los únicos y El show de Molina.

En 2011 celebra el 10º Aniversario de Belisario Club de Cultura y estrena la obra HxH, unipersonal basado en Hamlet.

Desempeña su rol de docente desde 1998 dictando seminarios y workshops en España, Perú, Colombia y Chile. Se ha formado con maestros como R. Bartis, P. Audivert, C. Moreira, R. Sokolowicz, G Angelelli, G. Chame, A. Catalán, D. Casablanca y S. Rivero. También asistió a workshops dictados en Francia, Italia y España.

 

 

 

 

 

 

 

"Bodas de Sangre," una experiencia teatral única en el CELCIT de Buenos Aires

¿Contar “Bodas de sangre” de Federico García Lorca entre cuatro actores? Es lo que propone el creativo director, actor e investigador teatral Juan Carlos Gené a través de una puesta en el Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral en Buenos Aires, despojada de escenografía y con actuaciones meticulosas y memorables de Verónica Oddó, Camilo Parodi y Violeta Zorilla.

Gené, que a través de su extensa trayectoria ha trabajado muy a menudo las obras de Lorca, es narrador y actor en el espectáculo. Rescata  circunstancias familiares que lo introdujeron al mundo de Federico, y a la vez introduce a los personajes e interviene verbalizando algunas de las acotaciones para luego incorporarse a las acciones dramáticas.

En el relato poético aparece antiguos mitos y leyendas que caracterizan la tierra del autor, los celos, la lucha entre familias, la pasión, el rapto, el amor a la vida, la muerte y dos temas que obsesiona a Lorca: la libertad y la autoridad.

Hojas secas delimitan el espacio escénico y simbolizan la tierra en tanto que cuatro sillas ubicadas en diagonal alojan a los cuatro actores, que se desdoblan en varios personajes con un mínimo pero significativo cambio de vestuario.  

Verónica Oddó encara con llamativa soltura los personajes de la Madre y la Suegra; Gené es el padre de la novia y además asume algunos roles menores; Violeta Zorrilla compone con profundidad los dos personajes femeninos Camilo Parodi tiene a su cargo los personajes masculinos.

Trabajo destacado “13° Premios Teatro del Mundo 2009/2010.

Funciones:     Viernes y Sábados 20:30 horas

Ficha técnica:

Autoría:         Federico García Lorca

Dramaturgia, iluminación y dirección:      Juan Carlos Gené

Elenco:           Juan Carlos Gené, Verónica oddó, Camilo Parodi, Violeta Zorilla

Vestuario:      Carlos Di Pasquo

Escenografía:            Carlos Di Pasquo

Música original:  Verónica Oddó, Camilo Parodi

CELCIT        Moreno 431, Ciudad de Buenos Aires

Teléfono:       4342 1026

Email:             [e-mail]

Web:               http://celcit.org.ar

"El canto del cisne," adaptación de la obra de Anton Chejov en el teatro La Mueca de Buenos Aires

“El canto del cisne,” de Anton Chejov, pone un viejo actor en el ocaso de su vida en el escenario por última vez. Se despierta borracha en los camarines cuando todos menos el apuntador se han ido del teatro y con él interpreta las escenas culminantes de su vida actoral. Es un bello y apasionado canto a la vida en medio de los estertores que anuncian su muerte.

En la adaptación y dirección de la obra que realizó Walter Guzmán, bailarines y figuras oníricas intervienen como fantasmas en los recuerdos y sueños del actor, agregando otros matices a la idea original de Chejov. El espectador sabrá evaluar si los personajes añadidos suman o restan del planteo original que concentra el conflicto en la lucha de un hombre a punto de morir que busca desesperadamente ratificar el sentido de su vida.

Domingos 18 hs

Teatro LA MUECA

Av. Córdoba 5300 ( esq. Godoy Cruz)

Reservas 4777.0825

Entradas: $40

Elenco: Franco Salatino, Miguel Ángel Mazzeo, Ma. Del Carmen Fernández, Gerda Von Reigert,  Federico Montero

Traducción al español: Galina Tomalchev y Mario Kaplun

Banda Sonora: Agustin Konsol

Gráfica: Maxi Rojas

Realización de vestuario: Ester Gallo y Cristina Monica Martino

Operador de Luces: Damián Giangrasso

Producción: Valle de Huaco Producciones  Artísticas

Asistente de producción: Lucía Paz Pérez Coccaro

Prensa: Laura Castillo

Asistente de dirección: Marcelo Paradiso

Adaptación, puesta en escena y dirección: Walter Guzmán

"Alemania," espectáculo sobre un padre que vuelve veinte años después, en el teatro Anfitrión de Buenos Aires

El lenguaje como se sabe tiene sus limitaciones, entonces aparece en el  arte teatral la necesidad de encontrar otras perspectivas, otros lenguajes, el absurdo, por ejemplo, que explora lo cotidiano con un ojo menos preocupado con la venosa cotidianidad del quehacer humano. Es el caso del espectáculo “Alemania,” que relata una absurda venganza en el seno de una familia en la cual el amor parece hacer agua por todas partes.

El padre vuelve a Buenos Aires luego de una ausencia de veinte años, es recibido por su ex esposa y sus dos hijos, todos ellos viviendo en la misma casa, y por arte de magia el hombre se instala in la misma habitación y en la misma cama, como si el tiempo no hubiera pasado. Para colmo sufre de alguna rara enfermedad que afecta su memoria y lo hace saltar a los extremos.

Todo sucede llamativamente alrededor de una gran cama matrimonial, ocupada obsesivamente por el padre. ¿Cómo establecer la relación con un hijo que ni lo reconoce? Hay mucho  que decir, mucho que explicar, pero los intentos parecen soplos de viento perdidos en medio de la tormenta.

Más allá de la historia, ALEMANIA es un espectáculo que despierta simpatía en el espectador, condimentado por un buen manejo del absurdo enraizado en actuaciones meticulosas y de mucha entrega.  

Funciones: Viernes a las 23:15 horas en el Teatro Anfitrión

Venezuela 3340

Entrada: $ 40 (Est. y Jub. $ 30)

Duración: 80 minutos

Elenco:

PADRE Ivan Moschner

MADRE Eugenia Alonso

HIJO MENOR Guido Botto Fiora

HIJO MAYOR Michel Noher

AURORA Florencia Zothner Ciatti

Equipo Técnico:

 Vestuario Gabriela A. Fernández

Asistencia de diseño de vestuario Belén González Chiappe

Realización de vestuario Patricio Delgado

Escenografía Mariana Tirantte

Asistente de escenografía Gonzalo Córdoba Estevez

Diseño de luces Matías Sendón

Diseño gráfico Leandro Ibarra

Fotografía Francisco Iurcovich

Prensa Claudia Mac Auliffe

Producción ejecutiva Gabriel Noacco

Asistente de dirección Gabriela Pastor

Dramaturgia y dirección Nacho Ciatti

 Música original Nacho Ciatti / Alan Haksten

Arreglos musicales Alan Haksten

Música en vivo por el Cuarteto de Cuerdas Edelweiss:

 VIOLIN María Florencia Prieto

VIOLIN Natalia Robacio

VIOLA   Paula Cirmi Obón

CELLO  Belén Echeveste

NACHO CIATTI

Formado en actuación con Nora Moseinco y Ciro Zorzoli, y en Dramaturgia con Mauricio Kartun y Matías Feldman, Nacho Ciatti ha cursado seminarios y clases magistrales con referentes de la escena internacional como Bob Wilson, Augusto Boal, José Sanchis Sinisterra, Philipp Glass y Stephen Nachtmanovich, entre otros. Cursó la Carrera de Formación del Actor de la E.M.A.D. y actualmente está cursando la Carrera de Dirección Cinematográfica de la Universidad del Cine. (2010). En teatro, se destacan sus siguientes trabajos: Autor y director obra de teatro ¨ASILO; para que vuelvas¨ Teatro Puerta Roja. (2009-2008); Autor, actor y Director obra unipersonal ¨Historia Universal de la Humanidad, tomo I¨. Ciclo teatro Sub 30 ¨El Porvenir¨ (2009); Colaborador artístico obra de teatro Pelota-Paleta, de Ezequiel Tronconi. Teatro Puerta Roja. (2007); Director obra de teatro ¨Samurai¨. Teatro Abasto Social Club. Autor Horacio C. López. (2006); Autor y director obra de teatro ¨Los Ciegos¨ Teatro del Viejo Palermo. (2004-2005); Actor Obra de teatro ¨Homorama¨ Teatro Puerta Roja. De Hernán Moran. (2003); Actor Obra de teatro ¨Casting, solo para niños prodigio¨ Compañía Patrika. (2002); Actor Obra de teatro ¨Cristina Sorrento, una dama en su aposento¨ de Hernán Morán. (2002)

IVAN MOSCHNER

Actor nacional egresado de la Escuela Nacional de Arte Dramático, y formado con grandes maestros como Hernán Gené, Rubén Szuchmacher, Inda Ledesma, Luciano Suardi, entre otros, Iván Moschner se ha destacado por su labor profesional en un gran número de trabajos: El Panteón de la patria Teatro General San Martín. (2010); Marathón de Ricardo Monti. Teatro Nacional Cervantes (2010); Marat-Sade Teatro San Martin CABA (2009); Tres hermanas Complejo Teatral de la Ciudad (2008); El pan de la locura de Carlos Gorostiza dirección Luciano Suardi Complejo Teatral de la Ciudad de Buenos Aires. (2006). Recientemente ha sido nominado como mejor actor en los Premios Florencio Sánchez por su trabajo en El Panteón de la patria.

EUGENIA ALONSO

En su sólida formación actoral tuvieron mucho que ver Ricardo Bartis, Javier Daulte, Franklin Caicedo y Analía Couceyro. En teatro, realizó destacables trabajos en Cosas que Pasan. Teatro Abasto Social Club. Autoría y dirección: Gabriela Izcovich 2009-2010; Lúcido. Teatro Margarita Xirgu-Teatro Andamio`90. 2007-2009 - Autor y director: Rafael Spregelburd; Ultimos remordimientos antes del olvido. Teatro El Portón de Sánchez. 2007. Autor: Jean-Luc Lagarce - Dir. Laurent Berger. 2007; La Marea (Proyecto Cruce) FIBA - Autor y.director: Mariano Pensotti. 2005. Fue nominada a los premios SUR: mejor actriz de reparto por el filme El hombre de al lado (2010). En televisión participó de reconocidos ciclos como Mujeres Asesinas, Epitafios II, Amas de casa desesperadas y Vientos de agua.

GUIDO BOTTO FIORA

Egresado de la carrera Formación del Actor en la EMAD, con un plantel docente de excelencia integrado por Marcelo Mininno, Enrique Dacal, Paola Barrientos, Diego Velázquez, Ciro Zorzoli, Florencia D’Agostino, entre otros. Actualmente, actúa en Un tranvía llamado deseo. Teatro Apolo. Dir: Daniel Veronese. (2011). Otros trabajos: Visages Dir.: Miguel Israilevich. Autor: Hubert Colás - Teatro Elkafka  (2010); Nena, No robarás – Dir.: Maruja Bustamante Autor: Dani Umpi – CC Rojas/CCKonex (2009). En cine, formó parte del elenco del filme Cara de Queso - Dir.: Ariel Winograd (2006) y de Estela - Dir.: Nicolás Gil Lavedra (2011).