Espectáculos (Shows)

"Unas en KARMAdas," un café-concert lúdico en el teatro Gargantúa de Buenos Aires

La espera, bebidas frescas sobre la mesa, un aire casi de alivio recorre la sala, una periodista de aspecto muy circunspecto toma notas muy detalladas, una joven gesticula como si fuera la mujer de Charlie Chaplin y…de golpe la oscuridad: está por comenzar el espectáculo “unas en KARMadas,” de Gabriela Bonomo.

Una mujer se acerca en rodillas al escenario desde la puerta de entrada de la sala, vociferando frases hechas: “sagrado corazón de Jesús en ti confío.” ¿Es un personaje de una fe católica inquebrantable? ¿Cómo hay que tomar su actitud? Hay algo en su voz que delata un toque de ironía, pero vaya uno a saber si no es uno que pone el tono. A ver. Ahora las luces encienden el escenario y ahí está la mujer, enchufada en ropas de época (colonial). Ha comenzado la función.

Es cierto. Uno puede contar historias desde diferentes ángulos, percepciones. Con tono trágico, cómico, irónico, desde el enfoque melodramático. ¿Y aquí? ¿Qué pasa? A lo mejor hay que sacar de la mente los prejuicios, los pensamientos que ponen en caja las ideas…

Son tres personajes femeninos, perfectamente caracterizados, Gabriela Bonomo, Julieta Busso y Juliana Czudnowsky, en realidad pioneras por sus respectivas épocas, empecinadas, exigentes, quieren que se reconozcan sus derechos. Ahí está la dama de alta sociedad que desde muy pequeña ha sido una niña “mala” que ha desafiado las normas establecidas de su entorno.

Después, una científica que entró en la universidad y luego puso sus conocimientos sobre el mundo y sobre el cuerpo al servicio del derecho al placer. Otra mujer parece haber vuelto de la muerte después de haberse destacado en su vida anterior a través de diferentes actividades más propias del hombre.

comprender la realidad desde una postura distinta.  Ahora, con humor, con ironía, con persistencia, todas luchan por una vida mejor. No obstante, y allí la ironía, están destinadas a repetir historias, volver a lo que parecía superado. Allí está la clave. Al poner la mirada creativa sobre lo que rodea a uno, la perspectiva cambia, aparece el aspecto artístico, el humor, que con su honestidad despoja la realidad de la mentira, hablar de lo trágico como si fuera cómico, dar vuelta a la cosas para lograr

Las tres actrices fueron formadas por Mariana Briski y trabajan juntos desde hace años, lo que se ve claramente en el escenario. Han participado en "Mortadela", Café Concert con Dirección de Mariana Briski en el XV Encuentro Nacional de Teatro de Río Ceballos, Córdoba y Teatro Gargantúa.

"Soy sola", 2009 y 2010, Varieté de Humor Café Concert, en Fábrica de Bananas, Club Morón, Club Matreros. "Dignisimas abrieron", 2010, Café Concert con Dirección de Gabriela Bonomo, en Teatro Gargantúa, Teatro El Túnel, Centro Cultural Resurgimiento.

ESTRENO VIERNES 11 DE MARZO, 21HS.

Unas enkarmadas

(Café Concert /Humor)

Dirección: Gabriela Bonomo

Elenco: Julieta Busso, Gabriela Bonomo y Juliana Czudnowsky

 Funciones:    Viernes 21hs.

Teatro Gargantúa: Jorge Newbery 3563, CABA

Localidades: $40 (Estudiantes y jubilados $30) / Reservas: 4555-5596

http://teatrogargantua.com.ar

http://unas-enkarmadas-humor.blogspot.com

"Rosa Luxemburgo," espectáculo sobre la revolucionaria polaca en Teatro del Artefacto de Buenos Aires

Socialista revolucionaria, de extracción judía, Rosa Luxemburgo luchó hasta su muerte contra la injusticia social, la guerra y el reparto del mundo por el poder imperial. Sembró la admiración y el rechazo de otros revolucionarios de su época. Sin embargo, sus ideas han provocado y siguen provocando fuertes debates en el seno de las organizaciones de izquierda.

Hubo en ella un humanismo radical que ella expresó con estas palabras: “La libertad no es nada cuando se convierte en un privilegio.” Luchó contra el reformismo pero también contra la burocracia y la traición en el seno mismo del movimiento socialista. “Estamos situados hoy ante esta elección: o bien el triunfo del imperialismo y decadencia de toda civilización como en la Roma antigua, la despoblación, la desolación, la tendencia a la degeneración, un enorme cementerio; o bien victoria del socialismo, es decir, de la lucha consciente del proletariado internacional contra el imperialismo y contra su método de acción: la guerra.”

Pero sabía que el proceso iba a ser largo.

En el espectáculo dirigido  por Alejandra Arístegui que se ha reestrenado en el Teatro del Artefacto de Buenos Aires Rosa está refugiada en la casa de una familia, una especie de asilo político, similar al encierro, mientras afuera, en las calles estallan luchas revolucionarias de posguerra (noviembre 1918-enero 1919). La vida de Rosa se acerca a su final amargo. Escribe, lee, piensa, plantea cómo seguir la lucha, cuestiona los que tienen miedo a los cambios profundos.

Su filosa inteligencia la lleva a navegar sobre temas que van desde la guerra, la nefasta orden en Alemania,  la cultura, el arte, el amor, la traición e incluso algunas agudas reflexiones sobre la naturaleza y su condición de mujer.

El teatro político supone un desafío importante, ya que siempre habrá quienes en el público concuerden con las ideas de los protagonistas, en tanto que otros estarían en desacuerdo. Arístegui, directora y actriz del espectáculo, emplea un criterio digno en concentrar la acción en un lugar de encierro, cuando la vida de Rosa camina sobre sombras. Perseguida por sus recuerdos, revive sus luchas, siempre a favor de la democracia de la calle y no de los sillones parlamentarios. Gracias a la gran capacidad actoral de Arístegui, la pieza logra momentos muy intensos y la convicción de hierro de la protagonista conmueve.

Sin embargo podría ser interesante replantear hacia quien se dirige Rosa: hacia si misma, hacia el público…hacia sus compañeros de lucha…

El espectáculo cuenta con el apoyo del Fondo Nacional de las Artes, de Proteatro y del I.N.T.

 

 

Ficha técnico artística Autoría: Alejandra Arístegui Actuan: Alejandra Arístegui Cantantes: Silvina Hilbert Vestuario: Majo Gómez Amaya Escenografía: Majo Gómez Amaya Diseño de luces: Mariano Arrigoni Sonido: Dionisio Cardozo Diseño gráfico: Jimena Durán Asistencia de escenario: Marcela Diaz Asistente de producción: Eliana de Maria Asistencia de dirección: Andrea Boveri Supervisión dramatúrgica: Silvio Lang Dirección: Alejandra Arístegui Web: http://www.rosaluxemburgolaobra.blogspot.com

TEATRO DEL ARTEFACTO Sarandi 760 (mapa) Capital Federal - Buenos Aires - Argentina Teléfonos: 4308-3353 Web: http://www.teatrodelartefacto.com.ar/ Entrada: $ 30,00 - Sábado - 21:00 hs

 

"Al carajo clown," excelente trabajo de Carla Pollacchi en el teatro Ladran Sancho

El cuerpo habla, siempre. El cuerpo de Carla Pollacchi es el protagonista en el espectáculo "Al carajo clown," si bien mantiene un fascinante intercambio con la palabra. Es una muestra de la increíble capacidad del cuerpo humano de expresar emociones de todo tipo, pensamientos, racionalidad, poesía, arte, formas siempre cambiantes.

Carla actriz, Charlotte el personaje, en un espacio simple--una tela en el fondo,  iluminación elemental, vestuario de clown--frente al público expectante en el espacio teatral Ladran Sancho, un pequeño teatro independiente en  la Ciudad de Buenos Aires. No hace falta más. La gracia del espectáculo está en el cuerpo y  en la voz de Carla, en su manera de vincularse directamente con el público, en la gama de emociones que surgen de su mirada, de la siempre cambiante abertura de su boca, en su lengua atravida...

¿La historia? Charlotte ha sido seleccionada para leer y ejemplificar, con gracia, una serie de tarjetas que indican “como debe comportarse correctamente ante ciertas situaciones que surgen en el transcurso de la vida.” Las situaciones  no son excepcionales: el logro de Carla-Charlotte es poner transcendencia y poesía visceral a las situaciones. De repente ella se enfrenta entre su deber y su querer hacer...

La técnica de clown que emplea Carla permite una mirada muy particular a lo trágico y lo cómico y desarrolla a la vez una relación muy cálida con el espectador.

El proyecto fue producto de la colaboración entre los grupos “D&C Teatro Independiente” y “Del Mate (sin bizcochos)”.

Dirección: Graciela Pereyra y Marcos Tesoro
Funciones: Viernes a las 21:00hs
Ladran Sancho: Guardia Vieja 3811 - CABA
Localidades $30 (descuento estudiantes y jubilados $ 20) –
Informes y reservas: 011-4863-1095

La pena capital sube al escenario a través de "La ausencia de todas las cosas," de Ale Turner

Desde 1976 la pena capital ha tomado la vida en los Estados Unidos de 1,238 presos, 46 el año pasado. ¿Sirve matar para reducir la tasa de criminalidad? En el espectáculo “La ausencia de todas las cosas” de Ale Turner, el tema sube al escenario del teatro El Cubo de Buenos Aires mediante una puesta original y de gran ironía  de Gabriela Bianco.

Si bien el espectáculo propone un estilo provocativo de hacer teatro, es imposible que el espectador argentino no contemple la discusión actual en el país acerca de propuestas de mano dura para enfrentar la violencia criminal. La obra ha sido  premiada por el Fondo Nacional de las Artes.

Un asesino serial, que ha matado incluso a su  propio padre, se encuentra a punto de morir a manos de un médico encargado de realizar las ejecuciones. Un hombre sin escrúpulos y sin conciencia de sus propios actos, se encuentra en las manos de un burócrata, cuyo humanismo—si alguna vez existiera—ha sido devorado por la rutina de matar presos.

El leit motif es la triste historia de la humanidad: la función del Estado, la religión, la ciencia, la filosofía, la necesidad de tomar decisiones más allá de la voluntad propia, el juego de las palabras, el lenguaje, el humor negro, la frustración de un sacerdote que no logra que el criminal acepta sus pecados, una mujer que apela a la tecnología y la ciencia para terminar una vida que ya no tiene sentido.

Hay momentos de muy buena actuación, si bien el espectáculo parece no saber cómo o cuándo terminar.

La ausencia de todas las cosas de Alejandro Turner.

El teatro El Cubo, Zelaya 3053, los miércoles a las 21 horas.

Tel: [phone]

Localidades: $40 y $60.

Dirección: Gabriela Biano

Actúan: Evelia Romano, Mario Petrosini,  Mariano Miquelarena, Ángel Félix

 ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO: Patricia Langan y Noelia Svoboda

MÚSICA ORIGINAL Y BANDA SONORA: Leo Caruso

ILUMINACIÓN: Ricardo Sica

FOTOGRAFÍA: Andrea Castaño

DISEÑO GRÁFICO: Lorena Domínguez

 

ASISTENCIA: Natalia Tesone

Web: http://www.laausenciadetodaslascosas.blogspot.com

ALEJANDRO TURNER / AUTOR

Licenciado en Ciencias de la Comunicación (UBA) y escribió desde fines de los 80 en diversos medios gráficos como la revista “Humor”, “Sex Humor” y “Caras & Caretas”.

 Trabajó en radio como guionista, productor y conductor, obteniendo el Premio Estímulo de TEA por su participación en el programa “El árbol y el Bosque”, que conducía Enrique Vásquez en Radio Buenos Aires, en 1997.

Participó como redactor de la página de humor y columnista del primer diario Perfil, una de las experiencias más breves e inexplicables del periodismo mundial. Coordina el equipo de guionistas de “Caiga Quien Caiga” desde el año 2001 y escribió además los guiones de las tres temporadas de “Algo habrán hecho”, “Así Estamos”, “El Gen Argentino”  y el documental para televisión “20 de diciembre”. Lleva adelante asesorías para diversos proyectos televisivos en Argentina y Chile.

Escribió entre otras obras de teatro "La ausencia de todas las cosas" (1er Premio del Fondo Nacional de las Artes obra inédita de teatro, 2007) con el nombre de “La Salud de

 los Moribundos”; "Canciones tristes (cantadas como si fueran alegres)" (Primera Mención en el mismo certamen), "Dónde caerse muerto" (incluido en la Antología "Autores en construcción" editorial C. C. Rojas) y "Villarrica", estrenada en diciembre del 2008 en el Camarín de las Musas con la dirección de Gabriela Bianco, en el marco del Primer Festival de Monólogos NO HAY DRAMA.Participó en los talleres de narrativa de Julio Diaco, y estudió dramaturgia con Cecilia Propato. Sostiene desde junio del 2009 el blog “para cuándo lo tenés”.

 GABRIELA BIANCO / DIRECTORA

Creadora, actriz, pedagoga, y directora teatral. 

Su formación es multidisciplinaria. Sus Maestros son Juan Carlos Gené, Iris Guiñazú, Verónica Oddó, Graciela Alisedo y Eugenio Barba.

Co-fundadora de ADAS, es actualmente directora de los proyectos que lleva adelante la institución.  Dirige el grupo artístico y pedagógico Artes & Señas que desde 1999 presenta distintas propuestas escénicas. Las últimas experiencias, relacionadas a la intervención de obras plásticas, teatrales y multimedias con presencia de lengua de señas. En el año 2000 recibió una Beca del Fondo Nacional de las Artes que le permitió iniciar la investigación sobre poéticas de la LSA, preparar un espectáculo y asistir a las sesiones de la ISTA dirigida por E.Barba en Alemania ese mismo año.

Ha viajado en numerosas ocasiones llevando talleres y espectáculos por distintas ciudades del país y del exterior como actriz, pedagoga y directora.

Es parte del grupo de gestión y creación de MAGDALENA 2ª GENERACIÓN, Red Latinoamericana de Mujeres  en el Arte Contemporáneo, desde 2008.

Autora y directora junto a Cristina Banfi de CUENTOS  A MANO, video-libro en LSA con narraciones para chicos sordos y material para el aula.

Como actriz ha participado de numerosas obras. Las más relevantes: El Otro Sacrificio (Dirigida por E. Goris en 1992), Ese antiguo Espíritu de Venganza (dirigida por V. Oddó en 1997);  Isatustra, Así hablaba Isadora (interpretación y dirección, supervisada por G.Aniksdal del Greenland Friteater de Noruega en 1999), La Voluntad y Una burrada (ambas dirigidas por G. Cacace durante 2002 y 2005), Los cuerpos de la antropofagia, Intervención en LSA de la obra de Tarsila DoAmaral (exposición 2008 en el Malba)  la obra Semillas de Memoria (de Ana Woolf dirigida por J. Varley del Odin Teatret, en 2009).

Como directora, además de experiencias en torno al teatro inclusivo, constan: Tierra de Ángeles (sobre textos de M:E.Walsh en 1999), Solo Ochenta (de C. Higgins en 2002), Isatustra, Así hablaba Isadora (de creación propia sobre la obra de Isadora Duncan y textos de Nietszche y W.Whitman), Cambiar de casa (sobre textos de Gambaro, en 2003), Mar de Flores (sobre un poema de Galeano en 2008), Villarrica (Monólogo de A.Turner, el mismo autor de La ausencia de todas las cosas, en 2008).

 

En la actualidad, además de dirigir LA AUSENCIA DE TODAS LAS COSAS, es:

- Directora de Mondonga & Verdelinda, cuerpo de cuenteras, espectáculo de narraciones inclusivas. Compañía Artes & Señas. Con funciones itinerantes desde 2008. Funciones en vacaciones de invierno 2010 en El Teatro El Cubo,  Festival Cubo Mágico. - Es co-guionista y conductora del ciclo ENSEÑAS, PARA APRENDER, cortos de divulgación de la LSA para Paka-Paka, CANAL ENCUENTRO. Estreno julio 2010.

- Autora junto a Andrea Castaño de LENGUA DE SEÑAS, INFANCIA Y PORVENIR, ensayo foto-poético en proceso. Exposición 2011. Buenos Aires y posterior gira.

http://gabrielabianco.com.ar

"El Sepelio" de Heidi Steinhardt: ¿una muerte anunciada?

Desde el enfoque de la ironía dramática, “El Sepelio” de Heidi Steinhardt tiene algo que plantea William Shakespeare en Otelo: la división de los bienes cuando la muerte se acerca. Pero Zulema, la madre, parece llena de vida cuando un domingo temprano convoca a sus tres hijos varones a desayunar y tocar el tema mediante rodeos y enredos. Recorriendo el registro desde la crueldad al absurdo se despliegan en el escenario del teatro La Carbonera de San Telmo, Buenos Aires, situaciones dolorosas sazonadas mediante diálogos desopilantes.

Ha causado una fuerte impresión en Zulema, la madre, la muerte de una amiga, entonces decide organizar su propio funeral. Si bien el final parece un poco apurado, El Sepelio cuenta una excelente historia sobre una familia tan convencional que el espectador puede identificar perfectamente con sus problemas, las mentiras, las cosas que se ocultan por vergüenza, por orgullo o por temor.

En medio de las discusiones sobre cualquier tema, con las medialunas como fondo, la temperatura dramática sube y baja como vientos patagónicos, deseos frustrados, celos, enojos, desamor, el desconcierto. El espectador pasa constantemente de la risa a la angustia a través de un ritmo muy bien llevado, una actuación de grandes matices.

Si bien la acción está en manos de Zulema (Cristina Maresca)—una madre cruel, dominante y desbordada que oculta algo en sus estallidos de furia—cada hijo se muestra tal como es: Alfredo (Néstor Caniglia), el mayor, algo timorato, de poco brillo; Coyi (Diego Rinaldi), dominado por la comida u objeto de burla por su madre; y el adolescente Pedro (Guido Silvestein).

Steinhardt, autora y directora del espectáculo, investiga los vínculos familiares y la transmisión de padres a hijos que se realiza a través de las instituciones de la sociedad, como así también las turbulencias provocadas por los deseos incumplidos, las frustraciones. Parece abrir una especie de diálogo no racional sobre la condición humana, lo obsoleto de ciertos aspectos de la vida en familia.

El final, con la madre sola y en llanto mientras la luz desvanece tiene un bello y dramático impacto.   

 Ficha artístico técnica

Elenco: Cristina Maresca (Zulema), Néstor Caniglia (Alfredo), Diego Rinaldi (Coyi), Guido Silvestein (Pedro)

Iluminación: Andrea Czarny

Diseño Gráfico: Sebastián Castro

Coordinador en producción: Daniel Higa

Asistente de Dirección: María Sol Giancaspro Arias

Dirección y dramaturgia: Heidi Steinhardt

 La Carbonera:  Balcarce 998

Informes y reservas: 4362-2651

Entrada: $40

Web: http://elsepelio.blogspot.com

HEIDI STEINHARDT

Es actriz, dramaturga y directora. Se formó con Julio Chávez y tomó seminarios con Ana Frenke, Helena Tritek, Habbib Naghmouchin, Claire Heggen, Patricia Stavinsky, Osky Guzmán entre muchos otros. Sus últimos trabajos fueron ¨El trompo metálico¨ de su autoría y dirección, ¨Nina¨ dirigida por Jorge Eines en el Centro Cultural Konex, ¨El juego de la silla¨ de Ana Katz, ¨Mein Kampf¨ dirigida por Jorge Lavelli en el Teatro San Martín y ¨Símbolos Patrios¨ de José María Muscari entre muchos otros. Ha obtenido numerosos premios por el ¨Trompo metálico¨ y participa aún en fiestas y festivales. Actualmente dicta seminarios para actores en Buenos Aires, el interior y en el exterior. Como actriz forma parte del elenco de la Serie Plan V y ensaya ¨Después del borde¨ de su autoría y dirección. Trabaja sobre la edición de sus obras bajo la supervisión de Jorge Dubatti y prepara una gira por España con el ¨Trompo metálico¨.

 

NÉSTOR CANIGLIA

Actor, dramaturgo, docente y director. Se formó en la escuela La Barraca y con los maestros Rubens Correa y Raquel Sokolowicz. Completó sus estudios con acrobacia y magia. Sus últimos trabajos en teatro fueron ¨Perras¨ de Mauricio Kartun, “Discepolín y yo” en el Teatro Presidente Alvear, ¨No me dejes así¨ de Enrique Federman y ¨Como blanca Diosa¨ dirigida por Hugo Urquijo, en el Teatro del Pueblo. Participó en numerosos festivales internacionales y obtuvo varias distinciones como actor y dramaturgo.

 

CRISTINA MARESCA

Actriz y docente. Se formó en el IUNA. Sus últimos trabajos en teatro fueron “El Bergantín” bajo la dirección de Bernardo Cappa, “La felicidad es una emoción insoportable” con dirección de Paulo San Martín y “Mensajeros” de Javier Bilotta. Realizó el diseño de iluminación de las obras ¨El juego de estar vivos¨ y ¨Dos mujeres, dos magias¨, ambas dirigidas por Beatriz Álvarez. En 2009 participó del festival “El país en el país” (Salta).

 

DIEGO RINALDI

Actor y docente. Estudió con Lorenzo Quinteros y Alejandro Catalán, entre otros. Sus últimos trabajos en teatro son: “Laboratorio Muscari” dirigida por José María Muscari en el centro Cultural Rojas, “Auténticos” dirigida por José María Muscari y ¨Noches de verano¨ de Cristian Scotton en teatro El Cubo. 

 

GUIDO SILVESTEIN

Actor y abogado. Se formó con Patricia Hart, Ricardo Olivera, Mariana Briski, Silvia Kanter y Heidi Steinhardt. Trabajó en numerosos cortos y sus últimos trabajos en teatro fueron ¨Desparejas”  dirigida por C. Palermo  y “Las Troyanas” bajo la dirección de Guillermo Barri. Actualmente ensaya  ¨Bla Bla Bla¨ de Marcelo Bilezker.

 

 

 

 

 

 

 

                                           

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"Estupidamente Medea," un cabret trágico-cómico con acento latinoamericano

Los tiempos cambian. Hay curiosas máquinas que hacen pochoclo en segundos y ya no hay anfiteatros al aire libre, como en Atenas del año 431 a.c. Los espectadores de hoy no gritan, no tiran tomates a los actores: se portan bien, comen el pochoclo, aplauden y se van. Contentos pero a  veces sin saber bien lo que han visto. Por las dudas un cartelito los avisa en el momento de entrar en la sala del Espacio Cultural Pato de Ganso que no se trata de una película en el cine Hoyts. El paquete de pochoclo que reciben antes de ver “Estupidamente Medea” es muy pequeño.

La historia trágica de Euripides ganó el certamen Euforión y puso en alza la figura femenina. En la versión original la protagonista dice: “De todo lo que tiene la vida y pensamiento, nosotras las mujeres, somos el ser más desgraciado.” Jason se casa con Medea y tiene un hijo con ella en Yolco. En una lucha por el poder en ese lugar, Medea engaña a las hijas del tío para que lo mataran, teniendo luego que huir a Corinto…

La versión del director José J. Maldonado busca, a partir de un formato de cabaret, manifestar la extrañeza que se observa en las relaciones establecidas con los demás, cuestionar su visualización en los ojos de los otros y resignificar la sensibilidad de los vínculos mediante el humor y acciones sin aparente conexión…bailando sobre pochoclo, cantando, seduciendo los espectadores con algunas secuencias bien logradas pero no vinculadas a un relato preciso.

Dice el director: “Las líneas de fuga y fisuras que nos ofrece el mito de Medea nos facilitan hablar en dos niveles: el del mito mismo y el de nuestro background personal, desde los cuales, como grupo cosmopolita, nos preguntamos quién es el extranjero; topo que se desarrolla en el tratamiento de una micropolítica, en la relación sentimental de un ámbito doméstico.”

En la práctica, sin embargo no está del todo claro si se trata de un cabaret, un performance, un stand up comedy, un relato medio mítico sobre la vida del extranjero en Buenos Aires… De todos modos, la puesta es inteligente, hay gran entrega de los actores y es muy grato ver y escuchar artistas provenientes de diversos países latinoamericanos, convocados para la puesta de la obra.

El pochocho tiene un rico sabor, si bien le falta sal.

Estreno sábado 6 de noviembre

Funciones:  Sábados 23 hs.

6 únicas funciones, hasta el 11 de diciembre

Espacio Cultural Pata de Ganso

Pasaje Zelaya 3122 (Abasto)

Reservas: (054 11) 4862-0209

Entradas: $35 Est. y Jub. $25

  

Intérpretes:

Sherry Denis (México)

Melissa Aranibar (Perú)

Nibaldo Maturana (Chile)

Christian Nieves (Puerto Rico)

Javier Soria (Bolivia)

Con la actuación especial de:

Helgalís (Puerto Rico)

 

Diseño de Escenografía:

José J. Maldonado                       

 

Coaching Escenográfico:

Norberto Laino

 

Vestuario:

Mariana Arzola

                                    

Iluminación

José J. Maldonado

 

Producción:   Nibaldo Maturana, Helgalís Ramos y José J. Maldonado

 

Prensa:

Claudia Mac Auliffe

 

Asesor Training

Alan Robinson

 

Asesoría Teórica:

Isabel Crubellier

Martín Rodríguez

 

Diseño Grafico

Renata Cymlich (Pagina Nomade)

 

Fotografía:

Davide Casali

 

Asistencia de Dirección:

Helgalís Ramos

 

Dramaturgia

Isabel Crubellier

José J. Maldonado

  

Dirección:

José J. Maldonado

  

El grupo Huérfanos con esperanza

Como grupo latinoamericano, hoy nos replanteamos el teatro desde el contexto de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Una ciudad que convoca a muchos extranjeros y que a la vez es considerablemente potente en su producción teatral. A pesar del sinnúmero de espectáculos que se presentan en la ciudad, buscamos como grupo aportar con estrategias teatrales que reflejen una mirada cosmopolita latinoamericana en la escena teatral porteña.

 

José J. Maldonado: Actor y Licenciado en Artes con mención en Arte Teatral  de la Universidad ARCIS (Santiago, Chile), entre sus profesores se destacan: Ramón Griffero, Juan Radrigán, Alexis Moreno, Marcos Guzmán, Francisco Albornoz, entre otros. Se desempeñó como asistente de dirección, actor, diseñador y técnico en diversas obras en su país, así como profesor auxiliar en materias teóricas con la Profesora Gloria María Martínez durante cuatro años. Actualmente estudia en la maestría de Cine y Teatro Latinoamericano de UBA, es parte del grupo de Críticos e Investigadores teatrales del Centro Cultural la Cooperación y miembro de la AINCRIT. Se especializa en teoría y análisis de teatro contemporáneo y ha expuesto en congresos tanto de cine como de teatro. Paralelamente trabajó como stage manager en conciertos masivos como U2, Roger Waters, Tom Jones, Franz Ferdinand, Beastie Boys, entre otros.

 

 

 

 

 

 

 

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"Shakespeare en mi Cabeza:" una puesta única de Patricia Palmer

Entre las obsesiones de William Shakespeare figuraba en un lugar destacado las consecuencias de la lucha por el poder, algo muy estudiado en las tragedias "Ricardo III," "Rey Lear" y "Hamlet." La directora Patricia Palmer toma esas tres obras como punto de partida en el armado de un espectáculo único y original que enfatiza la corporalidad de los actores, la economía de la puesta y un relato que fusiona y entremezcla varias historias simultáneamente.

Es un espectáculo que habla del amor, el desamor en todas sus formas, el humor, la traición, un ensayo sobre el poder y los conflictos entre padres e hijos, en fin, una intensa muestra en vivo sobre la condición humana.

La puesta en negro, con 20 actores también vestidos en negro, las presentadoras, actores que gatean sobre el piso como ratas en retirada, la música de la época y cantantes líricos, la gran habilidad de algunos de los actores en papeles menores...todo confluye para excitar la  comunicación dramática mediante recursos variados.

Versión: Patricia Palmer

Actuan: Celina Armas, Eduardo Aste, Verónica Bonino, Maria Inés Caccavo, Gustavo Caruso, Silvana Cohen, Marcelo Domene, Juan Fassi, Carlos Gallegos, Maria Fernanda Gamboa, María Luisa González, Josefina Maltisoto, Eduardo Martinucci, Silvio Mashad, Mauricio Mendez, Sang Min Lee, Milena Mouratian, Jorge Ojeda, Maria Florencia Piturro, Germán Polonsky, Ramón Pólvora, Nayla Quintana, Mariela Remiro, Gisele Roitbarg, Luciano Torres

Cantantes: Paula Alba, Merceces García Blesa, Flavia Memmo

Músicos: Mailén Ubiedo Myskow

Vestuario: Silvio Mashad, Patricia Palmer

Diseño de escenografía: Silvio Mashad, Patricia Palmer

Diseño de luces: Mauricio Mendez, David Rosso

Música original: Gabriel Chowjnik

Fotografía: Silvana Cohen, Silvio Mashad, David Rosso

Diseño gráfico: Silvana Cohen, Silvio Mashad Asistencia de dirección: Mariluz Giorgetti

Prensa: Tehagolaprensa

Producción ejecutiva: Verónica Bonino, Maria Florencia Piturro

Dirección: Patricia Palmer

TALLER DEL ANGEL Mario Bravo 1239, Capital Federal - Buenos Aires - Argentina

Teléfonos: 4963-1571

Web: http://www.tallerdelangel.com.ar

Entrada: $ 35,00 y $ 25,00 - Domingo - 19:30 hs - Hasta el 05/12/2010.

Teatro por la Identidad festeja hoy en el teatro Konex sus 10 años

Teatro por Identidad festeja hoy a las 19 horas en el Konex, Ciudad de Buenos Aires, diez años de un ciclo de teatro argentino gratuito relatando historias sobre la dictadura militar y la apropiación ilegal de chicos.
Habrá una muestra con escenas de obras de estos últimos diez años de trabajo teatral,como asimismo espectáculos y se cerrará con un recital de Divididos y Los Péricos. En principio Teatro por Identidad concentró su actividad en la Ciudad de Buenos Aires pero de a poico se expandió hacia Córdoba, Mar del Plata, Río Negro, Santa Fé e incluso España. Entre las obras presentadas figuran "Potestad" de Eduardo Pavlovsky; "Idéntico" de Mauricio Kartún y la dirección de Daniel Veronese; "Cabaret" de Concha del Río;"Improvisación por la identidad" de Mosquito Sancineto y Osqui Guzmán;"Del ropero al closet," una obra de Tito Cossa; y "El último verso," de Patrici8a Zangaro, con la dirección de Pompeyo Audivert.

"Curupayty, el mapa no es un territorio," puesta en escena de la guerra contra Paraguay en el teatro Del Borde de Buenos Aires

Tras cinco años de guerra la alianza de Argentina, Brasil y Uruguay contra Paraguay terminó en una “victoria” que significó para el país vencido “la muerte de más de dos tercios de la población paraguaya, incluida la mayoría de los varones adultos, y la destrucción casi total del capital productivo nacional,” según Mariana C. Fassi en “Paraguay en su laberinto,” de reciente edición. “En su derrota Paraguay debía generar las divisas que le permitieran cumplir con las compensaciones de guerra. Concluía así su incorporación a la dinámica del capitalismo internacional.”

 Mediante un procedimiento de reconversión de documentos varios sobre "la guerra de la triple alianza" el director y dramaturgo Julio Molina ha puesto en el teatro Del Borde de Buenos Aires una ficcionalización del conflicto belico. “Tomamos la odisea del pueblo paraguayo en aquel genocidio pensando así: CURUPAYTY, el mapa no es un territorio,” dice Molina. Agrega: “Donde el pasado fantasmagóricamente testimonia lo que el presente genera como pensamiento dramático.”

 Molina logra un espectáculo de alto vuelo y de un realismo notable con la incorporación de actores paraguayos que hablan en guaraní. Es un espectáculo atractivo para los historiadores, pero también para los estudiosos del arte teatral, ya que los actores paraguayos logran comunicar con sus voces, sus cuerpos y sus almas. 

Funciones:                         Domingos 18 horas, Teatro Del Borde, Chile 630, 

                                        Ciudad de Buenos Aires Actores:      Mario Alfano, Lela Cabrera, Ana Giménez, Shirley Giménez, Fernando López, Odón Morán López, Eduardo Ramoni, Ñeco Recalde, Ana Laura Urso, Darío Valenzuela.

Reservas:                          4300 6201.

Informes:                           [e-mail]

Director y autor:                Julio Molina

Asistente de dramaturgia:   Lidia Epsztejn

 

Instrumentistas:       Rodrigo González / Manuel Sahores
Área sonora:            Manuel Sahores
Área visual:              Alejandro Le Roux, Ana Laura Urso, Julio Molina, Julio Suárez
Iluminación:             Alejandro Le Roux
Vestuario:                Julio Suárez
Asistente escenográfico: Mario Alfano
Fotografía:               Pablo Kalahat
Gráfica:                   Santiago Franzani
Prensa:                   Claudia Mac Auliffe
Asistente de dramaturgia: José María Lareo
Producción ejecutiva: Shirley Giménez, Ana Laura Urso y Julio Molina

Sería interesante volver a examinar las consecuencias sociales, económicas y culturales para vencidos y vencedores, ya que la historia del conflicto ha sido tratado con ceguedad. La guerra tuvo como uno de sus fines de destrucción de la única nación en la región que el capital extranjero no había deformado: durante el largo gobierno de mano dura del dictador paternalista Gaspar Rodríguez de Francia (1814-1840) se edificó un desarrollo económico autónomo y sostenido que tuvo su apoyo más notable en las masas campesinas. Ni los intereses del capitalismo mundial ni los de las oligarquías dominantes en los tres países invasores estaban dispuestos a tolerar el camino independiente que asomaba diferenciar Paraguay de sus vecinos.

 Cabe agregar que cuando los invasores aparecieron en el horizonte, en 1865, Paraguay contaba con una línea de telégrafos, un ferrocarril y una buena cantidad de fábricas de materiales de construcción, tejidos, lienzos, ponchos, papel y tinta, loza y pólvora; desde 1850, la fundición de Ibycui fabricaba cañones, morteros y balas de todos los calibres; en el arsenal de Asunción se producían cañones de bronce, obuses y balas; la siderurgia nacional, como todas las demás actividades económicas esenciales, estaba en manos del Estado; el país contaba con una flota mercante nacional; el Estado virtualmente monopolizaba el comercio exterior: la yerba y el tabaco abastecían el consumo del sur del continente; las maderas valiosas se exportaban a Europa; la balanza comercial arrojaba un fuerte superávit y Paraguay tenía una moneda fuerte y estable, y disponía de suficiente riqueza para realizar enormes inversiones públicas sin recurrir al capital extranjero; no debía ni un centavo al exterior, pese a lo cual estaba en condiciones de mantener el mejor ejército de América del Sur y el 98 por ciento del territorio paraguayo era de propiedad pública ya que el Estado cedía a los campesinos la explotación de las parcelas a cambio de la obligación de poblarlas y cultivarlas en forma permanente y sin el derecho de venderlas…

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

"Ofensa" del dramaturgo inglés John Hopkins en el marco del 20° aniversario del Espacio Teatral Andamio 90 de Buenos Aires

El Espacio Teatral Andamio 90 acertó de modo sobresaliente cuando, en el marco del 20° aniversario de su inauguración, puso en el escenario de la sala una adaptación de “Ofensa,” del dramaturgo inglés John Hopkins. El espectáculo indaga sobre la violencia humana desde miradas variadas y logra llevar el tema a la altura de la introspección gracias a un gran elenco y a la acertada dirección de Marcelo Velázquez.

La directora y maestra Alejandra Boero, destacada figura del teatro independiente en Argentina, estrenó Ofensa hace 15 años. El espectáculo estrenado el pasado 16 de octubre cuenta con parte del elenco original y la dirección de un alumno y discípulo de Boero.

El policía detective Johnson tiene veinte años de servicio en la fuerza. Su cabeza retumba con la memoria de hechos terribles y ahora está frente a lo que sería su último caso: Kenneth Baxter, un agente inmobiliario con esposa e hijos, sospechado de varios casos de pedofilia. Johnson muestra su interior violenta en el interrogatorio policial, pero además esa violencia indecorosa  estalla en el trata de su propia esposa.

(Es aquí donde uno puede notar la aguda observación de Franz Fanon sobre cómo la violencia aplicada a presos políticos puede reaparecer en el trato íntimo del torturador a su propia esposa y familia.)

Presionado y cuestionado a su vez por su propio jefe, Johnson se vuelve cada vez más desesperado en su intento de lograr la confessión de Baxter y termina golpeándolo con tanta fuerza que el sospechoso tiene que ser enviado al hospital en estado grave.

El planteo es muy actual. ¿Sirve la tortura para logar una confesión? ¿Es posible justificarla, como hizo el ex presidente George Bush de los Estados Unidos? ¿El fin justifica los medios? ¿Se soluciona la violencia en la sociedad con mano dura?

La puesta de Velázquez agregó sintetizar la propuesta de Hopkins mediante un larga mesa en forma de “L,” que logra economizar el paso de una escena a otra.

 

Funciones:                 Sábados 20:30 horas

Elenco:                       Marcelo Bucossi, Mercedes Fraile, Alfredo Martín, Daniel

                                   Goglino

Dirección:                  Marcelo Velázquez

Versión:                     Fernando Masllorens y Federico González del Pino

Título original:           “That story of yours” de John Hopkins

http://www.ofensa-estahistoriasuya.blogspot.com

Teatro:                       Andamio 90, Paraná 660

Reservas:                   4373 5670

Localidades:              $40 pesos (Desc. Estudiantes y Jubilados $20)

 

Diseño de iluminación: Alejandro Le Roux

Diseño y realización de escenografía: Ariel Vaccaro

Diseño de vestuario: Carla Desiderio

Diseño sonoro: Diego Centurión

Fotografía: Magdalena Viggiani

Diseño gráfico: Verónica Duh

Asistente de escenografía: Julieta Potenze

Asistentes de vestuario: Paula Lusarreta – Tamara Rodil

Prensa y difusión: Tehagolaprensa

Producción ejecutiva: Esteban Costa

Asistencia de dirección: Mabel Crescente

Producción general: Esteban Costa – Marcelo Velázquez

 

Título original: “That story of yours”

Agente literario de John Hopkins: Shirley Knight Hopkins

Esta obra se presenta en la Argentina a través de:

The NANCY H. SMITH LITERARY AGENCY, Buenos Aires/Londres;

Agencia Literaria F & F: Fernando MASLLORENS & Federico GONZÁLEZ del PINO, Buenos Aires

 

El autor

John Hopkins (1931-1998) dramaturgo y guionista inglés. Comienza su trabajo en la radio hasta que en la década de 1960 se consagra en la BBC de Londres adaptando innumerables novelas para la televisión, entre las que se destacan la serie Cars Z (BBC, 1962-78) y el cuarteto de obras Hablando con un extraño (BBC, 1966) con la actriz Judi Dench entre los personajes principales.                                                                    

En 1968 se casa con la actriz norteamericana Shirley Knight, su última esposa, y pocos años después de su matrimonio la pareja se muda a Estados Unidos, asentándose en Los Ángeles. Hopkins continuó escribiendo principalmente guiones hasta su muerte en su casa de Hollywood en 1998.                                                                                      

Escribe Ofensa (Esta historia suya, en el original) también en 1968 y es su primera obra teatral. En 1972 fue  llevada al cine bajo el título de The Offence, con guión del mismo Hopkins, dirigida por Sydney Lumet y protagonizada por el actor Sean Connery.

 El director

Marcelo Velázquez es egresado de la carrera de Letras de la Universidad de Buenos Aires. Estudia en la Escuela de Teatro de Alejandra Boero (Andamio 90). Realiza talleres de Actuación con Alberto Ure, Vivi Tellas, Mónica Cabrera, Teresa Sarrail,  Augusto Fernándes y Ricardo Bartís. Participa como actor en gran cantidad de espectáculos desde 1987: Fragmentos de teatro-3 piezas de Samuel Beckett, y Los reyes de Julio Cortázar, ambos con dirección de M. Gall. Desde 1994 actúa de los proyectos del Teatro Andamio 90: La fiesta del hierro de Roberto Arlt dirigida por R. Correa - A. Bazzalo, 1789 de Arianne Mnouchkine dirigida por A. Boero - J. Baccaro, Ángeles en América de Tony Kushner, dirigidas por A. Boero- J. Baccaro. Participa de la creación de la Compañía de Teatro La Muda y actúa en los espectáculos producidos por la Compañía: en el 2000 Penas sin importancia de Griselda Gambaro, en el Teatro del Sur dirigido por Teresa Sarrail. En el 2001 estrena La mujer en el auto de Felix Mitterer en el Teatro del Sur, con dirección de Teresa Sarrail y en el 2009 Muñeca de Armando Discépolo bajo la dirección de Sarrail y Sandra Torlucci.

En el 2007 estrena la obra Criminal de Javier Daulte en el Teatro DelBorde que es su debut como director. En el 2008 dirige Destino de dos cosas o de tres de Rafael Spregelburd y en el 2009, Acreedores de August Strindberg por el cual recibe dos nominaciones a los Premios ACE como Mejor espectáculo de teatro alternativo y Revelación masculina por la dirección.Se desempeña como docente de teatro en el Estudio de La Compañía de Teatro La Muda en DelBorde Espacio Teatral y docente de Actuación y Dirección en el Departamento de Artes Dramáticas del IUNA donde también dicta las asignaturas Historia del Teatro Latinoamericano y Semiótica del Teatro. En la Facultad de Filosofia y Letras de la U.B.A. dicta seminarios sobre teatro argentino y latinoamericano comparados.

"Simulacro y fin," espectáculo sobre la (falta de) memoria en Timbre4 de Buenos Aires

La memoria es una capacidad humana que nos permite registrar, retener, conservar y luego evocar experiencias, acontecimientos, ideas, imágenes o sentimientos; cuando no podemos recordar hechos claves de nuestra vida entramos en una crisis profunda. Es lo que plantea Maximiliano Gallo en el espectáculo “Simulacro y Fin.”

 ¿Qué puede suceder si vuelve borroso el recuerdo sobre la muerte de un hijo menor en una familia, cuando el padre no se da cuenta que ha muerto el perro de su hija, cuando apenas regista el momento cuando mató un perro en la calle al volante de su auto?

 Las imágenes vienen en secuencias entrecortadas, como en los sueños: la madre evoca su época de bailarina y estalla en una furiosa rabia porque no puede ordenar las fotos, como si algo la empujara a deshacerse de su propio pasado.

 ¿Cómo es posible la supervivencia de una familia que no puede o no quiere recordar hechos esenciales (y notan esenciales) de su propia historia. Estalla la bronca ciega, la incapacidad por entender, la frustración…todo comienza a ser una especie de simulacro. La madre, el padre y las dos hijas construyen versiones de su propia historia que producen el rechazo a veces violento de los demás.

 El espectáculo funciona como una indagación sobre la memoria, o su falta, sobre cómo se construye y desconstruye nuestras historias. Es un recurso teatral interesante en manos de un elenco hábil. Pero deja la sensación en el espectador de un enorme vacío.

 "Simulacro y Fin"       Viernes y sábados 21 horas

Timbre 4, México 3554, Ciudad de Buenos Aires, Argentina

Reservas:       429 0280

Http://timbre4.com      [e-mail]

Ficha técnico artística

Texto:  Maximimiliano Gallo

Elenco: Eva Bianco, Analía Juan, Lucía marquez, Eduardo Rivetto

Diseño de escenografía: Simón Poulsen

Operación de luces:   Emilio Díaz Abrgú

Fotografía                   Gaston Taylor

Asistencia de dirección: Naty Díaz

Dirección:    Maximimiliano Gallo

Asesoramiento de vestuario:   Melina Passadore

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Maximiliano Gallo

es dramaturgo, actor y director reconocido y legitimado de la escena cordobesa. Identificado con el Teatro Independiente de Córdoba, Gallo es considerado por el medio y la crítica como unos de los jóvenes hacedores más talentosos y prometedores.Ha cursado las carreras de Licenciatura en Teatro y Licenciatura en Psicología en la UNC.

Como dramaturgo se ha destacado con su opera prima La sexualidad de Sandra realizando a su vez el rol de director de la puesta. La obra es editada y publicada en el proyecto DA2. Ediciones El apuntador, en el año 2005 y en el año 2006 obtiene el Premio Estímulo a la Calidad otorgado por el Instituto Nacional del Teatro entre otros premios y distinciones. Prima Fílmica, su segundo trabajo dramatúrgico, es publicado en el año 2009, en Teatro Contemporáneo Ediciones El Apuntador / Babel. Gallo lleva a escena a Prima Filmica en el año 2008 dirigiendo el espectáculo. De penitencias y autopsias es publicado en el año 2008, Ediciones El apuntador; dicho texto fue creado en el marco del Festival Internacional del MERCOSUR 2008 coordinado por el dramaturgo Sergio Blanco. En Marzo del corriente año estrena Simulacro y fin; obteniendo el mayor reconocimiento de la crítica local y un éxito de público con más de ### espectadores en sala y cuatro meses de funciones.

Como actor ha realizado más de 30 trabajos en teatro y medios audiovisuales, entre los que se destacan, Quinotos al Rhum, La Desconfianza y La Desconfianza 3, El señor Galíndez, Cocodrilo, Al final de todas las cosas y De Penitencias y autopsias.

De su experiencia cinematográfica sobresalen las participaciones en: Por sus propios ojos, Remake, Music Love, Reunión de Tribus e Hipólito (sin estrenar).

Se consolida como director al frente de sus proyectos dramatúrgicos obteniendo, por ejemplo, el Primer premio en el rubro de Dirección Teatral por la obra La Sexualidad de Sandra. Premio Estímulo a Jóvenes Creadores. Su formación artística está ligada a hacedores de renombre como Rafael Spregelburd, Asummpta Serna, Rubén Szuchmacher, Guillermo Heras, Bernardo Cappa, Oscar Rojo, Paco Jiménez y Sergio Blanco entre otros.

"El cerco de agua" de Mariana Mazover en la Carpentería Teatro de Buenos Aires

El escenario es lugar de encuentro, un espacio de transcendencia, estética, arte y poesía; también es lugar de denuncia. “El cerco de agua,” un espectáculo escrito y dirigido por Mariana Mazover, pone el énfasis en la denuncia.El escenario es una especie de isla, un dispositivo científico hospitalario en donde son retenidas en cautiverio las víctimas de una enfermedad ignota, muy contagiosa, que desintegra los cuerpos. En realidad, no es una isla fuera de contexto: las situaciones hacen pensar en las que sufren diariamente los enfermos en hospitales y clínicas alrededor del mundo.

Es un espacio que a veces se presenta como lugar de encierro. Diariamente todos los enfermos deben responder al reglamento del lugar--para comer hay que coser; es obligatorio festejar cada cumpleaños y está prohibido el apareamiento entre internos.

Pero…los internos Vicky y Emiliano han transgredido la regla. Se aman a escondidas de los demás. Vicky vive sus últimas horas; su amado está siendo objeto secretamente de un Programa de Experimentación Científica, con el que es curado e inmunizado. Entonces, habrá de ser externado de la isla, pero tendría que abandonar a su amor.

¿Emiliano aceptará la salvación individual  o asumir el mismo destino colectivo de los demás: la muerte?

“El cerco de agua es ante todo una historia de amor,” dice la directora. Pero llega más como teatro denuncia que una innovación artística.

“El cerco de agua,“ de Mariana Mazover      Domingos 19 horas

 La Carpintería Teatro: Jean jaures 858, Ciudad de Buenos Aires

www.alternativateatral.com

 Ficha técnica:

 Actúan: Mercedes Carbonella, Juan Ruy Cosin, Laura Correa, Pablo Correa, Hernán Roitman, Lucila Németh y Eugenio Tourn

Dramaturgia y dirección: Mariana Mazover

Asistente de dirección: Natalia Slovediansky

Asistencia artística: Sebastián Romero

Producción: Fabio Petrucci y Ana Ferreira

Iluminación: Javier Casielles

Escenografía y Vestuario: Florencia y Mariana del Gener

Diseño gráfico: Soledad Silva

Domingos 19 hrs – Teatro La Carpintería – Jean Jaures 858 – Abasto – Buenos Aires

Entrada $30.00 // Reservas por Alternativa Teatral.

Mariana Mazover

Es Comunicóloga, dramaturga y directora teatral. En dramaturgia se formó con Mauricio Kartun, Ricardo Monti y Lautaro Vilo, y en Dirección y Puesta en escena con Juan Carlos Gené. Paralelamente se formó en actuación en Timbre 4 con Claudio Tolcachir y Lautaro Perotti. Es asistente de dirección de Porque todo sucedió en el baño, en cartel en Timbre 4. El cerco de agua es su primer trabajo como autora y directora.

"Reminiscencias de Un Encuentro," un espectáculo sobre un posible encuentro en una vida anterior en el teatro la Ranchería de Buenos Aires

¿Qué puede pasar si una mujer piensa que el hombre sentado a su lado en el banco esperando el colectivo es un personaje de su pasado? ¿Y si en su vida anterior  ella…fuera un hombre rico, un galán…? La inciertedumbre da pie para muchas reflexiones, más cuando los que tratan de poner luz a las ambigüedades son actores de oficio.

 Es lo que sucede en “Reminiscencias de Un Encuentro,” un espectáculo lleno de ironías de la dramaturga y documentalista argentino-española Sandra Fernández Ferreira. La obra, que ha sido galardonada con una Mención honorífica del Fondo Nacional de las Artes (2009, coloca en el escenario a dos desconocidos que tal vez se conocen…en otra vida, vaya saber, nunca se sabe...

 Los dos están sentados a espaldas del público. Ella rompe el silencio pesado: “tengo la sensación de que nos conocemos.” El hombre la mira y toma su tiempo. Luego: “¿De dónde crea que nos conocemos?”

 --De otra vida.

--¿Cómo lo sabe?

--Lo presciento.

 Es un planteo dramático interesante, pues la duda pide soluciones que nunca aparecen y entre tanto da lugar para el hombre y la mujer vayan conociéndose. Pone las emociones fuertes de la vida real en formato de espera mientras las acciones de las posibles vidas anteriores se apoderan del escenario. Es la historia de un hombre y una mujer, tal vez un reencuentro, tal vez un nuevo intento de armar las piezas de una relación desarticulada. Y si en efecto el alma es inmortal, habiendo nacido muchas veces, no debe haber nada que no tenga aprendido, nada que pueda impedir un nuevo intento.

 Sin encontrar solución el hombre propone…el enamoramiento. Ella ofrece el enamoramiento. ¿Cómo? Habría que ver el espectáculo para encontrar la repuesta.

 "Reminiscencias de Un Encuentro"

(Poco, poquito, Nada)

De Sandra Fernández Ferreira

Dirección: Cecilia Pión

Actúan: Alberto Dobisky y Analía Farfaglia

Funciones: viernes 21hs.

Teatro La Ranchería, México 1152

Localidades: $ 30 (Estudiantes y Jubilados 50% descuentos) Reservas: 4382-5862

http://www.teatrolarancheria.com.ar

http://www.reminiscenciasdeunencuentro.blogspot.com

 

Actúan: Alberto Dobisky y Analía Farfaglia

.Escenografía: Norma Rolandi / Diseño de luces: Felix Monti

Operación técnica: Flor dé Luz / Asistencia de dirección: Jimena Alaluf, Guadalupe Berriex

 SANDRA FERNÁNDEZ FERREIRA / Dramaturga y documentalista argentino-española. Comienza su carrera en Barcelona. Allí escribe Boicot o El Sindrome Chukolsky, esta última desde el 2007 y hasta la actualidad en el teatro Llantiol y Teatreneu de Barcelona y seleccionada para la Maratón del teatro de Barcelona, el Festival de teatro de Alegría, el Barcelona Comedy Festival o el Festival de teatro de Arnedo, donde recibe un premio a la mejor actuación de humor masculina.

En 2005 se traslada a Berlín y escribe la novela Breve disección de una pareja moderna. En 2006 vuelve a Barcelona y escribe Salvajes, La Hiedra, La 48 y El Huésped. Es en este período también realiza los documentales Volver y Entreacte, ambos emitidos por la Televisión de Cataluña.

En 2008 y de regreso a Argentina, continúa su formación como dramaturga, de ahí surge El Amarre, dramatícula a editarse junto a otras obras en Editorial Nueva generación. Es seleccionada para "Teatro por la identidad" Mar del Plata 2009 por su pieza Intachable moral. Además, es elegida como dramaturga y directora en el IV Encuentro de teatro de humor Fray Mocho 2009 con la obra El té de las musas.

Su carrera como documentalista también se expande en Argentina, donde encara la realización integral de Un Hospital sobre rieles, seleccionado en la Muestra de cine social de Concordia (Argentina) y en el Festival Internacional Cineposible de Extremadura, donde es galardonada con la Mención especial Mujer creadora 2010.

En la actualidad continua con su trabajo en el ámbito audiovisual a la par del dramatúrgico. “Reminiscencias de Un Encuentro”. (“Poco, poquito, Nada”) es su reciente pieza estrenada en Buenos Aires, y por la que fue galardonada con una Mención Honorífica por el Fondo Nacional de las Artes de Argentina.

En España, actualmente tiene en cartel Salvajes, bajo la dirección de Ximena Barbano en el teatro LLantiol.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

"Tercer Cuerpo" de Claudio Tolcachir brillante espectáculo en el teatro Timbre 4 de Buenos Aires

En el espectáculo “Tercer Cuerpo” de Claudio Tolcachir varias historias se intercalan en una especie de sinfonía de intentos absurdos y no tanto, deseos frustrados, miedos, incapacidades, caminos cruzados, violencia cotidiano, enamoramiento y desenamoramiento, espanto ante la incapacidad de ser y el querer vivir a pesar de todo de hora a hora en un mundo confuso pero lleno de pasión.

 Tochachir es un director singular y brillante que ha armado una pieza que mantiene el público al borde de sus sillas debido a la gracia de los diálogos y la identificación de personajes típicamente argentinos, a pesar de una técnica teatral que coloca varias situaciones en escena simultáneamente.

 Es un teatro realista siempre al borde del absurdo, fiel a los códigos de sus trabajos anteriores--La familia Coleman, Lisistrata--un teatro que despliega un humor despiadado que desnuda las falencias humanas, lleno de matices, silencios significativos, situaciones tragicómicos, simple y a la vez compleja…como en la vida misma.

 El espectáculo muy premiado se destaca por una coordinación escénica de una precisión muy llamativa, diálogos complejos incalados con ritmo increíblemente veloz.

 Funciones: sábados 22:30 horas y Domingos 19:30 horas y 21 horas en el teatro Timbre 4, Boedo 640. Tel: [phone]. http://timbre4.com

 

 

Ficha técnico artística

Autoría: Claudio Tolcachir
Actuan: Hernan Grinstein, Magdalena Grondona, Melisa Hermida, José María Marcos, Daniela Pal
Escenografía: Gonzalo Cordoba Estevez
Iluminación: Omar Possemato
Diseño de espacio: Claudio Tolcachir
Asistencia de escenario: Agustin Scalise
Asistencia de dirección: Melisa Hermida
Prensa: Walter Duche, Alejandro Zarate
Producción: Maxime Seugé, Jonathan Zak
Dirección: Claudio Tolcachir

Web: http://www.timbre4.com

 

 

 

 

 

Premios y Nominaciones
-Premios Clarín 2009.
Nominación mejor obra circuito Off.
Mejor director circuito Off.
-Premios Florencio, Montevideo, 2009.
Nominacion mejor montaje extranjero.
-Premios "ACE" 2009.Nominacion a mejor espectaculo off.
Nominacion a mejor direccion teatro off.
-Premios Trinidad Guevara 2009.
Nominación mejor actuación femenina de reparto: Ana Garibaldi.
Nominación mejor actuación masculina: José María Marcos.
-Premios Florencio Sanchez 2008
Nominación mejor actriz de reparto: Ana Garibaldi.
-Mejor obra Fiesta nacional del teatro, Buenos Aires, Argentina 2009.
-Premios "María Guerrero" 2008.
Mejor autor: Claudio Tolcachir.
-Premios Teatro del Mundo 2008.
Nominación a mejor actriz de reparto: Ana Garibaldi.
Mejor actor de reparto: Jose Maria Marcos.
Mejor autor: Claudio Tolcachir.
Mejor iluminador: Omar Possemato.


Presencia en festivales
Festival internacional Santiago a mil, Chile.
Fiesta de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.
Fiesta nacional del teatro, Resistencia Chaco, Argentina.
Festival internacional de Santa Cruz de la Sierra, APAC, Bolivia.
Festival internacional de Teatro en el bicentenario, La Paz, Bolivia.
Festival Teatro Stage Fest, New york, USA.
Festival internacional de San Jose de Rio Preto
Festival Theatre Spektakel, Zurich, Suiza.
Festival de teatro de Zurich
Festival Cena Brasilia
Teatro Solis Montevideo
Festival Porto Alegre em cena
Festival de otoño de Madrid
Festival Iberoamericano de Cadiz
Festival Temporada Alta de Girona
Festival Translatine de Bayonne
Temporada en Teatro Espanol de Madrid.
Tempo, Portimao, Portugal
Espace des Arts, Chalon sur Saone, Francia
Ourense, Aviles, Sevilla, Barakaldo - España 2009
Festival de las artes, Costa Rica - 2010
Festival internacional de teatro de Panama - 2010
Festival creatividad sin fronteras, El salvador - 2010
Mayo teatral, La Habana, Cuba - 2010
International hispanic theatre festival, Miami, USA - 2010
Festival de teatro Nuevo Leon, Mexico - 2010
Festival de teatro de Aguas dulces, Veracruz, Mexico - 2010

 

Web: http://www.timbre4.com

Este espectáculo formó parte del evento: Fiesta Nacional del Teatro de la CABA 2008
Este espectáculo formó parte del evento: 24° Fiesta Nacional de Teatro - Chaco2009
Este espectáculo formó parte del evento: III Festival Teatral Cipolletti 2009
Este espectáculo formó parte del evento: Off Buenos Aires

"Una Silla en la Luna de Tennessee," brillante espectáculo-homenaje a Tennessee Williams de Osvaldo Peluffo

En la dramaturgia de Tennessee Williams las palabras salen vestidas de imágenes poéticas, como disparadas de la diafragma de la cámara de un gran fotógrafo. Los textos del gran dramaturgo norteamericano, elaboradas por actores que entienden la fuerza de la poesía, levantan vuelo y llevan al espectador a enrarecidas zonas cubiertas de nostalgias, fragilidades, sombras, luces y sentimientos tan finos como profundos.

 A través del espectáculo “Una Silla en la Luna de Tennessee,” el director Osvaldo Peluffo ha escrito y escenificado un homenaje al escritor norteamericano a partir de un texto de Williams nunca terminado, que se llamaba “Blanche’s Chair in the Moon.“ El espectáculo-homenaje se presenta en Callao 295, Ciudad de Buenos Aires, el 2, 9, 16 y 23 de octubre.

 Habiendo estudiado Williams profundamente en su adolescencia, Peluffo intercaló en el espectáculo momentos de la vida de Williams, así como textos de sus personajes, trabajando asimismo el estilo de escritura del autor de obras como “El zoo de cristal,” “Un tranvía llamado deseo“ y “La gata sonbre el tejado de zinc caliente.”

 El resultado es una muestra fiel al mundo de Williams, a su humanismo y a su gran habilidad por elaborar textos de gran vuelo en base a situaciones simples y a la vez complejas.

 Se trata de un encuentro entre un hombre (Alejandro Imposti) y una mujer (Verónica Peluffo), dos seres sensibles, abandonados en un lugar sin rumbo.

 “Mi pequeño homenaje a un creador que me acompañó en mis años de estudiante,” dice el director, “un soñador egoísta que partió a la luna para tomarse un respiro.”

 Pocas veces se ve en Buenos Aires una actuación tan exquisita, en la cual cada matiz es trabajado con cuerpo y alma y en la cual todos los detalles de la puesta se confluyen para crear un espectáculo casi cinematográfico.

 Funciones:       2,9, 16 y 23 de octubre en Callao 295, entrepiso,

                        Ciudad de Buenos Aires

Reservas:         

43710289

E-mail: [e-mail]

web: http://paristexasproducciones.com

CIA Fårö y París Texas Producciones

Elenco por orden de aparición:

Julie: Verònika Peluffo
Tony: Alejandro Imposti

Ficha técnica:

Diseño de Escenografía:
Osvaldo Peluffo
Realización escenográfica:
Carolina Scarinci
Asistente de escenografía:
Lucía Florio
Selección Musical:
Osvaldo Peluffo
Diseño de luces:
Esteban G. Lahuerta
Producción ejecutiva:
Verònika Peluffo
Producción:
Compañía Fårö
Productor asociado:
París Texas producciones
Producción ejecutiva:
Verònika Peluffo
Puesta en escena y dirección General:
Osvaldo Peluffo

 

 

Reservas al 4371-0289 o a [e-mail]

"Los sueños de Cohanaco," una indagación sobre la cultura indígena en el Camarín de las Musas de Buenos Aires

No es nada común en los escenarios porteños ver actores representar a pueblos originarios luchando por comprender un mundo violento que corrompe su propia identidad. En fin, la rica tradición de la cultura indígena es prácticamente un tabú en una cultura urbana que prefiere mirar a Europa ó sus propias raíces en vez de indagar sobre la devastación de la cultura indígena producida por la conquista española de América Latina.

 En el espectáculo “Los sueños de Cohanaco” Mariana Chaud y Leandro Halperín aborda el tema de manera magistral desde la ironía y a partir de un concepto de sueño que permite un acercamiento a momentos históricos bloqueados por quienes, luego de la victoria, escriben los acontecimientos a partir de su propia prisma.

 Al entrar en la sala del Camarín de las Musas, el espectador debe despojarse de sus prejuicios y abrir la mente hacia la Patagonia del siglo XIX. En el fondo del escenario un toldo, un grupo de tehuelches liderados por su cacique Cohanaco, el marino inglés Sheffer( cautivo de los indígenas), y un temible criminal chileno Antonio Lista, que ha escapado del presido de Punta Arenas. El chileno urde engaños de todo tipo que van generando los principales conflictos de la trama.

 Sin embargo, el espectáculo no se limita a imaginar una ficción histórica, sino simultáneamente invita el espectador a ingresar en la actualidad de un mundo pretendidamente globalizado a través de los sueños del cacique, pues de alguna manera el pasado se une al presente y deja preguntas sobre el futuro.

 Los detalles de la puesta, desde el vestuario hasta las herramientas de los Tehuelches, sirven perfectamente el propósito de estimular la imaginación del espectador y llevarlo a un entorno ajeno a la vida urbana. Las lúcidas y muy logradas acciones físicas agregan un vuelo estético y los gritos desgarradores de los actores imponen el sello de un espectáculo único en Buenos Aires.

Tal vez desde el punto de vista antropológico se puede cuestionar ciertos aspectos de la puesta--el énfasis en la bebida, por ejemplo--pero igualmente es un trabajo teatral admirable que ha de provocar discusión justamente sobre el papel que la cultura indígena juega o ha de jugar en Argentina.

 

 "LOS SUEÑOS DE COHANACO" 

 

　de Mariana Chaud y Leandro Halperín

Domingos, 20:30 horas

El Camarín de las Musas

Mario Bravo 960

Entrada: 40 pesos (est. y jub. 25)

Reservas: 4862-0655

http://www.elcamarindelasmusas.com

 

ACTÚAN:

Santiago Gobernori

Luciana Acuña

Claudia Mac Auliffe

Ezequiel Díaz

Lalo Rotavería

William Prociuk

Mariana Chaud

Actuaron antes: Agustín Rittano, Elisa Carricajo y Daniel Cúparo

Música original: Emilio Haro

Vestuario: Carolina Sosa Loyola

Iluminación: Matías Sendón

Escenografía: Alicia Leloutre

Asistencia de dirección: Laura López Moyano

Dramaturgia: Leandro Halperín y Mariana Chaud

Dirección general: Mariana Chaud

Mariana Chaud

　

Nacida en Buenos Aires en 1977, cursó estudios de actuación con Nora Moseinco, Guillermo Angelelli y Ricardo Bartís, entre otros. Se desempeñó como actriz en numerosos espectáculos, entre ellos, Anteboda, dirigido por Nora Moseinco (1998); Pornografía emocional, dirigido por José María Muscari (1999-2000); La escuálida familia, dirigido por Lola Arias (2003); Concert-varieté en el IV Festival Internacional de Buenos Aires (2003); Noche en las cataratas, dirigido por Mariano Pensotti (2003); Schultz und Bieler und Steger de Matías Feldman (2004); 3340 Cabaret (varieté) (2004); El Rebenque Show, dirigido por Vivi Tellas (2005); Jalei, dirigido por Luciano Suardi (2006); Automáticos de Javier Daulte, dirigido por Javier Daulte y Luciano Cáceres (2007); y Deus ex Machina, de Santiago Gobernori (Teatro Sarmiento del Complejo Teatral de Buenos Aires, 2008). También trabajó como actriz en cine en La prisionera de Alejo Moguillansky, en Historias Extraordinarias de Mariano Llinás, y en Dormir al sol, dirigida por Alejandro Chomsky. Asimismo fue co-autora de Puentes en La Fábrica Ciudad Cultural, con co-producción del Teatro San Martín y un subsidio de ProTeatro, y de Alicia murió de un susto, estrenada en Casa de Américas, Madrid, y en Buenos Aires (2003). Junto a Laura López Moyano creó el espectáculo La fotito (2003), que se presentó en el Centro Cultural Rojas y en el Centro Cultural Recoleta. Se desempeñó asimismo como colaboradora de Héctor Babenco en el guión de la película El pasado sobre la novela de Alan Pauls; dirigió una puesta de Tiempo de amar, tiempo de morir de Fritz Kater, en el Instituto Goethe de Buenos Aires (2006); y escribió la pieza teatral Todos los miedos, dirigida por Romina Paula (2008). Fue autora y directora de Sigo mintiendo, estrenada en el Teatro El Doble (2005); de elHecho, estrenada en el Teatro del Pueblo (2005); y de Budín inglés, sobre la vida de cuatro lectores porteños, en el marco del Proyecto Biodrama, creado por Vivi Tellas, en el Teatro Sarmiento del Complejo Teatral de Buenos Aires (2006).

 

　

　

　

　

　

 

　

　

　

　

　

　

　

　

 

"Entre mujeres solas," de Jorge Palant estrenado en el Teatro del Pastillo de Buenos Aires

          A través del espectáculo “Entre mujeres solas” el director y dramaturgo Jorge Palant juega con el misterio de la soledad y el matiz oculto en las palabras para armar dos situaciones de cruzadas intenciones y para la puesta escoge con excelente criterio a las actrices Beatriz Dos Santos y Dora Mils. El espectador desprevenido puede suponer que se trata de dos tristes historias realistas acerca de mujeres que cuentan las huellas perdidas de sus vidas. Pero aquí la verdadera historia está en las frases entrecortadas, en los brotes emocionales, en las miradas y en algún vuelo poético.

       En “Griselda en la cuerda” llega una artista de varieté a la mejor pieza de una pensión pobre en un pequeño pueblo del interior. En realidad uno sospecha hasta el final si la huesped integra realmente el circo que ha llegado al pueblo. Son dos seres que juegan y han jugado sus respectivos papeles en la vida. Subyace detrás de la agresión verbal contenida de la dueña, y en la ambigüedad lingüística de la artista, un deseo de comunicación. Como sucede a veces, es con el éxido de la artista que sale a flote ese sublimado deseo de acercarse afectivamente.

        “Al pasar por un cuartel” investiga con intensidad el vínculo entre una mujer de la alta burguesía venida a menos y una empleada que finalmense se cansa de jugar los roles que la dama le impone. Una pieza muy bien jugada, con los papeles perfectamente diferenciados.

 Funciones: Viernes  21hs en el Teatro del Pasillo-, Colombres 35

Reservas: 4981.5167 ó 4431.0028

 Entrada $30 y $15 (desc. estudiantes y jubilados)

Autor: Jorge Palant l Actrices: Beatriz do  Santos y Dora Mils

Diseño escenográfico: Jorgelina Herrero  Pons

Realización escenográfica: Leandro  Illescas l Música (original): Antonio  Zimmerman

Diseño de luces: Eduardo  Safigueroa

Producción ejecutiva: Claudio  Santibañez l Prensa: Laura Castillo l Asistente de Dirección: Agustina  Suárez

Dirección: Jorge Palant 

Estreno de "Almuerzo en casa de Ludwig W," de Thomas Bernhard en el teatro Portón de Sánchez de Buenos Aires

¿Cuántas cosas pueden pasar en un almuerzo? ¿Cuántas verdades, cuántas mentiras, cuántos reproches, entre un plato y otro, cuánto odio, cuánto amor, cuánta filosofía, cuánta angustia entre familiares y seres amados…cuánta asfixia?” Es lo que sirve como punto de partida para “Almuerzo en casa de Ludwig W,” de Thomas Bernhard, estrenado en el teatro Portón de Sánchez de Buenos Aires por el director Carlos Peláez.

 ¿Cómo somos a partir de la mirada del otro? Es lo que resalta el director en esta pieza del autor Austríaco inspirada en el filósofo Ludwig Wittgenstein. La mirada sirve como un espejo que revela el interior del ser humano, pero además es una herramienta esencial en la actuación. En un espectáculo teatral el espectador se informa de la trama al oír los textos, mediante los matices y tonos que emplea el actor; pero hay muchos otros lenguajes expresivos que confluyen en la comunicación teatral. Por ejemplo, la mirada.

 El espectador sigue la mirada del actor porque piensa que en ella se oculta información sobre su estado interior, sus pensamientos, secretos, intenciones, miedos, alegrías. La mirada del actor alerta sobre el estado anímico del personaje, hacia dónde va su energía, delata pensamientos no verbales, intenciones, preparaciones para acciones, movimientos…

 Pero además, el actor de oficio “traga” la palabra transformándola significativamente en una repuesta orgánica. Es lo que propone Peláez a través de un trío de actores que entienden que las palabras del texto representan comida para alimentar las ideas, las emociones y los conflictos planteados por el autor. Este intento de “digerir” un texto difícil es lo que inyecta vida en este espectáculo, notablemente en la actuación de Galo Ontivero, como así también en la de Natalia Fernández Acquier y Tatiana Santana.

 Tres hermanos- -dos mujeres y un hombre- se reúnen a almorzar en su propia casa tras la salida de uno de ellos de una internación psiquiátrica. Irán develando aspectos de sus vidas como también sus relaciones con sus padres, con los otros, con su trabajo, con sus pasiones, con la enfermedad, con el arte, con el teatro, con la filosofía….Estallan amores, odios y verdades siempre acalladas.

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 Dirección: Carlos Peláez

Elenco: Natalia Fernández Acquier es la Hermana Mayor; Tatiana Santana es la Hermana Menor; Galo Ontivero es Ludwig

Asistencia de Dirección: Nayi Awada

Música original y Diseño sonoro: Gabriel Cichero

Diseño y realización de Escenografía / Diseño de Luces: Eduardo Spindola. Diseño de Vestuario y Maquillaje: Ana Nieves Ventura

Agradecimientos: Ramiro Soñéz, Luciano Suardi, Adelaida Mangani y Mónica Benavidez.

 Viernes 23 hs en el Portón de Sánchez Sánchez de Bustamante 1034

Reservas: 4863- 2848 o [e-mail]

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 El director explica sus criterios de puesta con estas palabras:

“Me interesa señalar en la puesta, aquello que el autor propone en la forma de meta mensaje: la superposición que existe entre el personaje de Voss (que también se llama en la obra Ludwig) que remite al filósofo Ludwig Wittgenstein y al propio autor Thomas Bernhard. La música, el arte y el aislamiento de lo social funcionarán como nexo entre personaje, filósofo y autor. Wittgenstein cambió su nacionalidad y Bernhard manifestó abiertamente su desprecio hacia el nacionalismo austríaco; Wittgenstein rechazó su herencia y Bernhard no fue reconocido por su padre. Movimientos inversos que cortan con lo filiatorio. En el personaje de Voss, portador de la verdad, se unen y oponen Wittgenstein y Bernhard. Desde la dirección me planteo contar como lo fraternal es todo el tiempo ambivalente y contradictoria entre estos “particulares” hermanos. Una relación fundada en el odio y atravesada de una extravagante manera por el amor. Estos tres hermanos se rechazan desde la incomunicación, el reproche, la ironía, la verdad, pero se necesitan para sobrevivir en su aislamiento; se han vuelto sobre sí mismos en un movimiento centrípeto. La figura materna estará asociada a lo incestuoso, contada desde la puesta como una suerte de maldición que los ha inhabilitado como sujetos. Lo que no recayó sobre los padres caerá como castigo sobre su descendencia. Vienen estos personajes, sin tener consciencia de ello, a expirar culpas de sus antepasados. Lo filiatorio se contará desde estos tres “niños” encerrados en cuerpos adultos. Un encierro que los ahoga, del que intentan crear una ficción para seguir viviendo, desdibujando sus limites con la realidad o transfiriendo esta tarea al espectador. El lugar de la comida también será el de asfixia. Para los personajes, para el espectador, en la realidad y en la ficción si es que se alcanza alguna certeza sobre tal limite entre ellas: ”…el comedor de donde salieron todas las calamidades, padre, madre, hijos, solo actores de un infierno…”. ”Para Bernhard el absurdo no es un escape para la angustia, sino un encierro en el destino”. Otro aspecto que intento contar desde esta puesta es que somos y nos constituimos a partir de la mirada del otro; somos en lo que se dice de nosotros. Se apuntará a que el espectador sea quien devele, o decida determinar que hay de verdad y que de engaño, que es autentico y que impostado, que hay de ellos y que de sus padres en ellos, que hay dicho y que silenciado. La puesta estará revestida de una cierta atemporalidad para poder contar que en ella han quedado sumergidos sus personajes. Atemporalidad bajo la forma de encierro, de salidas fallidas, de intentos fracasados.

Un espacio de austeridad, despojado de lujo y excesos representará el contraste, como un modo de balance posible, para el peso que cada personaje y su intenso-por profundo- texto tendrán en escena. Una concepción espacial más del lado racionalista y minimalista al estilo de la arquitectura de Mies van der Rohe. La luz tendrá un lugar preponderante en el recorte del espacio, otro elemento que contará de la oscuridad de cada uno de ellos y de su historia. Esa zona de sombra que roza la locura es la que sostendrá a actores y espectadores en continua tensión. Zona que el autor expone con majestuosidad a través de su dramaturgia. En relación a la tensión he propuesto para esta obra investigar aquella que hay entre sonido y silencio a la hora de definir un criterio de musicalización. Recuperar el valor que tiene el silencio en una composición musical. Una referencia interesante desde lo visual que atraviesa la puesta, es la obra de Francis Bacon del año 1967 “Tres estudios de Isabel Rawsthorne”: lo monstruoso que agobia en un espacio reducido y contado desde el arte, lugar al que se pone en duda, cuestiona, critica y transita en toda la obra. (Otro corte en lo filiatorio acercaría a Bacon, a Ludwig y a Bernhard ya que también fue rechazado por su padre).

En esta puesta me propongo suspender al espectador- a través de la suspensión de los actores- en el tiempo, en su tiempo, en el tiempo de los personajes. Tiempo del intento, del encierro. Un encierro que se prolonga hasta el final donde mucho les ocurrirá a ellos, nada –o eso parecerá- a los personajes y casi sin darnos cuenta algo se habrá, habremos o los habrá modificado. Algo habrán o habremos intentado ficcionalizar.” ( Carlos Peláez)

 

 

 

　

　

　

　

　

　

　

　

"La Molinera," una experiencia de canto teatral en el teatro El Extranjero de Buenos Aires

El joven tenor Pablo Pollitzer tiene cuerdas vocales tan aceitadas que las hizo vibrar durante una hora en el estreno anoche de “La Bella Molinera,” de Franz Schubert, con libreto de Wilhelm Müller. Además, en la puesta de Bea Odoriz se movió por todo el escenario e incluso  cantó bañandose casi desnundo. El texto incluye raptos de poesía naturalista y hasta ecologista que impresionan al espectador moderno, preocupado por la destrucción del medio ambiente y el desamor hacia la naturaleza.

 Las flores, el arroyo, los árboles y los sonidos de la naturaleza parecen decir presente mientras un molinero, llevado por el murmullo de un arroyo, se instala en un molino de una casa donde vive una mujer. De allí su interior poeético salta al compas de sus ilusiones, sus deseos, su amor hacia la naturaleza, su fascinación hacia la bella molinera, un romance más etéreo que real. Es un Werther, el sajón amante de los árboles, de las flores, un romántico melancólico, que habla de su propia muerte, un poeta, un Heinrich Heine, un Eduard Mörike…Como no puede poner todo lo que siente en palabras, canta.

 El espectáculo entonces investiga el nexo entre canto, teatro, gesto, espacio e imagen, con el acompañamiento de un excelente guitarrista, Walter Ujaldón (guitarra romántica)

 

La Bella Molinera

Música de  Franz Schubert

Libreto de Wilhelm Müller

 

FUNCIONES MIÉRCOLES DE SEPTIEMBRE Y OCTUBRE (hasta el 20 de octubre), 20 hs.

El Extranjero

Valentín Gómez 3378

Reservas: 4862 7400

Entrada $35 (Est. y Jub. $20)

Duración: 70 minutos

 

Elenco:

 

Molinero

Pablo Pollitzer  (tenor)

 

Arroyo

Walter Ujaldón (guitarra romántica)

 

Prensa

Claudia Mac Auliffe

Ilustración

Madonna Mayfield

Idea escenográfica

Bea Odoriz

Realización escenográfica

Ariel Vaccaro

Diseño de iluminación

Fabricio Balaratti

Asistencia de dirección

Lautaro Mackince

 

Puesta en escena

BEA ODORIZ

Autora, regista, actriz, docente.

Nació en Buenos Aires en el año 1973. Estudio actuación con los maestros Norman Briski, Mariana Briski (Clown y comicidad) Diego Starosta (Teatro antropológico) realizando de éste último estilo teatral, diferentes simposios, entre los que se destacan: X sesión international de Ista "THE PERFORMER´S BIOS". Dirección Eugenio Barba. (Copenhague, Dinamarca); Víctor Varela“Del sensible al vital” y “Training del cuerpo suspendido”; Susana Rivero, “Uso dramático del cuerpo”, “Creación del personaje”.

En dramaturgia se formó con: Daniel Veronese, Alejandro Tantanian durante tres años. Luego en la Escuela de Letras de Madrid, con los docentes José Sanchís Sinesterra, Yolanda Pallín y Juan Mayorga. En esa ciudad participó de otro seminario de transducción de textos narrativos a textos dramáticos a partir de la literatura de Julio Cortazar, dictado por el mismo Sinesterra. Sus últimos estudios de dramaturgia fueron dentro de la carrera del mismo nombre, en la Escuela de Arte Dramático de Buenos Aires, a cargo de Mauricio Kartun.

Terminó la carrera de Regié en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.

Se desempeñó como asistente de dirección en distintos proyectos y en el Centro Cultural San Martín, como parte del staff del lugar.

Como actriz participó en diferentes obras teatrales y varietes de humor. (Punto y coma; Dentre casa. Dir Mariana Briski. Etc) También tuvo algunas participaciones actorales en televisión, realizando en ese mismo medio trabajos de producción para Ideas del Sur (Programa. “Fugitivos en la Ciudad”) y la Productora de J. Guinsburg y A. Stivel (Programa “Chabonas”). Entre sus últimos trabajos actorales se destacan “Luisa” de Daniel Veronese, espectáculo que participó del festival alternativo de Madrid y ciclo Escena abierta de Casa de América de la misma ciudad. También participó de la obra “País llamado Julio”, realizada en la misma Casa de América de Madrid, con textos de Cortazar adaptados por José Sanchís Sinesterra, dentro del marco del festival Escena Contemporánea de dicha ciudad.

Como dramaturga  estrenó “La Parte Pendiente” dirigida por ella en el Camarín de las Musas en el 2005.  Escribió “Caída Crónica”, estrenada también bajo su dirección en el Teatro Del Pueblo 2007 .  Está obra fue  galardonada con el premio Germán Rozenmacher con la primera mención, y publicada en el marco del Festival Internacional de Bs.As.  Estrenó “Mariela” sin su dirección, en el teatro IFT  2000  dentro del primer ciclo Nueve. Ésta obra fue editada por el Instituto Nacional de Teatro. Dirigió y escribió “La Piecita, tango en un acto”.Participó de Bestiario Grimm, proyecto de diez autores- directores con coordinación de A. Tantanian, presentando “El ir al encuentro” como autora –directora  en el C. C. Ricardo Rojas 2006-2007.Tiene aun varios textos sin estrenar ni editar.

Dirigió “El maestro de música”de Pergollesi, bajo la dir musical de R. Santoro y S. Donofrio  (Papelera, IMCY y Asciación Italiana); la puesta en espacio del concierto “Vespro della Beata Virgine” de C. Monteverdi, con dir musical de  A. Gerszenzon, en el Teatro Colón; Semi- montado de “La Virtud de stralli de amore” de F. Cavalli, en el auditorio del Llao-llao, con dir. musical de G. Garrido. Dirigió también, la ópera “Dido y Eneas” de H. Purcell, en la ciudad de Entre Ríos, proyecto de la Fundación Antorchas, con la dir. musical de A.Gerszenzon; Hizo en el mismo año el semi- montado de “Flauta Mágica”de Motzar en la facultad de derecho, bajo la dir. Musical de A. Gersenzon; Semi montado en el museo de Arte Decorativo, de “Ifigenia en Tauride” de Gluck, con la dir. musical de Marcelo Birman.  Amahl y los visitadores de la noche de G. Menotti con dir musical de S. Donofrio y R. Santoro en el Teatro la papelera 2008. También durante el mismo año, estrenó un semi montado en el Museo de Arte Decorativo  de Castor y Pollux de Rameau bajo la dirección musical de Marcelo Birman. En 2009 estrenó “Ten Piedad de Mí” de su autoría y bajo su dirección  en el C. C. De la cooperación, con un elenco integrado por Leonor Manso, Ingrid Pelicori, Héctor Bidonde, Pablo Pollitzer entre otros. Leonor Manso fue nominada al Ace por su labor en dicha obra.

En Marzo de 2010 estrena “Yo, Renata” de su autoría y bajo su dirección, dentro del ciclo de autoras “La Ira de Dios” en el Centro Cultural Rojas.

Se desempeña como docente, dando clases  particulares de interpretación para cantantes  y clases particulares de  dramaturgia de humor. Dicta la materia  de Técnicas teatrales en la Universidad Maimónides para compositores, cantantes e instrumentistas y en el Conservatorio de Música M. de Falla imparte seminarios del mismo nombre. Se desempeña como directora de teatro dentro de la carrera de medicina de la Universidad Maimónides, preparando actores para prácticas de pacientes simulados.

 En la carrera de  artes visuales del IUNA dicta semiología  de la puesta en escena, dentro de la materia Lenguaje Audiovisual III.

 

 

PABLO POLLITZER 

Tenor.

 

 

Inició su carrera a muy temprana edad cantando en el Coro de Niños del  Teatro Colón.  Comenzó sus estudios musicales en el Conservatorio Nacional de Música “Carlos López Buchardo”, completando su formación como cantante en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, donde obtuvo durante dos años la beca al mejor promedio otorgada por la Fundación de dicho teatro.

 

 

Fue seleccionado por concurso para realizar cursos de perfeccionamiento con los maestros Aldo Baldin, Ernst Haefliger, Renata Paroussel, Thomas Quasthoff y Denisse Dupleix.

 

 

En el año 1989 obtuvo el Primer Premio en el concurso organizado por la Asociación Promociones Musicales. Obtuvo el Segundo Premio en el Concurso Bienal Mozart organizado por Festivales Musicales de Buenos Aires en 1991, siendo el jurado la Sra. Haether Harper. Fue finalista del Concurso Internacional “Toti Dal Monte” en la ciudad de Treviso (Italia) en el año 1996.

 

 

Debutó como solista en el año 1986 cantando la Misa en Si menor de J. S. Bach. Desde entonces y a lo largo de toda su carrera, se dedicó especialmente a la música religiosa habiendo cantado, entre otras, las siguientes obras: Pasión según San Mateo, Pasión según San Juan, Oratorio de Navidad, Magnificat y diversas Cantatas de Bach, Mesías de Haendel, Stabat Mater, Misa de Santa Cecilia, Misa Cellensis y Misa Armonía de J. Haydn, Misa de Coronación, Misa en Do menor y Misa de Requiem de W. A. Mozart, Misa en La de C. Frank, Oratorio de Navidad de Saint-Saëns, etc.

 

 

En ópera, debutó con el rol de Ernesto en Don Pasquale, de G. Donizetti, en el Teatro Colón de Mar del Plata en el año 1990. Al año siguiente cantó el Nemorino de L’elisir d’amore de Donizetti en el mismo teatro y en el Salón Dorado del Teatro Colón de Buenos Aires. En 1992 interpretó el rol de Lindoro del Barbero de Sevilla en el Teatro del Círculo de Rosario. En 1994, el Belfiore de la Finta Giardiniera de Mozart, en el Teatro municipal de Bahía Blanca. Participó del ciclo “Vamos a la ópera” de la Fundación Konex interpretando los roles de Tamino y Monóstatos de “La Flauta Mágica” de Mozart, Ramiro, de  “La Cenerentola” y Lindoro de “La italiana en Argel” de Rossini, todos ellos en el teatro Nacional Cervantes, volviendo a cantar el Tamino para ese mismo ciclo en el Teatro Colón de Bs. As. en 1995. Cantó también para el ciclo Juventus Lyrica en el Teatro Avenida el rol de Conte D’Almaviva de “El barbero de Sevilla” de Rossini, Kaspar de “Amhal  y los visitantes de la noche” de

Menotti, y Orfeo de “El descenso de Orfeo a los infiernos” de Charpentier.

 

 

Para la temporada oficial del Teatro Colón debutó en la ópera Wozzeck de Alban Berg, en 1995. A partir de entonces participó en las temporadas en los títulos “La venganza de Don Mendo” de E. Mastronardi, “La ciudad Ausente” de G. Gandini, “L’incoronazione di Poppea” (Mercurio) de C. Monteverdi, “Doña Francisquita” de A. Vives,  “Il Tabarro” de G. Puccini , “Fedora” de Giordano  y “Orfeo” de Monteverdi.. En 2003 cantó el rol de Renaud de la ópera “Armida” de Gluck. Y en 2004 el rol de Norfolk de la ópera "Elisabetta, regina d’Inghilterra", de Rossini.

 

 

En el año 1998 debutó en  Italia cantando en la ópera “Il ritorno di Ulises in Patria” de Monteverdi en una producción del Teatro Massimo de Palermo. Desde entonces viaja asiduamente a Europa interpretando especialmente música barroca.

 

 

En la actualidad integra las siguientes agrupaciones de música barroca: Elyma (dir. Gabriel Garrido), Louis Berger (dir. Ricardo Massun), Selva vocal e instrumental (dir. Andrés Gerszenzon), la Compañía de las Luces (dir. Marcelo Birman) y El Tempranillo (dir.  Miguel de Olasso).

 

 

Tiene en su haber varios registros en CD: Misa Brevis de Mozart, Misa de Santa Cecilia de Haydn y Pasión según San Mateo de Bach (Evangelista), obteniendo este último un Premio especial de la UNESCO, Il ritorno di Ulises in patria, y Vespro della Beata Vergine, ambos de Monteverdi, así como también diferentes grabaciones de música barroca latinoamericana.

Entre sus últimos trabajos se destacan : “L’incoronazione di Poppea”  De Monteverdi. Dir. Juan Manuel Quintana (B. A Lírica); “Las Danaides” de Salieri e “Ifigenia en Táuride” de Gluck, Dir M. Birman (Festivales Musicales) “Las Bodas de Fígaro”D Mozart. Teatro Argentino de la Plata; “Satyricon” de Bruno Maderna, Dir Alejo Perez (Teatro San Martín).

“Il ritorno de Ulises in patria” De Monteverdi. Dir. Juan Manuel Quintana (B. A Lírica);

 

 

Desde hace varios años se dedica a la docencia en cursos realizados en diferentes provincias de todo el país, organizados por la Fundación Antorchas. Participó también como docente en los cursos de 2000 y 2001 de música barroca y bajo la dirección general del Maestro Gabriel Garrido realizados en el Camping Musical de Bariloche, brindando sus conocimientos de técnica vocal y de repertorio.

 

 

WALTER  UJALDON

Músico.

 

 

Nacido en la Provincia de Córdoba, egresó del Conservatorio "F. Garzón", de la Capital de dicha Provincia, obteniendo el premio Medalla de Oro del Rotary Club.

En 1988 se radica en Buenos Aires, siendo becado por la Fundación Antorchas para cursar el post-grado en el Conservatorio Nacional López Buchardo con el Maestro Jorge Martínez Zárate.     Ofreció conciertos en las salas más importantes de su país; como así también en distintas ciudades latinoamericanas (Venezuela, Uruguay, México, Brasil).

Fue galardonado con premios nacionales, como en el Concurso de Paraná (Entre Ríos), Concurso Rotary Ciudad de Córdoba (Córdoba), Concurso Fundación Antorchas (Buenos Aires). También obtuvo premios en Concursos Internacionales, como en el famoso Concurso “Alirio Díaz” de Caracas (Venezuela).

Siempre dispuesto a enriquecer el repertorio de la guitarra, realiza un  interesante trabajo de adaptación de obras preferentemente del período barroco y clásico (Bach, Haendel, Haydn, Mozart).  Siendo un artista con inquietudes revisionistas, se encuentra desarrollando el repertorio del siglo XIX con guitarra de época. Actualmente está trabajando en la grabación de un CD con transcripciones propias de Haydn y Mozart. 

Ha sido invitado a dictar masterclases en seminarios de guitarra, en San Francisco (Córdoba), Victoria (Entre Ríos), y en muchos Conservatorios de la Provincia de Buenos Aires, como así también en Festivales Internacionales de Guitarra en Cochabamba-Bolivia y Santa Ana-Venezuela.

Ha sido convocado a integrar el staf de Maestros Internacionales en el III Festival de Guitarra de Bogotá-Colombia, teniendo a cargo el desarrollo de Masterclases y Conferencias con temáticas relativas a la Música de Cámara. 

Gran parte de su tiempo lo dedica a la docencia, dictando cátedras en varios establecimientos oficiales de Buenos Aires: Nivel Superior de la Escuela de Arte de Quilmes, Conservatorio Nacional “Carlos López Buchardo” (Instituto Universitario Nacional de Arte) y Conservatorio "Ciudad de Buenos Aires".

 

 

“...solidez, gran musicalidad, extraordinaria coordinación y precisión...” (Diario La Voz, Córdoba)

"...es dueño de sólidos recursos, finura y conocimiento de los estilos." (Diario La Nación, Buenos Aires)

"...de exquisita musicalidad e impecable coherencia en el discurso, se distinguió su interpretación de la célebre Chacona de Bach, el punto más alto de la velada." (Diario La Prensa, Buenos Aires)

“...calidad interpretativa...” (Diario Clarín, Buenos Aires)  

“...Superb (soberbio) ... extraordinaria grabación de la Tango Suite  de Piazzolla ... el Dúo Sfriso-Ujaldón está a la cabecera de la lista...” (Guitar Review, Richard Pinell, EEUU)

 

 

En el año 2002, realizó la primera audición en Argentina del ciclo “Die Schöne Müllerin” (La Bella Molinera) de Franz Schubert, en versión para canto y guitarra, con el tenor Pablo Pollitzer; como así también la Sonata “Arpeggione” de Franz Schubert en versión para flauta y guitarra, con Laura Falcone. Estas obras se ejecutaron con guitarra de época, copia de modelo Grobert (Francia 1820).

 

 

Conjuntamente con Marcela Sfriso conforma el Dúo Sfriso-Ujaldón desde 1988. Es considerado como uno de los más altos referentes entre los dúos de guitarra de su país.

Realizó su primera gira a EEUU en 1995, ofreciendo conciertos en los estados de New York, North Caroline, Washington DC y Pennsylvania.  Dictó workshops en las Universidades de Wake Forest NC,  Ithaca NY y Mansfield PA. Desde entonces, ha retornado a EEUU en diversas oportunidades.

Ha tocado con diversas orquestas, entre ellas con la Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina dirigida por el Maestro Andrés Spiller, realizando el estreno en Buenos Aires del Concierto "Tres Nocturnos" de Moreno Torroba.  Participó en el Festival "Homenaje a Rodrigo" de Turquía, en donde tocó con la Orquesta Filarmónica de Estambul el Concierto Andaluz de dicho compositor, dirigido por el Maestro rumano Ionescu Galati. Ofreció giras de conciertos por México, en donde incluyó conciertos con la Orquesta Sinfónica de Minería de México DF, y con la Orquesta Filarmónica de Acapulco.  Participó en el Festival de Santa Ana del Táchira de Venezuela, en donde además de recitales como solista, tocó el Concierto Madrigal de Rodrigo con la Orquesta Sinfónica Simón Bolivar; también estrenó un concierto de vanguardia del compositor chileno Javier Farías, además de las masterclases organizadas en el marco de dicho festival. Recientemente participó nuevamente con la Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina, dirigida por el Maestro Antonio Russo, realizando el estreno en Buenos Aires del Concierto op.201 de Castelnuovo Tedesco.

Ha tocado en importantes salas como la del Teatro Colón (Bs.As., Argentina), Teatro San Martín (Bs.As., Argentina), Teatro Alvear (Bs.As., Argentina), Auditorio de Belgrano (Bs.As., Argentina), Hall de las Américas de la OEA (Washington DC, EEUU), Teatro Teresa Carreño (Caracas, Venezuela), Teatro del SODRE (Montevideo, Uruguay), Brendle Recital Hall (Wake Forest NC, EEUU), Steadman Theatre (Mansfield PA, EEUU), Ataturk Kultur Center (Estambul, Turquía), Auditorio Netzahualcóyotl (México DF), etc..

En 1997 editó el CD "Solos y dúos", con obras de Piazzolla, Britten, Ginastera, Bach y Klaynjans. En el año 2000 participó en la grabación de un CD llamado “Encuentros”, editado por el Festival “Guitarras en Concierto” de Bs. As., compartiendo con otros guitarristas de renombre mundial. En el año 2003 grabó el CD “Recital Guitar Duo”, el que viene presentando a lo largo del año 2004 en diversas salas de su país y en el exterior.

Diversos medios de la Argentina, EEUU y Europa destacaron sus virtudes artísticas, lo mismo que revistas especializadas, como la Guitar Review (EEUU). El famoso musicólogo Richard Stover (EEUU) escribió recientemente en conocidas revistas del mundo de la guitarra clásica como Soundboard (EEUU), Classical Guitar (Gran Bretaña) y Gendai Guitar (Japón) lo siguiente : "Quedé particularmente impresionado con el Dúo Sfriso-Ujaldón de Argentina. Ellos tocan con una preciosa calidad sonora y un preciso sentido del ensamble. Ellos deleitaron al público de San Cristóbal con un delicado y enérgico arreglo para dúo de la Obertura de “El Barbero de Sevilla” de Rossini-Giuliani, una agradable obra, llena de drama y contraste. Siguieron con una impactante ejecución de la Tango Suite de Piazolla, que fué descollante. Estos argentinos verdaderamente entienden su tango como ningún otro! Su interpretación de la Suite de Piazzolla (inspirada y dedicada al dúo de los Hermanos Assad) no tiene nada que envidiarle a la versión de los famosos hermanos brasileros - de hecho, creo que me gusta esta obra mucho más ahora luego de escucharla tan magistralmente interpretada por Marcela y Walter. El Dúo Sfriso-Ujaldón reside en Buenos Aires y yo me pregunto cuándo USA y Europa van a descubrir estos extraordinariamente soberbios artistas." (Rico Stover, Classical Guitar, Londres, 2002).

"Manos traslúcidas," del director Gabriel Fernández Chapo en el Teatro del Pueblo

 

Bertolt Brecht, el dramaturgo alemán, buscó a través de técnicas de distanciamiento convertir el hecho teatral en una experiencia capaz de despertar una toma de conciencia sobre situaciones sociales como la guerra y la lucha de clases. El director Gabriel Fernández Chapo de “Manos traslúcidas en fiebre de olvido,” que se presenta en el Teatro del Pueblo en Buenos Aires, parece haber tomado algo de Brecht: sus personajes entran y salen de la acción dramática para narrar en tono neutro aspectos sobre los hechos y acciones que los involucran.

 Pero además una pantalla de video colocada en el fondo del escenario presenta las escenas y contribuye a la creación de un ambiente que combina desolación con una especie de ironía alegre. La joven pareja de Juan y Emilia vive en un barrio típico de casas bajas en el conurbano bonaerense. El hombre encuentra en la distribución de drogas un mínimo ascenso y sustento social. Pero en vísperas de Navidad un allanamiento policial llega a su casa donde sólo se halla su mujer adolescente y la pequeña hija de la pareja…

 El espectáculo ha recibido el premio mejor dramaturgia del Fondo Nacional de las Artes 2007. La innovación más audaz de todos modos aparece en la puesta, en el empleo de técnicas de distanciamiento y la incorporación de la filmación como un personaje que acompaña y ayuda a fijar el clima del espectáculo. Sin embargo a veces el recurso de distanciamiento parece excesivo, por ejemplo cuando informa sobre el silencio de uno que otro personaje.

 Funciones: Sábados 20 horas. Teatro del Pueblo: Av. Roque Sáenz Peña 943.

TEL: [phone]. E-mail  [e-mail] 

Elenco: Mariana Ortiz Losada, Juan Mako y Emilia Romero

Dirección: Gabriel Fernández Chapo

Video, fotos y música Mariano Di Cesare
Mi amigo invencible Diseño escenográfico y lumínico Cecilia Stanovnik
Gabriel Fernández Chapo Prensa Carolina Alfonso Diseño web y gráfico Juan Mako Operación técnica Lautaro Graciosi Asistentes Nicolás Blandi
Luciano Zerr