Espectáculos (Shows)

"Amar," una fiesta teatral de Alejandro Catalán en El Camarín de las Musas

Jueves, 23 horas, dos de septiembre. Lluvias, inundaciones y fuertes vientos patagónicos en la Ciudad de Buenos Aires. El restaurante de El Camarín de las Musas está desbordado de parejas y gente joven. Esperan ver el espectáculo “Amar” del director Alejandro Catalán. ¿Un espejo de terciopelo? ¿El otro yo?

Ahora se dan sala. Sobre un espacio grande, negro, ramas de árbol, dos sillas, unos trípodes de micrófono, unas linternas. Entran tres hombres y tres mujeres. Ellos vestidos como los espectadores, en ropas de calle; ellas como para bailar. Desaparece la luz. Un hombre activa un instrumento casero: botellas de plástico llenas de arroz que producen sonidos marítimos. Estalla risas, entre los actores y entre los espectadores. Palabras a mil, diálogos, miradas, silencios, chistes con pimienta. Entra en escena el protagonista principal: amor.

Dice Alejandro Catalán: “En esta obra continúo profundizando la problemática en torno a la que constituí mis proyectos anteriores: El imaginario actoral. Esta profundización implica dos aspectos; uno es el desalojo de referencias totalizadoras, centralizantes o pre-estructurantes que identifico en la práctica escénica habitual y descubro escondida en mis trabajos anteriores. El otro aspecto fue, consecuentemente, el compromiso con una mayor apertura e indeterminación en el proceso de búsqueda a realizar con los actores, abordando a la actuación como un juego mágico y radical. Mágico porque a ojos vista está el truco y lo que hace aparecer. Radical porque lo que hace aparecer busca estar tan allí como los que lo presencian. Amar es un malabarismo actoral y es una obra. Es el truco de unos magos que revelan que actuar no oculta nada.”

No permite el espectáculo definiciones redondas. Tiene algo de cine, huele a improvisación de elevada calidad, goza desafiando las convenciones teatrales, entran y salen los protagonistas como si fueron espectadores de su propia obra. El argumento es más una búsqueda que un molde, es más visual que textual: un encuentro de parejas amigos, un baile, olor a swingers, celos, palabras cargadas, ironías de la vida en pareja, el amor como flores que brotan y se marchitan, caras que buscan la luz…los mismos actores se encargan de la iluminación a través de linternas.

El espacio a veces se presenta como un parque, un bosque, una pista de baile, una playa, el jardín de uno de las parejas…Amar es una propuesta casi casera pero con una estética auténtica y una comunicación con el espectador casi inmediata: los jóvenes en el público entienden perfectamente el juego escénico y responden casi como si fueron participantes en las acciones. En algunos momentos lo que sucede en el escenario podría ser una filmación: la luz encuadra primeros planos de rostros, se enfoca en las piernas, busca la expresión del rostro, se resalta el ojo...

El tiempo engaña: si existe, está en la consciencia de los personajes. Para los espectadores, casi dos horas.

Amar:                   Entrada: $40 pesos (est. y jub $25). Reservas 4862 0655.

 

 

 

 

 

 

Viernes 23 horas. El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960.

 

Actúan:

Edgardo Castro,Lorena Vega,Natalia López,Toni Ruiz,Federico Liss,Paula Manzone

 

Iluminación: Matías Sendón y Alejandro Catalán; Musicalización, diseño sonoro y operación: Bruno Luciani; Asesoramiento sonoro y musical (efecto mar): Sergio Catalán;Vestuario: Ana Press;Realización Escenográfica: Mariano Sivack;Asistente de producción: Jorge Eiro;Asistente Artística: Felicitas Kamien;Fotos: María Sábato;Diseño: Verónica Rositto Gritti; Prensa: Claudia Mac Auliffe; Asistente de Dirección: Rita González

 

www.alecatalan.blogspot.com            http://www.elcamarindelasmusas.com    

Dirección: ALEJANDRO CATALAN

Dirección: ALEJANDRO CATALAN

 

Dirección: ALEJANDRO CATALAN

 

 Alejandro Catalán nació en Buenos Aires en 1971. Es director, actor, profesor y teórico. Estos diferentes roles se avocan a una misma problemática artística: la creación actoral.

Entre sus trabajos más destacados como actor se encuentran: EL PECADO QUE NO SE PUEDE NOMBRAR y EL CORTE, ambas dirigidas por Ricardo Bartis; CIRCONEGRO con el grupo “Periférico de objetos” dirigido por Daniel Veronese; CERCANO ORIENTE (LA CAJA) creada conjuntamente con Luis Machín (actor) y Omar Fantini (director). Estas obras han participado de gran cantidad de festivales y giras internacionales (Aviñón, París, Berlín, Brucelas, Madrid, Cádiz, Montreal, Quebec, Río de Janeiro y otros tantos) además de recibir un gran reconocimiento local.

Como profesor tiene desde 1999 su estudio/taller. Allí desarrolla y profundiza el abordaje de la actuación como creadora del sentido escénico. Toda la formación, entrenamiento y trabajo de taller que los alumnos y actores realizan tiene como objeto generar condiciones y herramientas para el desarrollo de esta capacidad.

En el año 2003 estrena FOZ obra en la que, ahora como director, expone con sus actores esta modalidad. La obra realiza tres temporadas y recibe varios reconocimientos e invitaciones. En mayo del 2007 estrena DOS MINAS, en Teatro Anfitrión. Desde el 2004 presenta SOLOS un espectáculo de unipersonales rotativos en el que se muestra de manera patente la potencia ficcional del cuerpo de los actores.

 

 

 

 

 

 

 

"La música" de Marguerite Duras: una meticulosa mirada a la crisis de pareja

En Marguerite Duras el amor tiene sus fases, desde la rosada pasión inicial, pasando luego por las casi inevitables mentiras y el ocultamiento de hechos oscuros que empujan los amantes a la separación. En los meticulosos e intensos  textos dramáticos de la escritora nacida en Saigón, Vietnam, se palpa suaves respiros de su propia enmarañada vida afectiva. Un buen ejemplo es “La música," una pieza exquísita pensada en principio para la televisión, una historia sobre el amor y su disolución. Duras se especializó en desnudar, analizar y buscar la lógica que se oculta en las entrañas de los conflictos emocionales, para luego esenificarlos...

A punto de concretar los últimos detalles de su divorcio, una pareja se encuentran fugitivamente en un hotel para revisar su pasado y decir cara a cara lo que ni el esposo y la esposa pudo decir jamás durante sus 20 años de matrimonio. Con ese planteo, presente desde el principio del espectáculo, algunos de los espectadores comienzan a redactar en sus propias cabezas los diálogos de los personajes. De este modo enriquecen el conflicto dramático en el escenario con sus propias experiencias en pareja. 

En "La mùsica,"  en vez de huir tras el fracaso, el esposo y la mujer (cada uno ya con su amante) se encuentran en un espacio íntimo para revisar lo que les pasó. y para dar el adìos final. Ese encuentro tiene dos poderosos elementos escénicos: los silencios llenos de significados y un subtexto, o sea , lo sus palabras ocultan. Frases a veces inacabadas que llenan el escenario del teatro Patio de Actores de Buenos Aires con un aire denso en emoción, una emoción fuertemente retenida.

El nombre de la pieza no se debe sólo a la cajita de música presente en el escenario--es  ademàs el leit motif de la obra, como si una relación amorosa fuera una especie de sinfonía pos-moderna. La pareja entran en la pieza del hotel con la piel tensa para acordar sobre los últimos detalles su divorcio; un divorcio que formalizará otra vida afectiva:cada uno tiene un amante, apenas un toque escénico que da un matiz barroca a la puesta.

 Hay poesía densa en la economía de la expresión y en el gesto de los actores en la puesta de Maribé Lancioni. Si bien los movimientos escénicos parecen a primera vista excesivamente pautados, esa impresión desaparece a través del desarrollo de un conflicto. La lentitud termina dando énfasis a un concepto dramático importante: la existencia de un concepto algo indefinido de tiempo, casi ritual, que envuelve y atrapa a la pareja en su adiós prolongado.

Dijo Duras alguna vez sobre los personajes de La música: “a esos dos en ese hotel…yo los haría hablar durante horas y horas. Nada más que por hablar… “

 Al final, hay una carga muy fuerte de emoción. A través de los silencios, las miradas y los discuros recortados los personajes intentan tapar su emoción...salvo algún momento cuando insinúan un regreso afectivo pero  al final los ojos del actor Jorge Sánchez Mon se enrojecen de lágrimas. Ella ya se fue. ¿Es el final o el comienzo?

 

LA MUSICA

De Marguerite Duras Jaime Arrambide y Mirta Rosenberg

Dirección: Maribé Lancioni

Funciones: Viernes 21:30 hs

Entrada: $ 40 (descuento estudiantes y jubilados $25)

Sala: Patio de Actores - Lerma 568

Reservas al 4772-9732

ELENCO: Jorge Sanchez Mon, Gloria Gamallo, María Zavaleta, Daniel Volonte.

Realización escenográfica:

Espacio escenográfico:

Música Original:

Operación de luces:

Diseño de Iluminación:

Fotos:

Diseño de Vestuario:

Diseño Grafico

Producción

Dirección General:

Maribé Lancioni Ejecutiva: “Vivir a mil…”: SRP diseño y comunicación Diana Calvo Paulina Zas Marco Pastorino Matías Burgueño Cecilia Candia Maribé Lancioni Néstor NyariJorge Sánchez Mon, Gloria Gamallo, Maria Zavaleta, Daniel Volonte

 

 

 

"El malentendido" de Albert Camus: una puesta de muchos matices

Poner en escena espectáculos exigentes para los actores y a la vez estéticamente atractivos para el público ya es una sana costumbre del teatro Puerta Roja de Buenos Aires. Es el caso de “El Malentendido,” una obra de Albert Camus que combina el suspenso, el absurdo y una indagación acerca de la condición humana. Si bien Camus es más conocido por su filosofía existencialista, “El malentendido” figura entre sus más célebres piezas teatrales.

 En esta obra, escrita durante la ocupación nazi en Francia durante la Segunda Guerra Mundial, se percibe un aire raro, ciego y conscientemente cruel que convierte en criminales a seres con apariencia inocente. Un hijo que no ha visto a su madre en 20 años quiere ser reconocido sin decir su nombre. Deja su actual esposa afuera y entra en la pensión de su madre como si fuera un huésped. Pero es asesinado por su madre y su hermana a causa de un malentendido: ellas no saben quién es y lo matan y lo roban, como han hecho con otros. Después encuentran su documento de identidad y se dan cuenta de la tragedia.

 El texto parece de algún modo un reflejo de un mundo de ética trastornada, con ausencia casi absoluta de moral; sin embargo, los cinco personajes de la historia son muy creíbles: una madre y su hija que regentan una pensión, el anciano y silencioso criado que las ayuda, un cliente, el hijo Jan, y su mujer, que no se hospedará en la pensión pero que aparece al principio y al final del texto.

  Las dueñas de la pensión son unas criminales que de vez en cuando asesinan uno que otro de sus clientes para quedarse con su dinero y así subsistir. Piensan hacer lo mismo con  Jan, sin reconocer en él al hijo y al hermano que veinte años antes se marchó de casa: el hijo vuelve ahora ayudarlas económica y afectuosamente.

 Para ver cómo se resuelve este conflicto, el lector tendría que ver la obra en Puerta Roja. De todos modos, Camus deja una reflexión muy grande sobre el grado de moralidad del ser humano, una reflexión muy bien realizada por el elenco dirigido por Haydée  Ortubia. Jan, un hombre que parece tener una ética elevada, ha caído en una trampa motivado por su deseo de recomponer su relación con su madre.La hermana de Jan se presenta como una mujer de emociones heladas, ajena a los sentimientos; pero en su a veces violento rechazo a la emoción demuestra que algo de ética tiene. Conviene tomar nota también del complejo lazo que une madre e hija. Es llamativa la emoción y moral cero del criado, que tiene dos intervenciones, al principio y al final. Sin embargo es un personaje muy importante y su mudez es todo un lenguaje.

Otro personaje curioso es…Dios, aparezca a menudo en los parlamentos de los personajes. Para el planteo de Camus en esta obra la religión es inútil para resolver los problemas de la ética… Dios no puede hacer nada para evitar los malos actos de los hombres, no influye en sus vidas, entonces son los hombres quienes deben resolver sus problemas

 El texto es muy acertado en suscitar la reflexión en el espectador, pues la trama se desarrolla con fluidez pese a lo abstracto de los diálogos, y la acertada dirección de Ortubia estimula un tipo de actuación muy profundo pero a la vez mantiene al público expectante, casi como si fuera una obra de suspenso.

 Camus muestra cómo introducir en el teatro asuntos de gran profundidad, y el elenco de Ortubia toma el desafía a través de un estilo de actuación que incorpora los espacios en su estética y encarna los conflictos orgánicamente.

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“El malentendido” de Albert Camus

 Puerta Roja:                      Lavalle 3636.

Las funciones:                    los domingos a las 18,30hs.

Las reservas:                      al 4867-4689

Valor de la entrada             $30.

Dirección:                           Haydée Ortubia

Elenco:                                Mitu Beascoechea, Tito Hammer, Marcia Lo Feudo, 

                                           Érika Ruth y Alejandro Velasco.      

 

Ficha Técnica

Música: Claudio GUERREIRO

Diseño gráfico: Victoria VÁZQUEZ

Fotografía: Elena GOROCITO

Prensa: Laura BRANGERI. LBB

Dirección: Haydée ORTUBIA

 

"El secuestro de Isabelita," una reflexión en formato de comedia de Daniel Dalmaroni

Al bajar las escaleras del Teatro del Pueblo para ver “El secuestro de Isabelita,” comedia ácida de Daniel Dalmaroni, el espectador se encuentra con botellas molotov, tapas de diarios de la época, un triángulo de cajas en forma de ataúdes dibujadas con fusiles rojos y una pregunta auto-dirigida: ¿qué pasó? Es decir, cada espectador argentino comienza a escribir la historia en su cabeza mientras espera el comienzo formal de la función, en base a su propia “experiencia emotiva” de haber vivido y sobrevivido los trágicos acontecimientos luego de la muerte de Presidente Juan Domingo Perón.

 Nunca es fácil escribir artísticamente sobre hechos políticos violentos, recientes y no resueltos. Al escribir y dirigir  "El scuesstro de Isabelita,"un espectáculo sobre los desaciertos, las confusiones ideológicas y los delirios de los grupos subterráneos que luchaban en los años '70 por un país más justo, Dalmaroni provoca en el espectador una reflexión, o bien una especie de autocrítica largamente postergada, al menos durante la función y el café posterior en un bar cercano al teatro.

 La comedia encuentra en el equívoco uno de sus sustentos más sabrosos:una mujer que se llama Isabel, que no es la viuida del fallecido Presidente Juan Domingo Perón es secuestrada y pone en sus propias palabras el desacierto: “Yo no soy Isabel Perón.” Tiene no obstante el mismo nombre, su físico es casi idéntico, y además y como empleada doméstica, trabaja para la Presidenta. No sabemos si en la vida real alguna vez algún grupo planteó secuestrar Isabelita, pero desde la dramaturgia el truco funciona muy bien.

Se trata de una célula desprendida de los Montoneros y cree haber secuestrado a Isabel Perón, pero la mujer secuestrada jura que no es "la Chabela," sino una empleada de limpieza. De ahí muchas situaciones de una confusión trágica...el desparador de una trama en la que los idealistas luchan con burócratas, la pasión y el amor...De repente entra la joven militante Analía: ¿"De dónde venis?" preguntan. "Del colegio...rendí una previa que me quedaba..." Pero, como los demás, tiene un revólver...

 Lo que el espectáculo pone en discusión no es el ideal de la lucha revolucionaria de la época, ni tampoco las 30.000 víctimas  ensangrentadas posteriormente por el terrorismo de Estado; el enfoque tiene más que ver con una actitud dogmática de los grupos guerrilleros, una visión sectaria, casi una fe, que termina contradiciendo las mismas banderas de lucha de los revolucionarios. Por ejemplo, rituales de discusión ideológica que sofocaban el debate, auto-crítica de forma y no de fondo, la prohibición extrema de homosexualismo…

 Se sabe que en los últimos tiempos de la presidencia de Isabelita Perón grupos como la triple A comenzaban a aniquilar a personalidades cuya orientación ideológica giraba a la izquierda del centro ideológico,tarea luego continuada por la Dictadura Militar a través del golpe del 24 de marzo, 1976. Es en el contexto del desazón generalizado de los últimos tiempos de la presidencia de Isabelita, antes del golpe militar,que la obra de Dalmaroni ubica la acción dramática.

 Escuchar lo que hoy parecen parodias en la boca de los militantes de la época, nos obliga a pensar además que las tragedias humanas pueden reaparecer como comedias con el paso del tiempo, que es mucho más fácil entender la realidad con el paso del tiempo pero reflexionar en profundidad sobre los equívocos siempre ha sido y siempre será difícil. 

 Con gran éxito la obra recrea el ambiente y el imaginario político de la época, de toda una generación, y a la vez cuestiona fuertemente una especie de automatización metodológica, si bien los personajes se dejan ver como personas vulnerables, humanos, ciegos, confundidos, idealistas.

El espectáculo logra su objetico: avanza un poco más hacia un terreno muy poco explorado, sin caer en la solemnidad ni los estereotipos. Igual queda una duda: ¿qué puede pasar en las cabezas de las personas que justificaban y siguen jusstificando el golpe militar y la represión sangrienta contra los movimientos populares y de izquierda? ¿Entenderán la intención de provocar una sana auto-crítica en el seno del movimiento popular o saldrán más convencidos que nunca de su anti-comunismo viscoso?

Sin ser sobresaliente,la actuación del elenco cumple perfectamente con la intención del director y logra una muy buena comunicación con los espectadores, a través de la ironía, el uso de expresiones típicas de la época (los chumbos, los fierros) y el vestuario.

Texto y dirección: Daniel Dalmaroni.

Intérpretes: Viviana Suraniti, Gabriel Kipen, Mariano Bicain, Laura Agorreca, Gastón Courtade, Ivana Averta, Daniela Nirenberg (reemplazada por Sofía Bertolotto) y Juan Mendoza Zéliz.

Escenografía y luces: Marcelo Salvioli.

Vestuario: Cecilia Carini.

Teatro del Pueblo, Roque Sáenz Peña 943

Sábados, a las 23.

Duración: 60 minutos.

"La Política Casera," versón cómica de la obra de Exequiel Soria

La política y el arte no siempre viven felices comiendo perdices, pero con un fuerte toque de ironía la Compañía de Funciones Patrióticas ha convertido la obra “Política Casera,” de Exquiel Soria (1873-1936) en un terreno común entre la creatividad y la lucha por el poder…en un teatro independiente en la calle…Remedios de Escala de San Martín de Buenos Aires.

 La obra de Soria fue estrenada en 1910. Cuenta la historia de una familia de políticos en decadencia, en un momento cuando Argentina se acercaba a una época de fuertes cambios políticos, económicos y sociales. La Compañía de Funciones Patrióticas tomó el tema y salvó la esencia del texto original pero la transformó en una comedia irónica perfectamente entendible desde la óptica de hoy.

 Seguramente Soria, actor, dramaturgo, dramaturguita, director, gremialista y autor de al menos treinta títulos, hubiese quedado contento con el espectáculo que el director Martín Seijo armó en base a “Política Casera.” Se dice que Soria ayudó al teatro argentino liberarse del monopolio de las compañías españolas. ¿Qué dirán los historiadores del teatro argentino de la Compañía de Funciones Patrióticas? Tiene aspiraciones de convertirse en un elenco estable de teatro, en un país todavía sin destino cierto en el cual la política no ha cambiado su raíz.

 En 2008, la Compañía estrenó su versión de EL GIGANTE AMAPOLAS, de Juan Bautista Alberdi, en el teatro Del Borde, el año pasado, fue el turno de LA NEUROSIS DE LOS HOMBRES CÉLEBRES EN LA HISTORIA ARGENTINA, adaptación del tratado científico del Dr. Ramos Mejía, que se presentó en Sala Escaladay POLÍTICA CASERA se estrenó también en Escalada, el pasado 25 de mayo, sumándose a los festejos por el Bicentenario de la Patria.

 Algunos momentos llamativos de la puesta de Seijo: la entrega de boletas a votantes, la designación a dedo de políticos a cargos públicos, la forzada defensa de la honestidad política frente a acciones de corrupción evidente, la complicidad de todo la comunidad política en la lucha por lograr posiones de poder.

 La actuación concebida por Seijo concentra su mirada de modo inteligente en las formas de actuar de los políticos corruptos, no sólo por el texto sino por las miradas, los silencios y los tonos de voz de saberlotodo.

 ACTÚAN:

PAOLO BASEGGIO, ERNESTO FONTES, LEANDRO IBARRA, CLAUDIA MAC AULIFFE, DANIEL MIRANDA, NATALIA OLABE y GUILLERMO VALDÉZ

 

LUCES:                                               FERNANDA BALCELLS

 

FOTOGRAFÍA:                                   JORGE MARINO

 

ASISTENTES:                              PAULA BANFI

 

DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN:      MARTÍN SEIJO

 Contactos y reservas:

[e-mail]

Teatro Escalada:       

Remedios de Escala de San Martín 332. 

Web:                          

 http://funcionespatrioticas.blogspot.com

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

"The Box," un espectáculo de ensueño en el teatro del Nudo

           ¿Una caja puede ser un escenario? Natalia Geci y Paula Etchebehere, directoras de “The Box,” pensaron que sí, que la caja podría representar los conflictos, sueños e ilusiones de dos elencos, uno masculino, otro femenino. El resultado es un logro estético intenso, un estilo novedoso de fuerte impacto que logra una activa participación del público.

            El planteo es novedoso, ya que obliga al espectador a participar activamente en la elaboración de la historia.

            El espectáculo, que se presenta en el Teatro del Nudo, se realiza con dos elencos, uno masculino y otro femenino. No tiene texto. Todo trascurre dentro de una caja fantástica, llena de agujeros, como si el mundo fuera una animación en plastilina, cada instante moldeado, con un personaje jugando con su doble, buscando su propia liberación. El planteo escénico estira la imaginación del espectador a través de formas siempre cambiantes, situaciones imprevisibles.

            Es quizás un logro que el espectáculo no tenga texto, o mejor dicho, que el texto aparece en la mente del espectador, en el inconsciente; a través de los recuerdos, fantasías, miedos, inseguridades y pasiones; entonces es el espectador quien elabora el texto según las acciones que suceden cuando una cara, una mano o una pierna sale de la caja.

            El escenario es un sueño, es una historia rica en imagen que transcurre con saltos y reposos, o bien una lucha del personaje con si mismo, una burla de sus propias debilidades, un juego permanente con el “otro,” consigo mismo, una introspección teatral. El planteo invita al espectador a elaborar la historia mientras los actores aparecen y desaparecen de las diferentes aberturas de la caja, jugando con su propia historia, como si fuera un sueño.

            Las escenas se encadenan unas a otras con una lógica que es la de los sueños: es el espectador quien arma la historia según sus propias percepciones.

 Dirección general y puesta en escena: Natalia Geci
Dirección de actores: Paula Etchebehere

Funciones:

Elenco Masculino: sábados 19hs y Elenco Femenino: domingos 19hs
Localidades: $30
Teatro del Nudo: Av. Corrientes 1551 - C.A.B.A.

Reservas: 4373-9899

Elenco masculino: Nicolás Alonso - Sandro Nunziata

Elenco femenino: Natacha Córdoba - Romina Michelizzi

 FOTOS Gentileza: Soledad Ianni

Producción ejecutiva: Mariana Rub y Gustavo Schraier
Asistente de dirección: Carolina Fioranelli
Música original: Lautaro Cottet
Diseño de luces y fotografía: Soledad Ianni
Diseño gráfico: Mauricio Pavón
Diseño de objetos:Natalia Geci y Marina Apollonio
Diseño de escenografía: Natalia Geci
Realización de escenografía: Paula Picciani - Carolina Fioranelli - Valeria Abuin
Prensa: Tehagolaprensa
Realización de vestuario:Stella Maris Müller
Realización de estructura metálica:Duilio de La Pittima

 

 

"Cada una de las cosas iguales," hilarante espectáculo de Alberto Ajaka en el teatro Escalada de Buenos Aires

Uno va avanzando sobre la calle Warnes dispuesto a ver “Cada una de las cosas iguales,” la hilarante creación de Alberto Ajaka, preguntando a sotto voce si los hombres que trabajan en los talleres mecánicos que abundan en la zona van a presenciar la obra también. A media cuadra de Warnes y Escalada de San Martín, aparece un lamparita iluminando el nombre de la sala: “Escalada.” Una muchacha joven y afable abre la puerta y le hace pasar por un pasillo tipo chorizo, lleno de plantas y…una esquina de balcón…hasta la sala donde se presenta “Cada una de las cosas iguales.”

 Es una sala de apenas dos años, ideal para la propuesta de Ajaka. ¿Quién se atreve a hacer un espectáculo con nueve colchones, con colchones que en realidad son personajes? Se apaga la luz. Se prende la luz. Los colchones avanzan hasta prácticamente invadir a los espectadores, se escucha la respiración de los actores detrás de los colchones, voces…¡Apagón! Cada actor tiene su cuerpo acomodado sobre su colchón, todos menos una actriz que comienza su perorata en un inglés raro: habla de Obama, la deuda, San Martín, las tasas de interés…

 Cada actor con su tema, como presos, como abandonados en una isla, con pausas dramáticas que en realidad son de una ironía fuerte, textos y frases que pueden ser del vecino, del novio, del jefe, de algún diario del establecimiento…y después todos se van con sus colchones. ¿Ha terminado el espectáculo? No. Vuelven los colchones. Se apilan en el medio. Vuelven los actores, sus cabezas metidas en cajas de cartón…

 Si bien no hay un conflicto central, el espectáculo avanza con gran ritmo y no decae en ningún momento. Cada personaje refleja una forma de entender el mundo. El final—que habría que ver en persona—muestra una especie de solidaridad rara que justifica el título: “Cada una de las cosas iguales.”

 

Elenco:                                    Leonel Elizondo, Sol Fernández López, Luciano Kaczer, Julia Martínez Rubio, Andrés Rossi, Gabi Saidón, Mariano Sayavedra.

 Texto y Dirección:                Alberto Ajaka

Asistencia de dirección:       Lourdes Pigneon

Iluminación:                          Adrián Grimozzi

Escenografía y vestuario:    Rodrigo Gonzales Delgado

Realización de fundas:         Patricio Delgado

Asesoramiento en movimiento:Luciano Acuña

Fotografía:                            Nadia Mastromauro

Colaboración artística:        María Villar

 

Funciones:                             Lunes a las 21 horas. Viernes a las 22 horas.

Teléfono:                               4856 0277

e-mail:                                    Remedios de Escalada de San Martín 332.

e-mail:                                               [e-mail]

Web:                                      http://www.salaescalada.blogspot.com

 

 

 

"Amanda y Eduardo," de Armando Discépolo en el teatro Puerta Roja de Buenos Aires

Los grandes dramaturgos escriben en lenguaje anclado en la cultura local sobre el puñado de temas que desde siempre golpean la humanidad. Es el caso de “Amanda y Eduardo” de Armando Discépolo que, en la versión impecable de Adrián Canale, se presenta en el teatro Puerta Roja de Buenos Aires. La historia muestra la destrucción paso a paso del espíritu de una mujer joven; a la vez cuestiona los valores de una sociedad en la cual el concepto de moral es materia descartable, como son las estructuras sociales.

 Más allá del machismo más exuberante en la época de Discépolo, la obra desnuda las falsedades y contradicciones de una sociedad dividida en clases sociales, personajes confundidos que confían en que los medios materiales  pueden darles la felicidad, cuando en realidad el dinero y la miseria moral manchan el amor y los afectos más genuinos. En ese sentido la obra estrenada en 1931 por el padre del grotesco criollo tiene un fuerte anclaje con el momento actual en Argentina.

 La historia en realidad es contada por Discépolo con recursos realistas, alimentada por un fuerte vuelo poético, pero en la puesta de Canale se logra una visión casi cinematográfica. Mediante un espacio de actuación alargada, con los espectadores ubicados a los dos costados de las acciones, se produce un juego de distancias: de repente se aprovecha la distancia para enfatizar la tensión, en tanto que el acercamiento pone en evidencia la fuerte carga emotiva presente en los momentos de emoción más sutil. Además, el espectador puede apreciar las verdaderas lágrimas que brotan genuinamente de los ojos de varios de los actores.

 Uno puede quedarse con varios aspectos de la obra: el  amor profundo, la traición, el contexto social, las complejas relaciones sociales y familiares. Y valdría la pena volver a ver el espectáculo para profundizar en los detalles. Por algo Amanda y Eduardo ha sido nominado para el Premio María Guerrero a mejor producción Teatral Privada.

 NUEVA PRODUCCIÓN DEL “COLECTIVO TEATRAL PUERTA ROJA”

 Versión y Dirección:                        Adrián Canale

 Elenco:                                              Mariela Acosta, Martín Urbaneja, Leonardo Odierna, Sylvia Tavcar, Silvina Katz, Tian Brass, Federico González Bethencourt, Ileana Peralta y Natalia Fanucchi.

Funciones:                                       Sábados  22.30 hs.

Teatro:                                              Puerta Roja, Lavalle 3636 (Abasto) -

                                                 Capital Federal.

Localidades                                       $30 (Descuentos a estudiantes y jubilados)

Reservas                                            4867-4689

Web:                                                  http://puerta-roja.blogspot.com

Musica Original:                                              TIAN BRASS (Premio Florencio Sanchez 2009 mejor

                                                                              música original)

Diseño de Vestuario, Ambientación y espacio escénico:

GABRIELA DELMASTRO y PAULA JMELTNITZKY (Mejor vestuario 2008 por “Las Descentradas”)

 Iluminación:                                    ADRIÁN CANALE – SERGIO COSSTECICH

 

 

 

"La mujer," espectáculo de María Isabel Bosch en el Tibai teatro de Buenos Aires

“Yo me veía primero como un punto negro,” dice la actriz Verónica Belloni desde el piso del Tibai teatro. Está sangrando la mujer ahora, girando, buscando todos los ángulos del universo, desesperación saltando de sus ojos, llama al pequeño hijo, su marido tirando sus finos cabellos con rabiosa violencia, pues ella no vendió la leche de cabra: la ha dado a su hijo, y ahora ella termina sangrando al borde de la carretera…

 “La mujer,” es un espectáculo atrapante basado en el cuento de Juan Bosch, escritor y expresidente de la República Dominicana, adaptado para el escenario por María Isabel Bosch sobre el círculo vicioso de la violencia doméstica. La mujer, en un acto de valentía, prefiere no entregar las monedas al marido y dar la leche al ambriento niño, y sufre como siempre los brutales golpes del hombre. Pero de repente, tirada al lado de la carretera y sangrando, un forastero la ayuda a volver a su casa…Entonces, encuentra una fuerza brutal. Agarra una piedra rugosa, casi negra, muy pesada y…

 Escribe el autor en el cuento: “La carretera muerta, totalmente muerta, está ahí, desenterrada, gris. La mujer se veía, primero, como un punto negro, después, como una piedra que hubieran dejado sobre la momia larga. Estaba allí tirada sin que la brisa le moviera los harapos. No la quemaba el sol; tan sólo sentía dolor por los gritos del niño. El niño era de bronce, pequeñín, con los ojos llenos de luz, y se agarraba a la madre tratando de tirar de ella con sus manecitas. Pronto iba la carretera a quemar el cuerpo, las rodillas por lo menos, de aquella criatura desnuda y gritona.”

 Es un estilo poético, cercano al realismo mágico. Llevarlo al escenario, a cargo de una sóla actriz, ha sido por cierto un gran desafío. Con la acertada adaptación de María Isabel Bosch, los movimientos escénicos combinan una precisa gestualidad con una noción teatral que encuentra puntos comunes entre teatro y danza: se emplean simultáneamente un claro lenguaje corporal con la narración de la historia.

 JUAN BOSCH  fue cuentista, novelista, educador, ensayista, historiador, biógrafo. Fundó el Partido Revolucionario Dominicano (PRD) en 1939 y el Partido de la Liberación Dominicana (PLD) en 1973 y como presidente del país inició reformas sociales que culminaron en el golpe militar de 1963. En su literatura abundan las referencias a los conflictos, sufrimientos y luchas de los campesinos.

 

El TIBAI TEATRO trabaja ininterrumpidamente desde el año 2003 y está conformado por la dominicana María Isabel Bosch y los argentinos Diego Schiavini y la actriz de este espectáculo, Verónica Belloni.

 Funciones:

 Domingos 19 hs.

Teatro Silencio de Negras

Luis Sáenz Peña 663

Entradas: $ 25 (Est. y jub. $ 15)

Reservas: 4381-1445

e-mail: [e-mail]

Blog:   http://tibaiteatro.blogspot.com

Duración: 40 minutos

Grupo de Teatro: TIBAI TEATRO

Dramaturgia, Dirección: María Isabel Bosch

Interpretación: Verónica Belloni

Coordinación Técnica, y Puesta de Luces: Diego Schiavini

Asistencia Técnica: Pedro Di Salvia

Supervisión coreográfica: Héctor Díaz

Diseño Vestuario: Silvina Zorzolli

Confección de Vestuario: Susana Medina e Irene Prado

Grabación de Sonido: Guillermo Casado

Diseño Gráfico: Rocío Fernández Sansone

Fotografía: Diego Schiavini

Prensa: Claudia Mac Auliffe

Producción: TIBAI TEATRO

 (El espectáculo cuenta con el auspicio de la embajada de la República Dominicana.)

 

 

 

"La imagen fue un fusil llorando," espectáculo Severino Di Giovani en el teatro Delborde de Buenos Aires

“Las 5 menos 3 minutos. Rostros afanasos tras de las rejas. Cinco menos 2. Rechina el cerrojo y la puerta de hierro se abre. Hombres que se precipitan como si corrieran a tomar el tranvía. Sombras que dan grandes saltos por los corredores iluminados. Ruidos de Culatas. Más sombras que galopan.Todos vamos en busca de Severino Di Giovanni para verlo morir,” así comienza el relato de Roberto Arlt en “He visto morir,” sobre la muerte del anarquista Severino Di Giovani.

 El actor Gabriel Férnandez se levanta de la cama pesadamente en el escenario del teatro Delborde y se acerca a la vieja máquina de escribir y tecla: “la imagen fue un fusil llorando.” Ha comenzado el espectáculo sobre el fusilamiento del anarquista. El aire se tensa. Hay muerte, poesía, violencia y muerte en cada rincón del pequeño espacio, que podría ser la celda del condenado, el escritorio de periodista, el escondite de un hombre que se refugia de la persecución.

 Arlt, periodista, escritor y militante de causas sociales relata: “El condenado camina como un pato. Los pies aherrojados con una barra de hierro a las esposas que amarran las manos. Atraviesa la franja de adoquinado rústico. Algunos espectadores se ríen. ¿Zoncera? ¿Nerviosidad? ¡Quién sabe! El reo se sienta reposadamente en el banquillo. Apoya la espalda y saca pecho. Mira arriba. Luego se inclina y parece, con las manos abandonadas entre las rodillas abiertas, un hombre que cuida el fuego mientras se calienta agua para tomar el mate. Permanece así cuatro segundos. Un suboficial le cruza una soga al pecho, para que cuando los proyectiles lo maten no ruede por tierra. Di Giovanni gira la cabeza de derecha a izquierda y se deja amarrar. Ha formado el blanco pelotón fusilero. El suboficial quiere vendar al condenado. Éste grita: “Venda no. Mira tiesamente a los ejecutores…”

 Los espectadores se acomodan en sus butacas pero su comodidad es relativa, ya que se ven obligados a entrar en los pensamientos de Arlt, en la piel de Di Giovani, en el dramático fusilamiento, y luego, cuando acaban los aplausos, luchan por volver a la cotidianeidad de la vida a partir de lo que han visto.

 LA IMAGEN FUE UN FUSIL LLORANDO - Domingos 20hs -

Autor: Julio Molina

Actúa: Gabriel Fernández

Dirección y puesta en escena: Julio Molina

Área sonora: Cecilia López – Manuel Sahores

Vestuario: Mercedes Arturo

 Basado en una de las Aguafuertes Porteñas de Roberto Arlt. Crónica del fusilamiento del anarquista Severino Di Giovanni

"A puerta cerrada, ojos bien abiertos," de Jean Paul Sartre en el Korinthio teatro de Buenos Aires

Los textos dramáticos de grandes escritores o filósofos como Jean Paul Sartre, que no han pasado por el filtro del sudor escénico, representan un gran desafío para el actor y sin embargo la versión de Lis Rivas en el Korinthio teatro de Buenos Aires es un muy valioso intento de impregnar una historia densa con una generosa carga de emoción y misterio.

 ¿Qué puede suceder cuando tres extraños, dos mujeres y un hombre, se encuentran encerrados en un espacio limitado? Cuando la opción no es más que desnudar al otro, disimular, distraer, tratar de escapar, buscar alianzas efímeras…El planteo se acerca más a lo filosófico que a lo sicológico. El texto de Sartre de alguna manera se remite a los experimentos científicos con ratas...

Los tres personajes de la historia parecen andar por el borde del infierno. Cada uno tiene su pecado criminal, su zona oscura. La dialéctica que se desencadena busca esclarecer los hechos oscuros. Lo único que los unen es el odio hacia “ellos," un elemento externo ambiguo:”

 estelle.—¡Qué cobarde soy! ¡Qué cobarde! (Una pausa.) ¡Si se dieran cuenta de cómo los odio!

inés.—(Tomándola en sus brazos.) Pero, hijita... (A garcin.) El interrogatorio ha terminado. No vale la pena que siga con ese hocico de verdugo.

garcin.—De verdugo... (Mira a su alrededor.) Yo también daría cualquier cosa por poder mirarme en un espejo. (Una pausa.) ¡Qué calor hace! (Maquinalmente empieza a quitarse la chaqueta.) ¡Oh!, perdón. (Juego inverso.)

estelle.—No, puede ponerse cómodo. Ahora ya da igual.

garcin.—Sí. (Tira la chaqueta en un canapé.) No tiene que enfadarse conmigo, o tal vez con el desarrollo de una refinada técnica de tortura.

 Estelle.

estelle.—No estoy enfadada con usted.

inés.—¿Y conmigo? ¿Conmigo sí lo estás?

estelle.—Sí. (Un silencio.)

inés.—¿Y qué, Garcin? Ya estamos desnudos como gusanos. ¿Ve más claro ahora?

 

Hay en la habitación una luz maldita, permanente: los párpados no pueden cerrarse. Entretanto la vida parece desvanecerse mediante los oscuros recuerdos del pasado. Tal vez por eso el nombre completo del espectáculo es: “A puerta cerrada, ojos bien abiertos.” Es que cuando la puerta se cierra, los ojos quedan bien abiertos y el infierno aparece.

 En un claro planteo  existencialista, Sartre propone que la forma de seguir es a través de los vínculos con los desafortunados compañeros de cuarto. Es en la lucha entre los tres que aparece el eje dramático de la historia; un hombre y dos mujeres que pueden ser de cualquier grupo o condución humana. La condena es independiente de las acciones de los personajes.

 Si bien el arranque muestra cierta fragilidad, las acciones van calentando la expresividad de los actores y las acciones apuntan hacia un crescendo dramático llamativo, acentuado por los muy logrados monólogos de cada personaje. En la puesta escénica de Rivas el espectador  termina siendo participe del dilema existencialista, gracias a la acotada actuación del elenco y la puesta simple y funcional de la directora.

 Funciones:                      Sábados 20:30 horas, Korinthio Teatro, Junín 380

Reservas:                             4951 3393

e-mail:                                   [e-mail]

Web:                                http://www.apuertacerradaojosbienabiertos.blogspot.com

 

Entrada:                           $30

Ficha técnica:                       Obra: “A puerta cerrada (1944), Jean Paul Sartre (1905-

                                       1980)

Traducción:                      Alonso Sastre

 Dirección                              Lis Rivas

 Elenco:

El Mozodel piso:                 Lis Rivas

Estelle:                               Flavia Evangelina Vitale

Inés:                                Marcela Santanocito

Garcín:                               Pablo Mingrino

 (la obra cuenta con el apoyo de pro teatro)

"Bastardas," espectáculo de Andrés Morte sobre Sylvia Plath en Un-teatro de Buenos Aires

“Morir es un arte,” decía Silvia Plath hace alrededor de 50 años. Ahora sus palabras retumban una y otra vez todos los jueves en los labios de seis actrices que la representan en sus diferentes fácetas en el Uniteatro de Buenos Aires. ¿Morir es un arte? Es que Plath amaba patológicamente la perfección y morir, como escribir, era para ella un arte. Con apenas 30 años, el 11 de febrero de 1963 selló con mucho cuidado las puertas del cuarto de sus pequeños hijos, Frieda y Nicholas, dejándolos sus vasos de leche. Luego abrió la llave de gas y metió la cabeza en el horno. Morir, como escribir, se ejecuta con sumo detenimiento.

Andrés Morte tomó nota de la bella furia de la poesía de Plath, versos que preanuncian una toma de conciencia sobre lo femenino, palabras de gran impacto enraízadas en sus conflictivas relaciones amorosas, y armó un espectáculo de teatro audiovisual: las seis versiones de Plath comparten una mesa con la primera docena de espectadores que entran en la sala. Un hombre registra todas las acciones en una cámara digital y la imagen se proyecta sobre un enorme pantalla.

Entre versos y relatos de momentos claves de la vida de Plath, las actrices emplean diferentes espacios escénicos: sentadas o arriba de la mesa, corriendo alrededor de ella y empleando todos los espacios posibles...en un momento especialmente bien logrado una actriz actúa en un columpio...un espectáculo intenso y original. 

Funciones:         Jueves 20:30 horas

Uniteatro:          Guardia Vieja 3360

Reservas:          4867 6764

Elenco:                BegoñaDomínguez, Catalina Hannon, Melody Llarens

                            Mara Meter, Eliana Migliarini, Ana Laura Moscato,

                            Mariela Pizzo, Daniela Vargas y Bianca Randón (presentadora)

Dirección:          Andrés Morte y Esteban Mihalik

Camara:             Luís Eduarddo Agüero

Asistente de

Dirección:         Carla Carvajal

 

 

 

 

 

 

　

　

"Bunker 22," un turbulento espectáculo teatral...

Una luz ambar cubre el escenario con un incierto manto; desde afuera se escucha una furiosa tempestad, sirenas; después un silencio abrumador percute sobre los actores, seres pérdidos en un mundo en vias de destrucción. Acaba de comenzar "Bunker 22," un espectáculo basado en un concepto: "El bunker sólo te protege del clima. Los sueños protegen el alma." 

"Bunker 22" juega con lo que sucede afuera y lo que carcome las entrañas,busca retroalimentación en el pasado, en el presente y en el futuro;es una ficción dramática articulada por un director y cinco actores jóvenes, sobrevivientes de una catástrofe, tal vez ecológica, tal vez cultural o social, que buscan resguardarse en un bunker. Es la historia de un hombre que intenta enfrentarse con el encierro, el miedo, la culpa, que se atreve a soñar y demostrar que en realidad los miedos más grandes agitan en nosotros mismos.

El libro es de Maxi Turnes, también la dirección. La acción enfoca sobre Andrés Turnes, padre del director y un actor con una carrera de 50 años en el teatro en el mundo (15 años de trayectoria en el San Martín), para recrear una historia atrapante que introduce al espectador a un clima de soledad, miedo, inciertedumbre y sentimientos que lo hará viajar a un futuro tal vez no tan lejano: cuando el mundo se acerca a terribles modificaciones.Si bien Turnes se apropia del espacio por su figura, por su voz, por su solvencia actoral, los cuatro jóvenes constituyen una especie de contrapeso lógico en el contexto del planteo dramático.

Dice Maxi Turnes: "Jamás en mi juventud hubiera imaginado escribir y dirigir una obra en la que trabaje mi padre, lo cual ha sido una experiencia inolvidable. En primera instancia por la profundidad emocional que este hecho tiene, pero, además, como director teatral, por la increíble experiencia de dirigir a un actor con remendas condiciones técnicas y en estado tan puro, Andrés Turnes preserva intacta su interioridad y la expresa de una forma admirable. Tras dos meses de  experimentación absolutamente enriquecedores, en base a una estructura y luego con la incorporación del texto,  que significó un nuevo desafío con tres meses más de ensayos, generamos este espectáculo del que estoy profundamente orgulloso y creo que es puro teatro.Esta obra y los que participan en ella me llenan de orgullo".

Agrega la actriz Daniela Vargas: "Fue un proceso largo de búsqueda y de experimentación, ya que el proyecto lo armamos al revés de lo que se hace comunmente, es decir, primero improvisamos sobre la temática que nos propuso el director, el encierro, el miedo,la culpa,la desesperación,la pérdida. Luego construimos los personajes, solo sabiendo características básicas de cada uno. Pensando en sus historias, los hicimos interactuar entre sí  y como ultimo  llegó el guion...No voy a negar que a veces me sentía muy frustada, por no poder conectarme con ese arquetipo de madre que me proponían que hiciera. Igual, siento que aprendí muchísimo, crecí como actriz,y me nutrí mucho de las experiencias y los trabajos del resto de los actores. Debo tambien confesar que la llegada del guión me puso un poco incomoda,ya que los personajes fueron tomando forma desprovistos de textos y marcaciones.Yo siento que el proceso nunca se termina porque en cada funcion  surgen cosas nuevas, momentos unicos, búsquedas nuevas ...y así hasta el último día."

Si bien el espectáculo terminó su ciclo en el Uni-teatro de Buenos Aire,seguramente será reestrenado pronto en otro espacio.

FICHA TÉCNICA

ELENCO:
Andrés Turnes
Federico Román Ross
Julián Bellegia
Daniela Vargas
Nicolás Peyret
Begonia Dominguez

Producción Ejecutiva: Eugenio Ramade
Música Original: Diego Roberts
Escenografía: Rodrigo Seghighi
Diseño Gráfico: Federico Román Ross
Asistente de dirección: Carla Carvajal
Entrenamiento actoral: Fernando Cerviño
Libro y Dirección: Maxi Turnes
Prensa: Octavia Comunicación y Gestión Cultural

Web link:  http://www.youtube.com/watch?v=G9Q8yRXTykU 

 

 

 

 

"La fiel mentirosa," un espectáculo del Grupo Eden con actores de entre 65 y 88 años...

A pesar de la tormentosa lluvia que cubrió Buenos Aires de agua ayer, los actores de “La fiel mentirosa” llegaron contentos al centro de jubilados de la localidad de Sáenz Peña y se dedicaban a preparar la puesta, mientras de a poco iban llegando los espectadores. Son actores del grupo EDEN, de entre 65 y 88 años, que toman muy en serio el trabajo del actor, si bien su especialidad es hacer reír a carcajadas.

 Dice el joven director Elian Abatemarco que el grupo se formó en el Centro de Jubilados Eden hace apenas dos años, pero se muevan con mucha solidez sobre el escenario. Han realizado funciones en centros de jubilados, en bibliotecas, en el teatro municipal de Santos Lugares, en el Auditorio Municipal Eva Perón, en la Sala Olmedo, en el Hospital Tornu, Teatro Arenale de Mar del Plata y también han tenido una entrevista en Crónica TV.

 La idea de “La fiel mentirosa” debe su inspiración a Dario Vittori. Es una picaresca comedia de enredos que hace reír a niños. Jóvenes, adultos y mayores y es una muestra clara de lo que pueden lograr las personas mayores cuando ponen a trabajar su energía, sus ganas y sus sueños, con la ayuda de un talentoso y paciente director.

“Son pibes,” dice Abtemarco, “Di clases para chicos chiquitos y es lo mismo; caprichosos, ñañeros, se pelean entre ellos, discuten pero después están todos abrazados y se quieren.” Primero intentó con otras propuestas, sin mucho éxito. Todos querían actuar. La cuestión era encontrar el material. Luego apareció la idea de un espectáculo al estilo Dario Vittori.

 El novio (de alrededor de 70 años) es un señor muy atrevido, pero dice a la chica (que debe andar por una edad similar) que del amor no sabe nada. Muy alegre, ella le dice que lo puede enseñar. (En realidad, el "novio" es hijo de un hombre de edad similar...)

La situación tiene sus complicaciones: a cada rato aparece la criada  para molestar, cantar y ofrecer café. Son los tipos de gags que contiene la obra. Un borracho genial que proclama ser un pretendiente y lanza dardos como: "me llaman genio porque cada vez que destapan una botella(de vino) aparece mi cabeza." Un policia que pasa el tiempo pegando a las mujeres en la cola con su garrote. Los celos, los enredos, los malentendidos, los chistes, los chismosos…

 Al finalizar el espectáculo, salen los actores a bailar con el público, o con quienes se atreven a hacerlo.

Ana María Trudgett, Salvador Bonavento, María Toto, Margarita Sánchez, Eduardo Santillan, Amelia Samalea, Nélida Franceschelli, Elvía Bordoni, Domingo Ubertassi, Iris Julio Cittidelli, suplente.

 

Escrita por Elena Salvo y Elian Abatemarco

Producción y dirección general  Elian Abatemarco

Asistencia de producción, Ida Guzzo

Asistencia de dirección, Amalia Martini

 Contactos:

 [e-mail]   Teléfono: 15 54994466

 

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"Amalfi," de Enrique Papatino en el teatro Abasto de Buenos Aires

Un hombre regresa de la guerra, cualquier guerra, una guerra que continúa indefinidamente. Ascasubi, ex soldado, es un fantasma, un muerto-vivo, pues se supone que fuera muerto, su mujer lo cree muerto y ha seguido con su vida, en los brazos de otro. Pero más allá de la destrucción y la crueldad de la guerra, de la lucha de dos hombres por una mujer, está Amalfi, un bello lugar de acantilados, viñedos, huertos y deliciosos productos de la tierra, un enclave pacífico que alberga los sueños y los ideales de los amantes de la vida. Amalfi es una imagen que Enrique Papatino rescata para estructurar un espectáculo de gran lirismo que sin embargo incluye cortes y aportes semejantes al absurdo.

 El soldado aparece fusil en mano en su hogar, en el escenario, y encuentra su mujer estupefacta. Es un encuentro que no precisa de palabras. Es un momento muy logrado.”Lo voy a matar,” dice cuando su mujer admite que tiene un amante, Braun, un hombre casado que tiene cinco hijos. “¡Puta!” Dice, cargado de bronca. “Soy un héroe de guerra.” Aparece Braun, el amante y se encuentra con un extraño, con el soldado, y le pregunta quién es.

 Si el espectáculo fuera “realista” se podría imaginar los gritos, los golpes. Pero sucede algo totalmente distinto. Es la mujer que muere, cuando harto de la discusión entre los dos hombres sale. Vuelve sangrando y su muerte de alguna manera es un mensaje para los dos hombres. Amalfi reaparece. Es un lugar a donde todos desearíamos regresar, y al finalizar el espectáculo el soldado invita al amante de su mujer muerta a volver a Amalfi.

 II premio Nacional de Dramaturgia 2007, Primer Premio Vigésimo Aniversario GETEA-Teatro Mejor Texto Dramático 2007, la puesta de la obra Papatino en el teatro Abasto es muy precisa, algo que enfatiza la inquietante historia que va y viene entre el pasado y el presente, en donde la poesía y la imagen sobrevuelan la sobria actuación del elenco.

 Autor y Director: Enrique Papatino

Con Eduardo Leyrado, Mariel Rosciano y Jorge Albella.

Asistente de Dirección Marcelo Peiretti - luminación Eduardo Safigueroa

Escenografía Edgado López Albarellos - Vestuario Cecilia Larumbe

Prensa Duche & Zárate - Gráfica Blouan.com

 

Teatro Del Abasto (Humahuaca 3549 / 4865-0014)

Viernes a las 21

Precio de las localidades: $30

 

 

 

"Bengala," un impresionante espectáculo sobre un viejo boxeador en el teatro LaComedia de Buenos Aires

El viejo boxeador corre, salta, esquiva y tira golpes sobre el escenario, su cuerpo se llena de sudor, su mirada busca los personajes, su voz los reclama, y apenas pone freno a su motor en los obligados momentos de descanso después de cada round. Durante una hora Néstor Navarría narra con humor, con dolor, con melancolía, con guiños, con gestos y hasta con ternura todo lo que estalla en su cabeza, la cabeza de un boxeador cuya identidad está en el ring, un espacio que se resiste a abandonar. Es una bengala que estalla en su cabeza y él es la bengala, todo junto, lo sublime y lo oscuro los pequeños momentos cotidianos y los momentos dramáticos cuando la lucha es sin cuartel.

 El guión es de Alfredo Menga, y la intención de escenificar el mundo del viejo boxeador está realizada con un muy intenso sacrificio actoral por Navarría, revelación actoral masculina y premio Trinidad Guevara. Más allá del texto, de la situación social y emocional del boxeador, el espectador queda atrapado por la técnica del actor, su resistencia, el control de respiración, su gestualidad, los matices de su voz.

 Quedan dos únicas funciones, el 19 y el 26 de julio, en el teatro La Comedia, Rodríguez Peña 1062, antes de salir de Argentina para presentar el espectáculo en Finlandia. Funciones a las 20:30 horas. Reservas: 4815 5665. Entrada: $30.

 Web:  http://bengalaunipersonal.blogspot.com

 Grupo SIN GUARDIA Presenta: “Bengala”de Alfredo Megna

Con: Néstor Navarría

PREMIO TRINIDAD GUEVARA

REVELACIÓN ACTORAL MASCULINA

Dirección: Armando Saire y Leonardo Odierna

 Escenografía: Daniel Prieto / Iluminación: Jorge Merzari

Productor Ejecutivo: Pablo Mariuzzi

Producción: Daniel Álvarez y Mariano Pedini

 

 

"El primer drama de Amanda," un sabroso espectáculo en el teatro Pan y Arte de Buenos Aires

¿Cuántas cosas pueden suceder cuando un grupo de actores imaginan y luego realizan una improvisación en un viejo bar, por ejemplo, el bar “Gilberto e hijo,” ubicado frente a la plaza central de Coronel Pringles, en la provincia de Buenos Aires? Es lo que animaron Juan Mako y Luciana Martínez Bayón a creer el sabroso y entretenido espectáculo “El primer drama de Amanda” en un petit teatro en la zona de Boedo, Capital Federal, convertido en un viejo bar.

Son nueve personajes, creados con lujo de detalles, todos patéticos, que participan en una cadena de acciones insólitas. Todo es posible y es justamente en la sorpresa y en lo inesperado que radica el humor de esta pieza única. Para comenzar, el programa está hecho como si fuera un menú--cafetería (actores), precio (personajes), sándwiches (iluminador, escenografa, etc.), bebidas (dirección, coordinación…

El dueño limpia vasos a la espera del ensayo de la primer obra dramática de Amanda Gould. De repente entran en todo su gloria uno tras otro de los actores. Los ensayos ya van por el noveno mes y se espera una visita importante que dará pimienta al ensayo: si el intendente electo gusta la obra, promete reinaugurar el teatro Español del pueblo, con una función de la obra que se ensaya en el bar.

Pero, claro, en los ensayos son muchas las cosas que pueden fallar. Y más allá de la gran esperanza que tienen los actores de seducir el intendente con un ensayo bárbaro, a pesar de sus grandes ilusiones y su firme dedicación, algo escapa de las manos y el ensayo toma un camino realmente no esperado e insostenible.

 De todos modos, y como la lucha por el poder siempre existe, el acoso sexual del intendente con una de las actrices (debidamente filmada por la hija del dueño) dará lugar a una fuerte y patética negociación….y a un final aún más patético.

 Cabe destacar la creatividad de los actores, pues la idea es el resultado de sus propios ensayos con el tema. Además, se nota en las actuación un concepto muy claro: el actor siempre debe ocuparse en algo concreto. Los actores son muy fieles a los tics de sus personajes, que son debujados con mucho esmero. A su vez se resalta los diferentes rincones del bar, vinculando el actor con su espacio concreto.

 Dirección y Puesta en escena:   Juan Mako y Luciana Martínez Bayón

Coordinación Artística:                 Bernardo Cappa

 Funciones:                                    Domingos 21 horas

Teatro Pan y Arte:                       Boedo 876

Reservas:                                     4957-6922

Localidades:                                 $30 (jubilados y estudiantes $20)

jubilados $20)

Web:                                              http://elprimerdrama.blogspot.com

e-mail:                                           [e-mail] 

Elenco:  

Valeria Pontoriero, Paula Alais, Marina Otero, Nicolás Blandi, Mariana Mayoraz, Graciana Luna  y Martin Berra

Diseño de iluminación:            Claudio del Bianco

Diseño de vestuario:               Ana Clara Guarino         

Diseño gráfico:                        Juan Mako

Escenografía:                          Elilia Pérez Quinteros

Fotografía:                              Julia Celeiro

peración técnica:                   Alejandro Galerti (de Pan y Arte)

 

 

"Andrómina, fragmentos de un insoportable deseo" en el Beckett teatro de Buenos Aires

Andrómina es una expresión que provoca. Puede sugerir un embuste, un enredo, un engaño, una mentira, una alucinación. “Andrómina, fragmentos de un insoportable deseo,” de Verónica y Osvaldo Peluffo es un espectáculo inquieto, de lenguajes oblicuos, de sobresaltos dramáticos que transcurre durante la Segunda Guerra Mundial. “Andrómina nos permite entrar en el juego de los placeres,” dicen Verónica y Osvaldo, “donde la moral no existe. Solo existe el insoportable deseo de alucinar.”

 Hay en la puesta un halito de tragedia griega, una lejana brisa de Sófocles…Ana y Elsa, dos hermanas, dos asesinas, dos parricidas, un plan prolijamente hilado de encontrarse cada año a reconstruir un hecho aborrecido, de sacar a lucir sus deseos más ocultos; pero terminan siendo espejos de sus propias fantasías, o tal vez las de sus padres y de cualquier persona que se permite cruzar un umbral temido y prohibido.

 Los fanáticos de Freud por su parte podría ver en el espectáculo sustento para las teorías sobre la sexualidad y las perversiones familiares, la dialéctica de poder versus sumisión. Una exploración en situaciones en las cuales la moral ha ido de vacaciones obliga al espectador a navegar brevemente por un mundo sin normas de conducta.

 La dirección del espectáculo enfatiza un estilo de actuación que se apoya en los estados emocionales y en el veloz tránsito entre un estado y otro; si bien a veces el repentino recambio emocional parece un poco forzado, la técnica es útil en la creación de una atmósfera alucinada. La puesta de paneles y luces que no se dirigen a puntos lógicos sintoniza muy bien con la idea planteada en el texto de Verónika y Osvaldo.

 

Funciones:                                             VIERNES 21HS

TEATRO BECKETT.                        Guardia Vieja 3556/ reservas al 4867- 5185

 Puesta en escena y dirección general: Osvaldo Peluffo

http://www.paristexasproducciones.com

 

 

Elenco

Ana: Verónika Peluffo/ Elsa: Victoria Ponte

Padre: Osvaldo Peluffo/ Madre: Gabriela Espinel

 

 Arte y producción:

 

Diseño de Escenografía: Azul Borenstein/ Realización escenográfica: Duilio Della Pittima

Diseño de  luces: Esteban G. Lahuerta/ Diseño y realización de vestuario: Shirley Bentancor

Diseño Gráfico: Graciela Chavez/Victoria Ramirez/ Fotografía: Felipe Fernandez Koeraus  /Prensa: Simkin & Franco

Selección Musical: Osvaldo Peluffo/ Realización de banda sonora: Alejandro Serrano

Diseño de maquillaje: Compañía Fårö/ Diseño y realización de peinados: Laura Ruarte

Asistentes de escenario: Claudio Di Melchiorre/ Ezequiel Romero Azat / Asistente de dirección: Nacha Dopico

Producción ejecutiva: Verónika Peluffo /   Producción: París Texas Producciones

 

 

 

 

 

 

"Kafka, negro de tan preciso," un espectáculo corporal en el Espacio Cultural Pata de Ganso de Buenos Aires

Se sabe que el escritor Franz Kafka tenía códigos expresivos desconcertantes,a tal punto que incluso hoy se habla de situaciones "kafkianas." Cualquier lector de historias como "El paseo repentino," "Ante la ley, "Buitres" o bien "Una confusión cotidiana" ha de prepararse para un vuelo literario a una zona oscura, de raras dimensiones, de anhelosas angustias existenciales y no ponerse nervioso ante cambios repentinos e inesperados.

Si los textos del genial autor checo contienen más pliegues que la madre tierra, trabajarlos casi exclusivamente con los cuerpos tibios de jovenes actores en un espacio teatral independiente ha de ser un desafío enorme. Es lo que propone "Kafka," un espectáculo de Insomnio Asociación Teatral con la dirección de Federico Julián Stella en el espacio cultural Pata de Ganso.

La idea del director ha sido tomar los cuentos de Kafka como punto de partida para explorar espacios sensoriales con una estética que se acerca al expresionismo o de alguna manera al surrealismo. Entonces, la teatralidad del espectáculo nace en el misterio y en la angustia de los cuerpos, en la voz,en los gritos, en la respiración, en la banda sonora, en el juego de luces, en los aspectos que el teatro convencional considera como apoyos secondarios al texto.

Hay cierta falta de perfección en los movimientos escénicos, pues de este modo el espectador se incorpora más, de alguna manera lo hace  reflexionar sobre instantes que podrían ser propios. A los efectos también de explorar otras dimensiones, a lo largo de la obra un audiovisual va y viene.

Si bien el expectáculo emplea códigos no convencionales y supone un alto nivel de experimentación, cabe elogiar la elocuencia del trabajo físico del elenco. Convendría leer los textos antes de ver el espectáculo.

CUENTOS:
El paseo repentino
Ante la ley
Buitres
Una confusión cotidiana (Audiovisual)

Espacio Cultural Pata de Ganso - Zelaya 3122 (Abasto)
Viernes de Julio y Agosto          – 23hs
Reservas:                                 4862-0209
Entrada:                                  $25.- (descuentos a jubilados y estudiantes 20%)

    
Autor | Franz Kafka
Idea | Federico Julián Stella

Traducciones al español | Sofía Le Comte
Adaptación y puesta en escena | Federico Julián Stella
Dirección general | Federico Julián Stella
Elenco actoral | Celina Carbajal - Marcos De las Carreras - Lorena Gaivironsky - Julieta Rozenblum
Asistencia de dirección | Lorena Gaivironsky
Dirección de movimiento | Ana Borré - Laura Buschiazzo
Composición musical y presentación en vivo | Ramiro Torreira
Vestuario | Lorena Gaivironsky - Jesica Mathieu
Maquillaje | Roxana Corneli - Nadia Puértolas
Escenografía | Melina D’Albenzio - Giselle del Corral
Diseño de luces | Federico Martín
Operación técnica en luces | Espacio Cultural Pata de Ganso
Operación técnica en sonido y proyecciones | Sebastián Estraviz
Guión y realización audiovisual | Ariel García Giménez
Diseño gráfico | Eduardo Sierra
Fotografía | Leandro Otero - http://www.leootero.com.ar
Prensa | Laura Castillo
Producción ejecutiva | Insomnio Asociación Teatral
Más info: http://www.grupoinsomnio.com.ar

"Muero de ti," espectáculo de Alejandro Genes en el teatro La Tertulia de Buenos Aires

Es notable en los escenarios porteños el regreso a un tipo de teatro repleto de palabras, situaciones cercanas al grotesco y un tipo de actuación fuerte que exige pulmones profundos y buen uso del paladar duro para no lastimar las cuerdas vocales. Es el caso de “Muero de ti,” un espectáculo escrito y dirigido por Alejandro Genes, que se presenta en el teatro La Tertulia de Buenos Aires.

Entendido como un “Juguete Fúnebre,” el espectáculo toca temas como los celos, la venganza, la muerte y la falta de comprensión, una especie de versión moderna e irónica del teatro griego clásico. Investiga las siempre cambiantes estados anímicos de cinco personajes que, como se explica en el programa, “Morimos en mi cuarto en el que estoy sola, en mi cama en la que faltas, en la calle donde mi brazo va vacio, en el cine, los parques y los tranvias, los lugares donde mi hombro acostumbra tu cabeza y mi mano tu mano. Nos morimos amor, y nada hacemos sino morirnos mas, hora tras hora, y escribirnos y hablarnos y morirnos.”

Dice Genes: “MUERO DE TI, es una pieza dramática, o bien un “Juguete Fúnebre,” que habla del amor, de morir de amor, de morir por amor, de matar por amor. De lo inconstante que es el amor. De lo cruel, brutal, enfermo y hermosos que es el amor.”

Agrega: "Raul Serrano en sus clases siempre decia que el teatro no es literatura,esta frase la tome como axioma y cuando escribo trato de hacerlo pensando en los cuerpos,no escribo pensando en el sentido verbal de las palabras, en lo dicho, si no en lo que se tiene ganas de hacer pero no se dice. Trabajo sobre situaciones conflictivas y no sobre palabras que adornan y quedan bien a la escritura, a la literatura, donde no hay conflicto, solo texto, donde el unico sentido real es el de lo dicho y no el del cuerpo.
 
"Trabajamos en algunos aspectos de esta idea para poder generar lo ludico en la pieza,y asi llevar al delirio extremo la obra y que las situaciones dejen de ser cotidianas, algo en lo que me ocupo como dramaturgo y director, es en la trasformacion de lo cotidiano en extracotidiano,hacer el teatro como en la vida es aburrido y no le veo sentido.
 
"El teatro me da la posibilidad de agotar y llevar al limite las situaciones mas cotidianas de la vida. La forma es el juego.Las reglas, hacerlo en serio, jugar en serio. El compromiso.Con Ricardo Sica, trabajamos en la idea de un espacio iluminadode forma realista y luego, junto con la obra, en su enrarecimiento.
Con Ramiro Cordoba, tratamos de buscar musica acorde a cada momento y efectos donde se destaque el suspenso.A nivel escenografico, la historia mantiene relacion con el afuera contantemente, y es de suma importancia que asi sea, por eso diseñe la puesta en escena bajo este fundamendo."
 

El amor como expresión de energía positiva entre personas es bastante ausente en "Muero de ti," o en todo caso se encuenta cubierto por un velo de ironía. Sucede que Lupe tiene una vida que no conoce términos medios, tiene una pasión fuerte por Mauro, pero descubre la traición de su vecina, situación que la conduce a una venganza que involucra además a su amiga, Lore.

Las situaciones--que el autor describe como juegos--no son lo más significativo del espectáculo. El estilo de actuación propone cuerpos que se muevan con códigos alterados, gestos exagerados pero plenamente reconocibles, gran variedad de gritos, acciones grotescas. Como si el exceso de palabras, vociferadas con una gran y variada intensidad, poco sirve y no obstante magnetizan la atención del espectador.

 

Dramaturia:                          Alejandro Genes

Elenco:                                 Gastón Cantanzaro, Martín Errea, Florencia

                                            Montanucci, Paula Radovancich, María Carolina

                                            Vázquez Murillo.

Vestuario:                             Soledad de la Buelga

Escenografía:                          Alejandro Genes

Diseño de luces:                     Ricardo Sica

Música:                                  Ramiro Cordoba

Astencia de dirección:                Paula Russs

Dirección:                              Alejandro Genes

Funciones:                             Viernes 21 horas hasta el 30/07/2010

Teatro:                                              La Tertulia, Gallo 826, Cap. Fed. Argentina

Web:                                      http://www.latertulia.on.to

Entrada:                                $ 35,00 y $ 25,00