Espectáculos (Shows)

"Parásitos" del alemán Marius Von Mayenburg en el Beckett teatro de Buenos Aires

El título del espectáculo es bastante apropiado, “Parásitos,” y si bien hay algo Beckettiano en la obra, es de un dramaturgo alemán, Marius Von Mayenburg. Primera advertencia: si el espectador se encuentra en medio de una aguda crisis de pareja, convendría ver el espectáculo después de un buen descanso. Segunda advertencia: si Usted ha dejado el marido en casa mirando un partido de futbol, sería aconsejable volver sin tomar un café irlandés en el bar de la esquina.

Los espectadores se ubican en sus butacas,se apagan los teléfonos, se apagan las luces. Un hombre toca el piano eléctrico, espaldas al público, luego acciona su silla de ruedas y se dirige al público, tranquilo y simpático: dice que hoy es un día tranquilo. Es uno de los pocos minutos de calma en el espectáculo.

En todas las relaciones hay una violencia verbal turbulenta que salta a escena tan pronto se haya instalada la racionalidad. La energía escénica se acerca a veces a un nido de vampiros, o bien, de parásitos. Tanto los unos como los otros viven a expensas de algún ser vivo, el huésped.

El amor y la solidaridad son conceptos extraños para estos personajes, todos tienen relaciones patógenas, pero se mueven también en un mar de ambigüedades, de insinuaciones, de acusaciones, de amargura y de gran tensión dramática.

La historia podría haber sido absolutamente sin interés, pero Mayenburg sabiamente introduce ingredientes teatrales de gran efectividad. Cuatro jóvenes y un señor ya grande se alojan en una especie de pensión lúgubre en una ciudad balnearia. Beti cuida su novio, Ringo, víctima de un reciente accidente automovilístico que lo ha dejado paralítico. Cualquier comentario entre ellos es suficiente para inflamar una discusión encendida.

Pronto aparece Multscher, quien lo atropellara, atribulado, vagamente culposo, expresando intenciones de difícil comprensión. En el mismo espacio Beti recibe a su hermana menor, embarazada, hallada inconsciente a un costado de la autopista, y también Petrick, su novio.

El espectáculo propone un abordaje a las relaciones humanas de manera casi bélico. Es un desafío sumamente exigente para los actores. Sin embargo, las situaciones aparecen como espejos que reflejan fielmente la subyacente tensión entre todos los personajes. El público entiende una fuerte ironía en las rimbombantes quejas y explosiones emotivias de los personajes, y está bien ya que la obra de Multscher investiga la ironía y lo oscuro de las relaciones humanas sin dejarse llevar por nubes trágicas. 

 

PARÁSITOS de Marius Von Mayenburg (Autor Alemán)

Dirección:  Lucas Olmedo.

Funciones: jueves 21hs.

Beckett Teatro -Guardia Vieja 3556- Capital Federal

Localidades: $30 (Descuentos est. y jub $20)

Reservas al 4867/5185

Elenco:  Pablo Roselli Mirci, Salomé Boustani, Pablo Chao, Alfredo Zenobiy, Guadalupe Rodriguez Caton.

Iluminación: Juan Andrés Piazza

Vestuario: Guadalupe Rodríguez Catón.

Fotografía: Mariano Rapetti

Diseño de Escenografía: Lluvia de Cenizas

Diseño de sonido: Victoria Gómez Acuña - Nicolás Torchinsky

Diseño Gráfico: Gabriela Ramos.

Gestión Cultural: Yanina Leandra

Asistencia de dirección: Eugenio Schcolnicov

 

Web: http://parasitosdebuenosaires.blogspot.com

Se ha estrenado "El ex Alumno" de Carlos Somigliana en el Teatro del Pueblo de Buenos Aires

El profesor García Cháves se levanta del piso, golpeado por su hija, Laura, y se dirige a Horacio Caletti, su ex alumno: "¿Pero cómo sé yo siquiera si usted es Horacio Caletti, verdaderamente? Y ya que hablamos de ese concurso, señor mío...Y hemos llegado a esta zona desagradable, a este capítulo de dolorosas verdades...Ese concurso...El jurado pensó en declararlo desierto, por el escaso mérito de los participantes...Pero el rector se opuso...Opinó que parecía...Poco patriótico...Declarar desierto un concurso sobre el general San Martín...Y se eligió, casi al azar, a uno cualquiera...Horacio Caletti."

Horacio mira la llave, se dirige hacia la puerta y la abre. El Profesor lo ataja con cierta vibración histérica en su voz y dice: "No tiene nada que decir? ¿Realmente, no tiene nada que decir...?" Desde la puerte el ex almuno lo mira largamente, y luego responde: "Lo peor de todo esto señor...Lo peor de todo lo que ha pasado, en estos veinte años y hoy...Es que yo me lo merezco."

Así termina la obra de Carlos Somigliana, dramaturgo argentino interesado en temas como la antinomia entre el deseo y los mandatos, el autoritarismo, los prejuicios e insatisfacciones de la clase media, la memoria...y pedazos importantes de su  propia vida...elementos que aparecen en "El ex alumno," espectáculo estrenado en el Teatro Del Pueblo.

¿Qué puede suceder cuando un alumno de un muy buen colegio(Nacional de Buenos Aires) visita su profesor...treinta años después? Es lo que hace Horacio Caletti, estudiante de literatura del profesor García Cháves. ¿Qué busca? ¿Qué turbios recuerdos puede traer? Horacio ya no tiene pasión por los libros. Es jefe de ventas en una empresa metalúrgica.

La situación permite indagar sobre el paso del tiempo, el papel de la literatura en el mundo actual (la hija del profesor no es lector, excepto de alguna revista barata), el choque de las generaciones, las dificultades de adaptación a los inevitables cambios sociales, el derrumbre de los antiguos valores...

El director Luís Saez supo elegir bien el elenco. La actuación se concuerda con el concepto de Somigliana, un teatro realista levemente grotesco. La ubicación del público rodeando la acción acentúa la sensación de encierro y permite ver hasta la respiración de los actores.

Funciones:                      Viernes 21 hs.
Teatro  del  Pueblo            Av.  Roque Sáenz Peña 943
Reservas:                       4326-3606 
Entrada general:             $ 40.-
Jubilados  y estudiantes (con carnet): $  25.-

Ficha  técnica:
Actúan:  José María López - Fernando Armani - Milagros  Almeida - Martín  Leis
Autor:    Carlos Somigliana - Adaptación: Luis  Sáez
Diseño y realización de vestuario:  Paola Girimonti  -Diseño y realización de  Escenografía: Paola   Girimonti Música: Pablo Emilio Sotelo - Luces: Lautaro Graciosi -  Fotografía:  Gianni Mestichelli - Diseño  gráfico: Eduardo  Grilli - Prensa: Laura Castillo

Producción ejecutiva: Sáez/ Giglio -  Asistencia de dirección: Andrea Giglio- Dirección General:      Luis Sáez

 Más info: http://elexalumno.blogspot.com

"Babilonia" de Armando Discépolo en la Escuela Metropolitana de Arte Dramático

El “grotesco criollo,” un género teatral auténticamente argentino nacido del hábil lápiz de Armando Discépolo, ganó los escenarios porteños mientras llegaban al país gran cantidad de inmigrantes y mientras la sociedad estaba solidificándose en una estructura social terriblemente injusto, entre los ricos de arriba y los pobres e inmigrantes de abajo. Discépolo, hijo de un napolitano, supo comprender el humor popular de ese momento, cercano al absurdo, y lo incorporó teatralmente con gran éxito en obras como “Babilonia.” Quince Egresados de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD), con la dirección de Manolo Longueira y con la ayuda de docentes y profesores de la escuela comenzaron a investigar la obra de Discépolo a mediados de Julio del año pasado en base a un concepto claro: “Nosotros creemos en el Arte como herramienta fundamental para alimentar, estimular y afianzar la memoria en un momento social donde los valores de las raíces han perdido el peso que tenían en generaciones anteriores.”

 

Los personajes de Discépolo muy a menudo se mueven en una nube depresiva, o bien rebotan exaltados en sus contradicciones grotescas, ya que de alguna manera emplean la máscara de su comicidad absurda para ocultar el dolor profundo que carcome sus  entrañas. Asimismo, se aferran a un tiempo avasallado por un “progreso” que los asfixia, en un orden social de miserias e injusticias carente de esperanzas.

La obra focaliza su mirada en el subsuelo de la cocina, en el turbio mundo de “los de abajo.“  Más allá del trabajo cotidiano con sus miserias, sucede que el gallego José, que sufre una enfermedad en los ojos, plantea junto a su mujer, Lola, un robo. Para hacerlo, hace falta desacreditar a uno de los sirvientes, Eustaqui, un recién llegado que ha ganado el cariño de los patrones, de arriba. (En realidad, es Eustaqui mismo que planea un robo para salvarse económicamente.) A través de múltiples conflictos, entra la confusión en el escenario y todos intentan buscar un culpable para salvar su propio pellejo. 

 

Discépolo en realidad describió “Babilonia” como “una hora entre criados.” De todos modos la obra pone en jaque tanto los de arriba--los  festejos superficiales de los enriquecidos--como los de abajo, que luchan entre sí a pesar de ser objetos de la explotación de los patrones. El clima es pesado y asfixiante, pues todos son víctimas y victimarios. Hay entre los laburantes italianos, una francesa, españoles, gallegos, un alemán, un ruso, todos envueltos en uno pintoresco enfrenamiento sin fin de razas, credos y la inevitable lucha por el poder: un cuadro bastante detallado de la época.

 

En el fresco que ofrece “Babilonia” uno entiende el gran esfuerzo que hacen los inmigrantes para progresar en la nueva sociedad, en medio de un cocoliche, situación habilmente aprovechado por los ricos para aumentar sus ingresos y su dominio mediante la sobreexplotación de los "criados" dominados. En el drama de cada uno de los “criados,” y en los convictos y amores que los envuelven, uno percibe claramente los conflictos sociales en la sociedad argentina del siglo XIX; sin embargo, muchos de los problemas planteados por Discépolo persisten hasta el día de hoy.

 

Discépolo relata la historia con el humor casi negro, pues piensa que: “Reír es la más asombrosa conquista del hombre, pero si reír es comprender que se reí sólo para aliviar el dolor.”

 

Cabe resaltar la precisión de la puesta y la energía generada por actores jóvenes muy expresivos, dinámicos y con un excelente entrenamiento físico. Pues más allá del argumento de la pieza, es agradable ver actores con oficio que entienden el teatro como un arte en movimiento continúo…

 

Próximas funciones:

 

Sábado 15 - 22.30hs (Sala EMAD. Sarmiento 2573) entrada a la gorra

Viernes 21 - 23hs (FELCO. Yatay 334) entrada a la gorra

Sábado 22 - 22.30 hs (EMAD. Sarmiento 2573. Función a confirmar) entrada a la gorra

Viernes 28 - 21hs (Sala Muiño, c.c. san martín 4to piso) entrada libre y gratuita

Sábado 29 - 21hs (Sala Muiño, c.c. san martín 4to piso) entrada libre

 

Otras funciones:

SABADO 19   - 22.30HS - SALA EMAD (SARMIENTO 2573) A LA GORRA
SABADO 26 - 22.30HS - SALA EMAD (SARMIENTO 2573) A LA GORRA

 

http://babilonia2009.galeon.com

 

 

Ficha técnico artística

 

Autor:                        Armando Discépolo

Actores:         Marisel Calvo, Julia Cavagna, Agostina Degasperi, Leonardo

                        Fernández, Juan Matías Garoberea, María Laura Martín, María Luz

                        Moyano, Aixa Pannunzio, Ary Pardal, María Victoria Prieto, Gabriel

                        Rivas, Nicolás Serraiti, Candela Souto Brey, Lucas Nahuel Spano,

                        Alejandro Tossi.

Vestuario:      Majo Gómez Amaya, Cintia Vallejo

Escenografía:            Laura Echegoyen

Música:          Daniel Gamal Hamed, Juan Manuel González Sardi, Facundo Mazzota

Operación de

Luces:             Laura Echegoyen

Fotografía:    Julio Giesso

Dirección:       Manuel Longueira

 

 

 

"Muñeca," inolvidable espectáculo de Armando Discépolo en el teatro Delborde de San Telmo

     Las paredes de ladrillo a la vista del teatro Delborde en San Telmo, el barrio colonial de Buenos Aires, parecen hablar, como si fueron testigos de los hechos narrados por Armando Discépulo en “Muñeca,” espectáculo estrenado el 20 de mayo 1924 en el Teatro Nacional de Buenos Aires.  Ahora, 86 años después, Anselmo, un hombre adinerado pero sometido al hastío y al auto castigo a razón de su supuesta fealdad, baja lentamente de las escaleras y se dobla sobre si mismo y sobre su destino irreducible.

     En la recreación punctual de Teresa Sarrail y Sandra Torlucci de esta obra—escrita dentro del estilo grotesco criollo de Discépulo--aparece una nueva mirada basada fundamentalmente en el preciso e impecable trabajo físico de los actores y en el uso creativo del espacio del teatro Delborde, instalado en uno de los predios más antiguos de la zona. Con admirable dominio del oficio, cada personaje luce claro y nítido.

 

Anselmo se ha enamorado inútilmente de Muñeca, una joven, hermosa y misteriosa  mujer que en realidad tiene relaciones con Enrique, el joven protegido de Anselmo. No lo sabe Anselmo pero Muñeca ha huido con Enrique. Mora, una presencia razonadora, hace volver a la muchacha con el fin de que pueda reiniciar sus relaciones con el desesperado hombre de fortuna. Pero, claro, lo que intenta Discépulo no es una mera obra sentimental, tampoco el típico sainete criollo, no es melodrama, tampoco tragedia, es un estilo grotesco basado en la semántica que desemboca en una acción furibunda.

 

Finalmente Enrique muestra la verdad a Anselmo, alcanzándole un revolver para que lo mate, pero interviene la duda, Anselmo cubre la cabeza de su oponente con besos…y se mata de un tiro certero. La obra transgrede. No permite una clasificación clara y contundente, va más allá del realismo de la época, del sentimentalismo, para plantear mediante el ridículo una visión de seres atrapados en un mundo que parece no ofrecer ninguna salida digna.

De todos modos el fino trabajo físico de los actores permite, gracias a la muy buena dirección de María Teresa Sarrail y Sandra Torlucci, la elaboración de un espectáculo a la vez fresco y transgrededor. 

El espectáculo cuenta con un importante elenco
entre los cuales están:
María Teresa Sarrail -Terna en mejor adaptación premio
“Teatro del Mundo” otorgado por Centro de Investigación
en
Historia y Teoría Teatral por “Terror y miserias del
Tercer
Reich” de Bertolt Brecht. Centro Cultural Ricardo Rojas.
UBA. Año 1999.
SANDRA TORLUCCI
-Pies y Estética poemas seleccionados en el concurso
organizado por la Editorial Pegasso. Rosario. Publicados
por la misma editora en 1987.
-Plaqueta (por la enseñanza y difusión del cine en el
ámbito de la Universidad) otorgada por Cinesofía (1ª
Semana
de Cine y Filosofía, Universidad Federal de Santa
Catarina,
Florianópolis, Brasil.) 1993.
-Beca de investigación en la Facultad de Ciencias
Sociales de la Universidad Nacional de Lomas de Zamora.
Concurso de la Secretaría de Investigación y Posgrado.
Tema: La constitución del significado en el texto-
espectáculo. (1993)
GABRIEL NICOLA
.Trabajo como actor protagónico en la premiada obra “LOS
DESORDENES DE LA CARNE” con el grupo Teatro Berreta de
Camara , dirección Alfredo Ramos ,en el Teatro del Abasto
desde marzo de 2009.
Uki Cappellari: Crimial (actríz) y Amarás esta Voz
(directora)
Eugenio Soto Ternado para el premio Teatro del Mundo por
su actuación en LOS DESORDENES DE LA CARNE Y MUÑECA en el
2009.-
Armando Lazarte protagonizo EGO que acaba de volver de
gira por Madrid, Gran Bretaña y Ámsterdam.
Antonio Bax: Actor de la multipremiada STEFANO (Guillermo
Cacace)

MUÑECA
De Armando Discépolo
Dirección: Teresa Sarrail – Sandra Torlucci
DELBORDE ESPACIO TEATRAL Chile 630 - San Telmo -Argentina
Funciones: Viernes a las 22:30 hs
Reservas: 4300-6201 - www.delborde.com.ar
Entrada Gral: $ 35 – (descuento estudiantes, docentes y
jubilados: $ 25)

Elenco: Eugenio Soto, Antonio Bax , Armando Lazarte ,
Gabriel Nicola , Celina González del Solar, Andrés Raiano,
Uki Cappellari , Yazmín Schmidt, Inés Echavarría /
Cecilia
Czornogas, Carlos González .

Diseño de iluminación: Eli Sirlin
Diseño de escenografía y vestuario: Cecilia Zuvialde
Asistente de vestuario: Rocío Di Nucci
Realización de
escenografía: Fernando Leiva
Música original y flauta: Fernando Lerman
Piano: Gustavo
Liamgot
Cello: Fernando
Dieguez
Bandoneón: Alejandro
Guerschberg
Percusión: Leandro
Savelón
Fotografía: Pablo
Stubrin
Diseño gráfico: Verónica Duh
Producción ejecutiva: Teresa Sarrail -
Liliana Demaio
Post-producción: Graciela
Rodriguez
Dramaturgista: Candelaria
Sabagh
Asistente de dirección: Luciana Brillantino

¿Qué hace Cyrano de Bergerac en la Manzana de las Luces de Buenos Aires?

Es el domingo, 18 horas, y estamos tomando café en el patio de la Manzana de las Luces, Perú 272. De repente aparece un señor raro, vestido como si fuera un vocero de Luis XIII de Francia. Pero no. Es un actor. ¡Momentito! ¿Dónde estamos? El señor habla el español de los porteños. Dice que algunos personajes transcienden sus autores y menciona Cyrano de Bergerac del francés Edmondo Rostand.No deja de hablar cuando entran otros personajes, corriendo, saltando. La cosa está complicándose, me parece. Hace frío. El vocero invita a los visitantes a subir unas escaleras. A lo mejor vamos a un lugar más cálido. Hm. ¡Qué paredes! Y dicen que abajo hay túneles de cinco metros de profundidad, digamos, si uno tiene que escapar rapidito.

 

Un perro nos ganó la entrada a la sala. Se ubica debajo de una silla y se pone a dormir. Es bonita la sala. Apenas tuvimos tiempo para acomodarnos en las butacas cuando estallan acciones por todos lados: ¡espadachines! ¿Es un espectáculo o estamos soñando? ¡Qué narigón ese espadachín! No es feo, pero ese nariz…¡qué asco! Es una lástima, pues es alto, elegante, es un soldado, canta, compone poesías románticas, es astrónomo.¡Es Cyrano de Bergerac! No hay nadie que puede con él pero con ese nariz tan enorme y fea…siente acomplejado,claro, y piensa que ninguna mujer podría jamás fijar sus ojos en él. Igual se cae terriblemente enamorado de su prima, Roxane. ¡Díos mío! ¡Qué mujer! ¡Qué manos, qué pelo, parece una flor humana!

 

¡El amor! ¿Cuántas vueltas tiene? Ahora y entonces. Roxana está enamorada de otro soldado, Cristián, un tipo guapo pero sin don de la palabra. Entonces, Cyrano pacta con Cristián para escribirle cartas de amor a Roxana, pues de esa forma piensa que al menos pueda expresar sus sentimientos a su amada. Como se puede imaginar la cosa va para cualquier lado. No hace falta explicar lo que pasó después. En todo caso la cosa vuele a repetirse cada domingo en la Manzana de las Luces y uno puede volar varios siglos atrás o acordar de cuando uno se enamoró inútilmente de alguna bella dama…

 

Lo que se destaca muy especialmente en esta puesta del director Claudio Chaffone es la destreza de los actores, el timing, la coreografía precisa, la acrobacia, la incorporación del público en la puesta y el humor e ironía fina con los cuales se presenta esta versión porteña de Cyrano, apto para chicos y grandes. Un hermoso un muy entretenido espectáculo.

 

"Quien se ha deslumbrado casi hasta la cegera con el sol ficticio de una escena, quien se ha consumido demasiado a sí mismo ante los demás, y podemos afirmar que vive sólo para ofrecerse a los demás sobre la implacable desnudez de un escenario, siempre guarda, celosamente escondida, su propia (¿verdadera?) identidad. Esta es la única manera de defenderse, de existir, en el juego constante de fuera y dentro, que el teatro exige." Lluis Pasqual

 

Funciones los domingos a las 16 y 18 horas.

Entradas $20 pesos

Más información: [e-mail]

 

 

 

 

 

 

"Nueve," un espectáculo de terror en La Tertulia de Buenos Aires

Ema agarra su panza encinta con sus manos y grita desaforadamente, abriendo sus fauces como si fueran la puerta de su alma aterrorizada. Es un grito desgarrador, orgánico, onírico y visceral. Algunos de los espectadores del espectáculo “Nueve” se estremecen en sus butacas. Adrián, el esposo de Ema, se desespera. No sabe qué hacer. El grito se repite varias veces, cada vez más angustiado.

 

El clima en la sala del teatro “La Tertulia” produce por momentos escalofríos genuinos. Algunos espectadores seguramente verán en “Nueve” alguna semejanza a “El Bebé de Rosearía,” de Polanski. Pero aquí la historia es un poco más oscura, navegando desde las aguas plácidas de la felicidad matrimonial hacia la turbulencia de zonas más tenebrosas, como en las películas de terror.

 

La pareja de recién casados, Ema y Adrián, se mudan felices a su nuevo departamento, en el piso nueve, investigan el espacio, planifican su vida doméstica, pero en algún punto algo comienza a fallar, pues el deseo de uno es distinto del otro…a los nueve meses Ema lamenta haber nacido, entra la histeria en escena. El miedo se apodera de todos y pronto la zona entre realidad y fantasía parece cada vez más borrosa. Además del terror que nace en la panza de Ema, aparecen sonidos inexplicables, que conducen a una zona de horror ciego.

 

La música no siempre logra su misión, pues en nuestra opinión el silencio es un arma más eficaz para un espectáculo de este tipo. Si bien la tensión va creciendo, atrapando en su confuso entorno al espectador, la primera escena parece delatar demasiado lo que vendrá después.

 

De todos modos el espectáculo atrapa y logra bien su misión de investigar la confusión humana ante una situación terrorífica. Los gritos de Ema son muy bien logrados, exigiendo una técnica vocal muy refinada.

 

“Nueve” los viernes a las 21 horas,

 La Tertulia, Gallo 826, Ciudad de Buenos Aires.

Reservas:      6327 0303

Dramaturga y dirección: Lisandro Colaberardino

Ema:                                   Rocío Rodríguez Presedo

Adrián:                               Juan Barberini

Mirna:                                Sandra Rennis

César César:                      Sebastián Duarte

 

DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Rocío Caliri

ESCENOGRAFÍA: Damián Benavoli / Paula Cortés

VESTUARIO: Robinson Oberti

SONIDO: Alex Del Río

MAQUILLAJE: Elizabeth Gora

ASISTENCIA: Rocío Caliri

MÚSICA ORIGINAL: Lucía Diz / Juan Perelló / Pablo López de Armentia

ARTE Y COLABORACIÓN ARTÍSTICA: Robinson Oberti

VIDEO: Laura Casabé / Mariano Tozzini

FOTOGRAFÍA: Lucrecia Oviedo

 

 

 

 

"Fría...como azulejo de cocina," un cálido espectáculo sobre el mundo femenino en el Baldio Teatro de Palomar, provincia de Buenos Aires

Es cierto. El mundo femenino desconcierta a los hombres, más cuando todo sucede el El Baldio Teatro de Palomar, provincia de Buenos Aires, un sábado a las 21 horas, después de tomar un tinto y una rica empanada de carne. "Fría...como azulejo de cocina" no es nada homogéneo ni etiquetable, pero a través de la visión de tres actrices y textos de gran ironía (Antonio Celico y Susana Torres Molino) el espectador es llevado a zonas de aprendizaje.

La diversidad de miradas, el humor ácido, y sobre todo la gran expresividad corporal de Laura Torres, Lucía Trimarco y Laura Martín hacen que el espectador pueda llegar a una interesante reflexión sobre los códigos sociales e íntimos femeninos (y masculinos), el amor, el sexo, el universo propio de las mujeres. Reflexión sí, pero también descubrimiento para los espectadores masculinos.

Los textos tienen mucha pimienta, por ejemplo: "¿Y por casa como andamos? Bien...¿y vos? Una orgia al más puro estilo braile. Las sombras de la muerte..." Pero más importante: la técnica corporal de las actrices constituye un lenguaje específico. Las mujeres gozan de escuchar y ver expresadas sus propias situaciones, en la cama, en la casa, en el trabajo, en la calle...y los hombres aprenden espiando al mundo femenino sin tener que hacerse cargo del lío afectivo escenificado por las actrices.  

"Fria... . COMO AZULEJO DE COCINA" fue estrenado en abril de 2001en El Baldio Teatro.

Actúan:                 Laura Torres, Laura Martín , Lucía Trimarco, Huilen Fente.

Textos:              Antonio Célico y Susana Torres Molina.            

Dramaturgia, Dirección y Puesta en Escena:             Antonio Célico

Funciones:             Sábados, 21 horas, El Baldio TEATRO, Palomar, Provincia de Buenos Aires.

Reservas e informes:     [e-mail]

Entrada a la gorra.

Este espectáculo ha participado en:

2007:
Temporada Sala El Baldío Teatro
II Festival del Cìrculo, Lima, Perú.
Temporada en sala Liberarte, Capital Federal
2005/06
Temporada Sala El Baldio Teatro Temporada Latinoamericana: Sala "Patio de comedias" . Quito, Ecuador.
2004
Temporada mayo – agosto en el TEATRO DEL VIEJO PALERMO.
2003
Encuentro de Teatro organizado por “El Séptimo” (Humahuaca , Jujuy , Argentina)
Temporada junio-noviembre TEATRO DEL VIEJO PALERMO, Capital Federal.
Teatro Municipal de Morón – Gregorio de Laferrere (Bs As. Argentina)

2002
Centre Culturel Espace du Volontaire de Remiremont (Francia)
Prieure D´Herival (Francia)
Funciones en gira por las ciudades de: Casale Monferrato (Italia) y Luxemburgo.
Teatro Municipal de Morón - Gregorio Laferrere (Bs.As., Argentina)
Festival ACTUO (Bs.As., Argentina)

2001
Temporada noviembre- diciembre : Teatro la Almohada (Capital Federal)
X Festival Internacional de Teatro de la Habana (Cuba)
Encuentro de Teatro organizado por “El Séptimo” (Humahuaca, Jujuy, Argentina)
Temporada abril- octubre Sala “El Baldio Teatro” (Bs.As., Argentina)

"ConViviencia," acrobacia, circo y teatro y gran vuelo en el Club del Trapecista

El cuerpo humano, con sus cincuenta billones de células y 650 músculos, es una extraordinaria máquina creativa, capaz de realizar los movimientos más asombrosos, bellos e absolutamente inigualables. Es lo que sucede en el espectáculo “ConViviencia,” de Juan Guiraud en el Club del Trapecista de Buenos Aires.

¿Qué habrá refleccionado Leonardo da Vinci sobre los movimientos de estos jóvenes que conviven en una misma casa y se expresan a través de la acrobacia, la danza, el malabarismo, el teatro y el arte circense? El artista estudió profundamente el cuerpo humano y llegó a la conclusión de que “el ombligo es el punto central natural del cuerpo humano,” un concepto ampliamente compartido por las artes marciales y la danza.

En el espectáculo de Guiraud el concepto de da Vinci parece ampliamente verificado. Es más, parece que los límites corporales vuelan, desaparecen con acciones que desafían la imaginación: cuerpos que se doblan como juguetes de goma, saltando, trepando telas y sogas y conformando un espectáculo de alto vuelo combinando una fina ironía con un elevado dramatismo. Por ejemplo: una escena de seducción narrada con acrobacia, técnica de contact y juegos de miradas…

 

Pablo Descoubes, Pablo Morizio, Clara Parada, Luciano Ranieri, Agustín Scallan Syemons, Andrea Schulse se formaron en el circo “La arena” y “Delaguarda.” En “ConViviencia” utilizan las vastas posibilidades expresivas del cuerpo para relatar situaciones cotidianas. Cabe destacar los efectos muy logrados de la música de David Martínez y una voz en off que agrega un elemento de misterio a las acciones.

 

Funciones:                             sábados 22 domingos 20.30 hs.

Lugar:                                   club de trapecistas “estrella del centenario” (Ferrari 252)

Precio:                                   $25 // $20 (estudiantes y jubilados)

Reservas:                               4857.3934

Web:                                      http://www.impulso.tk

Actúan:                                 Pablo Descoubes, Pablo Morizio, Clara Parada, Luciano

                                               Ranieri, Agustín Scallan Syemons, Andrea Schulte

Música original:                    David Martínez

Asistencia de dirección:       Andrea Schulte

Coreografía:                         Julieta Salz

Edición Video:                      Lihuen Desauto

Cámaras:                              Martín Pimentel

Fotos:                                                Diego Mares, Jesús Guiraud

Técnica:                                 Agustín Scallan Syemons, Pablo Descoubes

Prensa:                                  Blablabla – Difusión de espectáculos

Dirección:                              Juan Guiraud

 

 

 

"Las Moiras:" tres diosas llegan a un barrio porteño

     Los espectadores esperan el inicio de “Las Moiras” en un cuarto abandonado del teatro IFT de la Ciudad de Buenos Aires, tomando vino tinto y coca cola, mientras las diosas Cloto, Láquesis y Atropos arreglan sus vestidos y desenreden sus hilos. Un aire de expectativa se apodera de todos. De repente los concurrentes dejan sus bebidas y Cloto acelera su trabajo en el hilandero. Y las diosas reclaman, discuten, exhiben sus manías humanas, sus celos, la competencia, la intriga, el humor sarcástico y desesperanzado. ¿Cómo sería la vida de estas diosas en un barrio porteño? Es lo que plantea Fabián Politis, a cargo de la dramaturgia y la dirección del espectáculo. Es decir, una relectura del mito griego, transitando entre la vulgaridad cotidiano barrial, entre el hastío extremo y lo que queda de la grandeza de la mitología griega, entre los hilos que enreden incluso hoy a todos los hombres, y el deseo de desatar los nudos.

 

 

Escenografía y vestuario:    Lía Espiro

Dramaturgia y dirección:        Fabian Politis

Asistencia de dirección:       Pilar Fernández

Idea y producción general: Des Armadero Teatro

Teatro IFT:                           Boulogne Sur Mer 547/9

Reservas:                               4962 9420  /  4961 9562

Entradas:                                        $30.- y $20 Estudiantes y Jubilados

http://www.desarmaderoteatro.com.ar

[e-mail]

 

 

 

"El amante del amor," la pasión y el amor de Shakespeare en el Patio de Actores de Buenos Aires

“¡Qué obra maestra el hombre! ¡Qué noble en su razón! ¡Qué infinito en sus capacidades!” Estas dulces e irónicas frases no salen de la boca del trastornado príncipe de Dinamarca. Quien habla es la actriz, cantante y bailarín Victoria Almeida ¿El espectáculo? “El amante del amor, sonetos de William Shakespeare” en un espectáculo de gran vuelo poético que ha puesto la directora Helena Tritek en el Patio de los Actores, en Buenos Aires.

Se sabe que en la poesía y en el teatro de Shakespeare hay para todos los gustos: amor, odio, celos, engaño, traición... El problema consiste en darles vuelo a los textos traducidos al español; poner las hermosas e irritantes palabras del bardo en las cuerdas vocales, en los pies y manos, en los huesos y músculos y en el alma de los actores Almeida, Stella Brandolín, Mariano Gladic, Roberto Romano y Alejandro Viola.

Es lo que propone Tritek. Los textos provienen de gran número de obras de Shakespeare. No hay un argumento lineal. Quien haya trabajado con los versos y obras teatrales shakespeareanos sabe que brotan de ellas una especie de magia, que las palabras mismas inducen el actor a la acción y a la imagen dramática. Lo ha dicho Hamlet cuando instruye a los actores: “…ajusten la acción a la palabra y la palabra a la acción, porque la finalidad de un hecho teatral es presentar un espejo ante el mundo, desnudando tanto los vicios como las virtudes…” Las técnicas de actuación se subordinan a este mundo onírico de las palabras.

Si bien el espectáculo tiene un gran vuelo onírico, con baile, canto, máscaras y una muy ágil puesta y, además, con un muy buen nivel de actuación, cabe destacar especialmente el trabajo de Victoria Almeida. Emplea su cuerpo como creativo instrumento expresivo, su voz cantada logra gran densidad y la emoción poética que logra termina contagiando al público.

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“El amante del amor, sonetos de William Shakespeare”

Elenco: Victoria Almeida, Stella Brandolín, Mariano Gladic, Roberto Romano, Alejandro Viola.

Dirección:    Helena Tritek

Funciones:   Viernes 21 horas

Reservas:    4772 9732

"Damiens, el cuerpo de los condenados," audaz unipersonal en la Manzana de las Luces de Buenos Aires

   Se ha dicho hasta el cansancio que el cuerpo es el instrumento del actor. Es así ya que el espectador piensa que todas los gestos, todas las acciones, todas las palabras y en fin todo lo que sucede en el escenario tiene significación. En cambio, que un espectáculo tenga su arranque con un monólogo sobre las funciones de las diferentes partes del cuerpo es un poco insólito.

Es lo que sucede con “Damiens, el cuerpo de los condenados” espectáculo escrito y actuado por Cristián Palacios con la dirección y puesta en escena de Paula Brusca de Giorgio. Se sabe que el arte teatral utiliza variados lenguajes, que “el relato” se enlaza con los demás lenguajes escénicos, que la atención del espectador varia su enfoque continuamente, de acuerdo a la propuesta; en Damiens el espectáculo está en el cuerpo y la voz de Cristián; el escenario está casi vacio; lo que se invoca es la imagen y ella reside en el actor.

 

   Cristián mirá hacía el fondo del tiempo mientras los espectadores terminan acomodándose en sus butacas en la sala Siripo de la Manzana de las Luces los domingos a las 20 horas. De a poco se nota una leve agitación en la respiración, luego los dedos de su mano derecha comienzan un exótico baile y se escucha una explicación detallada sobre las funciones del cuerpo.

 

   El actor habla sobre su personaje, lo coloca en su cuerpo, entra y sale de él, reproduce y comenta su tortura y su muerte y dice a los espectadores: “Mi personaje es un sueño, no tiene cuerpo…es como un mensaje cuya ejecución ha concluído…”

 

    En realidad, esta novedosa e interesante propuesta teatral tiene que ver con la vida de Robert-François Damiens, frustrado asesino de Luis XV y su brutal ejecución pública en el París anterior a la Revolución Francesa. Cristián buscó el material para su espectáculo en “Vigilar y Castigar,“ de Michel Foucault, una obra que plantea si es posible dar cuenta de la totalidad de la vida de un hombre, entender sus puntos de vista, sus deseos, sus sueños, cómo es posible hablar de la muerte, la tortura y el encuentro frente al poder de todos los sueños humanos.

 

   El planteo entonces es universal, abarcando desde el secuestro de niños por el régimen de Luis XV hasta la desaparición de niños durante la dictadura militar en Argentina en 1976, el sufrimiento humano no termina nunca y va del sufrimiento de un solo hombre a de todos los hombres, del drama individual de Damiens al drama de la injusticia social que ha acompañado al hombre durante toda su historia. Es decir, no es posible comprender ni la historia humana, ni la historia de un solo hombre…¡cuán importante es intentar hacerlo!

 

 

DAMIENS

EL CUERPO DE LOS CONDENADOS

 

 

 

Manzana de las luces: Perú 272 1er piso – Sala Siripo

Funciones: domingos a las 20 horas

Localidades $25 – Estudiantes y jubilados $15

Informes: 4342-9930 int. 112 / 107

 

AUTOR: CRISTIAN PALACIOS

INTERPRETACIÓN: CRISTIAN PALACIOS

 

 

DAMIENS ha participado de la Fiesta Nacional del Teatro 2007.

 

ILUMINACIÓN: RICARDO ANDRADE JARDÍ

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Andrea Feiguin

PRDUCCION GENERAL: Compañía Nacional de Fósforos

DIRECCIÓN Y PUESTA EN ESCENA: PAULA BRUSCA DE GIORGIO

 

 

ESTA OBRA FUE PRESENTADA EN:

 

IIIº FESTIVAL INDEPENDIENTE DE TEATRO INTIMO- Encuentro Internacional, El Teatrito A.C., Mérida, Yucatán, México, Marzo de 2005

ANÓNIMO Y TEATROFILIA, Cholula, Puebla, México. Abril de 2005

SALA EL GALPÓN DE LAS ARTES, Mar del Plata, Buenos Aires, Argentina

Mayo de 2005, Agosto de 2005

SALA TEATRAL LA GLORIOSA, Tucumán, Argentina

Agosto de 2005, Marzo de 2006

CIE EL TEATRITO A.C. Mérida, Yucatán, México,

Diciembre de 2005

ENCUENTRO De las Sombras a la Luz, Premio Estímulo 2006 a las Artes Escénicas, CEC – Rosario, Argentina, Marzo de 2006

II FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO DE PAYSANDÚ, Paysandú, Uruguay, Julio de 2006.

SALA EL BALDÍO TEATRO, Ciudad del Palomar, Buenos Aires, Argentina

Agosto de 2006

ENCUENTRO ZONAL DE TEATRO, Moreno, Provincia de Buenos Aires, Argentina, Setiembre de 2006

FIESTA PROVINCIAL DEL TEATRO, Mar del Plata, Buenos Aires, Argentina

Diciembre de 2006

XXII° FIESTA NACIONAL DEL TEATRO. La Rioja, Argentina.

Abril de 2007

SALA EL SÉPTIMO FUEGO, Mar del Plata, Buenos Aires, Argentina

Temporada 2007

SALA TEATRAL EL BUZON, México D.F., México

Marzo de 2007

SALA TARAMBANA, Madrid, España. Junio de 2007.

FESTIVAL DE TEATRO DE INVESTIGACIÓN. Teatro de la Sensación, Ciudad Real, España. Mayo de 2007.

Ciclo Teatro por la justicia 2009 – Centro Cultural Tadrón – Capital Federal

 

PREMIOS Y MENCIONES:

 

ESPECTÁCULO SELECCIONADO PARA LA FIESTA NACIONAL DEL TEATRO

La Rioja, Argentina, Abril de 2007

Primera Mención Fiesta Provincial del Teatro,

Mar del Plata, diciembre de 2006

Espectáculo Seleccionado – Encuentro Zonal de Teatro, Moreno,

Setiembre de 2006

Premio Estímulo 2006, Encuentro de las Sombras a la Luz,

Marzo 2006

 

“Damiens” cuenta con el Auspicio de la Comedia de la Provincia de Buenos Aires.

La Compañía Nacional de Fósforos cuenta con el Apoyo

del Instituto Nacional del Teatro.

 

 

"Baby," de Susan Sontag se ha estrenado en el Espacio Teatral Elkafa de Buenos Aires

Tres parejas sentadas frente al público hablan entre sí en voz baja mientras los espectadores se acomodan en las butacas. De repente una madre comienza a exponer los problemas que tiene con “el nene.” Acaba de comenzar el espectáculo “Baby,” de la escritora norteamericana Susan Sontag, habilmente dirigido en esta puesta en el Espacio Teatral Elkafa de Buenos Aires por Lorena Ballestrero.

Durante más de una hora las madres y los padres exponen ante el “doctor,” un personaje invisible ubicado encima de las cabezas de los espectadores, el sin número de conflictos que los padres tienen con su hijo. Lo novedoso de la obra, y de la puesta, es la inmovilidad de los actores. Desde el principio al fin del espectáculo permanacen sentados en sus sillas frente al público. La única acción escénica sucede cuando se acercan sus sillas a los espectadores. Los padres se enojan con el  nene, lo llenan de elogios, ensayan alguna que otra autocrítica, mientras el argumento va en crescendo e incluso se dan el lujo  de enfadarse con el psicólogo.

Cada madre y cada padre es un mundo aparte pero los problemas que tienen con “el nene” son universales. Por eso la obra de la escritora y directora norteamericana es bien recibido por los espectadores argentinos, pues reconocen en cada situación algo que se enlaza con su propia situación familiar. Es un logro poder mantener el interés dramático durante más de una hora en esta especie de terapía familiar ante el psicólogo invisible.

 

 

 

Elenco: María Inés Howlin, Silvina Katz, Leonardo Murúa, Leonardo Odierna, Eduardo Pavelic, Elida Schinocca

 

Diseño de Escenografía y Gráfica: Laura Rovito

Diseño de Iluminación: Ricardo Sica

Musicalización y Producción: Luis Cano

Asesoramiento en vestuario: Gabriela A. Fernández

Maquillaje y Asistencia de dirección: Carolina Ramos

 

El texto de Susan Sontag (publicado en 1974 en la revista Playboy) propone un relato en el que la voz es plural y nos revela carencias que resultan muy familiares

 

Funciones: Viernes 21 horas

Espacio Teatral Elkafka  Lambaré 866

Reservas:   4862 5439

Localidades $40 la general y $30 estudiantes, jubilados y docentes

 

 

 

 

 

 

 

"Postal de Vuelo," espectáculo de oscuridades en el Teatro de la Fábula

Al entrar en la sala del Teatro de la Fábula para ver la última creación de Víctor Winer, el espectador se enfrenta con una sensación de abandono y agobio. Rodríguez, un hombre desgarbado, más muerto que vivo, se levanta entre las pilas de valijas en el lugar menos romántico y más abandonado del aeropuerto mientras se escucha algún avión despegar buscando un destino desconocido. Es un mundo oscuro, apenas iluminado por algún réspice entre los cuatro personajes que juegan el póker allí los viernes.Ganadora del premio Casa de las Américas 2005, la pieza pinta un mundo devastado, asfixiado, ausente de valores, seres tan abandonados como el entorno de cajas y valijas y elementos en desuso, un mundo de oscuridades apenas iluminado por preguntas sin repuestas.

Eduardo, un dandy melancólico de gestos amplios, vestido con suma cuidado, parece ser el contrario de Rodríguez; Delia, una mujer obsesionada con su sexualidad, el Jugador profesional que intenta sin éxito darle un sentido de seriedad a la partida…cada uno marginado, expulsado de su ámbito cotidiano, unidos apenas y paradójicamente en el amor por el poker. Es que el juego en un lugar abandonado sirve como pretexto para olvidar el caos y la desesperación que retumba en el interior de cada personaje.

 ¿Qué mejor lugar que un “no lugar,” de desteñidas cintas plásticas, carritos portaequipajes, cajas, valijas y una cinta transportadora agónica, para estos sobrevivientes de un mundo terminal? El juego es el único eslabón entre los personajes pero funciona a medias. Rodríguez muere sobre la mesa, con el poker en las manos. Su muerte es apenas un hecho más, no produce ninguna emoción. Todos pierden. Delía no logra su orgasmo, ni con los hombres ni con el juego.

Si bien hay momentos muy logrados en la puesta de Rubén Santagada, hay algo que falta, un hilo invisible que tapa la visión del espectador, algo que no le permite celebrar mucho cuando se retiran los personajes.

 

Autor:                                    Víctor Winer

Dirección:                              Rubén Santagada

Elenco:                                  Alejandra Brol, Alejandro Rivarola, Santiago Ojea y

                                                Jorge Capussotti

Funciones:                             Viernes y sábados a las 21:30 horas

Localidades:                          $30

Teatro de la Fábula:             Agüero 444

Reservas:                               4862 6439

Web:                                      www.teatrodelafabula.blogspot.com.ar

                                               http://postaldevuelo.blogspot.com

 

 

 

 

 

Estreno del espectáculo "Vivo" de Marcelo Savignone en Ciudad Cultural Konex

Sábado 20:25 horas, Ciudad Cultural Konex en Buenos Aires. Gran cantidad de novios, madres, padres, hijos pequeños, abuelos y periodistas en el patio, esperando subir las escaleras anaranjadas y acomodarse en las butacas. Marcelo Savignone, actor, director e improvisador, está parado a un costado del escenario, tocando un instrumento similar a un órgano. A veces avanza hacia el medio del escenario para respirar profundamente y contemplar las 25 máscaras, sus ayudantes de escena, que cuelgan placidamente sobre una especie de bambalina. De repente, la oscuridad. Acaba de comenzar "Vivo."

Para explicar lo que sucede después habría que repararse en las palabras de Marcelo: "Comencé el año pasado a generar este espectáculo; yo vengo trabajando en la improvisación desde 1994 y siempre me interesó mi evolución como actor en profundidad, y eso me llevó en un momento a viajar a Indonesia a buscar máscaras."

Sobre su capacidad de improvisar y traer a la vida los más diversos personajes, no cabe duda. Se acerca al público, involucra a los espectadores en el espectáculo, pidiendo un lugar para empezar a improvisar. Un aeropuerto, dice alguien. Bien. Luego improvisa historias de personajes en un aeropuerto, basadas en las máscaras que escoge.

--A mí me parece fantástica la improvisación de Marcelo, es muy expresivo y entrenado en sus gestos, pero la verdad es que me perdí muchas situaciones--dice una señora.

Es que el espectador tiene que ser muy atento, pues algunos los personajes que inventa Marcelo hablan con llamativa rapidez y en un parpadeo puede aparecer otro, igualmente veloz o agitado, y el intercambio entre ambos puede representar un desafío al oído....una provocación sensorial...

Los chicos especialmente y también los mayores no dejan de reir cuando el actor cambia de máscara, pone otra voz, altera la tensión en el cuerpo, se queda inmóvil o habla como si las palabras fueron rebotadas desde una máquina aceleradora, totalmente comprometido con el conflicto que ha promovido. Y cuando termina la función, punctualmente a los 55 minutos los más de 100 espectadores no dejan de aplaudir.

Marcelo dice que las máscaras fueron hechas especialmente para la obra: "...son realistas, el público reconocerá a esos personajes, a diferencia de lo que sucede en la comedia dell’arte, donde todo es más grotesco." En rigor, son muy bellas máscaras. Si el público reconoce los personajes representados por cada máscara, no es tan evidente. De todos modos está claro que el público aprecia la entrega, la precisión y la capacidad del  artista de componer sobre la marcha personajes bien diferenciados y moldeados con gran cuidado.

Dónde: Ciudad Cultural Konex. Sarmiento 3131.
Cuándo: Sábado 10 de abril a las 20.30.
Entrada: $ 40 y $ 30.

Contactos: (5411) 4864 3200  http://ciudadculturalkonex.org

VIVO
Concepción, dirección e interpretación: Marcelo Savignone
Asistente de dirección:                              Luciano Cohen, Federico Costa, Ivan Selaive.
Entrenamiento en máscara:                      Deby Low
Entrenamiento físico:                                Juan Martin Fernandez
Diseño de Iluminación:                            Ignacio Riveros
Diseño de escenografía:                           Lina Boselli
Realización:                                               Federico Villarino
Música:                                                      Andy Menutti
Asesoramiento en vestuario:                 Mercedes Colombo
Asesoramiento en máscara:                   Alfredo Iriarte
Fotografía:                                                Vivian Galban
Diseño gráfico:                                         Edgardo Carosia
Producción:                                              Belisario Club de Cultura

MARCELO SAVIGNONE
Desempeña su rol de docente desde 1998 dictando seminarios y workshops en España, Perú, Colombia y Chile. Se ha formado con maestros como R. Bartis, P. Audivert, C. Moreira, R. Sokolowicz, G. Angelelli, G. Chame, A. Catalán, D. Casablanca y S. Rivero. También asistió a workshops dictados en Francia, Italia y España En el año 1996 funda la Compañía Sucesos Argentinos. En el 2001 toma la dirección artística del Teatro Belisario, convirtiéndolo en un espacio poli funcional que adquiere una línea de opinión y desarrollo singular. Desde 2001 hasta hoy estreno las siguientes obras: “La Esperata”, “Mojiganga”, “El Comeclavos”, “En Sincro”, “Felis”, “El vuelo”, entre otras. En el 2002 viaja a Indonesia en busca de máscaras balinesas para perfeccionar y profundizar el trabajo interpretativo en la obra “Mojiganga”. Tomas Prakitt (ex director de la escuela de Lecoq) lo invita en el 2004 a Londres para especializarse en Melodrama, Grotesco y Pedagogía teatral, mediante una beca de estudio apoyada por Cancillería. Ese mismo año el LISPA (London Internacional School of Performing Arts) apoya la nueva creación:“Brazos quiebran”.
Durante el 2005 trabajo en la dirección de actores y puesta en escena del “Darkroom” (MALBA) performance de Roberto Jacoby. Realizó el entrenamiento actoral de la obra “Sanos y Salvos” de Gerardo Hochman y el entrenamiento en Commedia dell`Arte para la obra “Arlequino servidor de dos patrones” presentada en el complejo Teatral de Buenos Aires, donde también interpretó al célebre Pantaleón.
En el 2007 crea “Suerte” unipersonal basado en el suicidio.
En el 2008 participa de ¨La vuelta al Mundo¨, bajo la dirección de Gerardo Hochman. En esta oportunidad interpreta la Passpartout. Por el cual fue nominado a mejor actor de reparto en los premios Florencio Sanchez
En el 2009 comenzó con el desarrollo de "Vivo" (unipersonal de improvisación con máscaras Balinesas) participando en Festivales Internacionales (Chile y Perú). En el mismo año participa de la obra "La Cocina" realizada en el Teatro Regio.
En televisión, ha participado como co-protagonista en la seria “DROMO”, fue invitado a participar de “Botineras” y participa de la miniserie “Tierra Rebelde” para la RAI, producida por “Rostock”. Este año se presenta la segunda temporada de Horizontes Lengua en el canal Encuentro donde oficia de conductor. También participó de "Son de Fierrro - Sos mi vida - ½ Falta. Polka - Algo habrán hecho. 4 Cabezas"
En el 2010 estrena “Hamlet” en el C.C.Cooperación, donde realiza la dirección de los cómicos e interpreta a Laertes bajo la dirección de Manuel Ledvabni. También en este año es invitado al festival de Wuerzburg, Alemania.

 

"Vivarium" espectáculo atrapante de Luís Di Carlo se estrenó en el Teatro del Abasto de Buenos Aires

De repente la sala del Teatro del Abasto estalla en ruidos y gritos. Entran en una habitación de una vivienda precaria una mujer sangrando en un brazo, otra mujer desfallecente por el cansancio y su avanzado embarazo y un hombre, todos exaltados, excapando de algún horror impreciso, de asesinos, de gente malvada, de represores, de una extraña plaga, un virus. Ha comenzado "Vivarium" de Luís Di Carlo en  un clima de confusión, caos, paranoía, miedo al otro. Es un lenguaje teatral a la vez atrapante y refrescante. Cada uno vive su situación de desconsuelo y terror, y escapula en su mundo interior denso, en desconcierto con los demás.

Los textos empujan los pensamientos y las emociones hacia la zona de los límites. Los gestos y movimientos escénicas, las miradas, el entorno de pobreza y encerronade que propone la puesta y el patetismo del planteo teatral apuntan a enfatizar a diferentes lenguajes escénicos. La pieza exige gran entrega actoral y permite al espectádor entrar en un mundo catastrófico no tan desligado de la actualidad. Lástima que a veces las voces bajan hasta niveles apenas audibles.

Funciones:

Jueves 21 horas

Teatro del Abasto
Humahuaca 3549
Entrada: $35
Desc. a jubilados 50% y estudiantes 30%
www.teatrodelabasto.com
Reservas: 4865-0014

Ficha técnica

Actores:                                    Paola Peimer -Jenny Van Lerberghe -Héctor Leza
Sonido:                                      Costo
Vestuario:                                  Dize-Marnezti
Escenografía:                             calles C.A.B.A./ Dize-Marnezti
Fotos:                                        Valeria Borsotti
Asistente Dirección:                    Mauri Heredia
Prensa:                                      Castillo Arango
Dirección y dramaturgia:              Luis Di Carlo

Agradecimiento especialísimos: Diego Carrió (melodía plena), Carlos Altube (mirada total), Griscelda García.

*Esta obra cuenta con subsidio de PROTEATRO *

"Manga de Ladrones" sube al Teatro del Artefacto de Buenos Aires

Híper-realismo? ¿Comedía negra? ¿Divertimiento voraz para jóvenes? ¿Un comentario sobre la falta de valores en el mundo actual? ¿Teatro cruel? Es muy difícil poner una etiqueta al espectáculo “Manga de Ladrones, del primero al último,” que sube al escenario del teatro del Artefacto en Buenos Aires los viernes a las 23 horas. Sin embargo, la historia de los primos Leiva, seis herederos de una dinastía de estafadores y ladrones, vueltos a unirse para dar un gran golpe, ciertamente funciona como imán para el público joven--que aplaude el espectáculo a gritos.

 

A lo largo de una hora y diez minutos los Leiva lanzan toda clase de sarcasmos e ironías, unos contra otros, mientras planifican robar dos millonarios cuadros a un cotizado empresario al que enamoró Lara Leiva, la que ejerce momentáneamente la jefatura del clan. La meta los conduce a emociones extremas, traiciones, celos, abuso sexual, violencia ciega, todo lo peor del ser humano, absolutamente sin ideología, sin amor, sin ninguna perspectiva positiva…con la muerte colectiva como solución final.

 

¿Cuál era la idea que inspiró el guión de Rodrigo Lussich, basado en la historia de Ana Federik? Difícil saberlo. Pero si la intención del espectáculo es simplemente hacer humor negro, entretener mediante muy buenas actuaciones, trabajo orgánico con los textos, llamativas acciones físicas, con muy buen ritmo escénico, logró con creces su propósito. Y con un final de película, casi al estilo Shakesperiano.

 

Elenco:

 

Autora:                Ana Federik

Dramaturgia:      Rodrigo Lussich

Actores:               Andrea Bobera, Victoria Boveri, Ana Federik, Leandro Martinez, Claudia Santos, Federico Saslavsky.

Dirección:                        Ana Federick

 

Funciones:

Viernes a las 23 horas

Teatro del Artefacto, Sarandí 760, Ciudad de Buenos Aires.

Reservas:    4308-3353

Web:           http://www.teatrodelartefacto.com.ar

Entrada:       $25 pesos.

 

Estreno de "Jugar con Fuego" de A. Strindberg en Querida Elena sencillas artes

Galo Ontivero, el hijo, fuma lánguidamente y contempla su vaso de whisky en el patio, mientras los invitados más jóvenes se colocan sobre almohadas en las escaleras y los mayores se acomodan en sillas. Un gato negro, sensual y mimoso pasea entre las piernas. Son las 18 horas en “Querida Elena sencillas artes,” la Boca Dulce, Buenos Aires, Argentina. August Strindberg, el dramaturgo sueco y autor del espectáculo no está pero lo podemos imaginar recostado sobre la pared del patio,observando con placer el estreno de “Jugar con Fuego” ajustadamente dirigida por Mónica Benavidez. La meditación densa del hombre se interrumpe con la aparición de Natalia Fernández Acquier, la mujer, los dos vestidos en blanco pero oscurecidos por el tormento de un torbellino de emociones que perturban zonas ocultas de sus almas. Vale una frase para situar el eje de este juego dramático: “Acá la gente come, duerme y espera la hora de su muerte…Ningún objetivo en la vida, ninguna ambición, ninguna pasión.”

 

Y sin embargo, de pasión se trata. Y de celos. De turbulencias apenas contenidas, luchas encarnadas alrededor de los deseos, el deseo de amar y ser amado con pasión, la intimidación del otro y el miedo a la traición, el engaño…En el mundo de Strindberg los seres pocas veces se muestran contentos, más bien se unen en el afán de encontrar en la pasión una salida a una vida pálida y sin objetivo a la vista.

 

Siempre aparece en el horizonte un agente perturbador. El amigo, Federico Schneider, divorciado pero cultivando un amor suprimido por la mujer de su amigo, la prima, Tatiana Santana, tierna insinuación fatal, en compañía del padre, Luís Alberto Rego…Más que el argumento, lo que importa en esta versión de Mónica Benavidez es el clima, los burbujos pasionales que explotan y vuelven a formarse, como las nubes, como las tempestades.

 

Hay una zona en Strindberg que deja de lado el realismo de su época para adentrarse en una estética que habita la frontera con otra región dominada por la pasión y el frío análisis de mar subterráneo en el cual los seres humanos luchan para encontrar sentido a su existencia. La directora ha sabido captar meticulosamente este mundo del dramaturgo sueco, colocando la puesta en un patio interior de una hermosa casa antigua.

 

 

Hay pocos lugares como Querida Elena tan aptos para representar a las obras de Strindberg; pocos lugares dedicados a explorar la actuación en franca confrontación con el público, sin luces, sin efectos escénicos, con el sudor del actor viviendo su personaje a dos metros de los espectadores.

 

Elenco:

Galo Ontivero, El Hijo; Natalia Fernández Acquier, La Madre; Federico Schneider, El Amigo; Tatiana Santana, la Prima; Marta Cosentino, La Madre; Luis Alberto Rego, El Padre.

 

Vestuario                               Nora Cervantes

Escenografía                          Eduardo Spindola

Música Original                     Mauricio Motille / Gerard Clément

Colaboración Musical            Romina Benavidez

Asesoramiento                        María Mensi

Producción General   Grupo Mirando al sur

 

Funciones Sábados y domingos a las 18 horas, Querida Elena sencillas artes, Pi y Margall 1124, La Boca Dulce.

Reservas   4361 5040

Web: http://www.jugarconfuegodestrindberg.blogspot.com

Estreno de "El Soplón de Díos" de Freddy Virgolini: "la muerte no existe. La muerte es un prejuicio de la vida."

Un actor es un creador. Vive entre muertos vivos. Resurge continuamente de las cenizas. Pone su cuerpo en mil batallas. Cambia su nombre, su forma de caminar, su voz, ama, odia, grita, susurra poesías, reinventa su alma cada vez que pisa un escenario, cada vez que entra en contacto con una propuesta escénica. Su imaginación vuela sin necesidad de reconocer ni tiempo, ni lugar, ni lógica, ni religión, ni estructuras económicas, políticas, sociales…Freddy Virgolini, discípulo del maestro de actores Agustín Alezzo en Buenos Aires, Argentina, seguramente contempló estas características del oficio del actor cuando escribió y ensayó “El Soplón de Díos,” estrenado anoche en el teatro Piccolino del barrio Palermo de Buenos Aires.

 

En el unipersonal los fantasmas culturales de occidentes están presentes en el aire, en el público, en las máscaras y en prendas y objetos del actor. Vestido de blanco y negro, jugando con una máscara blanca y un sopapo, se presenta como Lucifer, pero un Lucifer que cuestion su tarea de hacer el Mal entre los seres humanos.  

 

Allí sobre las cabezas del público señala los muertos-vivos de occidente, Napoleón, actores de Hollywood, el Che, Hitler, Shakespeare...un Hamlet que recobra vida como un espéctro; la guerra, la destrucción del medio ambiente y otras tragedias humanas como telón de fondo. Es cierto. Hamlet duda. ¿Cómo actuar ante la sospecha de un mal (el asesinato de su padre)? El Soplón duda también. Ataca sus contrincantes imaginados como si fueron los molinos de Cervantes.

Dice Virgolini: "Los textos son partes ’destrozadas’ de obras de poetas dramáticos inmortales, que, unids, congenian la acción dramática de esta obra. Mientras escribía la obra, el personaje de El Soplón me enseñó que, todo aquello que rechazo fuera de mí, son mis propios diablos. Un contenido dramático, que me despertó muchas preguntas, a las cuales sólo pude responder planteándolas con mi cuerpo en términos prácticos de ’forma esénica.’"

 

“La muerte no existe,” dice el personaje. “La muerte es un prejuicio de la vida.” De todos modos opina el Soplón, “La vida no es más que un soplo.” Después: “Soy el poder. ¿Qué importa cómo he llegado?”

 

Ante el silencio de la Conciencia, debate los temas del bien y del mal que obsesiona a la cultura occidental y se acerca a una especie de catarsis teatral, replanteando el rol del Mal que habita sus propias entrañas, cuestiona la posibilidad de evolución, la posibilidad en encontrar un camino digno para la humanidad, insinúa la posibilidad de conectarse con el mundo femenino…

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Asistente general:      Luís Nicolás Acosta

Asistencia Técnica:   Victoria Rodríguez Cuberes- María Jimena Martín

Puesta de luces:         Pablo Marchini

 

Interprete: Freddy Virgolini: Discípulo del maestro de actores Agustín Alezzo en Buenos Aires, Argentina.                  

Ha fundado y dirigido el centro de formación, investigación y producción de teatro EA! Escena Abierta, del año 1991 al año 2001 en la ciudad de Mar del Plata, Buenos Aires. Desde el año 2002  reside en España y actualmente conforma el elenco de la compañía Suiza de Teatro delle Radici, con la cual realiza giras internacionales.

 

Funciones jueves a las 21:30

Teatro El Piccolino

Fitz Roy 2056 (entre Soler y Nicaragua)

Localidades $ 35 - Reservas 4779 - 0353

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"Caprio y Cia," un re-estreno en el Teatro del Pasillo de Buenos Aires

   Carlos Vanadía y Beatriz Dos Santos, un escenario de pequeño formato, un guión ágil, lleno de gran ironía, de verdad y de poesía:   "Caprio y Cia," de Jorge Ricci, con la astuta dirección de Susana Di Gerónimo, acaba de subir re-estrenado en el Teatro del Pasillo de Buenos Aires.  ¿Cuántas cosas pueden suceder en un salón de baile cuando la viveza del hombre encuentra una mujer dispuesta a dar batalla? El resultado es una propuesta artística que provoca mientras entretiene.

El guión es un regalo para actores de oficio, pues está impregnado de muy ricas imagenes, vuelos poéticos cargados de ironía y al  mismo tiempo parece hablar de situaciones que todo espectador puede reconocer...y sin embargo permite llegar a diversas conclusiones sobre la cultura actual, las relaciones entre hombres y mujeres, incluso explora algunos de los aspectos negativos de la sociedad de consumo.

La dirección de Susana Di Gerónimo ha sabido partir del amplio almacen expresivo de Beatriz Dos Santos y Carlos Vanadía--los dos muy bien elegidos. Con precisión y aplomo transitan el escenario y establacen fuertes lazos con el público. (Habría que ver si un público no latinoaméricano reaccionaría del mismo modo). Indudablemente, la directora sabe desde donde sacar lo mejor de sus interpretes y del guión de Ricci.
 
 
Escenografia y vestuario: Nora Churquina
Gráfica: Ivana Molinari
Diseño de luces y operación: Oscar Canterucci
Producción ejecutiva: Claudio Santibañez
 
Funciones: sábados 21 hs.
Teatro del Pasillo - Colombres 35 (Almagro)
Localidades: $20 -

Reservas: 4981-5167
www.delpasilloteatro.com.ar