Entrevistas (Interviews)

Jorge Acebo: "Tenía ganas de escribir un texto que me desafiara..."

"La vida es un sueño," de Calderón de la Barca es un texto dramático con muchos matices que apasiona al dramaturgo argentino Jorge Acebo, mucho más cuando se trata de una adaptación hecha por un argentino por un público español. Jaquematepress se acercó a Acebo para hablar sobre la escritura de la obra y su puesta en españa en el marco de Iberescena 2012.

--- ¿Cómo fue el proceso de escritura y adaptación de la obra "El tiempo es después"?

--Fue muy disfrutable. Tenía ganas de escribir un texto que me desafiara. Como a muchos teatristas, "La vida es sueño", de Calderón, es un texto que me apasiona. Tenía ganas de tomarlo. De hacerlo propio. De descontextualizar el mito de Segismundo y traerlo a una historia contemporánea y bonaerense. Una versión libre que planteara por qué hoy, un hombre y su familia, podrían criar a un hijo en cautiverio, encerrado en un sótano toda su vida. Una historia cruel, pero que puede ser verdad. Para esto, primero, tomé el texto original. Hice las relecturas correspondientes y me fasciné con estudios preliminares de la obra. Al mismo tiempo, también estuve asesorándome en los últimos casos de cautiverio esclarecidos (especialmente en los últimos casos europeos). Tenía mucho interés de ver qué pasaba en la psicología de las víctimas y los victimarios. Al mismo tiempo aparecían imágenes, sensaciones... Infinitas sensaciones que me pasaban en el cuerpo y tenía que buscar "la forma teatral" que me permitiera llevarla a escena. Así se fue gestando este texto tan intenso que me atrapó desde el primer momento de investigación. 

 ¿Cómo se organiza el trabajo sobre la obra en España y en Argentina?

Nos vamos organizando gracias a los nuevos avances tecnológicos. Las video conferencias por Skype, permitieron grandes charlas con Jesús Torres, que es el responsable de la otra productora, la de allí, "El Aedo", la cual es una compañía dedicada al teatro clásico. Así fue la fusión. Yo, que me dedico al teatro contemporáneo, tenía muchas ganas de fusionarme con esta compañía que se dedica al teatro clásico y podía aportar mucho más a mi material. Además, los vi trabajando en España y me encantaron y, también, tuve la suerte de poder trabajar con algunos de los integrantes en la primera obra que presenté en España "Solas No Más". Gracias a estas charlas, pudimos organizar el cronograma de ensayos, la producción, las fechas de vuelo, todo... En principio, la idea es montar el espectáculo allí, pero a vuelta, estoy más que interesado en poder realizarlo también en Argentina. Así que me imagino que en breve pondré manos a la obra con eso.

 Imagino que los españoles entenderá la obra de Calderón de la Barca de su manera, y usted de otra, ¿cómo se hará para unificar los dos conceptos en su versión?

Como lo expresaba anteriormente, creo que esta suma de trabajos que haremos con "El Aedo" va a ser fundamental. Por eso quisimos hacer el proyecto juntos. Igualmente, quiero aclarar que la obra no es "La vida es sueño" sino una versión libre de ella. Evidentemente es un material muy distinto. La gente que no conoce "La vida es sueño" no se perderá nada de esta nueva historia y, lógicamente, la gente conocedora del material de Calderón, podrá disfrutar del hipertexto y todo lo que hay detrás en esta versión. Ese era un doble desafío y creo que se pudo comprender así. Al menos, tanto los responsables del Fondo de Ayudas para las Artes Escénicas Iberoamericanas de Argentina como de España, lo han podido entender de esta manera evidentemente.

¿Qué opina de las iniciativas de Iberescena 2012?Iberescena me parece una posibilidad increíble. Una puerta que se abre para muchos de nosotros. Una forma de seguir haciendo circular nuestro arte por el mundo, unos "Tespis" (por el carro de Tespis) contemporáneos, que podemos llevar nuestros materiales y compartirlos con otros artistas y espectadores del mundo. Iberescena es un maravilloso espacio de intercambio, de cultura y de crecimiento. Creo que la creación de este espacio y la permanencia del mismo es de suma importancia para el mundo del teatro iberoamericano.

Más info sobre IBERESCENA: http://www.iberescena.org/es/

Iris Cadelago habla sobre la Asamblea de Naciones Unidas de las Letras

Luego de participar en la Asamblea de Naciones Unidas de las Letras, realizada en Octubre en Bogotá, Colombia, la escritora y profesora Iris Juanita Cadelago conversó con Jaquematepress sobre el transcendental evento literario: “Mi Primera impresión tenía que ver con el excelente nivel de convocatoria  y el que hayan tenido la deferencia de invitarme a formar parte de un evento tan prestigioso, luego pude vislumbrar otros aspectos como la camaradería, la amistad, la seriedad y participación en el trabajo a realizar y la aceptación de los principios de UNILETRAS.”

--¿Cómo nació la idea de establecer la Asamblea?

La Asamblea, infiero que fue el resultado de una necesidad surgida de sus propios miembros y transmitida a Joseph Berolo, Presidente y Fundador de Naciones Unidas de las Letras junto a Ernesto Kahan y otros colaboradores a nivel mundial de reunirse para aunar criterios en los objetivos de trabajo y futuras acciones que propendan la Paz.

 -- ¿Cuáles son los requisitos para el ingreso como miembro?

Cuando se me invitó a formar parte de Naciones Unidas de las Letras se me solicitó que aportara objetivos que considerara necesarios a fin de encontrarnos trabajando al unísono de UNILETRAS.

--Poesía hay en todos los países del mundo. ¿Cuál es la importancia para Usted de un encuentro de este tipo?

Eso es totalmente cierto y he tenido la oportunidad de asistir a otros encuentros internacionales pero creo que la diferencia que marcó éste, fue primordialmente la responsabilidad con la que asistimos y la excelencia académica de muchos de los participantes. Doctores en filosofía, en Ciencias Sociales, en Literatura, Historia, Medicina, y especialistas en diferentes áreas que hicieron que la Asamblea de UNILETRAS tuviera connotaciones muy particulares.

--Un encuentro entre los pueblos, y entre los escritores de las diversas naciones del mundo, ha de ser esencial en la lucha por la paz. ¿Es así?

 ¡Definitivamente sí! Porque más allá de acuerdos políticos, económicos e intereses entre los diferentes países, hay una nueva visión y una necesaria misión llevada a cada rincón del Planeta a través de la palabra con un mensaje contundente de Paz y Amor por nuestros hermanos, aún la diversidad cultural y de pensamiento, pero desde los derechos y deberes como seres humanos responsables de un mundo que cobijará a las futuras generaciones.

--¿Hubo acuerdo general entre los escritores sobre la tarea que le corresponde al escritor en la lucha por la paz? ¿Esa lucha se expresa en la producción literaria como también en la conducta y en el compromiso social de los escritores?

Los Principios fundamentales que fueron APROBADOS EN ASAMBLEA GENERAL Octubre 24-26, 2011 Bogotá, Colombia son:

--“PROMOVER, MANTENER Y DEFENDER condiciones de PAZ Y ARMONÍA universal a través de la Palabra convertida en hechos.

--RESPETAR toda diferencia de credo, raza, nacionalidad, estado social, cultural y político.

--CELEBRAR convenios culturales que permitan la aplicación de estos principios.

--CREAR Capítulos cuyos objetivos correspondan a los fines de UNILETRAS.

--CULTIVAR relaciones altruistas con entidades culturales, literarias y artísticas del mundo.

--ACTUAR como eje promotor de la aplicación de ideas y proyectos afines.

--TRABAJAR en el desarrollo de proyectos educativos que conduzcan a la formación de nuevas generaciones de Poetas y Escritores.

--PARTICIPAR en eventos culturales literarios nacionales e internacionales.

--PROPICIAR Y FACILITAR la edición, publicación y distribución de obras literarias,
que engrandezcan la vida intelectual de sus autores.

--RECOPILAR, DIFUNDIR Y CONSERVAR la obra intelectual de los miembros
de UNILETRAS y de todo otro escritor que tenga a bien permitirlo.

--EMPLEAR todos los medios de comunicación existentes, para dar a conocer los objetivos,
proyectos y realizaciones de UNILETRAS.

--OBRAR de viva voz y hacerlo con representación visible y efectiva ante todo organismo
capaz de responder a los Principios Fundamentales de UNILETRAS.”

--¿Cuáles son los planes para el futuro de UNILETRAS? 

Presentar propuestas de trabajo desde el lugar de cada uno de los poetas que contribuyan al logro del objetivo común: La Paz.

 --¿Cómo llegaste a interesarte en las actividades de UNILETRAS?

 Desde mi labor docente vengo trabajando desde hace más de veinte años por el Medio Ambiente y la Paz y puntualmente dictando una serie de talleres en Escuelas y Ferias del Libro organizadas por la Universidad Nacional de San Luis, Además de representar en mi provincia a PAZIFLAC y otras Instituciones que trabajan sobre esta temática. Cuando llega a mis manos la Invitación de Joseph Berolo a sumarme a UNILETRAS acepté inmediatamente  a la vez que reenvié a mis contactos los comunicados de la Escritora Nelly Antokoletz a fin de llegar a todos aquellos que estuvieran interesados a unirse. En Bogotá tuve la oportunidad de presentar a grandes rasgos las características de los talleres por la Paz que dicto a niños en edad escolar a docentes y a padres y brevemente les hice escuchar el CD de relajación que realicé en 2008 y que empleo en el dictado de dichos talleres. En un futuro inmediato queda la presentación de propuestas y realizar los aportes pertinentes. En UNILETRAS se trabaja mucho con los niños desde “Semillas de Juventud” Y en mi caso en particular ésta será la meta más inmediata.-

 

        Prof. Iris Cadelago

Miembro Fundador de UNILETRAS

 

  Ada Iris Juanita Cadelago Nació el 19 de marzo de 1959 en Villa Mercedes San Luis, República Argentina. Cursó sus estudios en la U.N.S.L. del Profesorado de Enseñanza Pre-primaria. Fundadora de una institución educativa y una ONG ambientalista, a los que dedicó  más de veinte años de labor. 

Sus creaciones literarias consisten en cuentos, relatos y poesías, publicados en diferentes antologías  del país y del exterior.

-Ha realizado publicaciones en diarios, revistas y diferentes Páginas Web

Su obra “La luna corta la noche”  fue antologada en 1º Concurso Internacional de poesía de la V Región Chile y traducida al Árabe por el poeta y escritor Youssef Rzouga de África.

-Cónsul de Poetas del Mundo por su provincia, integrante de Word Poets Society, miembro de la Sociedad Argentina de Escritores y grupos literarios.

-Miembro fundador de Naciones Unidas de las Letras.

 Delegada de Paz IFLAC por San Luis.

Círculo de Embajadores por la Paz – Ginebra- Suiza.-

Sus últimos trabajos consisten en:

-Es autora de Un CD de relajación y poesía, denominado "Caricias para el alma...un masaje virtual", con música de Pablo Eggarter y "Yogala" – Interpretación por parte de ambos de un Yoga poético de la autoría de Youssef Rzouga (Túnez África) y Graciela Malagrida (Argentina).

-Es responsable de la Traducción del francés al castellano del “Paraíso del Diablo”   Nouvelle de  Youssef Rzouga y del mismo autor traducción del francés al castellano del cuento infantil “El niño erizo” “Que sean niños los niños”

Realizó en co-autoría con su madre el Libro de Poemas “Poesía Viajera”  Presentado en Manta, Ecuador y en Argentina en: Buenos Aires, Punta Alta y en la Provincia de San Luis.

Blog:
http://blogs.clarin.com/poesiasparaelrecreo/posts
http://poesiasparaelrecreo.blogspot.com

 

 

 

 

 

 

Dolores O'Campo: "Siempre hay motivo para cantar, bailar o para actuar."

Ella ama su oficio con la pasión que estalla de sus cuerdas vocales, sus brazos y su piernas en su último espectáculo, “Como pez frente al anzuelo.” En una conversación con Jaquematepress Dolores Ocampo medita la pregunta del periodista atentamente antes de responder con precisión: “Siempre hay un motivo para cantar, para bailar o para actuar.”

--¿Existe un lazo común entre la actuación, el canto y el baile?  

 --Sí. Creo que todo está unido. Uno, como cantante, o como actor o incluso como bailarín, debe contar algo. Siempre hay un motivo para cantar, para bailar o para actuar; y cuando eso no existe, cuando eso es deliberado, es cuando al espectador no le sucede nada,  o cuando el propio artista goza solo con él mismo. Yo siempre quiero contar algo, aunque el texto no sea mío, si no lo logro me siento muy incómoda y busco hasta encontrarlo para que se vuelva orgánico y tenga un recorrido coherente. Ese es mi compromiso con el público, no dejar nunca de contar algo, quizás ese respeto genere ese vínculo afectivo.

--Su voz tiene muchos matices. ¿Llegó al teatro a través del canto, o al canto a través del arte teatral?

--Sin duda llegué al canto a través del teatro. Yo empecé a estudiar teatro a los 8 años. Mis primeras experiencias de vida venían de la mano del teatro. En cuanto yo crecía en lo personal, el teatro se aferraba más a mí  forma de vida. Mi primer beso lo di en una clase de teatro y la experiencia fue muy linda e inolvidable como me imagino que debe ser para cualquiera. En cuanto al canto,  siempre me acompañó gracias a mi mamá que era pianista y ella me hacía cantar constantemente desde muy chiquita. Tomé clases de canto a los 17 años pero nunca me dediqué a cantar como en estos últimos años y la mezcla de ambas actividades es tan enriquecedora que no me atrevo a decir con cual siento más placer, ya están tan amalgamadas que me cuesta concebir una cosa sin la otra. 

--En su espectáculo "como pez..." las situaciones son reales pero a la vez tienen toques de surrealismo. ¿El espectáculo intenta decir algo profundo sobre las relaciones entre mujeres y hombres o lo considera un mero divertimiento?

--Las situaciones que cuenta el espectáculo son muy simples y sencillas, pero se viven con mucha profundidad. La mayoría de los seres humanos hacemos lo mismo por momentos, todos desayunamos a la mañana, pero cómo vive cada uno ese desayuno es lo interesante, aunque comamos y bebamos lo mismo. Yo creo que una comedia sin drama no es una verdadera comedia. Lo mismo un drama, sin comedia es un somnífero perfecto. Las peripecias que vive el personaje de ¨Como Pez...¨ son terriblemente dramáticas para ella y eso es lo que funciona realmente como cómico en la obra. A veces imaginar situaciones dramáticas del pasado en donde uno hizo una estupidez en el medio del conflicto es un gran ejemplo. Si alguien ajeno al conflicto ve la situación, se tienta;  como las caídas en la calle o las anécdotas en los velorios de alguien no tan cercano.

-- ¿Cuál ha sido la reacción de los hombres al espectáculo?

--Ese era mi miedo antes de estrenar: ¿Cómo la pasarán los hombres viendo esta obra? Y tuve la grata sorpresa de descubrir que se divierten y se ríen a veces más que las mujeres. Nunca pensé el  espectáculo para mujeres solas, es para hombres y mujeres, en ningún momento mi intención fue hacer esto para decir que los hombres son todos iguales. La obra trata de mostrar el recorrido de una mujer desesperada capaz de hacer cualquier cosa para conseguir un hombre. Y yo creo que en el hombre también está este mandato de conseguir la mujer para casarse y tener hijos. Por eso creo que los hombres también se identifican un poco. La obra habla de cosas generales, como no tener los parámetros físicos de moda, o desconfiar de la pareja, o transformarse en otra persona para encajar con el otro. Y eso también les pasa a los hombres. Por eso: Hombres, no dejen de venir ver la obra.

 --Un aspecto muy llamativo de su trabajo se nota en los cambios de ritmos, las  pausas, las miradas, los gestos--todo muy orgánico. ¿Considera estos aspectos esenciales en el trabajo teatral?

Sí, es tan importante decir una frase en el momento justo, o hacer un silencio para decir mil cosas. Pero que cada una de ellas surja de un impulso orgánico, que nace del  saber qué estás contado, de qué estás hablando.

--¿Cómo fue el proceso de elaboración de "Como pez..."?

--”Como pez...” nació de la mano de mi hija Vera. Estaba embarazada de 6 meses cuando escribí la obra. Estaba encerrada en mi casa por prescripción médica, para no contraer la famosa Gripe A. Estaba como un león enjaulado, y decidí canalizar mi encierro escribiendo. Cuando nació Vera empecé a ensayar muy lentamente con Julieta Petruchi, la directora, que también estaba embarazada,  y de a poco se sumó Hernán Crespo , el director musical y autor de varias canciones de la obra. Cuando nació el hijo de Julieta, Hernán armó la banda y aprovechamos para desarrollar y ensayar toda la parte musical. La obra nació junto con dos bebés y las peripecias de la maternidad de ambas.

--¿Hay algún proyecto futuro bailando en su cabeza?

--Sí , siempre hay proyectos. Estoy dirigiendo un grupo de actores con los el año pasado estrenamos ¨Jettatore¨. Estamos trabajando en una nueva obra que me tiene muy entusiasmada. Tengo un par de propuestas para escribir y dirigir unipersonales para otros actores y ya estoy pensando en la historia de mi próximo unipersonal para estrenar en el 2013. Cualquier proyecto a futuro va a estar relacionado con la actuación y la música.

 Contactos:

Espacio teatral EL KAFKA, Lambaré 866 CABA
Sitio web http://www.comopezfrentealanzuelo.blogsp...
Agente de Ventas 4862-5439 - [e-mail]

Dolores Ocampo

Dolores Ocampo nació en Buenos Aires en 1976, es actriz, cantante y dierectora. Estudió teatro desde el año 1986 con Alejandra Boero, Agustín Alezzo y Juan Carlos Gené entre otros. Se formó como cantante con los profesores Marcelo Velazco , Mónica Sardi y Luciana Panaino. En el año 2001 se graduó con el título de Diseñadora de Imagen y Sonido en la Universidad de Buenos Aires. Trabajó para el Complejo Teatral de Buenos Aires realizando obras como: “Romeo y Julieta” (Teatro Regio, dirección: Alicia Zanca), “Sueño de una noche de verano” (Teatro San Martín, dirección: Alicia Zanca), “El perro del hortelano” (Teatro de la Ribera, dirección Daniel Suárez Marzal) y “La Celestina” (Teatro Auditórium de Mar del Plata y Teatro San Martín, dirección Daniel Suárez Marzal). En televisión participó en tiras como “Rincón de Luz”, “Soy tu fan” y “Casi ángeles”.  Fue nominada como mejor actriz de reparto para los premios Estrella de Mar por su actuación en la obra de teatro “Trabajos de amor perdidos” en el Teatro Auditórium de Mar del Plata en el 2002, año en el que comenzó a desempeñarse como docente de teatro. En el 2007 fue galardonada con el Premio Clarín en el rubro Actriz revelación de Teatro, por la  obra ¨Sex según Mae West¨ de Renè Pollesch. Del mismo autor estreno ¨Ciudad como Botín¨ al año siguiente en el Centro de la Cooperación . Durante 2009 trabajó en las obras “Mujeres en el Baño” y “Mother” de Mariela Asensio. En 2010 dirigió su propia adaptación de ¨Jettatore¨ de Gregorio de Laferrere y se desempeña como cantante en la agrupación de Hernán Crespo.

En 2011, actúa en la obra “Lisboa” de Mariela Asensio, nominada para los premios ACE y estrenó su unipersonal “Como pez frente al anzuelo” en el que, además de escribirlo, se desempeña como actriz y cantante.

 

 

 

 

 

María Teresa Cibils: poeta, cantante y actriz: "El amor para mí es el motor que mueve al mundo."

Tiene modalidades suaves, como los tonos diáfanos de su voz, los labios siempre rosaditos como la niña en ella que juega todavía con  los colores primarios. Se llama María Teresa Cibils. Jaquematepress se acercó a ella recientemente para charlar sobre el arte de cantar, la poesía, la vida, el amor y sus discos. María: nos puede decir en qué momento de su vida apareció el canto?

--Canto desde siempre. En mi adolescencia musicalizaba los poemas que escribía. Nunca me iba a imaginar que alguna vez iban a estar algunos de los temas compuestos en aquella época, como "Mi sombra" y "Quizás más tarde", en un CD producido por Fer Isella y editado por el sello discográfico Acqua Records.

--¡Felicitaciones! ¿De dónde proviene la inspiración de sus canciones: del viento, del sol, de la poesía, de los recuerdos, los sueños, de tu imaginación...? 

--Mis canciones se van inspirando en las palabras de mis poemas o de los poemas de otros autores que musicalizo. Las palabras van guiando a la melodía para que trepe o baje, para que se acurruque o se desborde, para que susurre o grite. Muchos compositores parten de la melodía y luego aparecen las palabras. En mi caso es al revés: parto de la letra y tal vez lo único que hago es descubrir la música que ya tienen las palabras.

--¿Su estilo es muy especial, como tu sonrisa: cómo lograste un estilo tan propio?

--Logré un estilo propio tratando de seguir a mi corazón y sin pensar si está o no de moda o si puede gustar o no. Creo que lo que uno hace siguiendo un verdadero sentimiento es lo más auténtico y lo que más se acerca a la verdad de lo que se quiere expresar.

 --¿Cómo ubicaría sus canciones en el contexto actual de la música en Argentina y en el mundo?

--El contexto actual de la música en la Argentina y en el mundo es muy variado. En mi caso quisiera a través de lo que hago, ser un puente entre los seres y la poesía y ayudar a que se difunda utilizando la bella herramienta de la música. En mis canciones la prioridad es la palabra que está en cada estado de la vida: nacimientos, paso del tiempo, muertes, alegrías, angustias. La palabra, definiendo sentimientos, tejiendo lazos, elevándonos, conmoviéndonos... 

--Usted es además actriz: ¿Entre el arte actoral y el canto cuál prefiere?

--El arte actoral y el canto están muy relacionados ya que el cantante, debería poder interpretar cada uno de los temas como si fuesen pequeñas obras de teatro En mi caso el teatro me sirve para expresarme mejor a través de las canciones.

--Una bomba: ¿Qué es para vos el amor? 

--El amor es para mí el motor que mueve al mundo y es lo único que le da sentido a la vida. El amor de pareja debe partir de un libre sentimiento y construirse desde la generosidad. No como una necesidad que se tiene del otro para cubrir carencias. No apropiarse del otro para llenar huecos. A veces en nombre del amor se construyen cárceles egoístas. ¿Te amo porque te necesito o te necesito porque te amo? En esta última opción esta lo que creo más verdadero. La mayoría de mis canciones le cantan al amor, al amor que nace, al que ya no está, al dolor por las ausencias, a la alegría de compartir. 

--¿Qué otras actividades realiza?

Además de componer, cantar y actuar, escribo y dibujo libros para niños. Es mi manera de llegar a los demás y de dejar mis huellas... Uno de los libros para niños está acompañado por un CD que será reeditado en breve por la discográfica que me ha contratado. 

 --¿Tiene hijos?

--Sí. Coni Cibils, Juan Jacinto y Hernán Jacinto, me han acompañado a los colegios cuando eran pequeños, con teclados y guitarras, mientras yo cantaba mis canciones para los niños. Ahora son los tres músicos y compositores excelentes y participan en mis grabaciones y actuaciones para el público adulto.

--¿Dónde se puede adquirir sus discos?

--Mis discos: "Anticipar", producido por Fer Isella y el último:"Abrigando" producido por Hernán Jacinto, ambos editados por el sello discográfico Acqua Records, se pueden conseguir en Zivals: Corrientes y Callao, y en todas las disquerías del país.

 Contactos:

[e-mail]
www.myspace.com/mariateresacibils
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www.facebook.com/mariateresacibils

 

 

Nelly Antokoletz: Las Naciones Unidas de las Letras

Sobran las organizaciones internacionales en un mundo globalizado que no obstante no encuentra la forma de evitar las guerras. ¿Y la palabra? Se ha anunciado en Bogotá, Colombia para el 23 al 25 de octubre el primer encuentro de las Naciones Unidas de las Letras.

 Nelly Antokoletz, miembro fundador de las Naciones Unidas de las Letras-Argentina contesta: “La Palabra ha sido y es fundamentalmente, la que impulsa el crecimiento intelectual de los habitantes. Oral y escrita, es portadora tanto de paz como de guerras; por ello, tiene ese significado al que hay que darle el lugar que le corresponde, pues de ella depende la vida de millones de seres humanos, animales y plantas.”

Nelly Antokoletz es además coordinadora de “La Magia de la Palabra,” delegada Honorario de Paziflac-Argentina, embajadora de la Paz de IFLAC y presidente de la Fundación de Poetas “René Villar” Filial V. Carlos Paz.

Las Naciones Unidas de las Letras propone un cambio esencial para el comportamiento del hombre que escribe, “al llevar ideas plasmadas sobre papel para estar en un plano digno, donde ellas signifiquen mejorar, elevar al hombre, sobre sus niveles actuales.”

---¿Cómo lograr esa meta?

---Para conseguir el éxito deseado, toda institución ya sea oficial como privada, que dedique sus tareas a cultivar la mente con la palabra; aquellos que individualmente aportan sus expresiones escritas, en cada uno de los países en que existan escritores solitarios deben unirse a esta cruzada cultural emprendida con el objeto de preservar, cultivar y mejorar el nivel de sabiduría humana en todos los estratos sociales.

--¿En qué ámbitos ha de funcionar las Naciones Unidas para las letras?

--Naciones Unidas para las Letras debe ubicarse en cada rincón en donde sea necesario cultivar al hombre y ubicarlo dentro de los límites como para que sea hoy, mañana, el dueño de sus pensamientos, de su libertad, de su paz y de su vida.-

Quienes desean más información sobre las actividades de las Naciones Unidas de las Letras pueden consultar:

 http://el-gallo-en-alpargatas.blogspot.com / http://www.quehacerenquillota.cl/nelly

Nelly Antokoletz: Teléfono: (549) 3541 337813 Villa Carlos Paz - Prov. Córdoba – Argentina

A continuación publicamos la información sobre el primer encuentro de las Naciones Unidas de las Letras:

“NACIONES UNIDAS DE LAS LETRAS (Oct 23 - 24) BOGOTÁ- COLOMBIA·    Queridos hermanos poetas y escritores miembros Fundadores de Naciones Unidas de las Letras, CAPITULO COLOMBIA 8 de septiembre de 2011 07:10

Nos llega momento a momento la entusiasmada aceptación de nuestros colegas fundadores de otros capítulos de Naciones Unidas de las Letras para asistir y participar en el 1er Encuentro de nuestra entidad programado para Octubre 23-25 y su continuidad hasta el 29 del mismo mes, dentro del marco del XVIII Record de Poesía 2011.

Nunca antes se había puesto a prueba de calidad nuestro medio literario, como en esta ocasión. La no improvisada coincidencia con el tradicional evento auspiciado por la Asociación Algo Por Colombia, constituye el todo de este encuentro. Nuestros invitados, hasta la fecha, los confirmados, tienen un interés especial en asistir Y PARTICIPAR en todas y cada una de las sesiones del Record. Lo harán como invitados de Honor al acto solemne de su inauguración en la Academia Colombiana de la Lengua y eventos subsiguientes. ELLOS, sin excepción, ANHELAN PARTICIPAR Y UNIR SU MUNDO CON EL NUESTRO.

Nos corresponde entonces corresponder con grandeza, CALIDAD Y ORGANIZACIÓN. Somos COLOMBIA, LA DE LAS LETRAS, UNA SOLA COSA.

Como Presidente Fundador de UNILETRAS, y en unión total individual y colectiva, estoy trabajando igualmente y sin tregua alguna en el desarrollo de las actividades de ALGO POR COLOMBIA, para lograr el enlace ideal con su programa, QUE ES EL DE USTEDES, de tal forma que sea transparente y sin tacha.

A Partir de la fecha, les estaré comunicando periódicamente los detalles de la programación general de los eventos anunciados. Agradezco de corazón saber de sus inquietudes, sus expectativas individuales y de grupo, sus planes de participación, hablemos de sus libros, de su intercambio con nuestros invitados, de sus ponencias, sus tertulias...

Hermanos poetas queridos y admirados.

EN USTEDES DESCANSA EL PORVENIR DE ESTOS DOS EVENTOS... SON LA VENTANA MÁS PROMETEDORA ABIERTA AL FUTURO DE NUESTRA VIDA LITERARIA UNIDA AL DESTINO DE LAS LETRAS UNIVERSALES,

¡NO MÁS PALABRAS VANAS! HECHOS QUE REPERCUTAN, BUENA POESIA, REALIZACIONES, EXCELENCIA, ORGANIZACIÓN, UNIDAD, APOYO MUTUO.

¡GRACIAS¡

Joseph Berolo, fundador, NACIONES UNIDAS DE LAS LETRAS

LA INSCRIPCION AL ENCUENTRO DE OCTUBRE 23-25 PROX.  NO TIENE COSTO ALGUNO PARA LOS MIEMBROS FUNDADORES CAPITULO COLOMBIA.

FAVOR CONFIRMAR SU ASISTENCIA DURANTE ESTE MES. 

SUS DIPLOMAS, EMBLEMA, PR LES SERAN ENTREGADOS EN LA SESION DE LA CASA BOLIVARIANA

FAVOR PREPARAR SUS PRESENTACIONES PROTOCOLARIAS Y    PONENCIAS PARA INCLUIRLAS. NO DEBEN SER MUY EXTENSAS.

SI TIENEN LIBROS DE SU AUTORIA,  MATERIAL  INFORMATIVO PERSONAL, DE SUS ENTIDADES. OSBEQUIOS TIPICOS,  PODRAN INTERCAMBIARLOS CON SUS COLEGAS EXTRANJEROS , DURANTE EL EVENTO, PARTICULARMENTE EL25, DIA DE NUESTRA ASAMBLEA GENERAL

QUIENES ASISTAN A LA CENA DELCLUB DE EJECUTIVOS CUBRIRAN EL COSTO  CORRESPONDIENTE  DIRECTAMENTE AL CLUB,

RECUERDEN QUE USTEDES TODOS SON INVITADOS ESPECIALES  DE ALGO POR COLOMBIA PARA QUE ASISTAN Y PARTICIPEN EN EL XVIII RECORD DE POESIA A PARTIR DE SU INUGURACION EN LA ACADEMIA COLOMBIANA DE LA LENGUA. 10.25.2011 6PM.

RECIBAN  MI ÀFECTO  Y GRATITUD

Joseph Berolo

FundadorNaciones Unidas de las Letras

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NACIONES UNIDAS DE LAS LETRAS

ANTOLOGÍA DE POETAS DE LA PAZ UNIVERSAL

El original de esta obra será presentado durante nuestro Encuentro de octubre 23-30 2011 para ser firmado por los Miembros Asistentes antes de su publicación de lujo destinada al Presidente de Colombia, la UNESCO y otros gobiernos del mundo.

A partir de la fecha estaremos confirmando si requerimos de su fotografía y biografía literaria para ilustrar su respectivo Poema. QUE ESTA ANTOLOGÍA SEA NUESTRO  GRAN MENSAJE A LOS GOBERNANTES DEL MUNDO CONDUCTOR DE NUESTRO APORTE Y ESFUERZO Y PROYECTOS DE BÚSQUEDA DE LA PAZ Y ARMONÍA UNIVERSALES

Pueden habérsenos escapado algunos nombres. Si extraña no ver su nombre anotado, favor hacérnoslo saber.

Esta AntologíA  viene siendo preparada desde el XVII Record Internacional de Poesía 2010 ALGO POR COLOMBIA

Ady Yagur. Argentina, Israel, Ernesto Kahan Israel, Hugo Leguizamón, Nelly Antokoletz, Argentina. Mariana Bernárdez, Manuel Salvador Leyva Martínez A. México. Luis Lema Osores, España, Hilda Interiano De Payes, Honduras. Sebastián Velásquez Díaz, México, Antonio García Vargas Almería Andalucía, España. José Trino Campos. Colombia. María Helena Solórzano. México -Argentina. Correa. Provincia De Santa Fe. Carlos Arboleda, Perú - Uruguay. Agustina Ospina Agus Colombia. Alba Estella Gutiérrez, Argentina Héctor J. Corredor Cuervo Colombia. Alberto Garzón Buelvas Colombia Ana María Unhold Argentina Luis María Murillo Sarmiento Colombia Susana Elena Sánchez Argentina Carmen Castejón Cabeceira Embajadora Universal De La Paz En España Desde Galicia Pepe Sánchez Cuba. Cumanayaguan. Luis Alberto Ambroggio Academia Norteamericana De La Lengua Xenia Mora Rucabado Perú-Argentina Teresa Palazzo Conti Argentina Carmen Rojas Larrazábal Venezuela Dora Castellanos Colombia Roger García Marenco Canadá María Del Pilar Casas Colombia Antonio Mora Vélez Colombia Susana Roberts Argentina Elías Galati Argentina Libardo Campos Gómez Colombia Silvio Vásquez Guzmán Colombia Lelio R Gurruchaga Argentina Marisa Aragón Willner - Berazategui Argentina María Cristina Azcona Argentina Vilma Lilia Osella, Argentina, Alicia Cabral Colman ,Argentina, Ernesto Del Valle, Cuba, Graciela Nasif, Argentina, Lcda. .Yamilet Margarita Blanco Urbina, Venezuela, Margarita Ragozza De Mandrini.Argentina,Gislaine Canales. Brasil, Bella Ventura. Colombia. Darly O.Barros Brasil, Tanya Tynjälä. Lima-Perú , Margarita Ruiz, Magui Del Mar, México, Amelia Arellano ,Argentina, Antonio García Vargas, Roberto Attias. Haití, Beatriz Valerio, Argentina, Patricia Declerk, Argentina, Lucía Giaquinto, Argentina, Margarita Dimartino De Paoli, Argentina. Martha Patti De Costa. Argentina, Eliseo León Pretell, Perú, Manuel Salvador Leyva Martínez, México, Patricia K. Olivera Montevideo-Uruguay. Martha Alicia Qui Aguirre, México, Prof. María Del Carmen Villaverde De Nessier, Argentina, Serafín Velásquez Acosta, Colombia, Marta Emilia Guerra-Quilmes , Argentina, Arturo Guzmán Romano, México, D. F .Irene Nieto Jardón, Argentina, Marta Romero, México. Rodolfo Mauricio Leyva Castrejón, Mexico, Laura Hernández, Mexico, Marisa San Ab Jerónimo Castillo. Iris Cadelago , Argentina, Ernestina Ramírez ,Argentina, Carlos Alberto Boaglio -Margarita Mangione, Argentina, Cecilia Glanzmann

Helen Nesis: "Cuando dirijo soy un creativo, con mi historia, con mis imágenes sociales, con lo que quiero decir....

Tiene una sonrisa amplia que tranquiliza y a la vez invita. Se llama Helen Nesis, actriz, dramaturga y directora teatral. Las paredes de su pequeña pero cálida oficina en el teatro El Espión de Buenos Aires parecen reír también. ¿Será que para el oficio hasta los objetos menos conspicuos cobren vida?

--Hmm…el teatro…¿Entró en su vida a una tierna edad ó es un descubrimiento desvelado en la madurez?

--Desde niña. Yo tenía nueve años cuando mi maestra dijo a mi madre: “esta niña necesita hacer teatro, está bárbara, organiza todo, actúa, no para.” Yo iba a una escuela judía y mi madre averiguó pero lo único que encontró en ese momento fue el teatro IFT. Allí comencé mi estudio de teatro.

--¿Cómo fue su primera clase de teatro?

--Raro porque los varones no me burlaban como en la escuela, eran muy amables, eran buenos compañeros, un clima muy lindo, algo que nunca he olvidado. Tiempo después aparece Víctor Laplace en una clase y dijo que buscaba una niña para un café concert. Me eligió a mí, me dijo que era la niña de sus sueños. Cuando llegó mi madre me sacó corriendo diciéndome cómo vas a trabajar de noche en un café concert. Lloré y le dijo que no quería más estudiar teatro.

--¿Así? Pero igual siguió estudiando…¿Podemos hablar de su último espectáculo, “Estampas del reflejo absurdo?”

--¡Cómo no! La idea viene de mi cabeza. Es una historia que quería contar, sobre los excluidos, personas sobre las cuales no se quiere hablar ni ver ni saber nada. Yo creo que el espectáculo es una obra de antropología urbana, como decía Eugenio Barba que habla de la antropología teatral. El arte tiene que hablar sobre lo que sucede, con metáforas, con denuncias, con dialéctica, con poesía; lo social siempre está reflejado en el arte.

--De acuerdo.

--Comenzamos prácticamente con la dramaturgia del actor. Fue un trabajo de investigación y de producción colectiva. El texto es mío pero lo fui generando con los actores. Yo creo que ya casi no hay escritores teatrales que trabajan encerrados en sus escritorios. Es tan rico lo que te vuelven los actores que en algún momento yo me preguntaba: “¿yo estoy escribiendo esto o están escribiendo ellos?” Yo vengo de la actuación, no de la escritura, entonces doy mucha libertad a los actores.

--En el espectáculo suyo se combina textos amplios e interesantes pero lo que llama especialmente la atención es el trabajo físico en el escenario.

--Es como dice Hamlet cuando se dirige a sus actores: hay que ajustar la acción a la palabra, y la palabra a la acción. Además me parece importante lo que dice Antonin Artaud que habla del cuerpo atravesado por la palabra. Aquí hay un tipo de actuación no tan realista, pues ya tenemos la realidad todos los días. Generalmente cuando uno observa la gente en la calle son pocas las acciones que realizan, son prácticamente dormidos porque duermen de día, en cambio de noche están despiertos, están mal comidos, a veces beben mucho, están pasivos mayormente.

--Pero la obra no intenta ser un espejo de la realidad de la gente en situación de calle.

--No. Es que los actores son muy jóvenes y por lo tanto muy activos. Buscan alguna posibilidad, soñar, de realizarse. Lo que quiero demonstrar es que los sueños no son solamente de las clases medias y altas que tienen educación cultural. Todas las clases sociales tienen sueños porque el hombre tiene sueños, o debería tenerlos pero sus sueños son degradados por los programas de televisión que hablan de los sueños como si fueron tocar una cola o una teta. Los sueños son otra cosa.

--¿Qué tipo de comentarios sobre la obra ha recibido?

--Hay muchos porque tenemos un cuaderno de comentarios, pero generalmente dicen “¡Qué fuerte!” ó “llegó a mi corazón,” “me dejo pensando,”  ó simplemente “me gustó.”   

--A veces la reacción aparece días después…y la obra habla de muchas cosas, por ejemplo, la discriminación…

--Exacto. Son seres como nosotros, con sus sueños, amores, vínculos…Es un intento que invita a reflexionar también.

--¿Quiénes son los actores?

--Todos son estudiantes míos, han estudiado aquí en el Teatro Espión que dirijo, entonces terminan montando espectáculos, cosa no muy común en el ambiente teatral en esta ciudad. Generalmente uno estudia y después sale preguntando dónde, con quién puedo trabajar en un espectáculo. Como maestra de actores me propuso darles a los estudiantes un espacio para actuar. Aquí hay tres niveles y cuando terminan el último nivel tienen la posibilidad de participar en la producción de un espectáculo. Para “Estampas del reflejo absurdo” convoqué a exalumnos de  nuestra escuela.

--¿Tiene usted alguna preferencia en cuanto a las diferentes tendencias teatrales?

--No sé, soy yo. Yo soy stanislavskiana, enfatizo las acciones físicas. Raúl Serrano fue uno de mis maestros y me marcó mucho, pero después uno va buscando su propia elaboración. No me interesa tanto el aspecto de la memoria afectiva de Stanislavski. Cuando muere deja inconcluso el método de las acciones físicas. Nosotros seguimos elaborando eso. Pero eso tiene que ver más con el estudio. Cuando dirijo soy un ser creativo, con mi historia, con mis imágenes sociales, con lo que quiero decir, con mi espíritu, y todo eso influye en el momento de dirigir una obra.

--¿Viaja el espectáculo ó se queda aquí en El Espión?

--¡Ojala! No soy tan famosa. Pero me gusta mucho dirigir, cuando dirijo soy la persona más feliz del mundo    

 

Helen Nesis

Egresada 1984 del Colegio Nacional Buenos Aires. Licenciada en las Artes ( Universidad de Buenos Aires).

FORMACIÓN ACTORAL Y DOCENTE:
1979: Asiste al taller de teatro para niños en el teatro I.F.T dictado por la Profesora Azul Quirós.
1980: Integra el Coro de Músicos Independientes ( M.I.A) dirigido por Lito Vitale.
1981: Asiste a curso de teatro para adolescentes dictado por Roberto Saiz. (Perteneciente al Grupo de “Los Volatineros) dirigido por Francisco Javier.
1981: Asiste a cursos de Danza contemporánea en el estudio de Roxana Grinstein.
1983-85:Asiste a cursos de teatro 1ero y 2do nivel dictados por Silvina Sabater y Jorge Delía.
1984-85: Realiza Seminario de Clown en el teatro I.F.T.
1987-89: Realiza el curso completo en la Escuela de Teatro de Buenos Aires (E.T.B.A) con el profesor Raúl Serrano.
1988-89: Asiste al curso completo de 1er y 2do nivel de Técnica vocal expresiva para el actor dictado por Carlos Demartino y Liliana Flores. 
1988: Ingresa a la Escuela Municipal de Arte dramático( EMAD).
1989: Asiste a grupo de estudio para la formación pedagógica teatral para niños y adolescentes dictado por Alejandra Balado. 
1990: Asiste a curso de perfeccionamiento en la docencia teatral para adolescentes dictado por Eugenia Levin.
1990: Asiste al curso de Impostación de la voz dictado por Liliana Flores.
1991: Asiste a curso de técnicas corporales para el actor dictado por Susana Yasán.
1991: Asiste a curso de Pedagogía Teatral para niños dictado por Roberto Vega.
1991: Asiste a Seminario de TEATRO-IMAGEN dictado por Javier Margulies. 
1992-93: Asiste a los seminarios I y II de perfeccionamiento actoral dictados por AUGUSTO FERNÁNDES
1994: Asiste a curso de Canto con Patricia Balado en la Escuela de Rubens Correa.
2001: Asiste a curso de actuación dictado por Ricardo Bartis. 

2009: Curso de expresion corporal en la asociacion argentina de actores con Deborah Kalmar 
2010: Brinda charla en la Escuela de cine CYEVIC para cursos de alumnos de la carrera sobre la actuación y dirección de niños en cine.

TRABAJOS REALIZADOS COMO ACTRIZ:

1989: VECINOS Y PARIENTES de Julio Ardiles Gray en la sala Comuna Baires de San Telmo con la Dirección de Hugo Massola.

1989: SOBRE YERMA adaptación del texto “Yerma” de garcía Lorca realizada y dirigida por Víctor Mayol. En el Teatro “LA CAMPANA”.

1990: EL VUELO DE LAS GALLINAS de Hebe Serebrisky, Dirección Gral: M.Teresa Gioia en la sala de la E.T.B.A.

1991: BOEDO CASI AVDA DE MAYO de Eduardo Fredda. Dirección: Eduardo Pavelic. Primer premio en concurso de Autores en el Teatro I.F.T

1994: RAJEMOS,MARQUÉS, RAJEMOS: espectáculo infantil de Jorge Goldenberg. Dirigida por Helena Nesis. Hecho en gira y para escuelas primarias.
1999: LA LEY DEL GALLINERO de Vicente Zito Lema. Dirigida y actuada por Helena Nesis.

2008: Madres de Tela de Corina Harry. Dirigida por Eduardo Meneghelli. Protagónico.TEATRO EL ESPIÓN.SARANDÍ ###.

TRABAJOS EN T.V , CINE y PUBLICIDAD:

1990: Bolo para Televisión en “El mundo del juguete” (Canal 2)

1991: Cortometraje premiado por Bienal de Arte Joven “Al Caleidoscopio” Personaje protagónico. Dirección: Yamila Volnovich.

1992: “Los Visitantes” personaje protagónico cortometraje para televisión realizado por los alumnos de la carrera Imagenm y Sonido (U.B.A).

1992: Documental Ficción Evento “América 92” con Dirección de Eduardo Mignogna.
1993: Publicidad para Lotería Nacional. Dirección: Eduardo Mignogna

1994: Participación en el film “El lado oscuro del corazón” de Eliseo Subiela

1994: Publicidad educativa sobre prevención en la sexualidad, dirigida por Eduardo Mignogna.

1999: Bolo para televisión en programa “CHIQUITITAS” (Telefé).

1999: Bolo para televisión en programa “COMO VOS Y YO” (Canal 13).

1999: Bolo para televisión en: verano del 98” (TeLeFé).

2000: Bolo para televisión en “Primicias” (POLKA).

2000: Bolo para Televisión en “CAMPEONES” (Polka).

2001: Bolo para televisión en “EL 22” (Polka).2006: Publicidad: HEPATALGINA. Coprotagónico.

2007: PERSONAJE EN LARGOMETRAJE "El infinito sin estrellas" estreno en septiembre 07. dirigida por edgardo gonzalez Amer, ópera prima.

2008: bolo en "Valentino" POL-KA.2008:BOLO EN "Amas de casa desesperadas". Colombia. POL_Ka

2009: representa madre del caso SHOEKLENDER en programa deChiche Gelblung.

2010: personaje de madre en documental sobre la vida de la modelo Daniela Scott, ex-cartonera. para formato televisión y producción japonesa.

OBRAS ESTRENADAS COMO DIRECTORA:

1990: Directora-asistente de la adaptación a teatro de la novela “De ratas y hombres” de John Steinbeck. Sala de La escuela de Teatro de Buenos Aires. Dirección Gral : Raúl serrano.
1991: Directora del Unipersonal HISTORIAS DE UN ENAMORADO. Realizado en base a textos de “Fragmentos de un discurso amoroso” de R. Barthes. Presentado en la sala de la E.T.B.A. luego en la temporada de verano en la sala Victoria Ocampo Mar del Plata. 
1993: Inaugura el teatro “El callejón de los Deseos “

1994: Dirección General de la obra infantil: RAJEMOS, MARQUÉS, RAJEMOS. De Jorge Goldenberg.

1994-5: Directora de HACEMOS TODO MAL creación colectiva dirigida y actuada por adolescentes. Realizada en la Sala de la E.T.B.A. Inaugura “El callejón de los Deseos”.

1995-98: Comienza la RESIDENCIA de adolescentes a cargo del equipo de profesores. Helena Nesis ( actuación) Eduardo Meneghelli( entrenamiento corporal) y Patricia Zangaro(Dramaturga, integrada al proceso de la creación de un texto a partir de los actores-alumnos). Consecuencia de ello se llegó a un lenguaje escénico propio y al montaje de un espectáculo. En este marco se han estrenado:

1995: OJOS ACECHANTES ( finalista del concurso “Cuando el arte ataca” teatro Regio.
1996-97: HIC ET NUNC en sala E.T.B.A y en el teatro “DEL OTRO LADO” participa del festival: Encontronazo.

1997-98: FOGATA Y LUNA versión libre de “Cómo os gustéis” de W. Shakespeare.Según dramaturgia de Patricia Zangaro. Sala “El Galpón del abasto”

1997: Ayudante en Dirección de casting para el film “Comodines” para búsqueda de personaje adolescente. (Polka).

1998: PER SPECULLUM de Patricia Zangaro en la sala “La Carbonera”.

1999: LA LEY DEL GALLINERO de vicente Zito Lema. Teatro:El Espión. Participó del festival de teatro en Mar del Plata “EL Borde” organizado por La Bancaria.

2000: PASADOS POR AGUA de Vicente Zito Lema. Sala El espión.

2000: Unipersonal: DRÁCULA, INQUILINO DE LA DESGRACIA de Luis Sáez. Centro cultural Julio Cortázar. Mar del Plata. Y sala El Espión.

2001: LA FAMILIA PÉREZ DE Luis Sáez, Sala El Espión.

2001: UN CUARTO DE HUÉSPEDES de Luis Sáez. Sala El Espión.

2002: PROYECTO CRECER escrita y dirigida por Helena Nesis. Sala El Espión. Obra realizada con alumnas del tercer nivel de su Escuelita de adolescentes.

2003: OBNUBILADA VISIÓN :autora y directora: Helena Nesis. Sala El Espión. Obra realizada con alumnos del tercer nivel de su escuelita de adolescentes. Sala “El Espión.”

2005: "Simulacro de Juventud" escrita y dirigida por Helena Nesis.

2009-2010: "Pisar el palito" de Griselda Gambaro. En la sala teatral EL ESPION.

2009-2010:"CHICAS EN ACCION" infantil para grandes y chicos. Escrito y dirigido por Helena Nesis. Sala teatral "El Espión" y participa de Festival de teatro independiente en ciudad de San Jorge. Pcia de Sanata fé.Tambien realiza funciones a la villa 31 de retiro y a diferentes hogares y escuelas.

2011:"Estampas del Reflejo absurdo" escrita y dirigida por Helena Nesis.

TAREA DOCENTE:

1989-1994: Asistente en cursos de actuación para adultos del profesor Raúl Serrano en su escuela.
1990: Se desempeña como docente teatral en las siguientes escuelas primarias: Escuela y jardín de Infantes ARCO IRIS, escuela MARTÍN BUBER y escuela SARMIENTO.
Desde 1990 hasta el 2003: se desempeña como Directora del área de niños y adolescentes de la Escuela de teatro de Buenos Aires cuya Dirección general ejerce el Prof.Raúl Serrano.

1999-2000: Se incorpora como autor al cuerpo docente el poeta, dramaturgo y periodista: Vicente Zito Lema.

2000: Se desempèña como jefa de Trabajos Prácticos en la cátedra de actuación del profesor Raúl Serrano en La Universidad Popular de las Madres de Plaza de Mayo.

2001: Se incorpora el autor Luis Sáez para La residencia de los adolescentes.

2002: Se desempeña como profesora, dramaturga y directora de sus propios alumnos en todos los niveles.

2003: incorpora área de ADULTOS EN DOS NIVELES (Inicial y avanzados)en su escuelitadel Teatro El ESpión.

TAREA DE DRAMATURGA:

Desde el 2002 escribe los textos que se trabajan en su área de enseñanza. Tanto escenas de ejercicio cuanto monólogos y espectáculos de La Residencia de sus propios alumnos.
2002: PROYECTO CRECER Obra escrita para adolescentes que ahonda la temática y problemática de los jóvenes. Sala El Espión.

2002: UN MUNDO DE ESTRELLAS espectáculo Infantil.

2003: OBNUBILADA VISIÓN. Obra de teatro representada por adolescentes alumnos del tercer nivel de su escuelita.

2005: Simulacro de Juventud. (obra escrita para adolescentes)

2007: "Esfuerzos y Tentativas Adolescente" ( escenas y monólogos para ser actuados por adolescentes-jovenes)

2009: Infantil: Heroínas, Chicas en acción".

2011: Estampas del reflejjo absurdo. obra dramática.

 

Web: http://www.teatro-el-espion.com.ar

 

 

 

 

 

 

Saverio, revista cruel de teatro

 “Espacios que hablan de teatro hay muchos,” dice Rocío Pujol, a cargo de la producción periodística de  SAVERIO, revista cruel de teatro, “pero que dejen hablar al teatro muy pocos. SAVERIO  es una publicación especializada y gratuita sobre artes escénicas cuyas páginas son escritas por reconocidos dramaturgos, actores, directores, escenógrafos y técnicos que cuentan sus experiencias, sensaciones y mirada sobre el quehacer espectacular.”

 --En esta nueva versión, aparece en forma muy destacada el color…

 --Es cierto. Sus páginas en papel ilustración y a color conjugan imágenes, textos y destacados. Aunque esto no siempre fue así, en sus orígenes se imprimía monocromática y con papel de obra pero no por eso -y esto se debe a su diseñadora Carolina Giovagnoli- dejaba de ser armónica y atractiva.

 --¿Cuáles son los antecedentes históricos de la revista?

 ---Bueno, si vamos a remontarnos en la historia comencemos por el principio y viajemos hasta un otoñal mayo del 2008, cuando tres jóvenes, Gustavo Urrutia, Gustavo Rimoldi y Silvano Martínez, pensaron que era momento de que el teatro tuviera un lugar en donde pudiera expresarse con voz propia, sin interlocutores.

 --Una revista pensada para el intercambio de opiniones.

 --Es que entre utopías y anhelos, nació SAVERIO “una especie de mesa imaginaria, en la que teatristas de distintas generaciones, ideologías, estéticas y regiones se sientan a  intercambiar opiniones”, explica Urrutia, director de la revista y el único de los tres cofundadores que continúo con el mismo entusiasmo del primer día apostando al crecimiento de una alternativa diferente.

 --Cómo es la revista, qué orientación tiene?

 --Cada número impreso versa sobre un determinado tema de las artes escénicas para que profesionales del sector reflexionen y abran debate desde su experiencia particular con total libertad. “Se han tocado tópicos como procesos creativos, dramaturgia y dirección en las que participaron personalidades como Eduardo Pavlovsky, Andrés Binetti y Ricardo Bartis, por mencionar tres de las talentosas personalidades que participaron en estos cuatro años de publicación,” destaca Pujol Hasta sus portadas están reservadas para que las compañías y elencos envíen fotografías de sus obras. De todas las imágenes recibidas, la editorial selecciona una para ilustrar su tapa y vuelve abrir convocatoria para los próximos ejemplares.  

 --¿Es reconocida en el ambiente teatral?

 --En las XIV Jornadas Nacionales de Teatro Contemporáneo, el jurado del Premio Teatro del Mundo destacó a SAVERIO con un diploma por su labor de conectar al teatro nacional con las manifestaciones del teatro mundial y favorecer el diálogo con las culturas del mundo. En el 2009, fue convocada para integrar la mesa "Revistas" en las I Jornadas Nacionales de Investigación y Crítica teatral de la 35º Feria Internacional del Libro de Buenos Aires.

 --Es decir, va encontrando su lugar.

 --Claro. Sin duda alguna, sus páginas van haciendo historia con cada edición y se erigen como fuente invalorable para académicos y estudiantes. En el Instituto Universitario de Artes Escénicas de Buenos Aires, el profesor Horacio Medrano en su cátedra de Actuación incorporaba los ejemplares impresos como material de lectura recomendado.

 --¿Incluso con la web?

 Como dijo el literato suizo Alejandro Vinet “el verdadero progreso consiste en renovarse,” SAVERIO sorprende a sus lectores año a año con nuevas incorporaciones: primero su versión digital en http://revistasaverio.jimdo.com/; luego, en el 2010, publicó la primera edición de la Guía del Estudiante de Artes Escénicas (GEAE) que incluye carreras, terciarios y cursos en todo el país; y este 2011, el lanzamiento de “El club Amigos de SAVERIO” que, además de enviar revistas y la segunda edición de la GEAE a domicilio, brinda descuentos y entradas sin cargo a los socios suscriptos.

 --¿Cómo son sus lectores?

 --Inspirador, reflexivo, crítico, participativo son las características de su círculo de lectores, una comunidad de hombres y mujeres provenientes de las artes que trabajan y viven por el teatro, al igual que SAVERIO.

 STAFF de SAVERIO

Dirección:                              Gustavo Urrutia

Producción periodística:      Rocío Pujol

Gestión:                                 Catalina Villegas

RR. PP.:                                Clara Cinto Courtaux

RR. PP.:                                Pablo Aguirre

Diseño:                                  Carolina Giovagnoli

Distribución:                         Alejandra Mosquera

Colaboradores:

Ana Romans, Mariela Iuliano, Gabriel Moreira, Leonel Meunier, Luz Rodríguez Urquiza,  Natalia Pioppi, Myriam Malfitani y Julián Villanueva.

 Contactos:     e-mail:              [e-mail]

                    Web:                   http://revistasaverio.jimdo.com

                         Tel:                  011 4586 3599

Hugo Ramos habla sobre la puesta en escena de "Juicio de Residencia"

      “Cuando decidí escribir el texto lo que predominó no fue la búsqueda de fidelidad informativa,” dijo Hugo Ramos, autor y director del espectáculo “Juicio de Residencia,” sino recuperar e interpretar los grandes rasgos de ese momento histórico y el contexto donde transcurriría la acción: Hernán Cortés ante su conciencia: Yo soy la peste…”

       En una entrevista con Jaquematepress, Ramos explicó que la idea del espectáculo unipersonal surgió “indagando sobre las distintas versiones de la muerte de Malinche. Muerta por causa de la peste o asesinada por Cortés para que no salga de testigo en su contra en el Juicio de Residencia me aboque a la tarea de profundizar mis conocimientos sobre la conquista de Tenochtitlán y el rol de Cortés en su relación con Malinche.”

      --Habrá sido un gran desafío buscar en los hechos históricos los textos para el espectáculo.

       -- Aquí habría que hacer una aclaración. El todo como un espectáculo teatral. Desde el punto de vista del lenguaje dramático, la palabra es acción. Hay dos breves relatos de Eduardo Galeano pertenecientes a Memorias del Fuego que en la voz de la actriz introducen el clima, los datos, plenos de metáforas e imágenes de la calidad de los materiales de Galeano. Debo aclarar que la recopilación de los mismos y su incorporación al espectáculo fueron posteriores a los ensayos iniciados de mi propio texto. Es decir, Juicio de Residencia es un texto independiente de los relatos. Sin hacer juicio de valor por ser dos lenguajes distintos, Juicio de Residencia es un monólogo de Cortés donde el paradigma del relato sólo está presente en cuanto a la información que la palabra genera en los conflictos existenciales del personaje: aquí y ahora.

     --¿Entre lo histórico y lo teatral hay dos lenguajes diferentes?

      --Como expresaba más arriba la información teatralmente hablando ya sea de carácter histórico contextual o la información que los diálogos teatrales brindan deben estar sujetos a la acción dramática. Se expresan en el desarrollo de las situaciones y los conflictos. En este caso me refiero al texto de Juicio de Residencia. Como se ve en los magníficos textos de Galeano sus referencias históricas evaden un análisis histórico a modo de tesis o ensayo. Pero con una clara toma de posición respecto a la conquista como se manifiesta en toda su obra.  Pletóricos de metáforas, le dan una fuerza inigualable a los datos que un sociólogo o erudito encararía de otra manera. Justamente fue por eso que los incorporamos como una introducción al Juicio… En un principio pensamos en una danza o imágenes. Luego para darle una unidad al espectáculo elegimos la palabra.

     --Poner el juicio a residencia en el cuerpo de una actriz seguramente ha sido un desafío.

      --Realmente es así. Cuando le ofrecí el texto a Raquel para hacerlo, como una posibilidad futura, me planteó literalmente que estaba loco ¿Una mujer haciendo de Cortés? Ella acababa de leerlo en voz alta y le había encantado. Traté de argumentar sobre la presencia de Malinche y esa ambigüedad que presenta el texto. ¿Cuántas actrices han personificado personajes masculinos, además? En los clásicos y en los modernos. Cuando al tiempo Raquel me propuso que yo la dirigiera todo empezó a cambiar. No me quiero explayar pero con más interrogantes que respuestas durantes los ensayos aparece una figura hermafrodita que contiene a Cortés y Malinche totalmente anclados en el otro gran actante, Tenochtitlán. Raquel es una magnífica actriz. Y esa empatía entre los dos personajes es una verdadera simbiosis desde todo punto de vista. Los aztecas llamaban “lengua de Malinche” a Cortés y “Cortés” a Malinche. Desde el punto de vista cultural y político son dos íconos de la conquista y la destrucción de Tenochtitlán.  Roles asumidos en toda su magnitud por ambos protagonistas.

      --¿Para usted cual es el significado del juicio, tanto en lo histórico-político como en su sentido teatral?

        --Desde el punto de vista histórico los juicios de residencia siempre expresaron las relaciones de fuerza entre los distintos protagonistas de la gobernabilidad de las colonias. Basta aclarar que el juicio de residencia estaba en manos del sucesor del imputado. Cortés fue acusado de muchas cosas terribles pero le otorgaron un gran poder territorial en esclavos y hombres luego del juicio. Capitán General y Marqués del Valle de Oaxaca. Cortés eligió ser Malinche. Eligió el nuevo mundo que lo recreó con todas las fuerzas que todavía siguen presentes. Pero para mí el Juicio de residencia fue el disparador teatral en mi convicción de denunciar las atrocidades de la conquista. Como decía anteriormente no es un ensayo. Es una obra de teatro que trata de expresar con un lenguaje poético las imágenes que uno supone que en ciertas situaciones, entes poéticos como son todos los personajes teatrales, puedan transformar conceptos y emociones en hechos no reales pero verosímiles. Respecto de la puesta debo decir que ha sido un trabajo en común con Raquel a la cual admiro como profesional y como actriz de gran talento. Y el gran concurso de la escenógrafa Magali Acha que supo sintetizar sin alegorías el espíritu de la obra. Destaco también el vestuario realizado por Manuela Vilas.

     --¿Cómo ha sido recibido la obra por el público? 

     ---Hasta ahora el público presencial ha salido muy satisfecho del espectáculo. Esto se refleja en las críticas escritas y radiales que se han difundido en distintos medios. Nos alienta a seguir presentando la obra. En el mes de agosto seguiremos en el Espión con un cambio de horario. Los viernes a las 20.30hs. Por otra parte hemos recibido algunas propuestas para llevarla a otras salas. Veremos…

Funciones de "Juicio de Residencia"

VIERNES 22:30 hs
Teatro El Espión
Sarandi 766
Reservas 4943 6516/ 15 6548 7262
Entrada gral:$35

Autor: Hugo A. Ramos
Actúa: Raquel Albéniz
Escenografía y diseño de luces: Magalí Acha
Vestuario: Manuela Vilas
Diseño Gráfico: Manuela Vilas y Darío Levanavicius
Prensa: Laura Castillo
Asistente de dirección: Julieta Rivera López
Director: Hugo A. Ramos

 

      

 

 

 

 

 

 

Laura Brauer, directora del espectáculo "Sum Sum"

“Sum Sum pretende entretener, pero no solamente. Hacer reír, pero también pensar. Divertirnos hablando en serio,” dice Laura Brauer, directora del espectáculo de la dramaturga Laura de Weck, que se presenta en el teatro La Tertulia de Buenos Aires. Jaquematepress se acercó a la directora y a los actores Rodrigo Arostegui y Carolina Avigliano para charlar sobre la puesta del espectáculo.

 --Laura: ¿Qué propone Sum Sum?

 Pretende abordar -desde la parodia- el tema de la (in)comunicación tomando como excusa el encuentro de una pareja que carece de un idioma común. Sobre esta base se vislumbrarán a su vez cómo funcionan los prejuicios aprendidos, los mandatos sociales, los de género y los culturales. Estéticamente se propone evidenciar un sistema de códigos y signos; invitando a completar con la imaginación la propuesta simbólica de cada escena. Actoralmente proponemos una exacerbación casi caricaturizada, que roza lo clownesco. Sum Sum pretende entretener, pero no solamente. Hacer reír, pero también pensar. Divertirnos hablando en serio.

-- Hoy en día los directores y grupos de teatro encuentran diferentes modos de enfrentar la actividad creativa. ¿Cómo ha sido el proceso para el armado del espectáculo Sum Sum?

Cada uno de los actores fue pensado para esta puesta desde el momento de la primera lectura de la obra, aún en alemán.

Eran desde el principio y -sin conocerse entre ellos- el dream team de este particular relato. Los que podían darle vida de un modo orgánico y darle desde el cuerpo una vuelta de tuerca.

Los ensayos tuvieron una etapa de abordaje al personaje desde juegos y estímulos externos y luego se concentraron en el trabajo con el texto y la puesta de las escenas.  Diría que los encuentros fueron flexibles y abiertos, pero siempre direccionados a una estética particular del relato, es decir con apertura pero rumbo claro. Lo inesperado fue lo que pasó a nivel personal; y divertido que se diera un encuentro profesional y personal tan genuino y de forma tan sencilla en el marco de contar esta historia que habla del desencuentro. Resultó tan placentero este encontrarnos que nos volvimos un grupo y ya estamos pensando en el próximo proyecto que haremos juntos.

 Si bien la actividad artística expresa el alma de cada época, la actual parece no tener un hilo conductor. ¿Es así?

Pienso que ninguna época determina o condiciona unívocamente la dirección artística. Pero entiendo sí que es un momento de la historia donde han pasado cosas que nos impiden sostener ciertas ideologías del pasado y que nos encuentra perdidos en ese sentido y desorientados con al avance tecnológico que implica un mundo más globalizado e interdependiente, donde los accesos y tiempos, cambian incluso la mentalidad de la generación que vino y ante esto ¿Qué decir?...pero creo que es una época en donde prima una libertad creativa, autorizada porque hay que buscar,  e incentivada porque hay que explorar para encontrar.

Entonces (me) interesa en este contexto hablar de lo complejo, de las contradicciones, de lo dogmático aprendido, de los prejuicios heredados y re-legitimados, de los perdidos que estamos (también por carecer de ideales claros), de la soledad y el aislamiento, pese a la cantidad de dispositivos que posibilitan la comunicación, de las distancias; de los tiempos propios…en fin de lo humano que no pasa de moda, de las necesidades sensibles, del deseo permanente de acercarse a otro(s) con cuantos aparatos sean y con cuantas desilusiones históricas nos precedan.

¿Cuáles han sido las dificultades que han aparecido en el montaje del espectáculo?

Tuvimos un actor que tuvo que irse, que hacía de Che Pibe y luego el reemplazo también se fue. Finalmente encontramos a Pedro, quién se adaptó e incorporó  con velocidad y profesionalismo al equipo.

El congeniar tiempos entre tantos hizo que se realentara el proceso de montaje y el tema dinero, sin duda, cambió los planes de la puesta. Había planes de la A a la Z, según la plata posible de producción.

Hicimos más o menos el plan J, no tan mal… pero requirió creatividad en la adaptación. Ahora estamos felices y no lo cambiaríamos, pero muchas de las ideas originales de puesta no eran estas.

Rodrigo: ¿Para la composición de los personajes, se concentró más en las acciones físicas, los cuerpos de los personajes, o el modo de pensar, el lenguaje, los conflictos planteados en el guión?

 Para la creación del personaje, pase por todo eso, y creo que hasta en ese orden… Primero, la búsqueda de la corporalidad del personaje y lo que esto produce y a partir de ahí empecé a viajar por su universo, cómo piensa y desde dónde piensa, qué dice y por qué lo dice, claro que todo motivado por la historia. Con los ensayos el personaje fue mutando, sus contracturas pasaron a distintas partes del cuerpo hasta que por fin terminaron dentro de su cabeza que es donde se origina todo.

Carolina:Todas las cosas que describís son parte importante en la composición de un personaje. No hay fórmulas mágicas. Desde mi experiencia, algunos personajes se “encuentran” más de adentro hacia fuera (indagando en sus emociones y sensaciones, estados de ánimo, en el vínculo con los demás, etc.) y otros “aparecen” de afuera hacia adentro (desde su postura corporal, su modo de caminar, hablar, etc.) Uno puede comenzar por cualquiera de los dos caminos (y de ello depende mucho el género que estemos abarcando, el autor a representar o la época a contar), pero “forma” y “contenido” terminan encontrándose en algún punto del camino y empiezan a “andar” juntas...En el caso de “Selina”, el primer esbozo fue a partir de su postura y de su forma de caminar; pero su modo de ver el mundo y de asombrarse frente a lo que iba viviendo el personaje, sus líneas de pensamiento, los conflictos que le tocaba transitar, la barrera que se le imponía al no poder comunicarse con el otro, etc. terminaron de configurar esa forma, en un comienzo vacía, y permitieron la aparición del personaje y sus contradicciones.

Rodrigo: ¿Cuál es la relación que los actores sienten con el público? ¿Les da la impresión de llegar, de conmover a los espectadores? 

La relación con el público siempre es diferente, más haciendo una obra con humor. Creo que la caricatura genera una empatía particular con el público y es más fácil decir lo que uno quiere.

Digamos que con Sum Sum esa cercanía existe y entre las risas se cala hondo el mensaje…

Carolina: Como dice Rodrigo, en el teatro cada función es muy diferente, y así lo es, también, la respuesta del público. Al trabajar con el humor, podemos contar situaciones terribles alcanzando cierto distanciamiento. Sin embargo, hay algo que queda reboloteando en la cabeza de cada receptor: como la abeja de Sum Sum. Y aparecen espectadores que se identifican con las dificultades que existen en el lenguaje (incluso cuando hablamos el mismo idioma), con la historia de amor o con el trasfondo de violencia y sus prejuicios y sometimientos (tan arraigados en los personajes)

Carolina:  ¿En su opinión tiene el espectáculo un "mensaje?" ¿Es necesario que un espectáculo tenga un mensaje?

Creo que toda expresión artística tiene algo que contar o un deseo por transmitir...Cuestiona para preguntar...Abre interrogantes...Genera movimiento...Tocar el tema de la incomunicación y la calidad de las relaciones interpersonales, en el “Era de las Comunicaciones”, no es tarea sencilla...Pero, es éste el tipo de vínculo que buscamos? Quizá, la picadura de una abeja nos empuje a replanteárnoslo...

Laura: No sé si siempre tiene que tener, esta obra no es una obra de mensaje, pero inevitablemente se está diciendo algo cuando uno cuenta una historia. Nosotros nos hacemos cargo de lo que contamos aquí, diría que más que un mensaje, queremos compartir esto que vemos y denunciar con humor cuantos a-prioris aprendidos tenemos, cuantos prejuicios nos condicionan, cuantos intentos culturales que enseñan a comunicarse son “frases hechas”, cuanto más nos vinculamos desde algo aprendido que desde lo que pasa en el aquí y ahora de cada encuentro.

En fin…poner en escena una sensación que conocemos y exagerarla, acercarnos a los espectadores e invitarlos a descubrirla para desarmarla cuando la reconozcan fuera de escena.

En pocas palabras el argumento tiene su punto de partida en la llegada de Urs-Peter al país de su enamorada, luego de un poema y 20 horas de vuelo.  Pero en el aeropuerto lo esperan además de ella, su hermana y un cura, dispuesto a casarlos allí mismo. Un viaje hacia la comunicación que los obligará a un idioma común, que derribe los prejuicios, atraviese culturas, diferencias de género y procure finalmente algún genuino encuentro, si es que acaso tanto es posible.

Género: Comedia Dramática
Actor: Rodrigo Arostegui,  Carolina Avigliano,  Natalia Bavestrello,  Pedro Padilla,  Daniel Tazzoli,  y Jorge Tomás.
Coreografía: -
Dirección: Laura Brauer.
Vestuario y escenografía: Lía Espiro
Asistencia técnica: Mariana Alvarez
Asistencia de Dirección: Dani Tazzoli

La obra cuenta con el auspicio del Instituto Goethe y la embajada de Suiza.

Funciones en Julio viernes a las 20:45 (PUNTUAL). SE RUEGA RETIRAR LAS ENTRADAS CON 20 MINUTOS DE ANTELACIÓN
MES DE AGOSTO: VIERNES 20:45 HS (PUNTUAL). SE RUEGA RETIRAR LAS ENTRADAS CON 20 MINUTOS DE ANTELACIÓN

RESERVAS TELEFÓNICAS:  6327-0303

MÁS INFORMACIÓN EN: sumsumargentina.blogspot.com

La Tertulia: Gallo 826 - Capital Federal 6327-0303

 

Entrevista con Sol Titiunik, directora del espectáculo "Rapaz"

“Rapaz” es un espectáculo de creación colectiva dirigido por Sol Titiunik, que explora la marginalidad. Jaquematepress habló con la directora sobre el proceso de escritura, improvisación y armado del espectáculo, que se presenta los sábados en el Oeste Estudio Teatral de Buenos Aires.

¿El espectáculo ha surgido del trabajo de los actores sobre el tema?

Sí. La gestación del proyecto comenzó a partir del acercamiento a escritores, poetas y pintores argentinos que fueran capaces de servirnos en nuestra etapa inicial de improvisación e investigación, como disparadores creativos para nuestro fin esencial: la creación de una obra teatral enraizada a su tierra y atravesada por las vicisitudes de la época, donde pudieran desplegarse las opiniones y poéticas personales de cada uno de los actores. A partir del trabajo y entrega de cada uno de ellos y de una escucha atenta por parte de la dirección, conformamos un tiempo y espacio común, construyendo así nuestra propia dramaturgia.

 De este proceso surgieron personajes únicos y complejos, nacidos de un universo construido con paciencia, por capas, donde íbamos recolectando pequeños tesoros como mineros en la oscuridad del subsuelo donde ensayábamos cada semana.

La estructura del relato la escribí en una sola noche, en la cual lo que hice fue simplemente darle un orden a esos tesoros encontrados, sumando un elemento narrativo clave -el cual prefiero no develar- que organizó nuestra historia y dio luz a Rapaz.

¿En su opinión cuáles son las ideas y/o innovaciones estéticas que
propone la obra?

La obra propone un lenguaje propio tomando la actuación como valor principal, la forma, los cuerpos, lo poético que irrumpe del absurdo que atraviesa las existencias.

La estética de Rapaz es simple y pictórica, marginal y bella, y esa belleza radica en las imágenes, la distribución de los cuerpos en el espacio, la iluminación y la escenografía. Relatada en cuatro escenas que transcurren en diferentes ambientes de un parador estatal, Rapaz obedece más a una estética cinematográfica que teatral. A través de sutiles cambios de iluminación y elementos escenográficos, el espectador entiende que se trata de un ambiente distinto y construye así el espacio escénico en su imaginación, no sólo por lo que ve sino también por lo que no ve -lo que en cine llamaríamos el fuera de campo-.

Esta fusión de lenguajes constituye seguramente uno de los valores estéticos innovadores de Rapaz, aunque se trate más de una consecuencia de mi formación como cineasta que de una búsqueda consiente.

¿Cuáles son los desafíos relacionados con la puesta en escena y la dirección escénica?

Uno de los principales desafíos de la puesta es el enorme compromiso por parte de los actores. Rapaz es una obra de relato simple que se apoya en la intensidad de las actuaciones, en la potencia de los personajes, receptivos y adaptables a cualquier novedad, que con absoluta decisión toman el espacio utilizando todo imprevisto a su favor. Esta gran capacidad de adaptación está dada precisamente por el tipo de proceso de creación, el cual les otorga una libertad de acción mucho mayor que el común de las obras. No se trata de actores interpretando un texto escrito por un autor, sino de actores en el sentido más activo de la palabra, que han inventado su propio mundo a cada paso. Sus personajes fueron creados por ellos mismos y esto les permite adueñarse del universo y de las situaciones propuestas de un modo sorprendente y poderoso. Portantes de una frescura que captura al espectador los rapaces logran derribar las barreras de la solemnidad. Los textos más profundos y poéticos están encarnados de tal modo en ellos que llegan al espectador sin esfuerzo.

Otro de los desafíos de Rapaz creo que tiene que ver con el riesgo. En Rapaz hay un riesgo constante, un peligro inminente que atraviesa toda la obra y que está encarnado concretamente en uno de los personajes principales -tiene que ver justamente con aquel elemento narrativo clave que no quiero develar.

Por último, Rapaz habla de los olvidados, de los oscuros subsuelos, de los marginados, pero lo hace sin distancia, sin compasión. Y en esta posición también hay un riesgo. Rapaz dice, sin decirlo, que estamos todos hechos del mismo polvo de estrellas, aquí en el sur, allá en el norte, aquí en el Mercado, allí en el centro. Y que siempre puede venir un enemigo a intentar destruir nuestros sueños, y que siempre se puede dar pelea para perseguirlos, aunque fracasemos en el intento.

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Ficha técnico artística del espectáculo “Rapaz” Actúan: Lucrecia Bava, Juan Karlic, Rodrigo Pagano, Melisa Sottile, Lorena Yapura Maquillaje: Ana Sol García Dinerstein Diseño de luces: María Arnoletto Fotografía: María Arnoletto Diseño gráfico: Leila Gramajo, Rodrigo Pagano Asistencia coreográfica: Jazmín Titiunik Asistencia de dirección: María Arnoletto Prensa: Tehagolaprensa Dirección: Sol Titiunik Web: http://rapazteatro.blogspot.com Funciones: Sábados, 22 horas Oeste Estudio Teatral Del Barco Centenera 143 1° Cap. Fed., Argentina Entradas: $30 Reservas: 4901 3111 Web: http://oesteestudiodelmercado.blogspot.com SOL TITIUNIK es actriz, docente, directora de teatro y directora cinematográfica. Desde sus comienzos se desempeñó tanto en teatro como en cine, fusionando y potenciando las posibilidades de cada lenguaje. En teatro, se formó en actuación, dirección de actores y puesta en escena con profesores como Hugo Midón, Nora Moseinco, Luis Agustoni, Jorge Polaco, Jorge Hacker, Graciela Camino, Cristina Banegas y Ricardo Bartis. Asimismo, realizó cursos complementarios de canto, educación rítmica y vocal, entrenamiento corporal para actores, contact, danza butoh y danza teatro. Actualmente dicta clases de Entrenamiento Actoral y Montaje Teatral en la Dirección de Cultura de la Biblioteca del Congreso de la Nación, y dirige su primera obra teatral. www.rapazteatro.blogspot.com En cine, es egresada de la carrera de Dirección Cinematográfica en la Universidad del Cine, y se desempeña en el medio audiovisual como guionista y asistente de dirección, a la vez que dicta clases de Cine Documental en la Biblioteca Nacional. Además ha realizado varios cortometrajes de su autoría, entre ellos Quimeras, co-producido por la Universidad del Cine y pre-seleccionado por la Sección Cinefondation del Festival de Cannes.

 

De Italia a Buenos Aires: Giampaolo Samá habla de "Lamerica"

Giampaolo Samá creció en Italia con la actuación teatral corriendo por sus venas. Luego "La Argentina empezaba a llamarme." Ahora presenta el espectáculo "Lamerica" en el teatro timbre 4 de Buenos Aires. Jaquemate charló recientemente con el actor sobre la inmigración y el teatro...

 Empecé a estudiar teatro a los 18 en Calabria. A los 23 logré entrar en la Academia de Arte Dramático de Calabria, dirigida en ese entonces por Luciano Lucignani, uno de los colaboradores y amigos más cercanos de Vittorio Gassman. Terminada la Academia me fui de Calabria para buscar mi lugar en el teatro en Roma. Trabajé en muchos espectáculos, retomé los estudios en la Facultad y en el 2006 me recibí en Letras y Filosofía en una carrera que se llama DAMS (Disciplinas de la Artes Música y Espectáculo). Mi tesis fue: “Teatro Abierto ‘81”. La Argentina empezaba a llamarme. Me mudé el año después acá, por amor a mi mujer, mi esposa.

¿Cómo surgió LAMERICA? ¿En base a improvisaciones? ¿Algún texto guía?

 La idea iba y venía en mi cabeza desde hacía años. Contar un cuento épico-poético-grotesco sobre la emigración. Algo que haga pensar, reír, llorar. Un poco pretencioso pero hay que aceptar los desafíos que te propone la vida. Llegar acá, tierra de emigrantes, me despertó de vuelta las ganas de contar esta historia. El gran desafío de mi vida se había vuelto mi vida misma. Vivir en una tierra donde hablan otro idioma y tan lejos de mi mar. También porque seguía buscando mi lugar en el teatro. Así que decidí arrancar todo de vuelta: pensé escribirme mi propio espectáculo. Busqué material: cartas, historias, músicas, cuentos y mi experiencia personal que, día por día, era la del emigrante. Tardé un año en escribirla y cuando la terminé me di cuenta que era necesario reescribir todo. La acción dramática: un detalle a tener en cuenta. Un cuento de 33 páginas había tomado la mano al texto teatral. La síntesis: otro detalle. Así que de vuelta a escribir, esta vez ensayando con el material que tenía y que se modificaba día por día. Esto por otros 5 meses. Iban surgiendo personajes, algunos quedaron, otros se fueron. Las historias se agregaban y se borraban. Y después otra duda: el enfoque. ¿Quién cuenta ese cuento? Y ahí, por suerte, llegó la idea del cocinero de barco, emigrante del mundo y con ganas de contar historias. Un mes y medio más de ensayos y el barco zarpó. Pude zarpar también gracias a la ayuda infinita de “mis chicas” -me encanta llamarlas así-, que me acompañaron en el camino. La cooperativa que formamos está conformada por mí y 4 mujeres: Lorena Barutta, excelente directora, ElisendaIbars catalana y preciosísima asistente, Dana Barber y su hermoso diseño luces y Eugènia Pascual Puig, otra catalana, productora ejecutiva, lo que faltaba.

Uno de los logros del espectáculo es haber podido llegar al corazón de los espectadores, especialmente los porteños, con un planteo sincero que a la vez parece hacer clic con aspectos de la actualidad. ¿Es así?

Yo creo en un teatro que mire constantemente a la actualidad. Un teatro cívico se lo llama en Italia. Hablar de la primera gran emigración es un pretexto para hablar de hoy. Todos los días, en Argentina como en Europa, en EE.UU., en fin el cualquier rincón del mundo sigue pasando lo que cuenta LAMERICA. Además para mí fue una exigencia. Quería volver a actuar, después de cuatro años buscando un lugar en el teatro, también en esta ciudad, extrañaba el escenario. La sinceridad de este espectáculo surge de esta exigencia.

 ¿Cuáles fueron los principales desafíos en el armado del espectáculo, los momentos de desazón?

 Encontrar el estado físico justo para hacer todo lo que la puesta necesitaba. Son muchos personajes y muchos desdoblamientos repentinos. Un problema exquisitamente técnico. Es un espectáculo que necesita de mucha concentración y precisión. Ensayamos en el living de mi casa en el último mes y medio, en un clima muy tranquilo. Las cosas surgían día por día, muchas ya las tenía bien claras en la cabeza. Por suerte, y como por arte de magia, este mes y medio fue muy bueno. Nos entendíamos muy bien con Lorena y Elisenda y fue muy divertido el trabajo. Cuando se logra el clima justo es hermoso, todo es liviano. Por ahí una escena nos costó un poco: una en la que dialogan tres personajes -estando yo solo en el escenario. Un emigrante, un empleado de migraciones que lo entrevista y el traductor italiano. Esta me costó un poco pero al final salió.

Otro de los logros: armar un personaje carismático que con facilidad se desdobla hacia otros personajes plenamente identificables. ¿Cómo fue el proceso de construir varios personajes tan nítidamente diferenciados?

Como te decía, las cosas se fueron dando de a poquito. Repitiendo de manera metódica los cambios, también lejos de los ensayos seguía pensando y probando la mejor manera, la más sintética para hacer los cambios y no llevarse nada de un personaje en el otro. Es una cosa que me encanta hacer. Mi ídolo es DarioFo. Hace esto de manera increíble. Yo intento solo seguir esa idea. De hecho escribí el texto para poder hacer esto. Por supuesto que para lograrlo se necesita mucho trabajo, concentración, presencia en lo que se hace. Es una artesanía. El trabajo del actor lo es. Artístico puede ser el resultado final y no es cierto que se pueda alcanzar siempre semejante resultado.

Estar sólo más de una hora en el escenario transitando meticulosamente varios personajes es un trabajo de mucho rigor, ¿verdad?

Eduardo de Filippo decía: “Teatro significa vivir en serio lo que los demás en la vida actúan mal”. Esto para mi es la síntesis del teatro y para hacer esto sí, necesitas de mucho rigor, es un trabajo en serio hacer teatro, un trabajo minucioso, profundo, es meterse en juego siempre en cada instante. Por ahí es raro decirlo pero no siempre la gente entiende o sabe cuánto cuesta actuar, actuar en serio lo que en la vida nos tomamos la libertad de actuar y mal.

¿Hubo tareas de investigación a partir de tus experiencias, o las de otros inmigrantes? ¿Cómo entendés la relación entre la investigación del actor sobre los hechos relacionados con la obra y la puesta de la misma?

Sí, la primera parte del trabajo fue de investigación. Muchas lecturas, visité el Hotel de Inmigrantes, se me abrieron mundos enteros. Hay historias para otros dos espectáculos más. Como la de un italiano que se salvó en el hundimiento del Sirio porque quedó a flote tres horas agarrado a su acordeón. Escuchar música, ver videos, fotos, películas, documentales. Todo lo que podía. Para mí es fundamental, no podría hablar de algo que no conozco o que no estudié. No creo en la inspiración y nada más. Hay que alimentarla con algo.

¿Se ha pensado en la posibilidad de llevar la obra a algunos de los barrios porteños poblados por hijos de inmigrantes?

¡Me encantaría! La verdad es que no conozco mucha gente. Estoy empezando a proponer la obra y ojalá que esto se pueda realizar. Estamos abiertos a todas las propuestas. Espero que el barco de LAMERICA pueda visitar muchos puertos. En Europa el tema emigración es más que actual con los africanos en plena etapa revolucionaria y que empujan las fronteras. Millones de personas, todos los días, empujan las fronteras del mundo. El ruido es increíble y es escandaloso que los gobiernos se hagan los sordos.

¿Cuáles son los planes para el futuro?

Seguir “cocinando” en el barco LAMERICA. Y que esto me lleve donde sea. Esto es todo muy nuevo y todavía tengo que hacerlo crecer mucho.

 Nos gustaría conocer tu opinión sobre el arte teatral en el momento actual. Hay una cantidad impresionante de propuestas. ¿Crees que hay algún punto en común?. El apuro en estrenar espectáculos: ¿es beneficioso o es producto del momento en que vivimos? ¿Qué es el teatro para vos y sobre qué aspectos teatrales te gustaría apuntar en el futuro?

Me da un poco de vergüenza pero no veo mucho teatro, me gusta mucho estar en casa, cocinar y la cantidad de propuestas es asombrosa. Aunque quisiera no lograría verlas todas, así que elijo lo que veo con mucha parsimonia. Creo que en común todo este movimiento tiene las ganas de meterse en discusión, de expresarse, que es el mejor estimulo que pueda tener el hombre para no morirse. Espero que sea así porque, si así no fuera, sería una clamorosa pérdida de tiempo. Con este trabajo uno no se hace rico y es de locos pensar lo contrario. Yo lo hago porque a veces siento la exigencia de decir algo y  con la esperanza que este algo pueda ser útil para mí y para la gente que se cruza con mis espectáculos. Me gusta que el teatro te sacuda, te emocione, te sorprenda. Que te haga reír y llorar. Y para lograr esto no es necesario tener efectos especiales. El teatro es mágico, de la nada surgen personas, objetos, historias. Sentimientos básicos y poco intelectualismo. Esto lo dejamos para los intelectuales verdaderos. Nosotros somos solamente actores.

Funciones: DOMINGOS 21.30 Hs.
Teatro: Timbre 4 |  Av. Boedo 640 | CABA
Tel. [phone]

Valor general $35. Para estudiantes y jubilados $25

Reservas: www.timbre4.com |

http://www.alternativateatral.com

http://lamericaobra.blogspot.com

 

 

 

Thibault David Géhin y Thomas Henry: de Francia al El Baldio Teatro de Ciudad Jardín

Desde muy tierna edad en Francia Thibault David Géhin y Thomas Henry volcaron su pasión y su energía al arte teatral. Ahora instalados en Argentina, en El Baldio teatro de la Ciudad Jardín, siguen con pasión y alegría vertiendo cuerpo y alma en los escenarios. Hablando en perfecto porteño, primero David y luego Thomas conversaron con Jaquematepress sobre sus actividades.

--Así, de Francia a Argentina…

--Bueno, yo llegué a aquí a principios de 2008.

--¿Era su primera visita al país?

--No, estuve por primera vez en el 2001.

--¡Qué año!

--Sí, tenía 15 años. Hacía teatro en un grupo amateur francés, un grupo que había establecido lazos de amistad con El Baldio teatro en el transcurso de un festival de teatro en Italia. Por eso después nos invitaron a participar en el festival de la Víspera que organizan ellos todos los años en Palomar, y llegamos luego a Argentina en una gira de tres semanas. Fue justo antes de Navidad y yo con 15 años me encontré en la calle golpeando  cacerolas; no sabía por qué, lo supe después.

--¿Cuándo terminó la gira volvieron a Francia?

--Sí pero El Baldio teatro nos invitó varias veces a presentar nuestro trabajo aquí.

--¿Qué hacía Usted en Francia?

--Yo empecé con un grupo que se llama “Charlet Theatre.” Era un pequeño grupo de teatro amateur. Se dedicaban a explorar diferentes actividades. A decir la verdad, tuve la suerte de caer en un grupo que hacía teatro de calidad.

--Pero imagino que antes había estudiado teatro…

--Bueno, el director de este grupo francés era profesor de literatura en un colegio y tenía un taller de teatro para sus alumnos, para el último año, para los estudiantes de 14 o 15 años. La mayor parte de mis amigos iban al taller, de modo que yo fui también. Pero entré diciendo no, no quiero actuar, quiero ayudar, con el decorado o cualquier cosa pero el director me miraba y me decía vamos a ensayar…”Un sueño de una noche de verano” de Shakespeare. Me dice ‘me gustaría que probaras…tenés como una buena presencia, te veo en el papel de Oberón.´ Agarré el papel, fue una experiencia muy linda. Invitamos a todos los compañeros del colegio a ver el espectáculo, los padres. ¡Yo tenía un cagaso!

--¡Ja! Ja!

--Pero entro para mi primera escena y salgo y woh! ¡Qué bueno! Luego ese mismo año el profesor convencía algunos de sus alumnos a seguir trabajando y fue así. Al año me propuso viajar a Argentina porque le faltaba gente en su elenco. Así que viajamos a Argentina en un viaje que era mucho más que turismo.

--Su estilo de actuación parece poner el acento en el cuerpo.

--El director era profesor de literatura, entonces lógicamente ponía el acento en la palabra. Pero cuando trabajamos con El Baldio entendíamos que ellos trabajaban desde otro lugar. Me llamó mucho la atención el tipo de entrenamiento físico-vocal que hacían. Yo tenía 20 años, todas las pilas cargadas, dispuesto a moverme…

                No terminó la frase cuando entró en la sala el compañero de David, Thomas Henry.

--Estábamos hablando con David sobre el tipo de entrenamiento teatral en El Baldio teatro.  

--David: Cuando llegamos a Argentina una de las primeras cosas que hicimos era entrenar. De joven uno quiere hacer todo, las cosas más increíbles que se puede hacer en un entrenamiento. Después con el tiempo uno se da cuenta que entrenar es aprender a escucharse desde el cuerpo. Bueno, nuestro director en Francia nos decía que íbamos a llegar a Argentina con una obra. Entonces en 2007 comenzábamos a trabajar “Star” con Ángela Gallo, una actriz italiana, que dirigió el espectáculo en Francia. Y bien, hicimos espectáculos en la sala, como también en colegios y luego llegamos a Argentina con la obra y el director Antonio Célico, de El Baldio teatro, dirigió el montaje aquí.

Henry agregó:

--Cuando ensayamos la obra aquí no hubo buena conexión entre nosotros, entonces Antonio compró una soga de elástico y trabajábamos la obra atados y eso nos resultó muy útil. Pero aparte tuvimos que meternos en el difícil proceso de traducción de la obra del francés al español.

--Los personajes son como ratas, pero a lo mejor el término evoca algo diferente en Francia…

--Henry: ¡No sé, me parece que el concepto de rata es igual en todas partes!

--David: En Francia, en Argentina o en China la rata en la ciudad es algo sucio, repugnante, mal.

--¿Qué comentarios han hecho sobre la obra?

--Bueno, algunos decían que en la obra hay muchas malas palabras, pero son expresiones que escuchamos en las calles de Buenos Aires-

--David: Una de las cosas que queríamos hablar en la obra tiene que ver con proteger el lugar de uno. Uno de los personajes está cagado de hambre y sabe que aprendiendo de otro puede llegar a otro nivel. En cambio, el otro ya está instalado, tiene su nivel, come todos los días, está cómodo. Pero también hay diálogo, fraternidad, no es unilateral.

--¿Planes para el futuro?

--Henry: Vamos a seguir trabajando esta obra, no es difícil trasladarla a  otros espacios, tal vez participar en algunos festivales. Pero también estamos comenzando  un nuevo proyecto.

Contactos:

El Baldio teatro, avenida Finca 6577, Ciudad Jardín, Palomar, Provincia de Buenos Aires.

Web: http://www.elbaldio.org

Mail: [e-mail]  /  [e-mail]

Rubén Rivas: "El teatro es un juego...que se hace con algunas reglas."

      En el corazón de San Telmo, el barrio colonial de Buenos Aires, hay muchas y gratas sorpresas que esperan a la vuelta de la esquina. Por ejemplo, el teatro Macondo, lugar dedicado al humor, al varieté y a la diversión sana. También ofrecen cursos y talleres, desde yoga hasta teatro en inglés. Jaquematepress se acercó al director.

--¿Es Usted el director?

--Sí, soy Rubén Rivas, Grillo para la gente que me conoce.

--¿Grillo? ¿Es su apodo?

--Sí, pero no sé por qué tengo ese apodo. Es increíble, pero no sé. Yo vengo de Pehuajó.

--¿Pehuajó?

--Sí y debe haber sido en el jardín que apareció el apodo.

--De Pehuajó a Buenos Aires y aquí director del teatro Macondo…

--Hace aproximadamente tres años tomé el edificio para convertirlo en un teatro. Antes  era del Sindicato de Granos, después  pasó a manos del Sindicato Único de Cantantes.  Pero había un sótano muy grande en desuso.

--Donde estamos ahora.

--Exactamente. Estaba mal, hecho bolsa, lleno de agua. Con mi socio Marcelo Paz bajamos para ver el espacio y enseguida pensábamos en un teatro e hicimos una propuesta al sindicato. Es el séptimo teatro que  armo. Yo ando con el tema desde los 13 ó 14 años.

--¿Son todos en Capital Federal los teatros que has armado?

--Sí, sí, en Capital. Uno en Boedo, el  Quijote se llama, en Independencia al 4.000, después en  Villa Crespo, en Flores, en Palermo…hasta llegar aquí.

--¿Cómo se le ocurrió el nombre "Macondo?"

--Bueno, uno de mis autores favoritos es García Márquez y uno de los personajes de “Cien años de soledad” vive en  un pueblo que se llama Macondo.

--Además de construir teatros, Usted también actúa y es director teatral. ¿Qué es el teatro para vos?

--Es la vida. Todos  hacemos teatro de una u otra manera. Lo  lindo es hacerlo en el escenario para que la gente pueda ver lo que uno ha hecho, que la  gente  pueda aplaudir y disfrutar de lo que uno ha hecho. Es lindo. Uno puede jugar a ser otro.

--¿El público que  va al teatro son del barrio?

--Tratamos de llegar  a la mayor cantidad de personas posible. Cuando hay temporadas de turismo, y como estamos en San Telmo, llegan muchos turistas.

--¿Algunas obras en cartel?

--Nos dedicamos a hacer mucha comedía,  varieté, café concert, mucho humor. Ahora los sábados estamos presentando “Hábito en fuga,” a las 21:30 horas. Yo escribí la obra. Somos cuatro personajes, cuatro mujeres. No somos hombres tratando de hacer mujeres. Tratamos  de hacer mujeres.  Sabemos que somos hombres, claro, pero hacemos mujeres. Hay una mujer que se escapa de un convento. Pide ayuda a una amiga para hacer una cita con un hombre. Su madre es muy católica. En fin, el tema es cómo conquistar  a  los hombres.

--¿Ponen ropa de mujeres?

--Sí, sí, claro. Ahora yo siempre digo el teatro es un juego. Lo que pasa es que el juego  se  hace con  algunas reglas. Si Usted no toma en serio las reglas, Usted no va a disfrutar del juego, tampoco los espectadores. Lo lindo es después, cuando saludamos a los espectadores, la gente ve que somos hombres. Somos mujeres y al final la gente  se da cuenta que somos hombres. Una transformación. Tratamos de evitar los estereotipos, que el actor sea lo más parecido posible al personaje. 

--¿El elenco es estable?

--Tenemos un elenco de más o menos siete personas. Después, según el espectáculo que hagamos, invitamos a bailarines, cantantes…

--¿El próximo espectáculo?

--Un varieté, todavía estamos buscando el nombre. Vamos a incluir sketch mudo  para  que la gente de afuera pueda entender mejor lo que sucede en el escenario. Todo  el mundo entiende el lenguaje corporal.

--¿Hay cursos, talleres?

--Siempre que abrimos una sala de teatro lo primordial son los cursos y talleres. Tenemos Pilates, yoga, narración oral, teatro, teatro para niños, teatro en inglés…

--¿En inglés?

--¡Sí ¡Está muy bueno! ¡Yo no entiendo un carajo de inglés, pero está muy bien! Estamos por comenzar un taller de tango, candombe, es un lugar abierto a gran variedad de proyectos. También tenemos una radio, AM tango 1120 (www.amtango), que incluye un programa de chistes, un programa de dos horas todos los miércoles. ¡Terminamos más cansados que después de una función!

Contacos:                          Rubén Rivas  /Marcelo  Paz

Teatro Macondo:

avenida Garay 460,  San Telmo, Capital Federal, Argentina

Teléfono:                           4307 3742

Web:   http://www.elblogdemacondo.blogspot.com

AM1120 tango  http://amtango.com.ar

Adela Sánchez, directora de "El Vendedor"

Luego del fuerte aplauso que acompañó el estreno del espectáculo “El Vendedor” el domingo pasado en el teatro Ofelia de Buenos Aires, la directora, Adela Sánchez, aceptó charlar con el cronista de Jaquematepress sobre el notable espectáculo--una creación de la dramaturga y actriz venezolana Mariela Romero, especializada en telenovela.

--Cuando leí el libro de Mariela me puse a pensar: ‘¿qué queremos contar?’ Y apareció la idea de trabajar sobre la idea de estar acompañado y los chicos (los actores Germán Suarez y Alejandra De Marco) gustaron la idea.

Sánchez viene a la dirección teatral luego de haber ganado el premio del Festival de Cannes MEJOR INTERPRETACION con la película “Los Labios.” El Vendedor pone en el escenario una relación tóxica, un mal amor, más dañino que el “no amor.” Plantea una pregunta de difícil repuesta: ¿Hasta qué punto una persona puede aguantar situaciones claramente negativas simplemente para no estar sola? Gloria es la solitaria ex secretaria y ex amante de un ministro, con algunos abortos en su haber. Gabriel, un supuesto vendedor, se las ingenia para entrar en su departamento y seducirla. La relación se intoxica cada vez más, ella se prostituye, vive de engaño a engaño…

 --Hmm

--Es una mirada, una metáfora. Uno muestra el material y te dicen pero qué exagerado, no puede ser que la mujer se prostituye, pero creo que tenemos que tomarlo como una metáfora, se prostituye porque se trabaja en un cabaret, porque todos los días uno hace el papel de mucama de casa…

--Una duda: ¿No es un poco débil el rol de la mujer?

--De repente se la ve como una persona débil pero de repente se dispara y decide al final quedarse sola. Ese es un tema que estuvimos hablando mucho. Queríamos respetar mucho las decisiones de la escritora y Mariela decidió que tenía que volver a su situación de soledad, pero de otro modo.

--¿Puede explicar eso?

--Cuando comienza la obra ella está en una situación de soledad ‘depresiva.’ Cuando termina la obra la idea es mostrar que ella decide estar sola, que vuelve a estar con sus cosas, con las cosas que le puede dar cierta seguridad. No estoy diciendo que va ha hacer las cosas mejor. No. Ella simplemente elige estar con aquellas cosas que ella conoce, con las cosas que eran importantes para ella en algún momento. Creo que su fortaleza está en haber podido escuchar lo que le dice su hombre, cuando él le dice: ‘vos sos puta.’ Es el momento cuando ella tiene que decidir bajar.

--Romper la relación…

--Sí. Un hombre y una mujer pueden decir muchas cosas pero siempre hay algo puntual que puede resquebrar el vínculo. Creo que ella llega a ese punto en la obra y toma su decisión.

--¿Cómo fue el trabajo con los actores?

--Consistía en tratar de ver qué tenía ellos de cada personaje. A partir de ahí comenzamos a construir. Aquellas cosas que les resultaban muy conocidas, trabajarlas para mostrarlas en las funciones; y las cosas desconocidas, recrearlas. Tenían que buscar la vida del hombre y la mujer. Es un libro muy escueto, de diálogo.

--Es decir, se tenía que adaptarla.

--Nuestra intención no fue ‘aporteñar’ a la obra, pero en algunos aspectos no teníamos más remedio.

--¿La obra fue escrita para teatro?

--Sí. Se estrenó en un teatro en Venezuela con mucho éxito.

--¿Hubo un momento en la preparación del espectáculo que fue particularmente difícil?

--Bueno, debo decirle que es la primera obra que dirijo, entonces y estaba continuamente ensamblando la obra. No hubo un momento cuando no sabía cómo seguir pero me preocupaba con el tema de cómo contar la obra, cómo comunicar mis ideas con los actores. ¿Cómo seguir contando la historia en medio de todos los ensayos? ¿Qué línea tomar? ¿Qué decisión tomar?

--¿Cuáles son sus planes para el futuro?

--Vamos a seguir aquí hasta fines de abril. Pero como esta sala tiene otros compromisos, estamos buscando otro lugar. No es fácil trabajar en el teatro independiente y sabemos también que el tema de la relación entre hombre y mujer tiene saturado a mucha gente pero pensamos que la mirada de “El Vendedor” puede ser muy enriquecedora.    

EL VENDEDOR

Autor:                   Mariela Romero

Dirección:           Adela Sánchez (FESTIVAL DE CANNES premio MEJOR INTERPRETACION con la película “LOS LABIOS”) Elenco: Germán Suárez y Alejandra De Marco

 Elenco:              Germán Suárez y Alejandra De Marco

Funciones:         Domingos 20:30hs.  

Ofelia casa teatro: Honduras 4761(entre Armenia y Malabia) Palermo – C.A.B.A

Localidades: $ 40

Web de Ofelia: http://cultivartesoho.com.ar

 

SOBRE LA AUTORA:

Mariela Romero nació en Caracas, en 1949. Además de dramaturga es actriz y escritora de telenovelas. Inició su carrera como actriz en la Escuela de Arte Dramático del Ateneo de Caracas, y luego de titularse allí, ingresó en el grupo teatral Bohemia. El Premio del Ministerio de Justicia por su obra "El juego" (1976) la catapultó a la fama teatral y desde entonces no ha dejado de producir piezas que han sido representadas tanto en Venezuela como en el extranjero.

Su trabajo como creadora ha corrido paralelo al de libretista de televisión en el cual disfruta de un bien reconocido prestigio. Sus obras han sido publicadas por el Brooklin College Humanities Institute de New York y por el Service Culturel de la Sorbonne Nouvelle de París, y su pieza "El vendedor", fue llevada al cine bajo el nombre de Bésame mucho, por Phillippe Toledano. 

Daniel Casablanca, un experto en comedia, dirige la tragedia griega "Las Suplicantes."

El teatro se parece al viento: cambia la dirección pero siempre sopla con una energía vital que despierta la conciencia de espectadores y actores, generación tras generación.  En Buenos Aires Daniel Casablanca, un joven actor y director, experimentado en comedía, que acaba de estrenarla tragedia “Las Suplicantes” de Esquilo en el teatro de la Comedia, tiene renovadas propuestas sobre cómo hacer teatro. Jaquematepress charló brevemente con Daniel.

--¿Cómo es tu nueva experiencia teatral?

 --Trasladar una estética e ideología de trabajo aplicada a la escuela y a la formación de actores al campo profesional fuera del marco de la pedagogía. Es decir, una forma pura de trabajo, con objetivos exclusivos de aprendizaje, llevado al marco del teatro independiente.

 --Se dice que en el teatro griego tanto la comedia como la tragedia producía una especie de catarsis. ¿Qué pasa con el actor cuando actúa?

 --También, es raro que al espectador le sucedan cosas que a los intérpretes no les estén pasando. Si el espectáculo es aburrido, es seguramente porque el actor se está aburriendo. Y el género tragedia suele ser muy placentero para el tránsito del actor.

 --Se puede observar además que los humanos cambian su estilo de vida, incorporan nuevas tecnologías, pero siguen sufriendo situaciones trágicas y a menudo encuentran la forma de reír a sus estupideces…

 --En la tragedia, puede existir algún tipo de reencuentro antropológico de los grandes temas con el espectador, que lo pueden movilizar o identificar pero nunca desde la risa, más bien desde la emoción, de la conmoción. Y a pesar de que los tiempos cambian, es verdad que las grandes tragedias siguen siendo las mismas.

 --Hmm…¿Cuales son los respectivos desafíos relacionados con armar un espectáculo cómico o una obra trágica? ¿Cuál atrapa más al público, ó a vos como director?

 --Son géneros muy distintos, como director disfruto mucho de las puestas trágicas porque como actor transito más los caminos opuestos. Al público lo atrapan los buenos espectáculos. Buenos Aires tiene una alta calidad de espectadores que consumen todo tipo de propuestas, la tragedia es una de ellas, que no deja de ser popular y para todo público, por algo nuestro referente como actor nacional, Alfredo Alcon, es un actor trágico, dramático.

  --¿En algún momento del armado de “Las Suplicantes” pensó en dar vuelta a la propuesta y presentarla como comedia?

 -- No, de ninguna manera! El desafío y la propuesta tiene que ver con la puesta de una tragedia en genero puro, sin quiebres ni comentarios y con cuarta pared de horizonte hacia arriba, cual ritual dedicado a los dioses. Nada más alejado a la comedia o a lo naturalista.

 Las Suplicantes

de Esquilo

Dramaturgia: Gabriela Biebel

Dirección y puesta en escena: Daniel Casablanca y Andrés Sahade

 Funciones: Martes 20 hs, sala #2, Teatro La Comedía, Rodríguez Peña 1062

 Reservas: 4815-5665

Elenco: Lucía Ballefin Benites, Guadalupe Bervih, Gabriela Biebel, Santiago Camporino, Andrés Sahade y Alejandro Zanga.

 Entrenamiento vocal: Alejandro Zanga.

Entrenamiento físico: Lucía Ballefin Benites.

Diseño de vestuario y escenografía: Santiago Camporino

Producción Ejecutiva: Guadalupe Bervih

Asistencia: Camila Cruz

Edgardo Epherra, escritor: "cuando escribo es una segunda respiración..."

Con un café de por medio, el calor de San Telmo provocando sudor en la frente, el año 2011 burlándose de su hermano menor, 2010, y con el arte de la palabra como leit motif, fluye sin tapujos una charla entre Jaquematepress y el escritor argentino Edgardo Epherra . 

--¿Cómo y por qué comenzó a escribir?

--Bueno, la vocación literaria (la de escribir pero también la de leer) a uno le sucede, o mejor dicho, no se elige: se trata de algo que lo elige a uno, en cierto momento de la vida. Yo no podría determinar cuándo me ocurrió esto, en términos de calendario, pero emocionalmente sí:  me veo disfrutando de los colores, las texturas, los olores de aquellos libros de cuentos de mi primera infancia, aún antes de saber leer, y muy poco después, haciendo esos primeros trazos con los cuales agredía, ya desde entonces, cuadernos, libretas y papelitos. Sin tener conciencia exacta de cuándo, creo que éste fue el "cómo" empecé a ser escritor.

--Es decir, no hace falta un "porqué."

Desde luego: si uno no lo elige, tampoco tiene un "porqué" íntimo, racional, voluntario. De a poco la vocación se hace destino. Basta con no contradecirla. Todo se va dando por una especie de hermosa fatalidad, entre los goces y las sombras. Uno se apasiona y disfruta con esto, y simultáneamente descubre que puede aprender, mejorar. Hablo de mi caso, desde luego: entonces he procurado hacerme cargo, como pide Borges: "El secreto de la felicidad consiste en no traicionar tu don".

--O sea, dejar que el don toque el corazón.

--Y no digo que yo tenga algún Gran Don. Digo que leer y escribir me gusta, lo hago con sumo placer todos los días, profesionalmente (como quien profesa) y compruebo que a algunas otras personas les da placer leerme o me consultan para escribir y corregir. Ésa es la causa de mi elección. Ser escritor me permite ganarme la vida, en todos los sentidos de la frase: Hago lo que quiero, no lastimo a nadie y nadie me molesta. ¿Qué más podría pedir?
 
--Hmm.Tiene una revista en la web. ¿Cuáles son sus aspectos únicos?

--Ah, cuántas paradojas se me ocurren para responder una pregunta que en el fondo no sé contestar: todos somos iguales de distintos; el universo es diversidad; etc. Podemos echar mano a cualquier frase de ésas. Pero me parece imposible en este rubro lograr algo único. Ya el hipertexto hace que una sola revista no sea única, aunque sólo ella existiera en el cyberespacio: porque el lector se va metiendo click a click en las honduras del sentido -o de los sinsentidos- de la Red, y así la revista es una multiformidad de “opciones” donde lo único estable es el cambio, y la adicción a navegar empuja a naufragar de apuro.

--¿Será por eso el nombre de la revista?

--Sí. Se llama Revista Sobre Vuelos. Reconoce su limitación. Estamos obligados a sobrevolar. El medio electrónico casi siempre condiciona al contenido literario. ¡Pero casi! También proponemos a quien nos lee buscar remansos para que anide la curiosidad. La pausa es un valor clave para equilibrar todo vuelo. Y eso también se encuentra en la revista. Como dijo Isidoro Blaisten: "La escritura es la quietud de lo que vuela". Me gustaría que nuestra revista pudiera aportar contenidos consistentes por encima del vértigo que la Red impone. Y es imprescindible que no sea la única en lograrlo. Por el momento, 3.200 suscriptores personalizados nos están dando su voto de confianza desde todo el mundo... 
 
--¿Cómo entiende el futuro de las revistas literarias en la web?

--Me parece que las únicas que tendrán un futuro son las que se planteen realizar algún aporte que trascienda el medio. Si hacemos comida chatarra de nuestros contenidos porque no hay tiempo ni espacio, entonces lo que escribimos se reduce, se empobrece, y también  embrutecemos al que “consume” nuestros mensajes. Esta forma de hacer una revista literaria no tiene futuro, o si lo tiene no me interesa demasiado entenderlo. Toda revista cultural que se precie viene de otra historia y debe mirar a un horizonte mejor, más allá de las estéticas, las filosofías y el soporte donde se apoyen.  
 
--Su repuesta nos lleva a otra pregunta: ¿qué significa escribir con teclas en vez de lápiz?

--Si me quitaban el lápiz y me daban una cuña filosa y tablas de arcilla, yo habría hecho escritura cuneiforme, y ahora alterno la redacción a mano alzada con la escritura digital. Cuando escribir es una segunda respiración, hay que escribir. Supongo que habrá gente a la cual es difícil hacerle tomar una herramienta, y otra que parece haber nacido con esa herramienta en la mano. Ciertos individuos casi nunca frecuentan la escritura y la lectura, y sin embargo otros, pese al fárrago de la vida cotidiana y los cambios tecnológicos, leen y escriben en el aire, bajo el agua, contaminados por el humo industrial, bombardeados por los aviones, por la pobreza económica o por la estupidez mediática. Cortázar escribía arduas traducciones para la UNESCO y garabateaba “Rayuela” forzándose al insomnio. Porque sabía esto: “No hay excusas. El que está condenado a escribir, escribe”.    
 
-- ¿Qué carajo sucede hoy con nuestro mundo posmoderno?

--Así formulada, esta pregunta tiene una palabra más bien obscena, y no es “carajo”, sino “nuestro”. Yo no considero “mi mundo” al mundo posmoderno, en contenidos ni en forma. Entre otras cosas porque a esa clase de mundo no le hace falta un escritor del modo como yo asumo mi trabajo. Ni yo participo en las formas de relación posmodernas. Es verdad que estamos obligados a convivir con su parafernalia: donde vayas habrá celulares que te incomunican con quien estás desayunando, autos importados para llegar pronto a la muerte porque son más veloces que las rutas nacionales, plasmas que otorgan alta definición a la imbecilidad, cirugías antiestéticas que sueltan por la calle a barbies sesentonas y nenitas mutantes.

--¿Será una cuestión de moda?

--¡A muchos les gusta decirse posmodernos y asumen que ése es su mundo! Pero se lo prefabricaron otros. Pasa igual con el slogan que proclama “la muerte de las ideologías”: los que lo inventaron persiguen que se mueran por falta de participación las ideologías de los demás, para que domine la suya. ¿Y cuál es la definición de mundo posmoderno? No sé. Yo soy apenas un escritor de poesías y ficciones, no un sociólogo, ni un historiador, ni un psiquiatra. En todo caso, respondo humildemente a la pregunta que me hacen: siento que la posmodernidad es una construcción semántica bastante falaz y malintencionada, porque menosprecia las relaciones profundas, y trivializa valores como la vida, el trabajo, la libertad, la memoria, la justicia; en fin:  lo que nos hace más humanos. Alguno podrá decirme: “pero es la realidad”. Y yo tengo derecho a disentir, e incluso a establecer con esa supuesta realidad un contrato más justo.

--Entonces: ¿Qué será para usted el posmodernismo?

--Para mí, más que real, el resultado de estas conductas posmodernas es surrealista. Pero de un surrealismo ordinario, pedestre. Alguien, creo que Louis Aragón, que pertenecía a aquél movimiento, dijo: “Si se te ha ocurrido una triste imbecilidad, y la escribes siguiendo el método surrealista, obtendrás por resultado una triste imbecilidad”.  Yo no pretendo cambiar el mundo por las mías, pero tampoco admitiré que el mundo, al menos ése de la posmodernidad, intente cambiarme a mí. Otros mejores se podrán fundar que merezcan defenderse.

 
Edgardo Ariel Epherra (Bahía Blanca, Argentina, 1958)

Es escritor, periodista y docente; coordinador ejecutivo de la Asociación ’Prolibro’ (ONG, pers. Jurídica n°15.315) y delegado del Fondo Nacional de las Artes. Coordina eventos, talleres de escritura y de animación a la lectura, y asesora proyectos de edición. Su obra ha recibido distinciones en numerosos certámenes y se publica en varios países. Escribe sobre temas de su especialidad en diarios y revistas, integra jurados en certámenes de literatura nacionales e internacionales, y la crítica dijo que "muestra esa alegría de escribir que se contagia como alegría de leer". Coordina el Programa de Talleres ’El Aleph’, auspiciado por la Fundación Internacional Jorge Luis Borges, Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación, Instituto Cultural y Concejo Deliberante de Bahía Blanca. Este Programa fue declarado “De Interés Cultural” por sus 25 años de trayectoria como espacio independiente abocado a la difusión de las Letras en Argentina. Epherra ofrece habitualmente charlas, cursos y talleres a pedido de instituciones o personas, así como talleres a distancia individuales y un exclusivo servicio de Guía Literario Personalizado, para asesorar proyectos de escritura y publicación, con clases intensivas individuales, corrección de originales, publicidad y presentación de libros.

Contacto:
[e-mail]
Sitios:
www.cafeliterarioelaleph.blogspot.com (un boliche con arte)
www.carillalibre.blogspot.com (mesa virtual del Programa El Aleph)
www.edgardoepherra.blogspot.com (algo personal)
[e-mail] (Revistas Sobre Vuelos)

An interview with two dogs on human frailty

So we get to the end of the year, once again, with all of our human achievements and failures, wars on terrorism that never end, the side effects of the consumer society, the financial crisis that takes money from the poor and gives it to the rich, the credit card mentality. Some 1,286 fatalities among the invaders of Afghanistan, 4,427 in Iraq (maybe 655,000 deaths among the victims of the invasion) and defense budgets soaring while unemployment staggers...

While meditating on the state of human affairs, I came across two dogs resting on someone’s door step. They nicely volunteered to give their opinions concerning the human condition...

"Hello. I wonder if I could ask you a question," I asked the biggest of the two, a remarkable human looking animal.

"Go ahead," he barked, "no problem." 

"Well, do you think humans will ever stop fighting?"

"Ha! Ha! what a silly question! Of course not. It’s their nature. We fight over females sometimes, or over a bone, but you fight to get oil or gold or factories or just because you  don’t like the way some guy dresses."

The other dog, quite inferior in size, justed smirked a bit and then wagging its tail gently added:

"The trouble with you guys is that you think you can ignore nature."

"What do you mean?" I asked rather startled, "Don’t we have flower gardens and parks and don’t we make our houses out of wood?"

Both dogs exchanged glances, as if to say ’here we have another ignorant human being.’ Then they both growled:

"Yea, you have nice gardens but you dirty up the air with carbon dioxide and you spray the fields with noxious chemicals, you invent atomic bombs to kill each other, or use pilotless planes to smash people's houses to smithereens, people you’ve put arbitarily into the category of enemies, you do use anti-biotics instead of nature's own cures, and you fill the oceans with oil spills...all in the name of progress or democracy or who knows what ever other sweet phrase..."

That curt reply left me speechless. How could dogs, supposedly man’s best friends, be so critical? I seemed to have suffered a momentary loss of my human sense of self esteem and lacked the faintest idea on how to  proceed. While in that dubious mood, the big dog jumped up and pulled his head off. He was a young man! A man! And he had said those nasty things about our precious consumer society! My God! My world seemed to crash and fall to bits.

The other dog, the one that seemed to be so sweet, sitting there to one side, also discarded his mask: it was a girl! As sweet looking as my first love. I opened my mouth in an attempt to say something, but the words just fluttered around on the end of my tongue.

"¡Basta de guerra!" they shouted in a strange language. "¡Que viva la Pachamama!"

I realized that the interview was over, that there was nothing else to say, and so I darted as fast as my brand name walking shoes would carry me and collapsed in front of the editor’s desk.

"What’s wrong with you? Did you get the interview?"

"Yes...no...the thing is they weren’t dogs, they were radicals, anti-consumer society agitators, and they spoke in a strange foreign language."

"What did they say?"

"Basta de guerra! And that we were exploiting nature!"

"Really? That’s a scoop! Write it up for the morning edition!"

Eduardo Ferro, músico y poeta dice que "La música me tiene marcado profundamente y para siempre"

“Escribo con la herramienta privilegiada/de la sangre coagulada/buscando encontrar el sustantivo leal/el sentido inexorable del amor, la melodía singular,” dice el joven cantante, compositor y poeta Eduardo Ferro de San Antonio de Padua en “Inspiración de poeta.” Café por medio, y con su guitara descansando al lado de la mesa Jaquematepress charló con Eduardo recientemente sobre su particular visión del mundo artístico.

--Hablamos.

--¿Sobre?

--Cualquier cosa.

--¿Cualquier cosa?

--El arte, la música, tu familia…

--¡Ja! ¡Ja! Soy de una familia de licenciados, de psicólogos, de maestros, pero en cuanto al arte yo  soy la oveja violeta de la familia. No hay ni un abuelo, ni un tatarabuelo que haya tenido una tendencia artística, ni en pintura, ni en fotografía, tampoco en música. Sin embargo, la música me ha marcado profundamente y para siempre. O sea mi cabeza estalló para bien o para mal cuando tenía 13 años y vi un video clip de una banda británica llamada oasis.

--¿Llegó primero la música o la poesía?

--La música siempre ha estado en primer lugar, es fácil, hay dos tipos de música, ya sea blues, la salsa, lo que sea, una es la buena música y la otra es la mal música.

--Y siempre la imagen…

--Es lo más difícil de lograr. Tener una buena melodía que tenga poesía no es fácil. “Te quiero, te extraño” ya se hizo con los Beatles en los años 60, ya está. Ahora el desafío está en decir te quiero, te extraño, hoy me desperté mal, quiero hacer el amor con mi novia, tengo ganas de…y buscando otras palabras e imágenes. Por ejemplo, con el tema de la unión civil de personas del mismo sexo, y la iglesia que se metió en el asunto haciendo política junto a Macri y todos esos neoliberales. Que si la gente quiere saber quienes son, vayan a la feria de la rural y los van a ver a todos desfilando con las vacas, caballos y cerdos. Nombres? Menem, Videla, De Narváez, ustedes saben bien quién es quién, la gente mastica pero no traga vidrio.

--Es decir el tema de la discriminación…

No soy homosexual pero sé que sufren de la discriminación, entonces tomé la guitarra y…se me ocurrió una fase que dice: “si Dios tiene un nombre ¿cual sería?” Y de repente dando vuelta a la frase se podría preguntar: “¿si Dios tiene un pecado, cuál sería?” O después: “si Dios fuera Boliviano, Peruano o Martin Luther King…” John Lennon, muchos personajes más. Las personas que nunca renunciaron a sus ideales. Es lo más importante: no renunciar a los ideales. Conozco mucha gente que eran muy buenos músicos pero bajaron los brazos para hacer otra cosa. Son personas infelices y pasan su infelicidad a sus hijos. Están matando a un hijo. Entonces, el tema es decir te quiero, te extraño, te amo, te odio, pero de otra manera.  

--¿Sentís una energía especial cuando una frase musical emerge?

--La música es muy misteriosa. Nunca te va a traicionar, engañar. Pero uno vive la música a través de diferentes momentos. Una vez anduve por una calle y vi una chica encorvada y triste pero muy bonita ella. Una imagen fuerte. ¿Qué estará pensando? reflexioné. Estaba pensando lo que estaba pensando ella. Luego tomé la guitarra y fusioné esa imagen con el sentimiento mío en ese momento. Soy una persona hiperactiva, me gusta hacer muchas cosas…en ese momento la imagen de esa mujer me hizo colapsar y apareció la frase con la cual empieza la canción: “¿Quién puso el peso del mundo en mis hombros?” Después en el estribillo apareció otra imagen, no sé de donde, y escribí “y ahora no volverá, mi amor, mi cabeza va a estallar, no duermo, no escribo, canto ni olvido”

--Entonces, mientras vas componiendo la canción van apareciendo diferentes matices de la imagen inicial…

--Sí, es un proceso muy misterioso. A veces escribo la melodía y enseguida aparece la letra; o a veces pasan meses sin que componga nada; después en una noche o en una mañana escribió cinco canciones. Un músico es un comunicador: tiene que vivirlo todo, la felicidad, la falta de felicidad, estar en pareja, tener muchas novias, estar solo, trabajar como empleado, como empleador, es decir, todo man; tiene que vivir para saber lo que le pasa al kiosquero, al abogado, a todo el mundo. Lo que el músico trata de hacer es emocionar al oyente. Pero yo escribo para mí. Si le gusta alguien más, buenísimo.

Yo siempre fui un rebelde, un músico, poeta con una mirada que dice “yo mato”, pero también quiero ser aceptado y querido por la sociedad, “pero no puedo ser algo que no soy”. Intenté ser políticamente correcto, con esto digo, un trabajo rutinario, estudio de carreras universitarias que nada tenían que ver con el arte, pero me estaba engañando. Pero bueno tomé una decisión y el destino es la gloria o la muerte no hay intermedios, nunca más.

--¿Cómo influye el entorno en su creación artística?

--Un músico es fuerte pero al mismo tiempo muy sensible. Las cosas que veo por la calle me pueden doler. Hay que tener valentía, pero también seguridad. Tenemos miedo, las cosas que suceden en nuestro alrededor nos dan miedo pero también alegría, esperanza, estamos ahí y tenemos un poco de todo.

Alfred…lo que hacemos en vida, tiene eco en la eternidad…

Eduardo terminó la charla diciendo que “en los ojos está todo, el universo, el cosmos, el amor…” A continuación las poesía “Los ojos más tristes:”

“Observé la profundidad,

Sus ojos después del amor

Son el nuevo amanecer,

Un regalo del tiempo más soñado.

 

Encendió mi agua,

Apagando las más sólidas tristezas

Que no escribían, no soñaban,

Ni olvidaban.

 

Sus ojos son arena en mis manos,

Espejos de relojes de la impetuosa soledad.

 

Quiero ser suave

Para esforzarme no con soberbia, con amor

Y sentir algo que nunca sentí,

El renacer del arte del amor.

 

Sus ojos más tristes

Son el paisaje que dibuja

Un lago en la luz del cielo…”

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Libro de poesías, “Lago en el cielo,” [e-mail]

Osvaldo y Verónika Peluffo: una pareja que hacen del teatro una estilo de vida

No es cosa de todos los días ver parejas de artistas trabajando alegremente juntos, con gran creatividad, compartiendo criterios, elaborado proyectos que ponen el acento en la magia teatral y no en el bolsillo. Es el caso de Osvaldo y Verónika Peluffo de Compañía Fårö. Con el fin de dar a conocer sus ideas sobre el teatro y el trabajo en equipo, Jaquematepress conversó recientemente con ellos. ¿Cómo es trabajar en teatro siendo pareja?

Veroníka:

Bueno…estamos juntos desde que yo tenía 19 años. Conocí a Osvaldo cuando tenía 15 años, en mi escuela había talleres, uno de ellos era el de teatro que era en el que yo participaba, y él dictaba ese taller. Cuando terminé la escuela seguí estudiando con él en forma particular, en su estudio… y luego la vida fue construyendo las circunstancias para que termináramos siendo un matrimonio; cosa que nos sorprendió a los dos. A veces bromeamos con eso… “te imaginas si te hubiera dicho cuando eras mi alumna: vos vas a ser mi esposa?” La relación fue surgiendo muy natural y armónicamente… y así es como trabajamos juntos también.

 Osvaldo: Nos conocemos mucho… desde hace 17 años.

Verónika: 

Cuando ya eras su pareja, deje de estudiar con él. De todos modos, anteriormente mi mamá me había dicho que quería que estudiara también con otro profesor, para  diversificar mi aprendizaje.

Periodista: ¿Con quién estudió? 

Verónika:

Con Carlos Gandolfo. Estudié un año con él, al mismo tiempo que con Osvaldo. Luego hice seminarios o talleres, con Alberto Félix Alberto; con Cecilia Propato, Con Mayra Bonard, con Mabel Dai Chee Chang… Mi formación actoral es la que recibí de él. Luego fuì sumando estas otras áreas del quehacer artístico... Hice trabajos de profundización sobre Shakespeare y ahora justamente estoy haciendo un seminario con docentes extranjeros sobre el siglo de oro del teatro español. Pero nosotros trabajando juntos nos entendemos a la perfección.

Periodista: ¿Y Usted?

Osvaldo:

Yo empecé estudiando con Carlos Gandolfo también, en  el Conservatorio en la época de los ’70. Pero en realidad mi vocación empieza a los 12 años cuando escribo obras de teatro para mi escuela. Desde los 15 empecé a estudiar teatro, tuve docentes como Santiago Doria, Roberto Duran, Augusto Fernández, hasta que de repente llegó una persona muy importante en mi vida: Alberto Félix Alberto. Con él trabajé dentro de la compañía Teatro del Sur durante 10 años. Estuve viajando por varios países del mundo, sobre todo  con el espectáculo “Tango Varsoviano”; pero también con “Un Hamlet de Suburbio” y “El marinero” de Tullio Stella. Esa experiencia me permitió profundizar en un tipo de teatro que me gustaba, y también ganar algo de dinero y muchas satisfacciones; entre ellas recibir en los Estados Unidos el premio “Carbonell” al  mejor actor extranjero, por mi trabajo en  “Tango Varsoviano.”

Periodista: ¿Cómo se formó el equipo de Ustedes dos?

Osvaldo:

Es que yo había estado en diferentes países del mundo, había acumulado importantes experiencias, también daba clases de teatro, y por lo tanto estaba al tanto de las últimas novedades a nivel Peter Brook y otros directores importantes… todo esto era lo que volcaba y sigo volcando en mis clases. Es en lo que yo creo como artista… es lo que transmito y algunas personas es lo que buscan…

Verónika:

Además, todos íbamos a ver las obras del Teatro del Sur y muchos soñábamos alguna vez con trabajar ahí pues por la estética y el estilo teatro que se hacía. Un teatro donde siempre había magia, sutilezas, misterio, con temas nada simples de tratar, pero tan cinematográfico, incluyendo los vestuarios, las luces, el sonido...

Periodista: --Era un tipo de teatro con pocas palabras…

Osvaldo:

Sí. Yo entré en el Teatro del Sur en el año 1989 cuando hicimos “Tango Varsoviano,” con dos textos nada más. A mí me gustó mucho la idea de llevar la estética cinematográfica a lo teatral. Para mí la luz es un personaje más, como también lo es la música. En mis clases hablo no de actores sino de artistas. No hay nada peor que el actor ignorante, no por bruto, sino por no saber apreciar una pintura de Gauguin, por no tener un universo ficcional. Si uno admira a Gauguin, uno tiene otro mundo en la cabeza. Yo doy mucha importancia a esos universos que las personas puedan tener. Me interesa que un actor no tenga los vicios teatrales convencionales, me gusta trabajar con personas con las cuales uno puede ir construyendo la magia. No me dice nada un espectáculo que no tiene magia porque no te lleva a otro mundo.

Periodista: Esa magia está muy presente en el espectáculo Una Silla en la

Luna de Tennessee.”

Osvaldo:

Hay una frase de Bertold Brecht que puso en Facebook una alumna nuestra, que dice que la gente que quiere ver solamente lo que se entiende no debería ir al teatro; debería ir al baño. Me pareció fabuloso.  Hubo gente que después de ver nuestro espectáculo “Andrómina, fragmentos de un insoportable deseo” decía que el tema era difícil, pero estaba tratado con altura y de una manera muy poética… es una familia…nada tradicional por cierto, tiene una temática muy clara con respecto a los vínculos…que en esta familia parecen no ser muy “sanos”. La cuestión es que la gente sale de verla muy movilizado…sale modificado. Como fuera, con “Una silla en la luna de Tennessee” es diferente…la temática es muy distinta y además es un homenaje a Tennessee Williams, por lo que trabaje en la dramaturgia tomando su espíritu, su estilo. Y  la gente o bien ven algo romántico o les causa  risa, pero no dejan de ver lo que profundamente esta sucediendo en la obra. Eso tiene que ver con los personajes de Tennessee Williams. Sus personajes son de un  mundo de la fantasía. En “El tranvía llamado deseo” aparece una muelle donde Blanche y Mitch hablan. Tomé ese muelle como punto de partida para una idea que Williams dejo inconclusa y allí comencé a escribir esta obra.

 Periodista: La poesía, tan importante en Williams, también está en los espectáculos suyos. 

 Osvaldo:  

Si, en el caso de “Una silla en la luna…” yo tomé la poesía como un ejercicio de estilo. Me base mucho en la poética y en el estilo de Williams. En “Andrómina….” En cambio, ya tiene que ver con mi propio estilo de contar…

 Periodista: Los títulos de las obras son poéticos…

 Osvaldo:

¡Ja! ¡Ja! ¡Claro! la “Gata sobre el tejado de Zinc caliente,” por ejemplo, es una poesía absoluta.

 Periodista: ¿Cómo trabajan Ustedes, hombre y mujer, en equipo?

 Verónika:

En realidad muy a gusto, Osvaldo también, de lo contrario no sería posible seguir trabajando juntos. Todo comenzó sin querer, no fue algo que planeáramos…empezó con las clases de teatro. Osvaldo estaba dictando clases y quería agregar entrenamiento corporal; pensaba buscar a  alguien para ello y charlando nos dimos cuenta que quién mejor que yo que me fascina el entrenamiento físico del actor y venía profundizando en ello y que tengo la misma línea de pensamiento o los mismos  gustos en lo que refiere a lo artístico…Así que empecé dictando Contact improvisation y osvaldo la actuación. Luego Yo me fue metiendo de a poco en los trabajos con los textos, dictando clases de actuación para los  principiantes, ahora en los alumnos más avanzados estamos virando hacia el teatro de danza en la parte corporal y Osvaldo mantiene la enseñanza de la actuación… la complejidad psicológica, la dramaturgia del actor y también las clases de cine

Osvaldo:

Eso en el plano de las clases. En cuanto a nuestro trabajo juntos en los espectáculos yo tenía una idea dando vuelta en la cabeza, Andrómina, pero faltaba darle la forma. Entonces, con el asunto de la gripe A del año pasado estuvimos mucho tiempo en casa y “disimuladamente” Nos pusimos a trabajar juntos, entre los dos, íbamos comentando las ideas que yo tenía…nos sentamos frente a la notebook, escaleteamos… y empezamos a dialogar la obra y la obra comenzaba a aparecer. El trabajo iba bien porque sabíamos a dónde queríamos llegar, lo que queríamos contar. Finalizamos escribiendo la obra en un mes. Y afortunadamente apareció una persona interesada en realizar la producción que era lo más difícil de conseguir por el costo que la obra tiene. Afortunadamente a partir de ahí pudimos comenzar el trabajo más apasionante…los ensayos. Ahora estamos en un momento donde enviamos nuestros materiales a los diferentes festivales… están muy interesados en varios lugares… sobre todo en Provincetown con “una silla en la luna de Tennessee”. En realidad, es un homenaje a nuestra relación.

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Osvaldo Peluffo: Actor, director, autor, entrenador artístico 

Realiza sus estudios de actuación en la  Escuela Nacional de Arte dramático, en la  Escuela Municipal de Arte dramático y con docentes entre los que se encuentran Marta Talía, Santiago Doria, Marta Alfaro, Carlos Gandolfo,  Marta Sánchez, Maricarmen Arnaud, Roberto Durán,  Augusto Fernández y Angel Faretta en cine.

Como actor: Trabajó en “Sangre, macabra parodia trágica de una muerte erótica”  Dir. Laura Silva, “Noches de Baile” de Omar Pini, “Los inmigrantes” espectáculo  de audiovisual y textos en AMIA en 2003, acto por la memoria al atentado y “Método” de S. Aira.
En 1990 ingresa en la Compañía Teatro de Sur (Bajo la dirección de Alberto Félix Alberto, participa en) “Hamlet” (con dramaturgia de Tulio Stella), “Lulú, una tragedia Monstruo” (en el T.M.G.S.M), “Lulú ha desaparecido”,  “El Marinero” (con dramaturgia de tulio Stella), y “Tango Varsoviano”.

 Con estos espectáculos realiza giras reiteradas veces a los festivales internacionales más importantes de España, Colombia, Brasil, Alemania, México  y Miami.
También participó actoralmente en“A río revuelto ganancia de pescadores”, “El nuevo David”, “Esperando al zurdo”, “El señor Galíndez”,  “Vida y muerte de Piere Paolo Passolini”,  “Off Corrientes”, “Camille”, “La lección de anatomía”, “Doña disparate y Bambuco” y  “Los cuentos de fray mocho” dirigidas  por Julio Ordano, Carlos Mathus, Santiago Doria, y Eduardo Lamoglia. A su vez realiza diversos trabajos en televisión.  

En cine: Participó en “Cielo Raso” largometraje de Delfina Taquini y Gustavo Garzón y en  la nueva producción de Javier Torre, en “Vías”. Dir. Diego Álvarez. Corto para el CIC.,“AYANAC”. Dir. Alejandra Sánchez. Corto para el CIC, “El Reemplazo”. Dir. Sebastián Cardemil. Corto para el CERC., “Ciudad Oculta”. Dir. Osvaldo Andechaga, y en “Victoria 392”, de Juan José Campanella y Fernando Castets. 

Como docente:  Dicta en enero de 2010 el workshop “Entrenamiento Expresivo” en el Teatro Campo D’Arte en Roma, Italia. Desde 2003 dicta clases en su estudio “Formación  Artística, estudio teatral” y en el Centro cultural General San Martín. También trabajó durante varios años en la Escuela Mun. de Danza Clásica de Lomas de Zamora, en la  Escuela Enseñanza Aprendizaje Comunidad Educativa de Banfield, en el Centro Universitario de Villa Ballester y fue Regente de la Escuela Munic. De Arte Dramático de Lomas de Zamora desde el año 2000 y hasta el 2007.

Como director teatral: Realiza la puesta en escena y la dirección de actores de  “Andrómina, fragmentos de un insoportable deseo”, “Off Corrientes”, “La pelea del Siglo” y “Que bello es vivir”, “Método” (para Teatroxlaidentidad) y “Océano Interior” (para Teatroxlaidentidad), “Cajas vacías” junto a A. Caram, “Crianzas” y  “Oíd Mortales” con las que participó en los Torneos Juveniles Bonaerenses, representando a Lomas de Zamora y llegando a la final ambas veces, “El baile”, “El jardín de las delicias”, “El Jurado”, “El Cerezo”, “Los diez estados de la vida”…entre otras

Como autor: Trabajó en la dramaturgia de “Andrómina” junto a Verónika Peluffo,  “Sangre, macabra parodia trágica de una muerte erótica”,  “Rosario del diablo”, junto a A. Caram,  “Método” adaptación para S. Aira, “La Pelea del siglo”, junto a Jorge Bossio,  “Entre Cajas” junto a A. Caram, “Qué bello es vivir”, “El baile”, “El jardín de las delicias”, “Los diez estados de la vida”, “crianzas” y “Oíd Mortales”

En 2009 forma junto a su socio París Texas, producciones artísticas, empresa dedicada a la producción de espectáculos teatrales. En 2008 dicta una conferencia titulada “Shakespeare en imagen” dentro del marco de las Jornadas Teatrales, organizadas por la Universidad de Palermo, junto a la co-dramaturga de “Sangre, macabra parodia trágica de una muerte erótica”. En 1994 recibe la “Medalla de Honor” Otorgado por la Asociación Min On de Japón, por el aporte a la Paz, la Cultura y a la educación en la República Argentina.
En 1991 recibe el premio“Carbonell”a mejor actor extranjero de teatro, otorgado en los Estados Unidos, por “Tango varsoviano”. En 1988 recibe el “Premio Tuyu”, de los estelares del mar, como revelación a  mejor actor  por “La lección de anatomía”.

                                Contactos:  

http://osvaldopeluffo.webs.com  /    http://formacionartistica.com.ar

Verónika Peluffo: Actriz - Performer - Bailarina – Docente En el área de actuación: Desde 1990, estudió con  Osvaldo Peluffo, Carlos Gandolfo, Hernán Zavala y  Gustavo Corso. Realizó también diferentes cursos y talleres, de dramaturgia para actores con Cecilia Propato, de investigación sobre las mujeres de Shakespeare y sobre monólogos y escenas del mismo autor con Laura Silva,  sobre  teatro de imagen con  Alberto Félix Alberto y sobre el Universo escénico de Samuel   Beckett con Rubens Rushe de Brasil. Corporalmente se entrenó en Diferentes técnicas, desde contemporáneo, pilates, astanga yoga, contact improvisation, tango, técnica para la performance, y danza afro con diferentes docentes: Mabel Dai Chee Chang, Diego Alvaro, A. Iommi,  y A.  D’alessandro, Mayra Bonard, Camilo Pulmari, Marina Brusco,  “Tamara Di Tella, Pilates”, Esteban Medina,  Julieta Eskenazi, y Noemí Morelli. Además de haber incursionado de joven en la Gimnasia Rítmica, y el patín artístico sobre ruedas.  Trabajó como actriz en “Andrómina, fragmentos de un insoportable deseo” con dirección de Osvaldo Peluffo, ““Sangre, macabra parodia trágica de una muerte erótica” (versión libre de Otelo, en el rol de Emilia), con dirección de Laura Silva, “El coleccionista” (corto) de Gustavo Garzón,  “Método” (para Teatroxlaidentidad) de Silvia Aira,  “Cajas vacías” de  A. Caram y O. Peluffo, “Terror y Miserias del Tercer Reich”  Dir. Hyller Shurjin, y “Qué bello es vivir”, “El Jardín de las Delicias”, y “Crianzas” de  Osvaldo Peluffo. Trabajó como Actriz/bailarina en: “Josephine” para CIA Fårö,  “Shampoo 4711, con extracto de manzanilla”  (danza teatro), de Sue Fishcenich, “Noches de Baile” de y por Omar Pini, “La pelea del siglo” de Osvaldo peluffo, “OID Mortales” (danza teatro) de Osvaldo Peluffo. Como asistente de dirección trabajó en: “Grandes amigos” de Mayra Bonard (como asistente artística y coaching actoral), “Tratala con cariño” de O. Viale (Como asistente de dirección y técnica), “Juegos a la hora de la siesta” de Roma Mahieu, (como asistente de dirección y técnica) Trabajó en la dramaturgia de: “Andrómina, fragmentos de un insoportable deseo” junto a Osvaldo Peluffo, “Josephine”, “Ensueños” y “una noche, un verano, un sueño” Trabajó en la dirección de: “Julieta”, “Ofelia”, “Lady Ann”, “Ricardo III”, “Hamlet”, “Lady Macbeth”, “Macbeth” Performances sobre los monólogos de dichos personajes. Realizó las coreografías de: “Josephine”, “Ensueños” y “una noche, un verano, un sueño” para CIA Fårö, “Yubari” para una actividad cultural de la SGIAr. Idiomas Inglés medio.  Italiano Básico. En 2009 se desempeña como productora ejecutiva de París Texas producciones Artísticas. En 2008 funda la CIA Fårö dedicada a la creación y promoción de performances de teatro de danza y espectáculos teatrales, donde se desempeña como productora, directora, coreógrafa, actriz y bailarina, participando de las distintas performances artistas y directores invitados. Desde 2003, trabaja junto a su marido, Osvaldo Peluffo, en Formación Artística, estudio teatral, fundado por ellos, dictando clases de entrenamiento corporal para actores y trabajo de texto. Contactos: http://veronikapeluffo.webs.com                       http://www.ciafaro.webs.com                      http://www.formacionartistica.com.ar

 

 

 

 

Julio Molina habla sobre la puesta de "Curupayty, el mapa no es un territorio."

“En realidad, veo la actuación como una especie de gimnasia o una investigación” dice el director teatral argentino Julio Molina, “pues el actor tiene que indagar y encontrar las repuestas a sus dudas y preguntas.” Julio ha montado una notable puesta sobre la batalla de Curupayty. Habló recientemente en el bar británico de Buenos Aires con Jaquematepress sobre su amplia experiencia teatral y sobre la puesta del espectáculo, “Curupayty, el mapa no es un territorio.”  

¿Hace mucho que el arte teatral le ha apasionado?

Las primeras impresiones que tengo de la actividad teatral son de mi niñez, jugando por ejemplo con un micrófono que había en casa. Ese gusto para el juego siguió durante mis estudios en la escuela primaria. Necesitaba un espacio para expresarme.

¿Le llevaron a ver obras de teatro?

Me acuerdo que me llamaba mucho la atención ver determinadas actuaciones, algunos programas en la televisión. Me producía algo que relacionaba con la posibilidad de ser creativo. ¡Qué fantástico pensaba ver a un actor investigar una semana cómo ser un mozo, después astronauta, después médico.

O sea, ser actor significaba meterse en mundos que no conocía…

Sí, eso es lo que enriquece la actuación y modifica la propia mirada; es lo que sostiene al actor psicofísicamente, hace que uno tiene que correrse del lugar. En realidad, veo la actuación como una experiencia de gimnasia, de investigación, pues el actor tiene que indagar y encontrar las repuestas a sus dudas y preguntas.

Hablamos de “Curupayty, el mapa no es un territorio."

El espectáculo trata el tema de la epopeya del pueblo paraguayo durante la guerra de la triple alianza, mejor dicho, durante el plan de exterminio al pueblo Paraguayo; no se trata sólo y únicamente de la guerra: más bien es un espectáculo que indaga sobre los efectos de la guerra sobre la gente. A raíz de ella, por ejemplo, en Paraguay se tenía que rearmar el tejido social, ya que quedaban muy pocos hombres. El 90% de la población masculina desapareció. Quedaban apenas niños, mujeres y gente mayor. Como se ve en el espectáculo, el papel de la mujer paraguaya fue inmenso y “Curupayty el mapa no es un territorio” termina siendo casi feminista.  

¿Habrá sido el muy buen nivel de desarrollo del país el motivo de la guerra?

Sí, su nivel de desarrollo económico y social motivó la guerra. Para entender eso, habrá que tomar en cuenta que se dice en algunas fuentes  que la independencia de Argentina no fue en 1810, sino en 1816. En realidad, fue el primer país en Sudamérica a liberarse de España. Durante 40 años Paraguay fue gobernado por un señor que se llamaba Francia—un dictador, es cierto, pero en ese época era difícil gobernar sin ser autoritario. Sin embargo, hubo un crecimiento muy importante en el país. Pudo autoabastecerse, exactamente el contrario del resto del continente debido al sistema de libre comercio. Paraguay fue el primer país en América Latina que tuvo una industria siderúrgica, un telégrafo, una flota mercante; era el país con mejor índice de alfabetización; no tenía deuda externa y traía técnicos de afuera y los pagaba muy bien.

No es fácil encontrar esos datos en las historias oficiales…

Como sucede muchas veces, se ha armado una “historia” que no tiene nada que ver con “la historia de Paraguay.” Se ha trastocado la historia para imponer una idea que no tiene que ver con lo que venía sino con lo que imponía. Como se sabe, la historia la escribe quien triunfa. Por suerte estamos en un momento en gran parte de América de revisar cuestiones de este tipo, sobre todo en relación con los pueblos originarios.

Hablamos de Curupayty, el espectáculo…

Como sucede muchas veces pareció nacer al revés. A mí me llamaron desde el Centro Cultural Ricardo Rojas, donde he trabajo muchas veces desde muy joven, en relación con un programa que tienen que se llama “Work in Progress.” No es una puesta final, sino una oportunidad para que un director pueda mostrar lo que tiene; es muy bueno porque es una oportunidad para mostrar hacia dónde va el barco. Bueno, cuando me llamaron yo dije que sí sin saber bien lo que iba a hacer. Pero hacía rato que tenía la Guerra de la Tiple Alianza como tema en mi cabeza, porque tiene que ver con mi bis abuelo paterno paraguayo.   

Imagino que investigar el hecho como director ha sido también una especie de búsqueda de identidad…

Sí, hay algo antropológico en mí que me ha llevado hacia esto. Cuando me puse a investigar los hechos vinculados a la guerra, tuve una sensación de mucha angustia. Pensar que en una de las batallas hubo chicos paraguayos de entre ocho y 14 años peleando...

¿Cómo encontraste los actores paraguayos que actúan en el espectáculo?

Julio Suárez, que hace el vestuario para Curupayty había trabajo en la película “El niño pez” y conoció algunos actores y me hizo el contacto para mí. Trabajar sobre el tema en el Rojas en el 2008 fue muy emocionante para ellos.

Además en el espectáculo hablan en guaraní…

Era sencillo trabajar con ellos, pues les pasé el texto en español y les pedí traducirlo al guaraní. Trabajaban directamente con el sonido tan especial que tiene el idioma. Hay sonidos guturales, por ejemplo, que tienen que ver con el río. Pero en el espectáculo es el sonido de lo que sucede. El guaraní es muy especial en cuanto a la variedad de sonidos que tiene.

¿Qué dificultades encontró en el montaje de la obra?

Es un grupo muy heterogéneo, actores que provienen de diferentes escuelas, de diversas experiencias en relación con la producción de un espectáculo. Entonces, fue toda una tarea para mí unir a todas estas personalidades diferentes. Y un aspecto que hay que tomar en cuenta es el espacio, pues en Rojas era un espacio muy alargado. Era un espectáculo que se veía no a partir de la profundidad del escenario sino a lo ancho. Y cuando monté el espectáculo en el teatro DelBorde tuve que reacomodar el concepto del espacio. De alguna manera tiene que ver con el estado paraguayo durante la guerra, que tuvo que ir trasladándose de un lado a otro.

¿Hay planes para llevar el espectáculo a Paraguay?

Sí, estamos hablando sobre esa posibilidad porque el año que viene es la fiesta del centenario paraguayo. Entretanto, nos gustaría llevar Curupayty a un espacio un poco más grande aquí en Buenos Aires.  

Julio Molina

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http://youtube.com/watch?v=41yj121s8;w

http://www.elmapanoesunterritorio.blogspot.com

Julio Molina

Julio Molina nacido en Capital Federal en el año 1965. Es actor, director, dramaturgo y docente teatral. Estudio actuación con Lorenzo Quinteros y Julio Chavez. Seminarios específicos con Guillermo Angelelli, Ricardo Bartis, Daniel Veronese, María Inés Azzarri, Héctor Jatzkevich, Eli Sirlin ,Julian Howard y Danilo Devizzia. Dirección y puesta en escena con: Rubén Szchumacher, Máximo Salas y David Amitin. Dramaturgia con: Marcelo Bertuccio. Es docente del Centro Cultural Ricardo Rojas, Centro Cultural San Martín y Cursos particulares de: Actuación (Avanzados e Intermedios) y Dramaturgia. Lo fue además de 4º año de la Carrera de dirección del IUNA, Facultad de Psicología, Programa Cultural en Barrios de la Ciudad de Buenos Aires, dicto seminarios en el interior del país, y como asistente técnico del Instituto Nacional de Teatro, etc. Obtuvo entre otras distinciones: Premio Fondo Metropolitano de Cultura (CABA) por la obra “La imagen fue un fusil llorando” (2009) Mención Honorífica como Dramaturgo - Premio Ciudad de Buenos Aires - Bienio 2002/03 por la obra "Hija, al costado de la puerta del afuera gris" (2008) Convocado como director para el Ciclo Work in Progres – Rojas (UBA) – con Curupayty, el mapa no es un territorio (2008) Convocado por el Ciclo de nueva dramaturgia semimontada - como director - organizado por el Instituto Goethe y la Alianza Francesa (2007) Convocado como director al  6° Festival Buenos Aires - ciclo "Hay algo que me golpea" (2007) Seleccionado Premios Teatros del Mundo en dramaturgia por "Cubilete en brazo" (2006) Ganador del Concurso Versiones 1 del Centro Cultural Ricardo Rojas con la obra "Madre de lobo entrerriano" (2005) Convocado al proyecto NUEVOS DRAMAS ARGENTINOS laboratorio de Nueva Dramaturgia con "Gesto mecánico heredado" en los roles de dramaturgia, puesta e interpretación, en el Centro Cultural de España en Bs. As. (2005) Mención como autor por la obra "Madre de lobo entrerriano" 6º Convocatoria Nacional de Dramaturgia del Instituto Nacional de teatro (2005) Participante de la Convocatoria de Artes escénicas 2005 del Rojas como dramaturgo por la obra "Hija al costado de la puerta del afuera gris" Participante de la Convocatoria de Artes Escénicas 2004 del Rojas como interprete, dramaturgo y director por la obra "Ovidio e Inés" Participante de la Convocatoria de Artes Escénicas 2003 del Rojas como dramaturgo y director por la obra "La tablita" Participante del 5° Festival del Rojas 2002 como dramaturgo y director con "Viento de monoblock" Premio "Trinidad Guevara" en el rubro Revelación Masculina por "Hormiga Negra", año 2001. Ternado para los Premios ACE en el rubro Revelación Masculina por su labor protagónica en "Hormiga Negra", año 2000. Beca Fundación Antorchas-Instituto Goethe año 1998 y 99 como director para un taller de "Investigación Teatral". Mención del jurado a la "Propuesta de Investigación teatral" en Buenos Artes Joven 2 (Bienal de Arte Joven) año 1996 como director. Obtuvo en diversos proyectos propios coproducciones de instituciones como: Proteatro, Instituto Nacional del Teatro, Facultad de Sicología, Centro Cultural Ricardo Rojas, Fondo Nacional de las artes, Fondo Metropolitano de Cultura; etc. Sus trabajos mas relevantes como actor fueron: "El Hijo" sonen de John Fose - El Camarín de las Musas - Dirección: Martín Tufró (2008/9)- El Galpón (Montevideo – Uruguay - 2009) – Manzana de la Rivera (Asunción – Paraguay – 2010) "El mejoramiento" de David Lescot - Alianza Francesa - Ciclo de Semi montados por el Instituto Goethe - Dirección: David Lescot (2008) "Espacio vital" de Martín Tufró - La tertulia (2006) - C.C. Ricardo Rojas (2007) Dirección: Martín Tufró "Gesto mecánico heredado" - C.C. de España en Bs. As.- Dramaturgia y Puesta en escena propia (2005) "Ovidio e Inés" - C.C.Ricardo Rojas - Dramaturgia y puesta en escena propia (2004) "El topo" de Luis Cano – Especio Callejón – Dirección: Luis Cano (2003) "Hormiga negra" de O. Gutiérrez, O. Lamborghini, L. Quinteros y B. Carey Teatro El Doble – Festival internacional de Bs. As. 3 – Dirección: Lorenzo Quinteros (2000-02) "Arlt, postales de su tiempo" Sobre textos de Roberto Arlt – Teatro San Martín – Coreografía: Doris Petroni – Dirección: Lorenzo Quinteros (2000). "Equivoca fuga de señorita..." de Daniel Veronese – Teatro El Doble, Sala E. Muiño y en gira por el interior – Dirección: Lorenzo Quinteros (1997/998). "Sade de Dios" Versión de Dialogo entre un sacerdote y un moribundo del Marques de Sade – Sala Artea – Festival de Otoño Madrid 93 – Dirección: M. Deza "Hitler-Hamlet" unipersonal con dramaturgia propia – Sala Artea (Madrid) Dirección: Máximo Salas – (1992) "Pieza para tres almas y un infierno" Adaptación de "A puerta cerrada" de Sartre – C. C. R. Rojas, Cemento y Teatro Regio - Dirección: Gerardo Litvak (1990) Con el Grupo "Chofer Japonés" varias piezas cortas con dramaturgia y puesta propia – Parakultural, C. C. R. Rojas, Facultad de Filosofía y Letras, etc. – (1989-91) "Saverio el cruel" de Roberto Arlt – Teatro Nacional Cervantes – Dirección: Roberto Villanueva (1988) Como director: “Curupayty, el mapa no es un territorio” (versión final) Teatro Del Borde (2010) “La imagen fue un fusil llorando” espectáculo co producido por el Fondo Metropolitano de Cultura. CABA – Sala La Carbonera (2009) – Teatro del Pueblo (2010) – Teatro del Borde (2010) – Festival de Monólogos FITUU (Montevideo – Uruguay – 2010) "Curupayty" el mapa no es un territorio - Ciclo Panorama Work in Progress 2008 - Centro Cultural Ricardo Rojas (2008) "Un hombre en quiebra" de David Lescot - Sala de la Alianza Francesa de Buenos Aires - Espectáculo producido por la Alianza Francesa - Montaje final (2008) "Estación de fallecimiento" de Luis Cano – Co producido por el Instituto Nacional de Teatro – Proteatro – Fondo Nacional de las Artes - Teatro Del Borde (2008) "Niño de siete años se rocía con un bidón de nafta y amenaza prenderse fuego" 6° Festival Internacional de Buenos Aires - ciclo "Hay algo que me golpea" (2007) "Un hombre en quiebra" de David Lescot .Sala de la Alianza Francesa de Buenos Aires. Espectáculo producido por la Alianza Francesa - Semimontado (2007) "Cubilete en brazo" Sala Cancha del C.C.Ricardo Rojas co producido por el C.C. Ricardo Rojas (2006/2007) "Gesto mecánico heredado" C.C. de España en Bs. As. (convocatoria Nuevos Dramas Argentinos) (2005). Espacio Callejón (2006) "Ovidio e Inés" Sala Biblioteca del Centro Cultural Ricardo Rojas (convocatoria Nueva Dramaturgia) (2004) "La tablita" Espectáculo Co-producido por el Centro Cultural Ricardo Rojas (convocatoria Nueva Dramaturgia) Sala Batato Barea del Centro Cultural Ricardo Rojas (2003). "Viento de monoblock" Espectáculo Co-producido por el Centro Cultural Ricardo Rojas y Proteatro– Sala Batato Barea del Centro Cultural Ricardo Rojas en el marco del 5° Festival del Rojas, Del Otro Lado, Falsa Escuadra (2002-03) 5ª Festival Nac. Off al borde (Mar del.Plata 2003) "Los dos ladrones" de B. Carey – Espectáculo producido por la Municipalidad de Pehuajó – Teatro del Patio (Pehuajó) (1999) "El ángel herido" de J. M. Gómez – Espectáculo coproducido por la Facultad de Psicología – Facultad de Psicología y Sala E. Muiño del C.C.S.M. (1998) "El espíritu de la perversidad" Adaptación propia sobre "El gato negro" de Poe y "M, el vampiro negro" textos del film de F. Lang – C. C. Adán Buenos Ayres (Bienal de Arte Joven 1996), Facultad de Psicología, Del Otro Lado (1996-98) Como dramaturgo: “Curupayty, el mapa no es un territorio” (versión final) Teatro Del Borde (2010) “La imagen fue un fusil llorando” estrenada en La Carbonera (2009) Teatro del Pueblo (2010) Teatro Del Borde (2010) "Curupayty" el mapa no es un territorio - estrenada en el Ciclo Panorama Work in Progress – Rojas (2008) "Niño de siete años se rocía con un bidón de nafta y amenaza prenderse fuego" estrenada en el 6° Festival Internacional de Buenos Aires (2007) "Cubilete en brazo" estrenada en el Rojas (2006) "Madre de lobo entrerriano" estrenada en el Rojas (2005) "Hija al costado de la puerta del afuera gris" estrenada en el Rojas (2005) "Ovidio e Inés" estrenada en el Rojas (2004) "La tablitA" estrenada en el Rojas (2003) "Viento de monoblock" estrenada en el 5° Festival del Rojas (2002) "El espíritu de la perversidad" versión libre sobre "El gato negro" de E. A. Poe y "M. el vampiro negro" film de Fritz Lang (1996) "Piratas, una de aventuras" infantil; creación colectiva junto a Jorge González y Marcelo Frasca (1994) "Hitler-Hamlet" Sobre "Mi lucha" de Hitler y "Hamlet" de Shakespeare, estrenada en Madrid. (1992) “Falta de suministros” (2010), “Moreira 1886” (2009), "Puerto Amberes"(2007), "Modorra general habla de hondos cansancios" (versión de "Los tristes" de Carlos Pacheco)(2006), "Rucci"(2005), "Claro punto exacto de una decisión"(2004), "Muelle"(2001), éstas últimas aun sin estrenar Dramaturgia editada: "La imagen fue un fusil llorando" proyecto Carnicería Argentina - Instituto Nacional de Teatro (2007) "Gesto mecánico heredado" Colección Teatro vivo N° 24 (2006) "Madre de lobo entrerriano" por ganar mención en el 6º Concurso Nacional de Dramaturgia 2005 Instituto Nacional de Teatro (2005) "Dramaturgia roja" Libros del Rojas UBA - contiene 5 textos estrenados en el Centro Cultural Ricardo Rojas entre el 2002 y el 2005: Madre de lobo entrerriano - Hija, al costado de la puerta del afuera gris - Ovidio e Inés - La tablitA - Viento de monoblock (2005)