Espectáculos (Shows)

IV Encuentro de Teatro Marplatense en Buenos Aires del 5 al 7 de marzo

   Puerta Roja anuncia el 4° Encuentro de Teatro Marplatense en la Ciudad de Buenos Aires este fin de semana con el "objetivo de apoyar y alentar las producciones independientes de la ciudad." Las actividades se realizarán en Lavalle 3636. 
 

PROGRAMACIÓN: 
Viernes 5/3 - 22.00 hs:
“La banda de los ausentes” – Textos y canciones de Guillermo Yanícola
 
Sábado 6/3 – 20.30 hs:
“Sueño de una noche de verano”  - Grupo Teatrantes.
Con: Cecilia Martín, Leo Rizzi, Monica Arrech y Guillermo Yanícola
Dirección: Grupo Teatrantes
 
Sábado 6/3 – - 23 hs: “6 grados de separación”  Trabajo surgido del taller del Seminario de actuación y montaje escénico de Paola Belfiore y Adrián Canale
Con: Patricia Arieu, Mónica Arrech, Andrea Bautista, Andrea Bravo, Gonzalo Bresco, Victoria Funes, Claudia Garcia Lorente, Claudia González, Néstor González, Lucila Medjurechan, Gabriela Meter y Miguel Moreiras.
Dramaturgia y Dirección: Paola Belfiore y Adrián Canale
 
LA BANDA DE LOS AUSENTES
La banda de músicos que se encerró veintitrés años a buscar la quintaesencia de la canción; y no la encontró hoy, tras ese largo período de ostracismo, se presenta ante el público con algunas sensibles modificaciones en su formación. Los conciertos brindados por La Banda de Los Ausentes hasta la fecha han sido un verdadero éxito, aunque no de público.
 
SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO
 
Teatrantes  presenta esta adaptación del texto de Shakespeare, para disfrutar en familia  acercando a  los chicos el universo del autor inglés, desde una puesta  muy mágica y divertida y deleitando a los adultos  con las lecturas que se proponen del amor. “Sueño...”es una tentadora tarjeta de invitación para chicos y grandes. Todo esto contado e interpretado por sólo cuatro actores, que representarán los más de 16 personajes de esta obra, dejando al descubierto las corridas y los apurones que sufren en el intento.
“Teatrantes” es uno de los grupos mas importantes y reconocidos de M.D.P. y ha producido mas de veinte espectáculos, realizado giras por el interior y el exterior y ganado premios nacionales e internacionales. Sus textos han sido estrenados a los largo del país como así también en España y Cuba.
Con este espectáculo fue reconocido con el Premio Estrella de Mar  2006: Mejor espectáculo para niños. Y con cuatro premios: en el Encuentro Regional de Teatro para Niños 2003 organizado por la Dirección General de la Comedia de la Provincia de Buenos Aires. “Sueño de una noche... “gano en los rubros Mejor Espectáculo, Mejor Actriz (Mónica Arrech), Mejor Actor (Guillermo Yanícola) y Mejor Escenografía (Teatrantes)
 
6 GRADOS DE SEPARACION
 
Tercer trabajo derivado de los Seminarios de actuación y montaje escénico de Paola Belfiore y Adrián Canale. Al igual que en los anteriores espectáculos “Ponerse en pie” y “Un milagro”, este material fue investigado y construido durante sólo 17 encuentros, y esta integramente creado a partir de la ejercitación en común entre los actores y los directores.
La obra representa el encuentro breve y fulminante de doce personas cuyos destinos se rozan y modifican, levemente o de manera definitiva, la vida de los otros.

 Puerta Roja (Lavalle 3636) Teléfono: 4867-4689
  
MÁS INFORMACIÓN Y CONTACTO:
ADRIAN CANALE

[e-mail]

Mucho ruido, pocas nueces: "Much ado about nothing" en el Teatro San Martín

     Poner "mucho ruido, pocas nueces" como título de una obra teatral establece desde un primer momento sospechas varias: ¿Es una gran fantochada? (¡Ufa! ¡Estamos hablando de William, William Shakespeare!) Pero...¿vale la pena ver un espectáculo que dura varias horas (al menos en la versión original)? Está bien...el Teatro San Martín tiene aire condicionado, butacas cómodas, y la versión de Oscar Barney Finn es mucho más corta, en español, con personajes vestidos de gauchos... Hmmm. Mucho ruido, pocas nueces: ¿Puede ser que esta obra del gran bardo inglés  no tenga nada que decir, nada especial sobre nosotros, los seres humanos, nada sobre la traición, los celos, la lucha  por el poder...? ¿No sería más práctico y más barato tomar el colectivo hasta la casita de la tía Clara y pasar el tiempo con ella cebando mate y criticando los primos, el ex-esposo, los vecinos, las andanzas de la mujer del panadero---?

   Barney Finn nos ayuda un poco: cuenta en Alternativateatral que apareció "la idea de la estancia en donde se plantea la acción, en el verano 1875-76. Dejé Messina por el campo argentino, a Don Leonato por Don Leandro Lagos, a Dogberry, el alguacil, por el insólito comisario Robles, y los soldados de Don Pedro de Aragón, de regreso de una imprecisa guerra, pasaron a ser un grupo de oficiales al mando del comandante Pedro Gauna, que regresan de la frontera con el indio.

"Apelé al conocimiento histórico, a la literatura, a las costumbres de la época, a la pintura y a la música, a la minuciosa tarea de traducción que nos llevó a pensar en un lenguaje con el que se construyen y relacionan los tres hilos conductores de la obra: Claudio y Elisa, junto a un Don Pedro que corteja con entusiasmo sospechoso a las mujeres de sus oficiales; Beatriz y Benedicto con sus escaramuzas verbales; y el comisario Robles con su disparatada tropa que nos llevará a dilucidar los malvados planes de Don Juan, el extraño hermano de Don Pedro. Todos juntos cuentan esta historia en donde se malinterpretan las personas, esta historia de avatares, mentiras, engaños y disfraces. Una comedia coral de malos entendidos con personajes irremediablemente crédulos en donde todo se sabe de oídas."

   Entonces, quedó apenas un gustito de Shakespeare: eso de los amores cruzados e incomprendidos, los enredos y equívocos, las traiciones ...y lealtades. Es decir, mucho ruido, pocas nueces. Bien. La versión gaucha--un muchacho que canta y toca la guitarra, una casita rosada en el fondo que parece tener algo en común con la más conocida Casa Rosada, en Plaza de Mayo...y tiene ciertos códigos bien entendidos por el público argentino que pueden simplificar o clarificar los enredos de los ingleses de hace 400 años.

Allí está la amplia familia Lagos (pasan por el escenario un montón de gente), todos se divierten bajo un frondoso árbol...llegan unos militares que andan controlando a la indiada en la frontera...y como no tanta gente pasa por la estancia de Leandro Lagos, los oficiales del ejército terminan siendo el mejor partido para las chicas de la casa. El matiz de Shakespeare asoma en los desprecios, las pasiones, los engaños y las muchas confusiones que se suceden hasta llegar al final, felizmente feliz. Hmm. ¿No sería un poco rebuscado el intento de adaptar la obra tan linealmente y vestirla así, con un aire tan local...en fin, eso de mucho ruido y pocas nueces no tiene patria, ¿verdad?

¿El escenario? Lo dejamos a la imaginación del lector. ¿La actuación? Hay algunas acciones escénicas que verifican el muy buen estado físico de los artistas. En fin, un espectáculo que deja unas preguntas retumbando en la cabeza, más allá de todas las luces y técnicas, la ajustada dirección de Barney Finn, y el sello profesional que siempre acompaña los espectáculos en el Teatro San Martín de la Ciudad de Buenos Aires.

"Mucho ruido y pocas nueces" sube al escenario de miércoles a domingo a las 20:30 horas.

"Teatro de los pies" de Verónica González en la Bodega Cultural Liberarte

     Es cierto que el cuerpo es el "instrumento" del actor, pero Verónica González ha encontrado una forma única de hacer teatro, colocando sus pies en primer plano. En la Bodega Cultural Liberarte de Buenos Aires los pies de Verónica, cuya creación "Teatro de los pies"  ganó el premio "mejor espectáculo" en el Festival Iberoamericano de Teatro Mar del Plata en 2009, producen  grotescos, absurdos y amorosos personajes. Ellos están ocultos en media dozena de valijas. Los trajes de cada personaje salen de las valijas para habitar los expresivos pies de Verónica y contar historias sin palabras que provocan risa y llanto en espectadores chicos y no tanto.

 A través de la orgánica gestualidad de la actriz, y una muy buena y singular banda sonora, el espectáculo explora sensaciones varias con fantasía, humor, ritmo y color. El show ha recibido las mejores críticas en Italia, España, Bélgica, Holanda, Suiza, Francia, Alemania, Grecia, Chirpe, Brasil, Japón y Singapur.

   "Teatro de los pies," es apto para toda la familia y se presenta en cuatro únicas presentaciones los sábados de enero a las 17 horas.

Liberarte Bodega Cultural : Corrientes 1555 – Capital Federal
Reservas Tel. [phone]
 
Dramaturgia e interpretación: Verónica González
Dirección: Laura Kibel
Arreglos musicales: Gustavo Falbo
Diseño de Programa: Pablo Fernández
 
 Web de Verónica González:  www.veronicagonzalez.info

Verónica González Ganó:
- Premio Mejor Espectáculo San Giacomo Puppet Festival – Italia 2004
- Premio Mejor Espectáculo Silvano D’Argento – Italia 2005
- Premio Silvano D’Oro – Italia 2007
- Mención Especial San Remo – Italia 2006
- Premio Mejor Espectáculo KIDS & FUN – Grecia 2007
- Premio Mejor Espectáculo Isla Gran Canaria – España 2007
- Premio Mejor Manipulación e Interpretación Muestra Internacional de Val d’Albaida - Valencia – España 2007
Verónica nació en Buenos Aires y desde el 2000 viaja por el mundo presentando su espectáculo en numerosos Festivales Internacionales de Teatro.
Estudió teatro en una compañía del Teatro de Títeres de Buenos Aires, en el Conservatorio Nacional de Arte Dramático de Buenos Aires. En Italia conoció a Laura Kibel quien le transmitió la técnica del TEATRO DE LOS PIES.

Muestra creativa en "Querida Elena sencillas artes"

    Hay lugares en la Ciudad de Buenos Aires que guardan secretos y provocan la imaginación, a la vuelta de la esquina, un rincón abandonado, una casa de una impresionante puerta de madera tallada, como en Pi y Margall 1124, la Dulce Boca, donde funciona un centro artístico con un  fascinante nombre: Querida Elena sencillas artes. Allí se organizó una muestra teatral el 22 de diciembre, inusual por su utilización creativa del espacio. 

   Con la dirección colectiva de Galo Ontivero, Monica Benavidez, Tatiana Santana, y Cristina Sisca, bajo la supervisión de Luciano Suardi, maestro y admirado actor, la muestra teatral incluyó escenas de obras como "Tío Vania" de Antón Chéjov, "Las de Barranco" de Gregorio de laferrére, "Casa de Muñecas," de henrik Ibsen, "Los invertidos," de José González Castillo, "Jugar con Fuego," de August Strindberg, y "No puedo imaginar el mañana" de Tennessee Williams. 

   Las escenas saltaron de sala en sala, entre patio y patio, empleando cada rincón y cada nicho de la hermonsa casa antigua, convertida en centro artístico de vanguardia, en escenario a aprovechar. Los espectadores seguían las acciones de los actores y, a veces y sin darse cuenta, figuraban como integrantes de la puesta.

    El teatro no necesita grandes salas, ni las últimas tecnologías lúmicas. Necesita la imaginación, la energía y la entrega de los actores para los cuales cualquier espacio puede convertirse en mágia escénica. Pero la tarea se hace mucho más fácil cuando además el espacio en sí excita la imaginación.

    Quienes desean recibir más información sobre las actividades en Querida Elena pueden escribir a:

Natalia Fernandez Acquier [e-mail]

"Si París," una comedia que cuestiona el papel tradicional de la mujer

¿Qué puede suceder cuando tres mujeres se juntan para contar sus historias, sus amores, el deseo de ser madre o de enfatizar el crecimiento profesional…? Es lo que plantea Oscar Samoilovich (Premio Argentores, FUNDTV y Fondo Nacional de Las Artes) en el espectáculo “Si París,” que acaba de bajar del espacio Colette en el Paseo la Plaza, en Buenos Aires, por las fiestas de fin de año.Las tres mujeres (Florencia Comago, Daniela Fernández y Laura González) construyen una especia de comedia pensante vinculado al papel que la maternidad ocupa hoy en la vida de la mujer. ¿Ser madre representa un obstáculo al crecimiento personal y profesional?  Para investigar esa cuestión las tres amigas se encuentran cada cinco años, convocadas por su omnipresente amiga, Mariana.

 

Entonces, cada mujer expone en los encuentros las frecuentamente complicadas y tristes realidades (reconocidas facilmente por el público porteño), y se confrontan y contraponen sus acciones y las consecuencias de sus deseos muy disimiles respecto a la maternidad. Está la mujer que directamente ha borrado la idea de ser madre, otra se empeña en ser madre pero no puede tener hijos...el resultado es una comedia fuertemente irónica, repleto de giros idiomáticos y situaciones típicas de la clase media porteña, armado con personajes claramente reconocibles.

 

Dice Henri Bergson: "Si es verdad que el teatro es un aumento y una reducción de la vida, la comedia podrá facilitarnos, en este punto particular de nuestro tema, más enseñananzas que la vida real." Parece ser el caso de "Si París," pues el espectáculo propone al espectador una especie de meditación sobre el rol de la mujer en Argentina (y el mundo), desnuda las angustias de la mujer, sus alegrías y su lucha por encontrar su identidad en una sociedad que todavía muestra vicios de machismo sin demasiados remordimientos.

 

¿Puede una mujer ser madre y a la vez desarrollar su profesión? ¿Cuáles son los obstáculos en el camino de una mujer que dificultan lograr lo que realmente quiere en la vida? ¿Es más importante la maternidad o el oficio? ¿Qué sucede con su propia identidad? ¿Hasta qué punto una mujer entra en la maternidad por presión social (o religiosa) y hasta que punto realmente quiere ser madre? ¿Qué sucede con el amor y la sexualidad de la mujer cuando elige uno de los extremos: ser madre convencional o mujer libre e independiente?

 

La dirección de Nacho Steinberg propone un escenario simple, simbolizando el paso de los años con un correspondiente cambio de las flores que adornan el espacio escénico. La actuación es franca y realista, si bien de poco vuelo.

 

Las funciones continuarán los jueves a las 21:30 horas a partir del 14 de enero en el Paseo la Plaza, Espacio Colette, Corrientes 1660.

Entrada general: $30 pesos (con consumición).

Reservas: 6320 5346.

Escenografía: Graciela Dabas

Vestuario: Bárbara Perelman

Música original: Alberto Quercia Lagos

Web: http://sites.google.com/site/siparis10

 

 

 

"Bypass," espectáculo no muy convencional, bajó del escenario porteño anoche

“Bypass” bajó del escenario porteño anoche con todo su juventud y frescura, allí en Veravera teatro (Vera 108), donde ha deleitado a su público jóven desde su estreno el pasado mes de octubre, en una casa vieja convertida en lugar de encuentro cultural, ante las risas y los aplausos de un público no muy mayor a los veinte tantos años. Dicen el elenco: “Bypass no es una obra de jóvenes que no saben qué hacer con su vida. Tampoco un melodrama posmoderno, ni una comedia con plumas. Los personajes no cantan cumbia, ni hacen escenitas histéricas, ni se mueren de amor; tampoco hay triángulos, ni relaciones ocultas, mucho menos adultos que adolescen. Pypass no tiene nada que ver con las grandes pasiones ni los sueños postergados…”

 

Entonces…¿Qué es Bypass? Buena pregunta. La repuesta nuevamente viene del elenco: “es sobre lo que consumimos y ocultamos, sobre lo que deseamos hy no asumimos, sobre lo que sentimos y negamos…”

 

Más allá del guión entretenido de Jimena Repetto, quien dirigió la obra junto a Melisa Freund, merecen aplausos algunos momentos de muy buena y fresca actuación de cada uno de los personajes. Cuando toman en serio el trabajo vocal y corporal, cuando se entregan sin pautas previas ni estereotipos de actuación convencional, muestran muy buenos instintos por el oficio del actor.

 

Quienes desean comunicarse con el elenco o con el director pueden tomar nota del siguiente mail: [e-mail]

Web: http://www.bypassteatro.blogspot.com

 

FICHA TÉCNICA

         Actúan:
Natalia Ávila .....................Rocío
Andrés García Dietze..........Tincho
Celeste Morchio.................Clara
Juan Santiago Privitera......Agusto Lautaro
Julieta Sánchez..................Socorro
María Soledad Manes.........Flavia
Diseño de luces: Benjamín Delgado
Escenografía: Norberto Pacciani – Santiago Ligier
Fotografía y video: Melisa Brito Aller – Lisandro Cívit.
Vestuario: Sol Ruiz Luparia
Dramaturgia: Jimena Repetto
Dirección: Melisa Freund – Jimena Repetto
Asistencia de dirección: Ariana Pérez Artaso

LOS CHICOS DE BYPASS

FLAVIA:
BIBLIOTECARIA, RECITADORA, DEFENSORA DE LOS DERECHOS HUMANOS, AMANTE DE LA CALÉNDULA.
[e-mail]

SOCORRO:
SECRETARIA, NOVIA, COMPRADORA DE ZARA, DELICADA, HACEDORA DE MANUALIDADES, LECTORA DE MANUALES, ALUMNA DESTACADA DEL CURSO DE PRIMEROS AUXILIOS DE LA CRUZ ROJA 96, EX LIBERADA
[e-mail]

AGUSTO LAUTARO:
BOMBERO, STRIPPER, ACTOR, SENSIBLE, ARQUERO DE "LOS LEONES DE ALMAGRO", BAILARÍN, AMANTE OFICIAL
[e-mail] (PROFESIONAL)
[e-mail] (PRIVADO)

ROCHI:
LECTORA DE HORÓSCOPOS, EXNOVIA ETERNA, EX NIÑA PRODIGIO CON INMADUREZ EMOCIONAL, AMANTE DE LA CAMA SOLAR, CONOCEDORA PROFUNDA DE LAS ESTADÍSTICAS DE LA REVISTA COSMOPÓLITAN, ESTUDIANTE DE MARQUETING (UADE), CREADORA DEL GRUPO DE FACEBOOK "YO FUI TU NOVIA POR QUINCE DÍAS"
[e-mail]

TINCHO:
EX JUGADOR DE LAS INFERIORES DE RACING, GOLEADOR DEL EQUIPO "LOS LEONES DE ALMAGRO", ABOGADO, AMANTE DEL TIRAMISÚ (DETESTA EL HELADO), EX JUNIOR, NOVIO
[e-mail]

CLARA:
MÉDICA RESIDENTE, PARECIDA A NICOLE KIDMAN, MISS BARILOCHE 97, LECTORA DE NOVELAS DE STEPHEN KING, EX CREADORA DEL FANS CLUB DE "VERANO DEL 98"
[e-mail]

 

 

"Papel, Papel," circo teatral con fuerte crítica social en el Festival Pirologías

El espectáculo “Papel, Papel” que presentó La Vorágine de Tucumán ayer en la Sociedad de Fomento de Villa Bosch al finalizar el III Festival internacional de teatro independiente Pirologías 2009 propuso una mezcla original de teatro, circo y comic alrededor de una fuerte denuncia sobre la corrupción, la violencia y el desamparo social en Argentina. En la obra se nota además la influencia de Charlie Chaplin en la construcción del relato a través de acciones patéticas y una aguda crítica social; también en el uso deliberado de movimientos físicos no realistas.

 

La historia retrata la vida de dos cartoneros, Roña y Dengue. Interesados en acceder a un puesto de trabajo estatal, colaboran con Malmani, un manipulador puntero barrial del partido “neronista” (para no decir, Peronista). El espacio teatral adquiere un clima circense y a la vez fuertemente tragicómico, con momentos bien teatralizados, mientras desfilan personajes como la Médica, funcionaria del sistema sanitario del estado, la Señora--representante de la clase media, con sus hijos viviendo en el exterior--Ciruja, el último orejón del basurero ciudadano, quien ni siquiera posee una calle para cartonear…y el Turco, un pequeño y tramposo empresario de materiales reciclables (apuntando claramente al ex presidente argentino, Carlos Menem).

 

Con gran precisión en los movimientos, uso creativo de la voz, muy colorido vestuario contrastando con los cartones aparentando ser rotos y envejecidos, el espectáculo propone un tipo de teatro netamente popular con llegada a todas las edades.  

Dirección: Noé Andrade, Pablo Gigena

Actores: Noé Andrade, Facundo Vega Ancheta, Carlos Frías, Natalia Díaz, Silvia Lescano, Benjamín Tannuré, José Castro y Martín Papa.

Realización audiovisual, gráfica, bana sonora y operación multimedio y sonido: Víctor Martínez

Dispositivo escénico, utilería y servidor de escena e iluminación: Claudio Gigena.

La última función de "La última habitaciín"

    En fin. Termina el año. Terminan proyectos, comienzan otros. Pero a veces da pena. "La última habitación," una creación colectiva con dramaturgia y dirección de Walter Velázquez, ya no va a provocar risas en el Belisario Club de Cultura, en la calle Corrientes, Buenos Aires. Pero muchos espectadores van a recordar largamente a Luisina DiChenna, nominada premios ACE actriz revelación. Otros van a seguir discutiendo con amigos y compañeros la salud de la salud en Argentina. Con un humor seco y a la vez punzante, y toques de vuelo surrealista, el espectáculo abrió la puerta de alguna clinica y permitió a los espectadores gozar y sufrir con la muchas veces ligera consideración que algunas mutuales muestran hacia los enfermos; la vida íntima de médicos y personal médico en los hospitales y clínicas; y la espantosa situación de los pacientes en estado vegetativo.

    Como sucede a menudo con las creaciones colectivas, el espectáculo pudo haber sido pulido y mejor sintetizado, pero igual debemos reconocer un talento, la creatuvidad, la entrega y el rigor de la puesta.

Quienes desean comunicarse con el elenco, o informarse sobre futuros proyectos del grupo,  pueden hacerlo entrando en http://sin-pulgares.blogspot.com/

 

 

"Corazón Débil" de Fedor Dostoievski con dirección de Mariel Bignasco

Las novelas de Fedor Dostoievski son mundos en decadencia en los cuales los personajes debaten los grandes temas de la humanidad, mientras luchan denodadamente con la vida rutinaria. Son entonces materia prima para el teatro. ¿Pero cómo encontrar el libreto, dramatizar y escenificar una novela tan compleja como “Corazón Débil?” Fue sin lugar a dudas un enorme desafío para la directora Mariel Bignasco. Y el resultado: una experiencia teatral de alto voltaje.

 

Con un elenco muy bien elegido (Alejandro Magnone, Sergio Pascual, Cecilia Labourt y Laura Conde), y la ágil traducción de Raúl Serrano, el espectáculo se presenta los sábado a las 21 horas en el Teatro DelArtfaco de Buenos Aires.

 

Hoy, mientras el mundo desnuda su confusión ante la crisis de las finanzas, las ideas de Dostoievski surgen tan vigentes como a las vísperas de las revolución rusa; y los personajes nos llegan con tanto ó más claridad que en aquél momento; más aún cuando la palabra cobra su merecido lugar en la lucha por comprender al otro y a ese mundo en picada libre.

 

La estructura dramática de esta versión de “Corazón Débil” es fiel e inteligente pero cabe destacar además el trabajo corporal y expresivo de los actores--que emplean códigos orgánicos que producen personajes muy creíbles, gracias al concepto teatral de la directora y el uso del espacio del teatro Del Artefacto para generar energía y producir la sensación de espacios que hablan con lenguajes propios.

 

Ver los hombros doblados por el trabajo del protagonista, sentir su exaltada alegría ante la pureza del amor, comprender cómo ese amor es condicionado por la explotación del patrón, del hombre por el hombre, ciertamente excita en el expectador una profunda emoción y una más profunda reflexión sobre nuestra propia existencia, hoy.

 

Funciones:

Reservas

: 4308-3353Sábados, 21 horas, Teatro DelArtfacto, Sarandí 760, Buenos Aires. Entradas: $25 (estudiantes y jubilados, $18).

"Are You Really Lost?" an unusual dance performance for the Buenos Aires Theater Festival

    What is special about "Are You Really Lost" is the idea that the dancers-actors themselves should take charge of providing the lighting. The enormous stage at the Martín Coronado (Teatro San Martín, Buenos Aires) actually appears smaller because of the dynamic movements of the dancers, running, skipping, jumping and dancing in angles or in groups across the stage. The performers themselves use ropes tied to pulleys to lower or raise the lights over the heads of the dancers. Sometimes the shades are also used by the performers as sort of loud speakers for those moments when poetic phrases or sounds reverbate to add to the overall effect.

    What is also fascinating to some, disturbing to others, is the silence. Often nothing seems to be happening. Yet you can almost hear the dancers inhale and exhale. Furthermore, the silence is a message. It serves as a prelude to action. Mexician dancer and director Octavio Zeivy  says: "Me gusta que el cuerpo hable y pueda crear una dramaturgia a partir de sus dificultades, no por indicaciones." (I like the body to speak, so as to create a dramaturgy based on difficulties, not on instructions."

    That's where the show becomes unique--you can see it this evening at 9 p.m. and tomorrow at 7p.m., at 1530 Corrientes avenue). The bodies dance, take charge of the space, but they don't seem to move on the basis of strict instructions. That's especially the case when they play with the lightening effects. 

    Although the show is of high professional quality, the viewer can easily see other dancers at the edge of the stage raising or lowering the lamps...giving the performance an almost home-made aspect: home-made but with a clearly professional touch. 

"Opus 4 pelícano," de August Strindberg se presenta en La Boca

 Si el polémico escritor sueco August Strindberg hubiese tenido la oportunidad de pasear por la calle Pi y Margall en La Boca, Argentina, hubiese tenido una grata sorpresa al entrar en una casa a la altura de 1100, pasar por dos patios interiores y sentarse en una pequeña sala junto a una veintena de espectadores para ver una versión de su densa obra, “Opus 4 pelícano.” Allí, frente a un misterioso muro de leña, se instala una rara sensación, como si uno formara parte de la familia que Strindberg dibuja tan magistralmente.

 

Entra el hijo, (Gerardo Grillea) famélico, flaco, con aire desconcertado, le da un puntapié a parte del muro de leña, busca un pedazo de pan, come desesperadamente: nace el clima sórdido de la obra, cercano a la locura, un mundo profundamente explorado en las obras de Strindberg. Su temprana militancia feminista se bifurca con el paso de los años, pues se sintió acosado y perseguido por el movimiento feminista y pronto su feminismo se transformó en misoginia, no obstante haber intentado tres experiencias matrimoniales.

 

Pero los temas de Strindberg también incluyen--como en esta obra--los conflictos económicos, la avaricia, el dinero como objeto de lucha en el seno familiar, la venganza, en fin, las tensiones sociales y las contrariedades de la familia burguesa. Además, el escritor comenzó un ataque contra el realismo de su época, anticipando posteriores movimientos expresionistas.

 

El hambre del hijo no es resultado exclusivo de la situación social de la familia, pues la madre (Silvia Oleksikiw) es un personaje complejo que exhibe todas las características de la madre-viuda abnegada que carga sobre sus hombros todas las desgracias de la situación. Y sin embargo, en esta obra ella y los demás personajes sufren y se esconden debajo de máscaras bien colocadas. La criada (Marta Cosentino) es la que más cercano a la tierra parece. Le dice a la madre: “Los hijos son ingratos por naturaleza.”

 

Llegan la hija (Marina Munilla) y el Yerno (Federico Schneider) de la corta luna de miel y los conflictos se disparan, motorizados por las mentiras. Todos tienen reclamos, secretos, oscuridades, amores inconfesables, deseos de venganza, recetas para la salvación, a pesar de todo. El padre está presente en cada escena, casi como si fuera un fantasma. Murió ya hace tiempo, llevándose consigo (?) el secreto de dónde fue a parar toda su fortuna. Entretanto, la madre vive angustiada, el hijo sufre hambre y agoniza en sospechas, dudas y miedos.

 

Dice la directora, Mónica Benavidez: “Hay un camino que me lleva hacia los textos de grandes dramaturgos, a los que superan todos los tiempos, las fronteras. Siento necesidad de compartir con el espectador estos textos desvestidos de toda temporalidad, nutridos de estructuras ancestrales, que nos fundan, nos conectan con la falta, que nos instalan en la parte sustancial de la especie humana.

“Llego a Pelícano por una intensa conexión con su autor, por compartir y comprender en gran parte su mirada sobre la vida. Y estoy, hoy por hoy, convencida que encuentro la manera de acceder a Strindberg, conectando con lo que lo atormentaba, con aquello que él sabía que era irremediable, con sus sentimientos encontrados, sus grandes contradicciones, y con eso que nos identificamos borrar los cien años de distancia.

Tiro de los hilos que encuentro en su texto e intento traerlos al presente: la puesta respeta al autor, intentando plasmar aquello que Strindberg concibió en Pelícano junto con los otros Opus en su Teatro de Cámara, al legarnos estos primeros textos dramáticos expresionistas, con una escenografía reducida a lo mínimo y funcional al desarrollo de la obra. No tengo intenciones de innovar, ya lo hizo el autor en 1907, sólo persigo convocar al espectador a reflexionar junto a nosotros sobre los vínculos, las instituciones que nos forzamos a mantener, aquello que deseamos intelectualizar, aquello que intentamos acallar, y así poner sobre la mesa (la escena) la actualidad de Pelícano.”

Hizo un trabajo físico con los actores que establece una especie de código para el espectador y refleja la aproximación a los límites del realismo que proponía Strindberg. Asimismo, hay un gran trabajo con las miradas: entre enlazadas y desacopladas. La puesta es económica y eficaz: el muro de leña, una silla y una estufa.

 

Funciones:

Domingos a las 19 horas, en Querida Elena, sencillas artes, Pi y Margall 1124, la Boca Dulce.

Reservas:       4361 5040

e-mail:                        [e-mail]

Web:              http://www.opus4pelicano.blogspot.com

 

 

El Elenco:

Silvia Oleksikiw         La madre

Gerardo Grillea          El hijo

Marina Munilla           La hija

Ferderico Schneider   El yerno

Marta Cosentino         La criada

Dirección                    Mónica Benavidez

Asisencia de dirección Natalia Fernández Acquier

Diseño de escenografía                      Eduardo Spindola

Diseño de vestuario                           Nora Cervantes y Roxana Albamonte

Diseño de Luces                                Osvaldo Ponce

Diseño de maquillaje y peinado         karina Rufino

Música original y diseño sonoro        Mauricio Motille y Gerard Clément

Supervisión de dramaturgia               laura Silva

Asesoramiento integral                      María Mensi

Acuarela (fragmento)                         Daniel Salaverria

Asistencia de producción                  Luis Alberto Rego

Producción General                           Grupo mirando al sur

 

 

VIII Festival Internacional de Buenos Aires: "Mishelle di Sant' Oliva," un espectáculo fascinante

   Una oscuridad casi espectral cae sigilosamente sobre el barrio porteño de La Boca cuando el sol se cansa de su tarea lumbrera. En la noche, en la zona que no hace tanto vivía del turismo, en el Caminito, apenas los reflejos de luz que emanan de las escalinatas del Teatro de la Ribera señalan vida nocturna. No obstante, es allí donde uno puede ver un excelente espectáculo, "Mishelle di Sant´Oliva," de Emma Dante, que participa  en el VII Festival Internacional de teatro de Buenos Aires.

   Gaetano, el padre, ocupa una silla a la derecha frente a un cortinado beige. Salvatore, su hijo homosexual, es el ocupante de la otra silla, a la izquierda frente a un cortinado morado. El personaje ausente es la madre, primera bailarina del Olimpia de París. El progenitor fantasea aferrado al pasado, de presunta felicidad. No soporta que Salvatore se trasviste y se prostituye por las calles. Reconstruye la belleza de su mujer, ausente, sin poder aceptar su soledad.

    Para el espectador es un placer ver los movimientos frescos, orgánicos y genuinos de los dos actores (Giorgio Li Bassi y Francisco Guida). Los dos cuerpos cargados con unos cuantos kilos de sobra. Libertad de cuerpos que no aceptan reglas comunes llenan el espacio de una energía inusual en el enorme espacio del teatro de la Ribera. Llama especialmente la atención la gracia corporal del padre, pues es un actor que aparenta la edad jubilatoria.

   El profundo abrazo final de padre e hijo, en total silencio, habla con gran profundidad emocional.

"Masked," el conflicto Palestino en el escenario del teatro Del Nudo en Buenos Aires

    En realidad la obra teatral “Masked” del Israelí Llan Hatrso intenta quitar  máscaras. Dirigida con precisión e inteligencia por Lorenzo Quinteros, es un espectáculo de gran intensidad que indaga mucho más allá del conflicto Israeli-Palestino: la traición, el amor por la tierra, la fragilidad de los principios y las relaciones entre hermanos en un contexto de opresión y violencia. El espectáculo es una mirada en primer plano sobre los conflictivos vínculos entre tres hermanos Palestinos durante la Primera Intifada (1987-1993), un levantamiento de los habitantes de Cisjordania y la franja de Gaza contra las incursiones del Israel; expone la tragedia de una familia despedazada ante la disyuntiva de cómo sobrevivir.

  Llama poderosamente la atención que el guión pertenece a un dramaturgo Israelí. Pero el eje de la obra no es la justificación o no de las acciones de los Palestinos o de Israel en el conflicto sin fin del medio oriente. La idea dramática se concentra en explorar cómo reacciona cada uno de los hermanos en defensa de su propia vida, de la famila y de lo que considera su tierra.

 

  Cabe destacar el excelente dominio de los actores de las escenas de violencia y la clara caracterización de sus personajes, gracias a la hábil dirección de Quinteros y la simpleza de la puesta escénica.

 

Actuación: Andrés Irusta, como Khalid; Héctor Segura, como Na’lm y Alok Newari (USA), como Daoud.

Traducción: Romina Moretto y Roxana Cervini

Escenografía y vestuario: Gabriela Aurora Fernández

Asistentes de escenografía y vestuario: Julia Camejo y Estefanía Bonessa Realización de escenografía: Gonzalo Dominguez

Diseño Gráfico: MK Studio

Asistencia de dirección: Alejandro Somoza y Paola Cantaran
Dirección: Lorenzo Quinteros

 

Funciones: Sábados y Domingos 20.30 hs

Teatro del Nudo: Av. Corrientes 1551, Ciudad de Buenos Aires, Argentina 

Reservas:4-373-9899
Entradas $40 y $20 (estudiantes y jubilados)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

"La última cena," ironía sin salida en Elkafka de Buenos Aires

   El espectáculo "La última cena," de Dan Rosen echa una mirada típicamente norteamericana sobre el mundo actual, si bien la adaptación del director Sebastián Blanco Leis agrega un condimento argentino. Ganadora del premio Estrella de Mar 2009 por la mejor obra de teatro off, se reestrenó anoche en ElKafka ante un nutrido público.

   Su esencia claramente estadounidense se percibe en la división del mundo entre polos opuestos: el conservador o derechista versus el liberal o progresista, la bisexualidad versus la homosexualidad, el aborto versus la campaña pro vida, la guerra y la paz, el amigo y el enemigo. Si bien la obra apunta a cuestionar desde la ironía esa obsesión dualista norteaméricana, las diferencias de códigos culturales y sociales entre el país del norte y argentina dificultan la tarea. 

    Cinco amigos universitarios, cultos y progresistas, comparten la misma casa en un barrio de la zona norte del Gran Buenos Aires. Critican y burlan del conductor derechista del programa televisivo Panorama Global, que ven habitualmente. Cada domingo invitan a cenar a una persona con el fin de intercambiar y debatir ideas sobre temas polémicos. A raíz de la muerte del primer invitado, un militar,  los intelectuales entran en dimes y diretes sobre el problema ético...pero terminan liquidando a sus adversarios ideológicos uno por uno con un vino evenenado...Entonces, la obra plantea qué hacer frente a un adversario que ocupa el lado ideológico opuesto.  

   En la versión local de Sebastián Leis el militar que aparecen en la primera escena es un veterano de la invasión de las islas Malvinas lanzada por la dictadura militar argentina. Antes de probar la comida el militar dobla la cabeza para rezar--una práctica más que común entre los evangélicos y protestantes en los Estados Unidos--mientras los anfitriones de la cena--estudiantes universitarios--se burlan de su actitud. Mientras el ambiente sube de temperatura ideológica, uno de los estudiantes pregunta al militar: "Si pudiese viajar en el tiempo y fuese a Austria en el año 1909. Y estuviese en un bar, solo, con un joven artista llamado Adolfo Hitler...¿Lo mataría?"

   Ante las siguientes desavenencias ideológicas cada vez más violentas, se producen acciones de provocación y de violencia que culminan cuando uno de los estudiantes, para salvar a su compañero en las garras del militar, lo apuñala en la espalda con un cuchillo de mesa, y lo mata.

   Media docena de muertes después la obra toma un vuelco curioso: el conductor de televisión es invitado a cenar. Habla de dialogar (al estilo Barack Obama) con sus contrincantes, los estudiantes no se ponen de acuerdo en la conveniencia o no de matarlo, el conductor se da cuenta y--cuando se encuentra solo en la mesa--llena los vasos de los asesinos con el vino envenenado.

   Llama la atención la idea de colocar a los universitarios progresistas en el papel de asesinos. ¿Es una ironía de Dan Rosen o representa su propia visión ideológica?

Funciones : Viernes a las 20:30 hs.
Espacio teatral ELKAFKA: Lambaré 866 – Capital Federal
Localidades $ 30 (descuentos estudiantes y jubilados) Reservas: 4862 5439
Dirección y Puesta en Escena: Sebastián Blanco Leis
Adaptación y Dramaturgia: Sebastián Blanco Leis
Traducción: Mariana Esnoz / Lucas Bucci.
Elenco: Eduardo Véliz, Mariana Esnoz, Fabricio Mercado, Estefanía Camacci, Jerónimo Freixas, Pablo Tur, Jorge Booth, Alfredo Sánchez, Alejandro Velasco, Marisa Napitello, Majo Carnero.
www.laultimacenateatro.blogspot.com
 
Actores en Video: Sofía Cremieux, Silvia Di Palma, José Luis Santos, Diego Blanco
Diseño de Escenografía  y Vestuario: Florencia Del Gener y Mariana Del Gener
Diseño de Iluminación: Magalí Acha
Diseño de sonido: Pablo Sala
Asistencia de dirección: Juliana Rojas
Estrategia de Comunicación: Gaby Mambretti
Producción ejecutiva: Mariano Rios
Producción: Grupo KAIROS
 

 

"El Pliegue," alegoria neo-barroca en el Teatro IFT de Buenos Aires

         Ver ocho mujeres moverse como espectros sonámbulos entre telas y flores de todos los colores del arco iris, escuchar por los parlantes "La Ave María," oír una actriz decir como sermón "no soy nada...no soy nada...no sé quién soy..." es una experiencia teatral única, una propuesta basada en un profundo vuelo poético. Es lo que sucede los viernes en el teatro IFT, con la presentación del espectáculo "El Pliegue," concebido y dirigido por Susana Herrero Markov. 

       Markov explica: “El Pliegue o Filosofía para Princesas , viene desde el barroco a degradarse...Desde la madriguera incestuosa de La Casa de Bernarda Alba, despliega una alucinación sin fín, traiciona sus sentidos, estrella sus asuntos. Desplaza toda su signatura hacia la imaginería de los cuentos de hadas, para gobernar en la belleza del efecto, en la corrupción de la extravagancia. De clase B... se propaga, y arraiga en el mundo Chejov, y como una supuración, deshace su acontecer, en elíptico cruce con visiones proféticas , según el Antiguo Testamento.
Indiscernible, expande su veneno.
Inconsecuente...estafa.” 

      Es un espectáculo desplegado por todo el escenario, siempre, con acciones en cada rincón, ahora en el sofá central, ahora sobre los senderos alfombrados, luego se traslada encima de pequeños tablones; el espectador gira su atención según su propio gusto, se queda fascinado con las escenas congeladas en poses fotográficas...Si la mente del espectador busca la razón de las cosas, se quedará (felizmente) confundido al escuchar discursos y diálogos de Chejov a Lorca, pasando por Pessoa, sin el hilo conductor común de una obra convencional.

     "El Pliegue"  se desarrolla en un ambiente onírico de suaves y ondulantes telas de todos los tonos, con el respaldo de un intenso soporte músical de temas clásicos. Si bien los cuerpos de las actrices avanzan desconsoladamente sobre los espacios, los personajes viven esporadicamente momentos eléctricos y humorísticos, exaltados de repente por esperanzas efímeras. Ante todo es una experiencia visual y sonora,  de variada lectura, una invitación a un vuelo de ensueño. 

Funciones: Viernes 21.30  

Entradas: $25
Teatro IFT (Boulogne Sur Mer 549)
Reservas: 4961-9562 // 4962-9420
 
Ficha Técnica
Actrices: Danae Cisneros, Noelia Larrasolo, Susana Herrero Markov, Grace Maldonado, Lorena Pérez, Noelia Sansone, Mariana Suarez, Florencia Velázquez.
Diseño de luces y sonido: Tomás Viola.
Fotografía: Delfina Margulis Darriba, Nahuel Alonso, Mónica Soria, Mario Guzmán Cerdio
Video: Valentín Herrero.
Asistencia de dirección: Javier Molinas.
Asistencia instalación altares: Fabián Sani
 Producción: Il pliegue Logística y Alejandro Barratelli
Diseño gráfico: Diego Ramirez 
Prensa: Blablabla – Difusión de espectáculos
Producción Artística: il Pliegue Logística Producción
Director asistente: Tomás Viola.
Concepto y Dirección: Susana Herrero Markov
-Auspician Omar Viola y el Parakultural-Melina Alfaro

"Yo, Olga Orozco," espectáculo poético en el teatro El Excéntrico de Buenos Aires

     Tomar las poesías de Olga Orozco, dejarlas entrar en la sangre, en las venas, en los huesos, en el corazón; suspirarlas, escupirlas, gorjearlas, gritarlas, tragarlas enteras, entregarte a ellas, dejarte llevar por ellas…es lo que propone el director Silvio Lang en el espectáculo “Yo, Olga Orozco,” y es lo que ponen la actriz Ana Yovino y el actor Walter Romero en el escenario del teatro El Excentríco en la ciudad de Buenos Aires. Los escritores tienen sus temas, sus obsesiones y Olga, nacida en La Pampa, y fallecida hace 10 años, gira en su poesía en torno a dos temas principales, que ella pudo expresar con una gran intensidad dramática: la muerte y la soledad. Por eso hay una fuerte teatralidad en sus versos.Además del uso del versículo, Olga desplegó una imaginación visionaria, suntuosa de figuras, al servicio de otras temas constantes: la evocación idealizada del paisaje nativo (la llanura pampeana), la infancia en tanto paraíso perdido, la adolescencia como edad de los descubrimientos, la memoria como tesoro poético donde el tiempo puede recuperarse y solventar las asechanzas de la muerte.

  Su obsesión con la muerte pide atención en líneas como éstas:

 

"Yo, Olga Orozco, desde tu corazón digo a todos que muero.
Amé la soledad, la heroica perduración de toda fe,
el ocio donde crecen animales extraños y plantas fabulosas,
la sombra de un gran tiempo que pasó entre misterios y entre alucinaciones,
y también el pequeño temblor de las bujías en el anochecer.
Mi historia está en mis manos y en las manos con que otros las tatuaron..."

     Las imágenes convocadas por Orozco son tan fuertes que provocan el compromiso del cuerpo y del alma. Por eso la propuesta de la directora que exige unir la voz, el cuerpo y el alma de los actores. Pero hay otros elementos que completan la puesta, pues el escenario se transforma en una especie de misa poética electrónica, con la reproducción de la voz grabada de Orozco leyendo su poesía. La refracción electrónica de su voz se enlaza además a través de la música en vivo de Gerardo Morel y la utilización de iluminación precisa y circular sobre los cuerpos dramáticamente energetizados de los actores. Surge entonces un espectáculo que en realidad se acerca a una ceremonia sonora, de palabras, cuerpos e imágenes.

 

Funciones:      sábados a las 21 horas en El Excentríco de la 18, Lerma 420.

Reservas:       4772-6093. http://www.coolgaorozco.blogspot.com

"Lame Vulva," un ejercicio de poder en la Ratonera Cultural de Buenos Aires

        Tal vez convenga comenzar esta nota con las palabras de Martín Marcou, director y dramaturgo: “Esta obra me parte de cuajo. Me replica. Es peligrosa. Pendenciera. Violenta. Obstinada e Imperfecta.” Después entra más a fondo en el tema: “Lame vulva es un ejercicio de poder donde divago, me pierdo, reflexiono y ordeno elementos de mi posesión intelectu al siempre insatisfecha.”

        Desde el primer momento de la obra, una feroz cachetada de Luz (Checha Amorosi) a su pareja (Javier Rosón) establece un código raro, una mujer rabiosa y sobresaltada, de mirada penetrante sin atenuantes que domina a Horacio con todas las peores actitudes del machista más irrecuperable, en una especie de mundo al revés. Aquí el tema va mucho más allá de la violencia doméstica; es el disfrute insano que surge a través del ejercicio del poder, la aberración del poder, la ausencia de afecto, la dominación como punto de partida de las relaciones humanas, la violencia por la violencia misma.

 

            El público porteño entiende que el mensaje es más profundo que las continúas cachetadas de la mujer a su hombre, que detrás de la extrema violencia verbal subyace un vacio compartido que puede ser soportado únicamente mediante la risa. Es que obra vuela sobre una zona no muy fácil de definir, entre el realismo más crudo y un humor negro que a veces se acera al absurdo. Un trío perfecto: una mujer que no soporta su esposo débil, (más jofaina que Homer Simpson) un hombre que siquiera reacciona ante el peor maltrato, la suegra joven y hasta sensual (Pucchi Laboronnie), que termina llevando Horacio por las narices frente al desdén clorhídrico de Luz.

 

            El desastre es inminente, siempre: llega como el estallido de un volcán, con un lenguaje cáustico, mordaz y adrenalínico; tétrico, patético y vencido (Horacio); mediante un planteo teatral que intenta generar un pensamiento crítico en el espectador. Pero más allá del ambiente estrictamente familiar del conflicto, hay algunas pinceladas que despiertan irónicamente la existencia de un mundo real fuera del pobrerío del departamento de la pareja. Horacio pregunta a Luz si está conforme con el plato de fideos que preparó para la visita de la suegra. Ella reacciona violentamente, como si Horacio no se diera cuenta de la cantidad de hambrientos que deambulan sin rumbo en el mundo.

 

            Los actores componen notablemente sus personajes, especialmente Checha Amorosi. El vestuario, el espacio opaco del Teatro Crudo, los objetos escénicos, los recursos lumínicos y hasta la banda sonora agregan elementos dignos que complementan la puesta.

Viernes - 22:30 hs-

Entrada: $ 20,00 / Descuento $15
LA RATONERA CULTURAL- Av. Corrientes 5552 Reservas: 4857-2193
TEATRO CRUDO http://www.teatrocrudo.blogspot.com/

http://www.lamevulva.blogspot.com

"Nada de díos," poesía en el escenario del Teatro del Artefacto de Buenos Aires

    La poesía es una forma de expresión artística que sobrevive en las entrañas y en la mente, capaz de reirse de las formas que ella misma establece. Se remota hasta el alba de la existencia humana, aparece en nuestras canciones, en nuestros sueños, en nuestros momentos creativos, acompañada de gran emoción, de meditación profunda, y, en el escenario, puede perforar los estereotipos más arraigados. Llevar la poesía al escenario es sin embargo un desafío fuerte y un riesgo, porque exige actores dedicados y entrenados y una concepción escénica libre de prejuicios. Es lo que propone Silvia Lang en el espectáculo "Nada de Díos," que se presenta los viernes en el Teatro del Artefaco de Buenos Aires.

    Concebido como un homenaje a la poeta popular uruguaya Idea Vilariño, el espectáculo busca salir de los cuerpos semi desnudos de los actores, en un espacio intencionalmente desprevisto de todo menos los pobres trapos de los artistas, con la reproducción de versos como éstas:

Uno vive

con los muertos

que están ahí

con los sufrientes vive

y con los despojados

y con los presos

vive

 libertad

      Silvia Lang propone ante todo una investigación en el escenario a partir de los versos de Vilariño y los cuerpos tonificados de los actores. La poesía de Vilariño (1920-2009) vive en las calles, los dormitorios, los tamarindos de las playas; las jóvenes generaciones se recitan mutuamente sus poemas desde la publicación de "Poemas de amor" en 1950, dedicado al escritor Juan Carlos Onetti. Participó de la fundación de la coalición de izquierda Frente Amplio. Dedicó su vida a la enseñanza de la literatura, a la crítica y a los estudios literarios (Conocimiento de Darío, Los salmos, El tango, son algunas de sus publicaciones). Fundó y escribió para revistas literarias legendarias como Número; semanarios como Marcha;  es una premiada traductora en lengua castellana de las obras de Williams Shakespeare y sus poemas han sido musicalizados y cantados por Los Olimareños, Alfredo Zitarrosa y Daniel Viglietti, entre otros. Otros de sus libros de poemas son La suplicante (1945), Paraíso perdido (1949), Por aire sucio (1951), Nocturnos (1955), Pobre Mundo (1966), No (1980). Su obra poética abarca desde el amor hasta la política. 

   Lang, nacida en Santa Rosa (La Pampa) en 1979, se dedica a la investigación y docencia de las artes escénicas. Ha puesto en escena obras de Griselda Gambaro (La señora Macbeth), Jean Racine (Berenice), Marguerite Duras (La música), Eurípides (Las troyanas), Tennesse Williams (Lo que no se dice), Yukio Mishima (Lady Aoi), Daniel Veronese (Cámara Gesell y Formas de hablar de las madres…). Incursionó en la dramaturgia con su obra Tango Nómade, con  letras de tangos para cancionistas mujeres. Tiempo después llevo a escena una nouvelle, Kadish, de Graciela Safranchik; cuentos de Juan José Sena en El deseo de la Petra Polanco; los relatos de Alejandro Urdapilleta en La intemperie. Actualmente desarrolla su dramaturgia literaria con las obras “Yo, Olga Orozco”, con poemas de Olga Orozco, y “Nada de Dios”, con poemas de Idea Vilariño.

   En las palabras de la directora, "Nada de Dios es un poema teatral abierto del azar del encuentro amoroso y el uso feliz del cuerpo.En Nada de Dios tal como acontece en toda relación que cualquiera pone en juego no hay guión preestablecido. Los actores y actrices ejecutan la obra cada vez por única vez. No representan sino que re-materializan la escena. Experimentan: ponen en riesgo todo su cuerpo sintiente y pensante. Se con-mueven y re-suenan con la palabra poética de Idea Vilariño (1920-2009), poeta popular uruguaya. En la apertura de esta escena el presente inesperado de cada encuentro que se sustrae al destino de cualquier dios toca un poema y hace sonar los cuerpos. El decir de cada poema es el clamor de este surgimiento entre-los-cuerpos. Los cuerpos se organizan y despliegan por una lógica relacional de la com-pasión. El poema es un “residuo cantable” de un proceso en el terreno concreto de la vida; una elocuencia en el colmo de la experiencia. En este mundo de los cuerpos elocuentes y concretos, nada de Dios."

      No obstante, es conveniente que el espectador de "Nada de Díos" haga su propia pequeña investigación acerca de la obra de Idea Vilariño antes de entrar en la sala, para poder apreciar mejor lo que sucede en el escenario. Exige gran concentración y atención a los diversos mensajes disparados desde la palabra y desde los cuerpos de los actores. El trabajo físico agrega un mensaje interesante al contenido poético, pero opinamos que una iluminación más creativa podría profundizar la lectura de las acciones escénicas.

Funciones: viernes 21hs.

Teatro del ArteFacto: Sarandí 760

Entradas $25 (descuentos estudiantes y jubilados) - Reservas: 4308-3353

www.nadadedios.blogspot.com

 

Actúan:

Laura Agorreca, Cecilia Cósero, Martín Ruiz, Luis Moreno Zamorano, Esteban Fuenzalida, Rodolfo Opazo.

Ficha técnica:

Entrenamiento físico / Asistencia de dirección: ALINA FOLINI

Iluminación: JOSÉ JERÓNIMO

Fotografía: JUAN GASPARINI

Vestuario: MERCEDES COLOMBO

Diseño de imagen: VALENTINA MORISOLI

Asistencia técnica: GABRIEL BERGONZI

Producción: LETICIA HERNANDO

Funciones: Viernes 21 horas, Teatro del Artefacto, Sarandí 760.

 

 

"Amarás esta voz," radioteatro de Alberto Migré en el Espacio Teatral Del Borde de Buenos Aires

Contra lo que muchas personas pueden opinar, el estilo melodramático es un género sumamente exigente. Exige de los actores una combinación de frescura y profundización. Es lo que sucede en "Amarás esta voz," una adaptación del radioteatro "El 0597 da ocupado," de Alberto Migré, que se presenta los sábados en el Espacio Teatral Del Borde de San Telmo, Buenos Aires. En un espacio adornado apenas con un sofá, el conmutador de la telefonista, y un piano con pianista en el fondo, la obra despierta y conmueve la imaginación del espectador, algo que sucedía con las obras que Migré llevó a la radio con inmensos éxitos en épocas pasadas.

"El 0597 da ocupado" se estrenó en 1955 en Radio El Mundo protagonizada por Hilda Bernard y Fernando Siro, y trascendió los límites nacionales. Luego, en 1990 Migré realizó en Argentina una versión que tituló "Una voz en el teléfono" que, llevado a la televisión, fue un hito de la época. La histora transcurre alrededor de los años 50, en una gran ciudad y sus alrededores. Julia Edith se encuentra reclusa en el presidio de mujeres. Gracias a su buena conducta, es premiada para atender el conmutador de la cárcel. Un error en las comunicaciones le pone en contacto con el abogado Andrés Soler. De ese contacto telefónico nace un amor imborrable, un amor por la voz, por lo que cada uno imaginaba del otro. 

A pesar de su relación con su novia, Sandra, Andrés queda totalmente fascinado por la enigmática voz que llama a su teléfono incansablemente, a pesar de negar cualquier acercamiento personal. En el presidio Julia Edith confía la aventura a su amiga Norah, sin reparar en que ésta, al salir en libertad, ocupará su lugar ante Andrés a fuerza de engaños. A punto de perder su única felicidad, la Navidad traerá para Julia Edith un final inesperado. 

   Sobre textos de Alberto Migre

   Adaptación: Anahí Pankonin

   Versión escénica: Uki Cappellari, Inés Echavarría

Funciones: Sábados 18.30hs

Del Borde Espacio Teatral: Chile 630 – San Telmo - www.delborde.com.ar

Entrada Gral: $ 25  (descuento estudiantes y jubilados $ 20).

Reservas: 4300-6201

Actúan: Camila Courtalon, Manuel Martínez Sobrado, Anahí Pankonin, Luciano Valle, Gisela Durando
Música original en vivo: Patricia Pankonin

"Amapola: ¿cómo puedes tu vivir tan sola?" melodrama musical en el Foro Gandhi de Buenos Aires

Entrar en el vestuario de cuatro actrices antes de un espectáculo es una experiencia única y fascinante, ya que la realidad de cada artista es a la vez única y fascinante. Es lo que propone “Amapola: ¿cómo puedes tu vivir tan sola?” una especie de melodrama musical que se presenta en el Foro Gandhi con la dirección general de Ricardo Racconto. Lo que hace desfachatada la situación es que una de actrices en realidad es la terapeuta de las otras y plantea una especia de “terapia liberadora” en el descanso entre las diversas funciones del elenco. Entonces aparecen las traiciones, los secretos, las mentiras, las pasiones, los celos, la soledad y demás trastornos de los artistas (Vanina Ramírez, Sabrina Lara, Carolina Pofcher y Gimena Racconto. Amapola, la canción de L.M. Lacalle, tan bien recreada en la voz de Andrea Bocelli, sirve como leit motiv del espectáculo.

 

Además de bucear en el estilo melodramático (matizado por fascinantes ropajes, baile y canto) el espectáculo las pone durante las salidas del vestuario al escenario como experimentadas miembros de un musical. Pero debajo se oculta otra historia: la de un hombre golpeador y seductor que recoge lo que siembra, pues sus huesos recortados, empaquetados en la valija de su mujer actriz, salen al escenario como si fuera otro actor…

 

Diseño de escenografía y vestuario: Ricardo Racconto, realización de pistas, leo Gaspari, Realización de vestuario, Ricardo Racconto, diseño gráfico, Sabrina Lara, fotografía, Claudia Ayora.

 

Funciones: sábados 2130 horas,

Foro Gandhi, Corrientes 1743.

Reservas: 4371-8373.

e-mail: [e-mail]

Web:   http://www.amapolateatro.blogspot.com