Espectáculos (Shows)

"La ausencia," versión teatral de "La Orestíada" de Esquilo en el teatro Puerta Roja de Buenos Aires

    En la versión de "La Orestíada" de Esquilo, del director Adrián Canale, las acciones son disparadas por las imágenes del fotógrafo Gustavo Germano, sobre casos de personas que ya no están, víctimas de la violencia política,  un intento de establecer un nexo entre la lucha de los años ’70 en Argentina y la historia contada por el autor griego. Si bien el espectáculo tiene varias lecturas, convendría volver a los textos del autor griego y a las imágenes de Germano antes de pedir la entrada en el teatro Puerta Roja de Buenos Aires.

   La historia narra la vuelta de Agamenón de una batalla y su posterior asesinato llevado a cabo por su mujer Clitenmestra, en venganza por la muerte de su hija Ifigenia. Este asesinato planeado en complicidad con Egisto, desata una ola de venganzas y muertes, que continua con la de Casandra. Luego, con la llegada de Orestes que vuelve del exilio, se produce el asesinato de Egisto y Clitenmestra sellando un círculo de sangre familiar que queda en tensión y sin resolverse, configurando un panorama que remite a la violenta historia argentina.

   Es una tragedia, con asesinatos crueles sin mucha contemplación en las justificaciones, una super abundancia de la soberbia del poder y del héroe, aunque en realidad todos son héroes y ninguno es héroe, el futuro marcha con su propia dinámica hacia su destino más allá de los llantos y gritos desesperados de los seres humanos.

   La puesta incorpora en su lenguaje expresivo un escenario casi desnudo (salvo una mesa blanca rodeada de alrededor de 40 botellas llenas de un misterioso liquido azul) y acciones corporales acrobácticas (por ejemplo, tirarse contra la pared a toda velocidad), relacionadas con el encierro, la frustración y el círculo vicioso de la violencia. El espectáculo de Adrián Canale intenta replantear, rescatar  y actualizar del teatro de Equilo, tarea sumamente exigente y por momentos muy bien logrado.

   El fotógrafo Germano, radicado en España, regresó luego de 30 años acompañad con su cámara a los familiares y amigos a los mismos lugares en que fueron tomadas aquellas fotografías originales para, en similares condiciones, volver a hacerlas: ahora con la heriente presencia de la ausencia del ser querido.

   En algunas escenas del espectáculo se ve muy claramente la influencia de las ausencias, pues las ausencias siempre dan lugar a preguntas incómodas: ¿Por qué? ¿Qué pasó? ¿Por qué se fue? ¿Por qué tuvieron que irse? ¿Volverá? ¿Volverá? ¿Volverá a ser igual que antes? ¿Durante la ausencia qué cambió?

Dramaturia y dirección: Adrián Canale, Iluminación, Florencia Carboni/ Adrián Canale; música original de Marcelo Subiotto;

Casandra, Yanina Manocero;  Clitenmestra, Ximena Viscarret; Agamenón, Sergio Di Florio; Electra,Valeria Castro; Egisto, Silvio Palmucci; Orestes, Federico González Bethencourt; coro: Camilia Palacios.

  "AUSENCIA," domingos, 19 horas, Puerta Roja, Lavalle 3636. Localidades $25 pesos. Reservas: 4867 4689.

http://puerta-roja.blogspot.com

 

  

 

"Del aceite a la cacerola," una forma de contar la historia argentina con una carcajada

     No es fácil contar la historia argentina en algo más de una hora, sin quedar en frases hechas o sin lastimar los sentidos del espectador. Es algo que muchos autores de teatro han intentado, no siempre con éxito. Lo asombroso de la puesta de Patricia Corsanego de  "Del aceite a la cacerola" que se presenta en reestreno en el teatro Andamio 90 de Buenos Aires es la actuación sobresaliente de Carlos Duramona, Roberto Cortizo Petraglia (autor de la obra) y Mariano Falcón, más los recursos técnicos mediante un video que transmita sobre una pantalla en el fondo del escenario secuencias y rostros de la historia--como se sabe, repleta de situaciones complejas, intrigas, cambios abruptos, celos, desafíos y sensaciones encontradas.

     Según La compañía de teatro juglares, encargada de la puesta, "la propuesta consiste en contar la historia argentina desde una cocina que bien podría ser la del fuerte de Buenos Aires ante las invasiones inglesas, la del Cabildo o la de la Casa Rosada según pasen los años. En esta están aptrpados tres personajes idiológicamente enfrentados, que mientras cocinan son testigos de los cambios y sucesiones políticas, al tiempo que las comidas y los gustos irán variando según el gobernante de turno. Nosotros queremos jugar pensando en el té de las cinco durante las invasiones inglesas, el paté de foi de Liniers, el puchero de Yrigoyen, la pizza con champán, el sushi, el cordero patagónico, etc. "

   La acción está en manos de un trío: dos cocineras (en realidad, hombres) y un militar, siempre con hambre. Las dos cocineras representan dos polos claramente diferencidos: una que siempre se adapta al que sube--excepto cuando sea populista, "negro" o peronista--y otra que aplaude todos los progresos pero siempre ve sus sueños frustrados (hasta el final, un incógnito). La cocina se ubica convenientemente en el subsuelo.

   Cabe destacar el fino trabajo expresivo, el recurso de la pausa justa, las miradas, el chillido histérico, cierta complicidad con el público y el uso a la vez estética y funcional del espacio. La puesta consiste en una mesa cubierta de verduras y utensillos de cocina; detrás la pantalla donde se proyectan las secuencias históricas muy bien escogidas-

   El espectáculo pierde algo de ritmo hacia el final, tal vez debido a la cercanía con los hechos más recientes de la historia argentina--aunque también hay momentos de gran emoción para el público argentina, el retorno de Juan Domingo Perón, durante la dictadura militar, las Madres de Plaza de Mayo exigiendo la aparición con vida de sus familiares secuestrados... 

   Sería bueno acercar el espectáculo a estudiantes y en efecto se ha realizado un convenio con la Dirección Nacional de Políticas Socioeducativas del Ministerio de la Nación a cargo del Licenciado Jaime Perczyk, para que los alumnos del interior del país que visitaran por primera vez la ciudad a partir de enero presencien el espectáculo, y ha sido solicitado por la Secretario de Educación del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires para realizar funciones a los alumnos secundarios que están en su colonia de verano durante el mes de Febrero.

Las funciones:

Jueves a las 19:30 horas y Viernes a las 20:30 horas

Teatro Andamio 90, Paraná 660, Ciudad de Buenos Aires.

  

El peronismo según el Laboratorio Teatro Muscari

Habrás escuchado que hay un tiempo para amar, otro para morir, otro para reír. En realidad para reír, en general, tenemos que poner tiempo y distancia entre nosotros y los hechos trágicos para reconstruirlos tiempo después con la risa. Dice Nietzsche: "No sólo con la cólera, sino con la risa se mata. ¡Adelante! ¡Mate­mos el espíritu de la pesadez."  Pero cuando se trata de algo tan "serio," como el pasado reciente, o en Argentina, el movimiento peronista, ahora en el gobierno, la tarea de hacer reír se enreda bastante. No para José María Muscari que montó "El Peronismo" en el Centro Cultural Rojas de Buenos Aires. El director participa en su propio espectáculo con la risa de un quien goza de un chiste bien contado.

"Laboratorio Teatro es mi debut en el Rojas," dice el director, "y lo vivo contento. Es extraño, pero nunca antes había sido convocado, ni pensado para un espacio de experimentación como éste. Aún estoy sorprendido y feliz."

Cuarto temas, en cuatro semanas y cuatro funciones, (del 8 al 29 de octubre) eso es lo que ha logrado Muscari en el CCR. LaboratorioMuscari es una especie de happening, un show con contenido social, una revista freak de actualidad comprometida, una saga de libre asociación poética y metafórica...también es un pretexto para que Muscari y sus actores y personajes se junten a ensayar al estilo under...Bien. Lo que nos llamó especialmente la atención fue la última, "El Peronismo," pues no es fácil tomar un tema con tantos ecos sociales y culturales y proponer la risa como una forma de aceramiento a su esencia.

Muscari, luego de haber escrito y dirigido más de 25 espectáculos, tanto en los circuitos off y comercial, sabe cómo armar sus obras de acuerdo a los gustos de los espectadores. El CCR es un lugar donde uno puede experimentar sin tener que explicar el por qué. Entonces, no extraña que parte del humor de "El Peronismo" se debe a la puesta no-convencional.

Los espectadores se ubican en el escenario, junto a los actores y frente a una pantalla gigante en la cual aparecen escenas conocidas que cualquier argentino ha visto, sobre la secuela sinfin de situaciones sociales sin resolución. Luego toman el micrófano los actores sentados delante de la pantalla y hacen lectura de textos peronistas, especialmente los de Eva Perón, los más conocidos, también los textos escolares en los cuales la pareja oficial aparece como la paradigma del amor y lealtad. Lecturas bien hechas pero con caras de otro lugar. Hay varias Evitas, incluso un hombre (bastante parecido a Evita). Y un militante que quita los pantalones hasta quedar con la insignia peronista sobre sus partes íntimas, los cuales a continuación muestra orgullosamente...

Al final los actores y el director se marchan del escenario para posar para la cámara, cada uno con pose típico de su personaje, con los dedos alzados en "V" o con la mano de Evita pidiendo caridad...

Más información sobre las actividades de Mascari en http://poraldedramturgos.com.ar/josemariamuscari

 

Ellen Wolf: "In my play, 'Elsa,' what happens is recorded for future generations-"

A very playful cat is at our feet, purring and glancing at us as if it were rehearsing, as if it knew that this interview is about acting. "She gets especially tender in winter," says Ellen, with a wholesome laugh. The reporter laughs and then goes straight to the point.
"So you are the actress Ellen Wolf?"
"That’s right."
"Wolf, not dog!"
"Wolf."

English is like that, a language filled with puns. And Ellen speaks it perfectly, although German was her native tongue.

"You`re looking quite pink for your 80 some...exactly how old are you, if I may ask?"
"I’ll be 82 in December."
"I don’t suppose you’ve been acting for that long!"
"No...actually I started acting in English. It must have been about ten years ago. Funny...but a great experience. I remember once during a class I had to go on stage and do something without talking. No words! Imagine! You can act without words, I thought1"
"As if you were a child..."
"When I was a small child I loved to ’act.’ Maybe that’s why I like it so much now! "
"You never studied acting at school?"
"Not really. I mean at high school there was supposed to be a Christmas play and they wanted me to play an angel. Imagine: me an angel! In a white dress and all! Can you imagine that? I was afraid to tell people that I was going to be an angle in a play, so I just never told them...and I didn’t..well, that was my childhood acting experience, although I did do a bit of singing. Never on stage, though. Furthermore, I became alergic to smoke and at that time smoking was the thing."
"So a long time went by before you took up acting."
"Yes. I don’t know how old I was exactly, must have been 10 or 15 years ago, in English. The first thing I did was a short play by Harold Pinter, called "Trouble in the Works." Then I did other things in English until 2000, when I took a course offered by the Royal Academy of Dramatic Art. I was a bit hesitant about attending, but somebody said: "go ahead!" so I made up my mind and there I was amid all of these English speakers and they suggested I do something more professional than a Saturday workshop in English. That’s how I ended up doing theater in Spanish, a play by Jean Anouilh!"
"Do you find it more difficult to act in English or in Spanish?"
"I don’t know because I don’t act in English anymore, but to tell you the truth I never thought I could do so in Spanish, I mean, that I could play a typical Argentine, me with my German accent! I’d love to act in German, and, in fact, the play I am now doing, Elsa, is based on an interview I had with with a German journalist, about what happened to one of my daughters during the 1976 Dictatorship. That was the raw material for the script. At one point it seemed we were going to do the play in Europe but we ended up doing it in Spanish, here in Buenos Aires. The journalist showed the interview she did with me to a playwrite and that’s how the script was born--in Spanish.It was produced by the Goethe Institute."
"So would you say that "Elsa" is an example of what is called ’biodrama’?"
"Actually, there is a bit of confusion concerning that term. Biodrama is the staging of what happens to people in real life. In Elsa what happens is recorded for future generations, so it is more like a fantasy based on my experience: what happens on stage is not what really happened but about what happened in putting the play together."
"You mean that reality was but the starting point?"
"You might say that."
"The use of video on the stage is an interesting innovation because when you see the actors on the screen a different dimension seems to appear."
"Well, I couldn’t say much about that because I can’t see myself acting, much less on the screen...At first I found it difficult to look straight at the camera because I learned in casting that you aren’t supposed to do that!"
"Is it true that there is an ongoing interest in Germany concerning subjects related to repression and fascism?"
"That’s true but it is curious because I feel that here in Argentina people seem to be loosing interest in what happened under the dictatorship. Anyway, our play brings an optimistic note into the question. From the artistic point of view the danger is to do something too journalistic. Art projects in another direction. We were very fortunate because our director is not only great but she knows how to make actors have fun even when the subject is as tragic as it is in Elsa."
"It looks like theater has gotten into your blood."
"It sure has! People often ask me how I feel acting out my own tragic experience and I answer them saying, ’feel? I’m acting!’ In another play I did, the "Coleman Family," I was dying all the time. But you know what? I had great fun listening to the other actors talk about my death! Maybe I am less afraid of dying than most people or maybe it is just because I have come to understand what acting is about."
"Perhaps the creativity in acting constitutes an ongoing learning experience."
"That’s right. But you sometimes get the feeling that you can’t learn too much from real life because you can’t play with reality."
"Do you strictly follow a script in ’Elsa?’"
"Yes, there is a script but I sometimes change a few words. The thing is that it is based on a translation from German and there are some expressions which I don’t feel comfortable with so I sometimes substitute one word for another. I liked the original German very much. For me something was lost in the translation. When I first saw it I thought: this is horrible! But then I got used to it.

Las funciones de Elsa: Sábados 21 horas, Espacio Callejon, Humacuaca 3759. Reservas: (54011) 4862 1167.

Contactos:

[e-mail]

Te: (54011) 4803 7304

ELSA, el arte de contar en el escenario la historia de una hija desaparecida

"Elsa" es una historia de una madre, la actriz Ellen Wolf, que desde el escenario cuenta la detención de su hija, en 1977, durante la dictadura militar en Argentina. Tres miembros de la familia--la madre de la desaparecida, su nieto, hijo de la misma, y otra de sus hijas, (Gaby Ferrero y Javier Lorenzo) buscan recuperar la memoria de los trágicos sucesos mediante grabaciones, filmaciones y relatos--algunos posteriores del secuestro de Violeta--en una puesta de gran rigor estético. El guión fue elaborado por J.M. Berger en base a conversaciones con Wolf, y el espectáculo cuenta con la hábil dirección de Carolina Adamovsky y la cooperación dramatúrgica de Armin Petras.

La obra, que cuenta con el apoyo del Goethe Institut y la colaboración del teatro berlinés Maxim Gorki, resalta el proceso de recuparación de la memoria sobre hechos terribles pero el relato se mantiene en el nivel casi periodístico y de esa manera evita la tentación a la excesiva dramaticación de hechos de dolor todavía no resueltos por la sociedad argentina. En rigor, el espectáculo se encuadra dentro de lo que se ha identificado como "biodrama," en este caso con semejanzas con el género policial, ya que los datos se van develando poco a poco.

De todas maneras, la puesta encuentra un truco teatro de gran utilidad: los integrantes de la familia hablan entre sí sobre los hechos, registran su propia historia para enviarla en el tiempo al futuro, con la intención de guardarla como lección para las futuras generaciones. La familia recuerda en un espacio común, pero cada uno reacciona de modo diferente: por ejemplo, el nieto pasa el tiempo registrando, la hija se obsesiona en saber más sobre lo ocurrido.

El espectáculo investiga de alguna manera algo estraño, porque el pasado supone recordar pero al recordar los recuerdos quedan tamizados por el paso del tiempo, y allí aparecen versiones que dan nuevos matices a hechos que anteriormente se entendían desde otra perspectiva.

Elsa: Sábados, 21 horas, Espacio Callejón, Humahuaca 3759. Te: (54011) 4862 1167. http://www.elsateatro.blogspot.com

 

 

Norman Briski directs Eduardo Pavlovsky in "Solo Brumas," nothing but mist.

Not too many laughs were heard during last Friday’s performance of Argentine actor, director, playwrite and pyscho-drama reseacher Eduardo Pavlovsky’s "Solo Brumas." The irony was perhaps too heavy, the characters too robot-like, the message too buried in the mist, the subliminal text too dense, the air too charged with a sort of collective feeling of guilt. Those mute witnesses of Argentina’s underbelly, the dead babies, pushed mechanically on stage, pronounced dead as one might a fallen leaf, certainly were the ghost protagonists. To clear up any doubt on that point, the program includes a news article of June 9, 2008 (Crítica) which mentions an official norm under which babies born with a weight of under 500 grams are described as dead.

The three lead characters--Pavlovsky, Susi Evans and Mirta Bogdasarian--move about and exchange morbid notions of life, love and aching bones and their actions are decidely without any particular significance. As if to say their lives are meaningless, as if to say society has lost its heart, as if to say that we somehow have lost the ability to communicate with one another. In a final moment of dense emotion Pavlovsky seems to turn into a teacher-preacher-monk-linguist and admonishes us on the need to throw out our old useless language and invent a new one.

Would a new language help us cease being socially blind to things such as the death of infants, who could be saved if men and women and the society in which they live had an ounce or too of good old fashioned social consciousness?

Those readers who happen to be in Buenos Aires might want to drop by the Centro Cultural de la Cooperación, Avenida Corrientes 1543, where the show is on stage Friday’s at 9 p.m. Phone: [phone]  web: http://centrocultural.coop

 

Teatro: "Terror y miseria en el primero franquismo" de José Sanchis Sinisterra

Fiel a su concepción del hecho teatral, la puesta en escena de "Terror y miseria en el primero franquismo"  presenta los actores como los protagonistas únicos: al comienzo de la obra están sentados en sillas contra una de las paredes del escenario, casi como si fueran parte del público.

 El título de la obra parafrasea la obra de Bertolda Brecht, "Terror y miseria del Tercer Reich," pero pone el énfasis en un humor más bien ácido.

Como Brecht, Sinisterra realiza en una serie de escenas un friso de una dictadura, la de Franco en España, a través de situaciones cotidianas que sin embargo apuntan a detalles dolorosos tales como la derrota de la resistencia, la propaganda, el hambre, la represión de los vencidos, el exilio exterior y interior...la religión.

El texto, a menudo poético, intercambia el sainete, la farsa, el absurdo, las escenas simultáneas, el realismo o la comedia burguesa.

El espectáculo es presentado por el Centro Latinoamericano de Creación e investigación teatral, en su nueva sede en Buenos Aires, Moreno 431, con la dirección de Claudia Quiroga, Teresita Galimany y Carlos Ianni. El espectáculo ha sido galardonada con el Premio Nacional de Literatura Dramática, otorgado por el Ministerio de Cultura de España.

CELCIT: 54011   43421026  e-mail: [e-mail]   Web: http://celcit.org.ar

 

 

Tuco y Sebastián, los espejos y una nueva puesta de "El Acompañamiento" de Carlos Gorostiza

Poco antes de la caída de la peor dictadura en la historia argentina, actores, dramaturgos y directores intentaban, a través de la escritura y puesta en escena de espectáculos representados en "Teatro Abierto," sembrar semillas de libertad. Una de las más destacadas obras del ciclo surgió de la pluma de Carlos Gorostiza: "El acompañamiento," un himno a la libertad a partir de dos personajes que luchan con sus frustraciones, soledad, recriminaciones, miedos, inseguridades y ganas de ser reconocidos como seres dignos.

 

Pedro Kochdilián, actor de oficio, tomó la obra a principio de año y, mediante arduos ensayos con Alejandro Sacchetti (Tuco) y Jorge Booth (Sebastián), armó una nueva puesta, probando con éxito la experiencia de dejar los ropajes de actor para asumir el no menos exigente rol de director, en una puesta que visitó el teatro Roma, en Avallaneda, el 5 y 2 de julio.

 

"Ahora vamos a organizar una gira por centros de jubilados," dice Kochdilián, "y luego volver al teatro Roma en septiembre.”

 

La obra de Gorostiza invita a la reflexión y al mismo tiempo propone un replanteo continúo de los actores sobre sus personajes, el significado de sus acciones y los siempre cambiantes vínculos del destino.

 

No sabemos si Gorostiza se inspiró en “Esperando Godot” de Becket, una obra que marcó el desosiego de pos-guerra en Europa. Pero aquí también dos personajes parecen encerrados en sus frustraciones, en sus añoranzas y en sus deseos por una libertad que asoma afuera de la ventana, fuera de la siempre cerrada puerta, casi como un fantasma, casi como un espejo.

 

Tuco trabaja en una metalúrgica. ¿Podemos entender hoy cómo era trabajar en una fábrica durante la dictadura militar, cuando militantes fueron secuestrados por bandas para-miliares? Cuando la autocensura hacía estragos con cualquier tipo de expresión no sumisa? Es un pregunta que Kochdilián formuló durante los ensayos.

 

Tuco decide renunciar a su trabajo para dedicarse al canto de tango. Claro, la música lleva una vibración de liberación al alma. Pero lo que canta Tuco es el tango: a la vez una auténtica expresión nacional y una inmersión en la nostalgia más profunda. Tiene oficio Tuco, sueños de grandeza, pero se encierra en el altillo de su casa, aislado por completo de su familia, del mundo, de la represión que azota el país, esperando el acompañamiento musical prometido por Mingo, un ex compañero de fábrica. Quiere triunfar, ser reconocido, lucir en la televisión; pero en realidad el miedo le tiene atado pies y manos.

 

La familia recurre al mejor amigo de Tuco--Sebastián--para quebrar su aislamiento. Aquí la acción dramática investiga con densidad y honda ironía la relación entre los dos hombres. Hay una sugerencia finalmente sobre lo absurdo e irreal del deseo frustrado de Tuco, cuando convence a Sebastián a acompañarlo en la guitarra. El amigo no sabe tocarla, pero hace como si supiera y todo termina feliz pero sin solución.

 

El desafío de la obra es encontrar el ritmo adecuado entre dos personajes que suben y bajan en intensidad, se enojan, indagan sobre la filosofía de la soledad y operan como un espejo cubierto de humo.

 

Es una situación muy teatral: es decir, el encierro, las ansias de libertad, la frustración, las roces personales, la duda, la necesidad de subir el autoestima…y se ha logrado en gran medida en la puesta de Koochdilián. Queda pendiente seguir investigando las miradas, los silencios, los gestos, los tonos, porque una obra de teatro ha de ser siempre recreada.

      

 

Sube "El Acompañamiento" al escenario del teatro Roma en Avellaneda

   Sábado, 12 de julio. ¿Qué hacer? ¿Un asado con la familia? Una caminata por la calle Corrientes? ¿Un cine? ¿Teatro? Una buena propuesta, cruzando apenas el puente que une la la Ciudad de Buenos Aires con la provincia, te espera en el teatro Roma: "El acompañamiento," espectáculo teatral dirigido por Pedro Kochdilian.

La cita: 21 horas, Teatro Roma, Avellaneda, Sarmiento 109. Reservas: 4205-9647

Más información: e-mail: [e-mail]

 

"El Fulgor Argentino," ¡Con más de 100 actores en escena!

    "El Fulgor Argentino Club Social y Deportivo de la Boca abre sus puertas para los grandes bailes de los carnavales de 1930."---¿eh? El golpe militar que derroca a Irigoyen interrumpe los festejos...¿eh? ¿Qué?

     Se trata de una puesta del Galpón Catalinas, un teatro barrial en La Boca, Argentina, que festeja su 25° aniversario  con una insólita visión del país a partir de los bailes y cantos en un club social reflejando los avatares de la historia argentina, entre golpes y golpes, la llegada de inmigrantes...

     Los asistentes se mueven al compás de los diferentes ritmos bailables que "según pasan los años" va interrpretando la orquestra. Pero todo cambia, la moda, la ropa, los ritmos, la política, los hábitos...El baile se interrumpe y se vuelve a iniciar según la historia lo permita. Están los golpes militares, General Videla, la lucha por la democracia, en fin, la historia sigue hasta...el año 2030-

Funciones los sábados a las 22 horas ($20), Benito Pérez Galdós 93, La Boca- Dirección: Adhemar Bianchi y Ricardo Talento.

                                                                              teléfono: 4300 5705

                                                                              e-mail: [e-mail]

                                                                                           http://catalinasur.com.ar

 

Segunda temporada de "Pedro y el Caspitán"

Este sábado a las 21 hs. en Riobamba 359, Buenos Aires, se presenta la segunda temporada de "Pedro y el Capitán, " un espectáculo basado en la obra de MarioBenedetti, con dirección de Mónica Bongiovanni, con Antonio Bax y Matias Gonzalez Bongiovanni, asitencia, escen./ilum./vest. de Rupert Brocher.

Benedetti describió su obra como "el diálogo de dos hombres." Ellos son Pedro y el Capitán, torturado y torturador; el torturador psicológico vendrá a sacarle información a Pedro, durante su cautiverio. La lucha de Pedro, las variaciones que asuma el poder, las consecuencias que la relación deja en ambos hombres...un espacio asfixiante...los claros y dolorosos recuerdos de las dictaduras de los años ’70 en Uruguay, Argentina y América Latina...
 

 

"Pedro y el Capitán," obra teatral de Mario Benedetti, en la sala Liberate de Buenos Aires

      Dirigida por Mónica Bongiovanni, con Antonio Bax y Matías Gonzalez Bongiovanni, la obra "Pedro y el Capitán" de Mario Benedetti se presenta los viernes a las 20:30 horas en la Sala Liberarte, Corrientes 1555, Ciudad de Buenos Aires.

     El tema fue pensado inicialmente por Benedetti como una novela, incluso le había puesto de título "El Cepo," como una "...larga conversación entre un torturado y su torturador." En su formato escénico se destaca el alto contenido poético del texto y la no presencia de la tortura física en el escenario, de tal forma que el espectador retiene suficiente libertad como para juzgar el proceso de degradación del ser humano--eje central de la obra.

No es un enfrentamiento entre un mostruo y un santo. Contriamente, indaga sobre las zonas vulnerables y la resistencia de los dos hombres, sobre la distancia entre los dos marcado fundamentalmente por la ideologia. Dos procesos se cruzan: Pedro no sólo es una víctima indefensa; a la vez es un hombre que con su silencio vence al poder de su torturador, emplea su negativa para fabricarse sus propias defensas.

       La verdadera tensión dramática en realidad surge del conflicto que tiene el Capitán, su imposibilidad de arrancar de Pedro una confesión.

        Dice el actor Matías Gonzales Bongiovanni, sobre la obra:

 

       "En este momento estoy con una hermosa obra en cartel, del gran escritor Uruguayo Mario Benedetti. La misma se llama “Pedro y el Capitán”; básicamente son diálogos entre un torturado y su torturador, no el torturador físico sino psicológico, obviamente alude a este periodo nefasto para nuestra historia que fue la dictadura y en ella los desaparecidos. Realmente es una gran obra (no podía ser menos dado el autor), llevada de manera exquisita a escena por Mónica Bongiovanni, en una puesta sutil, casi mágica, bella por estética y plástica, que lleva directamente a la auto reflexión del espectador, principal necesidad del tema, hacernos cargo donde estuvimos y que hicimos, que rasgos tengo yo de ambos personajes; logra ese distanciamiento necesario para hacerlo. Es una obra importantísima a nivel cultural y social. Creo que está obra y puesta, merece ser vista y reflexionada. Ya que no solo su tema aún sigue vivo (Julio López, los juicios no terminados, es nuestra historia reciente) y merece que como sociedad nos “hagamos cargo”, para empezar a superarlo. Sino también  por la puesta lograda por la directora, que es de una gran sutileza, una hermosura plástica, realmente no tiene grietas, y muy por el contrario lleva la obra a un estadio superior. Acompañado por el enorme trabajo y seriedad puesta en ello, de las actuaciones."

        

       Contactos:  Cell: 15 5011 8641  /  4757 1359                          e-mail: [e-mail] 

"Death and the Maiden:" Latinamerica comes to Princeton

      At first glance a play about human rights abuse in an unnamed Latinamerican country doesn't seem to be an appealing subject for theatre goers in the protected and prosperous enclave of Princeton. Yet Ariel Dorfman's "Death and the Maiden," received hearty applause when presented December 7,8,13 and 15 at the Lewis Center for the Arts.

      A senior thesis production directed by Alex Ripp, the performance was tecnically well done but left an understandably large gap in view of the distance between the clean and tranquil air of a middle to upper class U.S. college town and the sordid reality of dictatorship, torture, repression and psychological twisting in a far-away underdeveloped country.

      An actor "gets into the skin" of his or her character by diverse techniques, including what is referred to as "emotional memory." What kind of emotional memory could a youthful blond and blue eyed Glenn Brown conjure up to play Gerardo Escobar, a lawyer concerned about human rights and also his own reputation? How could Dominique Salerno as Escobar's wife, Paulina, imagine having been picked up and subject to multiple rape by a special forces squad? How could the young Dan Kublick picture his character, Roberto Miranda, a doctor who participates in torture sessions?

     In view of such a difficult to bridge gap of experiencial knowledge, the actors and director did an admirable job. Acting is a unique art which attempts to bridge gaps of this sort to reveal the naked human being in all of his frailty.

     One likewise must wonder at how the audience could come to terms with the conflicts, circumstances and shadowy zig-zags suggested in the script. Middle class America has for decades proudly declared its faith in democracy and its aversion to dictatorship. What does it know about the feel of things under strong handed regimes? Has it a notion of the process by which dictatorships come to power? The causes and interests that lead to gross violations of the most basic human rights?

    Dorfman's play is situated in what could have been any number of dictatorships in Latinamerica during the 1970's--when anti-communist regimes received more than the applause of Washington: numerous military men were trained in counter-insurgency techniques which included the rough handed treatment of persons detained under suspicion of leftist or revolutionary sympathies.

     However, reducing any situation to black and white necessarily obscures and distorts the more dialectical underlying reality.

     In Dorfman's play Dr. Miranda is presented as the apparent "bad guy." Paulina is convinced that he raped her while she was kidnapped, and so when he appears by chance in the Escobar's home she ties him up and demands he confess his guilt. 

     Everything would appear to indicate that he in fact is to blame for the blatant abuses Paulina accuses him of. Yet Dorfman, a writer with a clear notion of how to thread the yarn of dramatic conflict, sheds his story with a cloud of doubt--a cloud that also covers real life situations.

     At a certain point in the relationship between torturer and the tortured a certain ambiguity appears. Except in the case of extra-ordinary individuals, most people double up under torture and end up confessing what their torturers demand. That is why many question the "efficiency" of torture as a method of questioning. Under certain circumstances also a sort of symbiosis appears between the two parts of the equation.

     That would appear to be the director's intention in the dramatically effective conclusion of the play when he puts Escobar and Paulina. in front of an audience to denounce the crimes committed by Miranda: Perched on a high balcony, the doctor exchanges suggestive glances with Escobar's wife. 

Sube al escenario porteño "Cuando me afeito," un espectáculo de Carlos Pais, una comedia divertida y grotesca, los viernes en el teatro de Flores.

Tres actores,en la piel de tres personajes--Sergio Colaiacovo, Valeria Blanco y Carolina Del Valle--recorren los grandes temas del matrimonio y la rutina en una experiencia cercana al delirio.

Viernes de octubre y noviembre a las 21:30 horas, en el teatro de Flores, Rivera Indarte 129. Entrada: $10 pesos (Julilados $7)
Reservas: 4611-4803
e-mail: [e-mail]
Web: http://www.cuandomeafeito.blogspot.com

A Friday in Buenos Aires grabbing your seat at "Recuerdo de Arroyo Malo"

     You`re a bit uptight when you see a comfortable but clearly overweight rat nibbling sensually at the garbage bag where a beggar has just dug out something to eat.

    La rata te mira con ojos melancólicos y te dice: ¿y vos...qué?

    You feel a bit down at the frankly aggressive attitude of the little beast, so you turn the corner and advance along a cobbled street that might have grunted a hundred years ago under the pounding of horse's hooves.

     La puerta en Balcarce 998 está apenas abierta, y al espiar hacia adentro podés identificar una hermosa rubia. A lo mejor, después del encuentro con la rata, la suerte puede ofrecer algo más noble.

     You're entering a theatre, "La Carbonera," a groovie independent style place in one of the oldest streets in Buenos Aires. Your thirst for culture suddenly dries your mouth.

     "¿Qué tal la obra, 'Recuerdo de Arroyo Malo?"

    "Great! A little bit of suspense...you'll love it!" Her voice is soft and filled with conviction, so...why not try...seeing the play?

     En el escenario una casa sin terminar, como en las villas, y una sensación rara, como sí algo insólito iba a suceder.

     The lights go out. You settle back in your seat. Your scant knowledge of Spanish blends in perfectly with the plot, which seems to dash here and there with paranoic fury. Nevertheless, it gathers you in its arms and takes you along. The two actors, Pablo Ruiz and Santiago Traverso, seemed engaged in an enless quarrel, sometimes a bit more than that--for example, when one clubs the other to death. And then everything seems to start all over again. One seems to have had a bit of success in life, the other as wacky as a cat in heat. They are actors and they are characters and you never seem to know when they are talking about theatre, when about life.

      Tienen oficio Pablo y Santiago, especialmente en los momentos más críticos. Lástima que otras veces sus voces casi desaparecen...¡aja! ¡Ellos son los autores de la obra, junto al director, Eduardo Peaguda!

       This city is really filled with secrets, you think, as you wander back to your hostel. Who would have imagined that a rat would have been the cause for your going to see a play about the thin line separating theatre from real life?

      Contactos:  "La Carbonera," Balcarce 998. Reservas: 4362-2651. Funciones: viernes 21:00 horas.

En "Lilibeth" alteraciones inesperadas cuestionan el sentido de la realidad

        Una mujer, otra,  alteregos inflamados, un policia, un hombre que pretende lograr inútilmente lo que otros desean obtener en sus relaciones con mujeres, un universo femenino único que escapa la lógica del otro sexo, de repente el crimen, el caos, un humor tan seco que parece terror, un erotismo reprimido, en fin, una especia de thriller de suspenso policial que transita los limites de lo real y avanza hacia el absuro...son los ejes que subyacen en "Lilibeth," que se estrenó el viernes pasado en La Tertulia, Gallo 826.

        Escrita, dirigida y actuada por Karina Androvich, Jorge Diez, Verónica Alegre y Ernesto Martínez Correa, el espectáculo ha recibido el primer premio del VI Concurso de Obras de Teatro del Instituto Nacional del Teatro 2005. Diseño de luces: Victor Daniel Carreira; Escenografía y vestuario: Carlos Barros

Fotografía: Sonia Mazzera; Diseño gráfico: Eduardo Grilli; Música: Ariel Sánchez; Prensa: Verónica Alegre

Asistencia de dirección: Ernesto Martinez Correa.

      Karina Androvich es actriz, titiritera, dramatura y directora. Egreso de la Escuela Nacional de Arte Dramático “Cunill Cabanellas”. Fue dirigida por Enrique Federman; Julio Baccaro; Martín Pavlovsky; Carlos Rivas; Jorge Diez; etc. Realizo seminario de dirección con Ricardo Bartis. Y cursos de dramaturgia con Bernardo Cappa y Patricia Zangaro. Tiene una larga trayectoria en el ámbito teatral.

Contactos:

Teléfono: 15 57 69 20 15

E-mail:     [e-mail]

                [e-mail]

Web:        www.metroflog.com/lilibeth

     "Según la tradición hebrea, hubo una primera mujer llamada Lilith, que fue expulsada del Edén y quedó vagando en los umbrales. Y después vino Eva. Los secretos de este percance fueron ocultados, solo hay una pequeña mención de Lilith en la Biblia (Is, 34, 14).

      Inducida por una sensualidad irrefrenable, Lilibeth ha creado un aparato que detona las pulsiones eróticas de las personas. Sucumbiendo a los hombres en una secreta pasión que está determinada a erradicar...

      La versión teatral,  "Lilibeth," de Karina Androvich, se presenta los viernes en el teatro "La Tertulia," Gallo 826, en el barrio porteño del Abasto.

Coral Raíces en la Manzana de las Luces

Coral Raíces, un destacado grupo coral dirigido por Ana Lío, con un repertorio amplio e indo-americano, presentará el 19 de octubre a las 20 horas un concierto en la Manzana de las Luces, Perú 294

Cuerpos de mujer en punto de ebullición...

      Esos cuerpos de mujer, rosaditos, casi desnudos, llenos de poesía, de vida, bailan sobre el escenario como si fueron máscaras griegas, generando una extraña energía que surge entre pausas, ritmos lentos y movimientos suaves y sostenidos.

       Ha comenzado otra función de “A punto de ebullición,” un espectáculo de Árnica danza teatro, que se presenta los viernes a las 20:30 horas en el Teatro del Sur, Venezuela 2255, Buenos Aires,interpretado por Florencia Martínez, Victoria Latini, Mariana Hernández, Ana González y Mabel Dai Chee Chang, con textos de Alejandra Pizanik.

        “El sexo a flor de corazón. La vía del éxtasis entre las piernas. Las verdaderas fiestas ocurren en el cuerpo y en los sueños,” anuncia la voz de la actriz, con voz que parece surgir de las cavernas más profundas.

       En todo caso el placer femenino a flor de piel, porque los únicos hombres son los que miran con el aliento en la garganta desde las butacas, intentando en vano poner en orden sus fantasías. 

       Cabe decirlo: “Ebullición” siembra un efecto en el espectador según la configuración genital de cada uno.

       Cuando cuatro mujeres dejan caer sus polleras sobre la parte superior de sus cuerpos, para bailar sobre manos y pies, cuando sus generosos pechos emergen entre las frutas y verduras frescas puestas sobre la mesa, cuando boca-abajo giran sus caderas sobre las mesas al son de pausas y ritmos contenidos, ya no hay lugar para planteos mentales.

     Aquí el argumento comienza y termina con el cuerpo, con sus impresionantes capacidades expresivas, con el único fin de gozar. Ante semejante carga corporal, los crocantes textos de Pizanik parecen convertirse casi en relatos de simple aderezo.

Funciones: viernes 20:30 horas.

Reservas:Teatro del Sur: Venezuela 2255  Tel:  [phone] 

e-mail: [e-mail]